Si te estás iniciando en la música electrónica, tienes un vasto mundo por explorar. Con innumerables plug-ins, sintetizadores y una gama de estilos de producción en constante evolución, las posibilidades de la música electrónica son casi infinitas.

Por supuesto, la propia abundancia de recursos que hace que la música electrónica sea tan variada también puede hacer que resulte algo desalentadora para los principiantes a la hora de adentrarse en ella. Por dónde empezar cuando hay un universo de vídeos en YouTube, artículos y cursos en línea sobre el tema?

Por eso estamos aquí. En esta guía, vamos a desglosar los aspectos esenciales de la creación de música electrónica, desde los fundamentos de la síntesis hasta el laberinto del software y el hardware de producción. Tanto si quieres producir techno para la pista de baile como paisajes sonoros ambientales o cualquier cosa intermedia, te ofrezco una serie de ideas y consejos que espero te inspiren para perfeccionar tus habilidades.

¿Qué es la música electrónica?

La música electrónica, en su sentido más amplio, va mucho más allá del ámbito de un género típico. Es realmente un método que ha cambiado por completo nuestra forma de crear y consumir música.

A diferencia de la música orgánica, que se basa en los sonidos naturales de instrumentos acústicos como guitarras, cuerdas, pianos y batería y percusión en directo, la música electrónica suele componerse de sonidos y texturas sintetizados.

Su núcleo son los sintetizadores analógicos y otros instrumentos electrónicos, como los órganos eléctricos y las cajas de ritmos, que han ido ganando popularidad a lo largo de las décadas.

Por supuesto, la música electrónica actual ha evolucionado desde el uso de los mandos táctiles y los sistemas electrónicos de cables y circuitos del antiguo hardware analógico hasta las elegantes interfaces de los ordenadores y los instrumentos digitales de software.

La mayoría de los productores de música electrónica recurren en gran medida a los ordenadores, aprovechando los DAW y su infinita paleta de sonidos y efectos. Me gusta pensar en este cambio como la democratización de la producción musical, ya que la hizo accesible a cualquiera que tuviera un ordenador y ganas de crear.

Aunque al principio la música electrónica era un movimiento underground (recordemos el nacimiento de la música house en Chicago a finales de los 70 o la introducción del Krautrock en Alemania a finales de los 60, un subgénero del rock experimental que utilizaba sintetizadores, secuenciadores y bucles de cinta), ahora ha penetrado en la cultura dominante, influyendo en todo, desde el pop hasta el hip-hop.

Resulta fascinante ver cuántos productores contemporáneos de música electrónica incorporan elementos acústicos a sus temas, como Bonobo, Tycho y Four Tet. Se trata de una nueva fusión que crea un sonido rico y texturizado para rendir homenaje al pasado sin dejar de innovar.

La producción de música electrónica es un paraguas tan amplio que resulta difícil resumirlo en una sola definición (tendría que escribir un libro entero si no quisiera omitir algunos de los detalles más importantes). Sin embargo, si quieres convertirte en productor de música electrónica, creo que hay buenos puntos de partida para orientarte.

Software y herramientas imprescindibles

A medida que te adentras en la creación de música electrónica, hay una serie de herramientas que querrás adquirir por el camino. Cada equipo de esta lista desempeña un papel único en el proceso de producción, desde la DAW, que es el corazón de tu estudio digital, hasta los sintetizadores de hardware y las cajas de ritmos, que dan a tu sonido una huella digital única.

Profundicemos un poco más en cómo cada una de estas herramientas puede elevar tu producción de música electrónica.

Estación de trabajo de audio digital (DAW)

La estación de trabajo de audio digital (DAW ) es el núcleo de la configuración de todo productor de música electrónica.

Tu DAW va a ser tu herramienta principal. Es el eje central donde todas tus ideas creativas cobran vida. Con una DAW puedes grabar, editar, mezclar y masterizar tu música. Básicamente, dispones de un entorno completo para crear música electrónica como te plazca.

Ahora bien, aunque cada productor tiene su DAW favorito, he llegado a la conclusión de que hay algunos que simplemente son mejores que otros para hacer música electrónica, entre ellos:

• Ableton Live: Soy un gran fan de Ableton Live desde hace una década, sobre todo por su intuitiva vista de sesión. También es uno de los favoritos de muchos productores de música electrónica por sus actuaciones en directo y su capacidad de secuenciación MIDI.
• FL Studio: Con su interfaz fácil de usar y su potente secuenciación basada en patrones, FL Studio es otro de los pesos pesados para los productores de música electrónica que quieren empezar con una enorme variedad de sintetizadores y efectos incorporados.
• Logic Pro: Logic Pro de Apple es otra de las suites de producción más completas y, como la mayoría de los productos de Apple, es elegante y fácil de usar. Además, cuenta con una amplia biblioteca de sonidos y loops para empezar.
• Propellerhead Reason: Con su rack virtual de calidad de sintetizadores, samplers y efectos que pueden interconectarse de infinitas maneras, Reason ofrece lo que podría ser el enfoque más singular y experimental de la producción musical.

Cada DAW aporta algo único, pero a la hora de decidir cuál se adapta mejor a tus necesidades, es algo totalmente subjetivo. Te recomiendo que las pruebes todas para ver cuál se integra mejor en tu flujo de trabajo.

Bibliotecas de sonidos y paquetes de muestras

Después tenemos las bibliotecas de sonidos y los paquetes de muestras, que son los componentes básicos de la música electrónica. Si buscas loops de batería crujientes, sintetizadores abrasadores o una voz de R&B de la vieja escuela que puedas trocear y remezclar, es importante que tengas acceso a estos recursos.

En los últimos años, me he convertido en un gran fan de Splice (al igual que muchos otros productores de música electrónica). Gracias a su modelo de suscripción, obtienes créditos que puedes canjear por una amplia colección de samples y loops de todos los géneros.

Si te gusta descargar packs completos, te recomiendo que eches un vistazo a Loopmasters. También ofrecen una amplia gama de packs de alta calidad de varios géneros, desde muestras de cajas de ritmos vintage hasta sintetizadores contemporáneos.

Sería negligente si no mencionara también Native Instruments Komplete. Aunque no es un paquete de muestras en sí, Komplete ofrece una biblioteca interminable de instrumentos, efectos y sonidos, que son geniales para la producción musical en general.

Si quieres utilizar tus bibliotecas de sonidos y paquetes de muestras en tu DAW, necesitarás algún tipo de herramienta que te permita reproducirlos o manipularlos de distintas formas (estiramiento del tiempo, cambio de tono, etc.) Por suerte, la mayoría de los DAW incorporan samplers y cajas de ritmos para este fin.

Por ejemplo, tanto el Sampler como el Drum Rack de Ableton Live ofrecen potentes funciones de muestreo y creación de ritmos, así como amplias opciones de modulación y edición.

Si estás en Logic Pro, puedes utilizar el Quick Sampler, que es ideal para importar y reproducir una gran variedad de formatos de muestra. También viene con edición y personalización bastante detalladas.

Por supuesto, también hay opciones de terceros, como Kontakt de NI, que tiene un sampler profundamente personalizable, así como una enorme biblioteca de sonidos y expansiones de terceros, o Serato Sample, que facilita el muestreo de música de una variedad de fuentes, y el uso de herramientas rápidas de corte, estiramiento del tiempo y cambio de tono.

Plugins e instrumentos virtuales

Esta es la parte divertida.

Los plug-ins y los instrumentos virtuales son componentes clave en el proceso de producción de música electrónica. Es un agujero negro en el que puedes pasarte la vida explorando, ya que existen miles de plug-ins de efectos y VST diferentes. Yo diría que lo mejor que puedes hacer ahora mismo es hacerte con unos cuantos de distintas categorías y conocerlos lo mejor que puedas.

He aquí algunos tipos a los que hay que prestar atención:

• Plugins de sintetizador: Genera sonidos electrónicos mediante síntesis (como con un sintetizador analógico), ideal para crear leads, bajos, pads, etc. únicos.
• Plugins de efectos: Mejora o altera los sonidos con efectos como ecualizador, compresión, reverberación, retardo, distorsión, modulación y mucho más.
• Plugins de sampler: Reproduce o manipula grabaciones digitales o muestras.
• Plugins de caja de ritmos: Emula cajas de ritmos o samplers, ideales para tocar o sacar ritmos y compases.
• Plugins secuenciadores: Ideales para arreglar y secuenciar música. Suelen incluir funciones avanzadas de creación de patrones y bucles.

Como ya he dicho, podrías pasarte décadas explorando plug-ins e instrumentos virtuales de distintos desarrolladores, y lo que podría ser un VST imprescindible para un productor de música electrónica podría ser un fracaso para otro. Depende de ti investigar y encontrar los que más te convengan. Incluso puedes explorar sitios como Equipboard para averiguar qué utilizan tus artistas favoritos.

Sin embargo, ya que estás aquí, te daré algunas de mis recomendaciones favoritas que utilizo en la mayoría de mis pistas, empezando por los plugins de efectos:

• FabFilter Pro-Q 3: No hay mezcla que se precie sin este ecualizador increíblemente versátil y fácil de usar de FabFilter. Es ideal para la ecualización quirúrgica y dinámica y cuenta con una bonita interfaz que ofrece una visión general del espectro de frecuencias.
• Valhalla VintageVerb: Probablemente el plugin de reverberación que más utilizo, sobre todo cuando quiero reverberaciones exuberantes de inspiración vintage para añadir profundidad y espacio a cualquier pista.
• Soundtoys EchoBoy: No se me ocurre un plugin de retardo más versátil. Ofrece un conjunto de efectos de retardo ricos y con sonido analógico lo suficientemente diverso como para adaptarse a todos los géneros de la música electrónica.
• iZotope Ozone: Para la masterización, Ozone incluye todo lo necesario para un acabado pulido y de sonido profesional, desde ecualización y compresión hasta imagen estéreo y limitación.
• LFOTool de Xfer Records: Si tengo una pista que necesita movimiento, a menudo recurro a la herramienta LFO de Xfer Records, que proporciona una forma sencilla de añadir efectos de trémolo, auto-pan, trance-gate, simulación de compresor de cadena lateral y tambaleo tipo dubstep con el mínimo esfuerzo.
• FabFilter Saturn 2: Otro de mis plugins FabFilter favoritos, Saturn 2 tiene una amplia gama de efectos de distorsión, saturación y modelado de amplificadores, ideal para cuando tus pistas necesitan calidez o arenilla.

En cuanto a instrumentos virtuales, aquí tienes algunos que te recomiendo, sobre todo si buscas versatilidad por encima de todo:

• Xfer Records Serum: Este sintetizador de tabla de ondas, uno de los mejores instrumentos de software para la producción de música electrónica, ofrece algunas de las capacidades de diseño de sonido más flexibles y de mayor calidad del mercado.
• Native Instruments Massive X: Massive se convirtió en un elemento básico en la producción de música electrónica cuando el dubstep llegó a la escena, y NI empujó el sobre aún más con Massive X. Es un go-to cuando necesito bajos profundos y potentes y conduce.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 podría ser uno de los instrumentos de software más versátiles del mercado, con su enorme biblioteca de sonidos e infinitos estilos de síntesis. Keyscape es igual de revolucionario para pianos y teclados modelados.
• Native Instruments Battery 4: Mi principal sampler de batería y percusión en estos días es Battery 4. No sólo tiene una enorme biblioteca de kits y muestras para todo tipo de géneros de música electrónica, sino que también ofrece capacidades de edición profunda y fácil reproducción cuando subes tus propias muestras.
• Arturia V Collection: Sintetizadores y teclados vintage modelados con precisión es el nombre del juego con Arturia. Si no tienes acceso a hardware analógico, esta colección es perfecta para añadir tonos clásicos a tus pistas.
• Spitfire Audio LABS: Hace poco empecé a explorar LABS y me encanta cada lanzamiento que sacan. Es una serie cada vez mayor de instrumentos gratuitos de alta calidad que van desde cuerdas hasta voces y sonidos experimentales, perfectos para añadir texturas únicas a tu música.

A medida que sigas creando música electrónica, te enamorarás y desenamorarás de ciertos plugins e instrumentos virtuales, aunque te animo a que sigas explorando y te mantengas al día de los nuevos lanzamientos, ya que siempre hay algo emocionante en el horizonte.

Teclado o controlador MIDI

MIDI, siglas de "Musical Instrument Digital Interface", es el lenguaje de la música electrónica.

Es una norma técnica que permite a los instrumentos musicales electrónicos, ordenadores y otros equipos comunicarse, controlarse y sincronizarse entre sí. Nosotros lo utilizamos para que los distintos equipos de música digital interactúen entre sí. Consulta nuestra guía MIDI para obtener más información sobre su funcionamiento.

Ahora bien, aunque puedes dibujar notas MIDI en tu DAW utilizando el ratón o el teclado del ordenador, disponer de un teclado o controlador MIDI supone una experiencia mucho más táctil y expresiva. Con un teclado o controlador, puedes tocar melodías, ritmos de batería y controlar sintetizadores dentro de tu DAW en tiempo real, lo que te proporciona una respuesta inmediata y una forma más intuitiva de producir música electrónica.

Para mí, tener una pieza de hardware que puedo utilizar para crear música devuelve el toque humano al proceso digital.

Te recomiendo que eches un vistazo a algunos teclados y controladores MIDI que se adaptan a distintas necesidades y presupuestos:

• Akai MPK Mini MkIII: Si lo que buscas es compacto y asequible, este controlador es perfecto. El precio es asequible para los principiantes y la interfaz de 25 miniteclas es ideal para los que tienen poco espacio en el estudio. Además, dispone de pads y botones asignables para una mayor versatilidad.
• Serie Launchkey de Novation: Aunque se diseñó con Ableton Live, la serie Launchkey puede funcionar con cualquier DAW. Ofrece teclas de tamaño completo, pads, perillas y faders para controlar todos los aspectos de la producción de música electrónica.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential consigue un buen equilibrio entre prestaciones y asequibilidad, y es perfecto para integrarlo con la colección de instrumentos de software de Arturia. El teclado tiene un tacto estupendo y dispone de un montón de controles DAW para que la experiencia sea más práctica.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Si utilizas a menudo el software de Native Instruments, no hay mejor opción para la integración. Los teclados S-Series ofrecen teclados de alta calidad con aftertouch, así como uno de los sistemas de navegación y control de parámetros más intuitivos del mercado.
• ROLI Seaboard Block: Este teclado es la oveja negra del mercado de los controladores MIDI, aunque si desea explorar más allá de la interpretación tradicional con teclado, la expresiva superficie de interpretación del Seaboard captura las cinco dimensiones del tacto de una forma que ningún otro teclado ha igualado.

De nuevo, estos son sólo algunos de mis favoritos, aunque hay muchos otros teclados y controladores MIDI que aportan algo único, tanto si priorizas la portabilidad y la asequibilidad como la versatilidad y la integración profunda de software.

Si es posible, pruebe diferentes y vea cuál se adapta mejor a su flujo de trabajo.

Drum Machines y Samplers

Aunque no creo que las cajas de ritmos y los samplers sean "imprescindibles" para producir música electrónica hoy en día, es importante reconocerlos, ya que han sido la columna vertebral de la producción de música electrónica desde sus inicios.

La historia de estos instrumentos es muy larga, y muchos de sus modelos icónicos marcaron el sonido de géneros enteros. Por ejemplo, la Roland TR-808, que salió al mercado a principios de los 80, se convirtió en sinónimo de hip-hop. Escuche "Planet Rock" de Afrika Bambaataa y podrá oír uno de los primeros ejemplos del ascenso al estrellato de esta caja de ritmos.

Del mismo modo, el Akai MPC, que era un combo de sampler y secuenciador, revolucionó la forma en que los productores hacían ritmos. J Dilla es uno de los mejores ejemplos de beatmaker legendario que cambió la forma de hacer música electrónica utilizando el MPC.

Lo bueno de utilizar cajas de ritmos y samplers de hardware en lugar de sus homólogos virtuales es que se obtiene la experiencia táctil y el sonido analógico. Yo, como muchos otros productores, encuentro mucho más inspiradora la interacción física con mandos, pads y faders.

Además, las características sonoras únicas y las limitaciones del hardware pueden estimular la creatividad en el momento. Por supuesto, también está el aspecto de la actuación en directo, y no hay duda de que el hardware hace que el set sea más fiable y visualmente más atractivo.

Aunque sin duda deberías fijarte en lo que usan algunos de tus artistas y productores favoritos para empezar a crear tu colección, aquí tienes algunas de mis cajas de ritmos y samplers favoritos que suelo recomendar a los demás:

• Roland TR-8S: Si eres como la mayoría de los productores y no tienes miles de dólares para gastarte en una TR-08 original, te recomiendo que eches un vistazo a la TR-8S. Este lanzamiento relativamente reciente de Roland ofrece sonidos de batería clásicos de la serie TR con funciones de reproducción de muestras, lo que lo convierte en una herramienta versátil para actuaciones en directo y trabajos de estudio.
• Elektron Digitakt: Para el productor en movimiento, esta caja de ritmos y sampler compacta es una de mis opciones favoritas. Cuenta con potentes funciones de secuenciación y montones de herramientas de diseño de sonido integradas.
• Akai MPC Live II: Para un flujo de trabajo MPC legendario y flexibilidad autónoma, gracias a sus altavoces integrados y batería recargable, el MPC Live II es ideal para la producción sobre la marcha.
• Korg Volca Sample: Este asequible y compacto secuenciador de muestras es perfecto para principiantes, ya que proporciona toneladas de potencia de interpretación hepática y tiene montones de funciones y opciones de conectividad para crear grooves en tiempo real.
• Dave Smith Instruments Tempest: Aunque ha tenido su parte justa de controversia a lo largo de los años, esta caja de ritmos colaborativa de Dave Smith y Roger Linn es una de mis opciones favoritas para conseguir ese potente sonido de caja de ritmos analógica.

El hardware está volviendo con fuerza, por lo que cualquiera que esté aprendiendo a producir música electrónica debería explorar también este lado de la caja de herramientas. Aunque no dispongas de un gran presupuesto, hay muchas opciones.

Interfaz de audio

Puedes aprender a producir música electrónica sólo con tu portátil, pero si quieres tomarte en serio la producción de música electrónica y crear un puente entre los instrumentos, los micrófonos y el ordenador, necesitarás una interfaz de audio.

En resumen, una interfaz de audio convierte las señales analógicas en datos de audio digitales que tu DAW puede procesar y viceversa. Más allá de la conversión, una interfaz de audio también puede mejorar significativamente la calidad de sonido de tus grabaciones en comparación con las entradas y salidas de audio integradas de la mayoría de los ordenadores, así como proporcionar funciones esenciales como preamplificadores de micrófono, monitorización directa para una grabación sin latencia y múltiples entradas y salidas para conectar varias fuentes de audio y equipos externos.

Hay interfaces de audio de todas las formas y tamaños, pero si no sabes por dónde empezar, aquí tienes algunas opciones para distintos presupuestos:

• Presupuesto asequible :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3ª generación): Una de las mejores recomendaciones para principiantes que quieren una interfaz con preamplificadores de alta calidad y una construcción duradera.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Una opción muy asequible que proporciona todo lo básico necesario para iniciarse en la grabación doméstica.
• Gama media :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Impecable calidad de audio y procesamiento UAD en tiempo real, perfecto si quieres mejorar tu producción.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Ofrece un buen equilibrio entre prestaciones y precio, con múltiples entradas/salidas y baja latencia.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Conocido por su fiabilidad, excepcional calidad de audio y baja latencia, adecuado para pequeños estudios profesionales.
  • Apollo x4 de Universal Audio: Con cuatro preamplificadores Unison, procesamiento UAD-2 Quad Core y conversión superior, obtendrá lo mejor del hardware UAD.

La interfaz de audio adecuada para ti dependerá de tus necesidades específicas.

Si grabas varios micrófonos a la vez, por ejemplo, es necesario disponer de numerosas entradas y salidas. Sin embargo, si te desplazas con frecuencia, la portabilidad puede ser el principal argumento de venta. En cualquier caso, invertir en una interfaz de audio es imprescindible si quieres mejorar la calidad de tu música.

Auriculares o monitores de estudio

Cuando empieces a crear tu propia música, necesitarás algo para escucharla.

Una de las primeras cosas que tendrás que decidir es si invertir en auriculares o en monitores de estudio. Cada uno sirve para un propósito único en el proceso de producción musical y, en realidad, tener ambos es la mejor opción.

Los monitores de estudio proporcionan una representación más precisa del sonido dentro de una sala, lo que le permite comprender cómo se traducirá su música en entornos reales. También ofrecen una perspectiva espacial y dimensional de la mezcla, ayudándote a tomar decisiones informadas sobre panoramización, profundidad e imagen estéreo.

Los auriculares, en cambio, ofrecen detalle y aislamiento. Son ideales para identificar matices sutiles en una mezcla que podrían pasarse por alto en los altavoces, como ruidos de bajo nivel o chasquidos y detonaciones. Los auriculares también son fundamentales para las sesiones nocturnas o si trabajas en espacios sin tratar en los que no puedes monitorizar con precisión a través de los altavoces.

Disponer de ambas herramientas es enormemente beneficioso, ya que puede ayudarte a ver cómo suena tu mezcla en distintos entornos de escucha, para que sepas que tu música suena muy bien en una amplia gama de sistemas de reproducción.

He aquí algunas de mis recomendaciones para cada uno de ellos:

Recomendaciones sobre auriculares:

• Presupuesto: Audio-Technica ATH-M40x - Excelente calidad de sonido y durabilidad a un precio asequible.
• Gama media: Beyerdynamic DT 770 PRO - Conocidos por su sonido detallado y equilibrado y por su comodidad. Me encanta usarlos para largas sesiones de mezcla.
• Alta gama: Sennheiser HD 650 - Auriculares de estudio de respaldo abierto de primer nivel para una fidelidad de sonido natural excepcional y una respuesta de graves precisa.

Recomendaciones para monitores de estudio:

• Presupuesto: Presonus Eris E3.5 - Supercompacto y asequible, pero ofrece un perfil de sonido claro y preciso para pequeños estudios domésticos.
• Rango medio: Yamaha HS5 - Perfecto para una respuesta plana y una excelente reproducción del sonido, especialmente al mezclar en salas no tratadas.
• Alta gama: Adam Audio A7X - Ideal para productores e ingenieros de música profesionales que desean una respuesta de graves precisa y frecuencias superiores detalladas.

Cuando empecé a producir música electrónica, trabajé con auriculares durante aproximadamente un año antes de actualizar la configuración de mi estudio, así que si los monitores de estudio no están en tu presupuesto de producción de audio en este momento, yo no me preocuparía demasiado por ello. Sólo asegúrate de hacer descansos frecuentes si sólo escuchas con auriculares para mantener la perspectiva y evitar que tus oídos se fatiguen.

Cómo hacer música electrónica

La producción de música electrónica es muy amplia. Ciertamente, no puedo prometerte que leyendo este artículo domines el arte, aunque espero poder ofrecerte una visión de mi experiencia produciendo música electrónica durante la última década y que puedas usarla como inspiración en tu propio viaje.

Me gusta pensar en el proceso de creación musical en tres etapas:

1. Ideas: En la primera fase, esbozas tus ideas iniciales, experimentas con sonidos y patrones y recoges ideas o inspiración de otros artistas que te gusten.
2. Organización: Una vez que tengas las ideas claras, puedes estructurarlas para que fluyan de forma coherente y crear una canción que lleve al oyente por un viaje de principio a fin.
3. Perfeccionamiento: Esta es la fase de mezcla y masterización, en la que pulirás la pista y te asegurarás de que todos los elementos encajan a la perfección.

Es importante señalar que cada productor recorre su propio camino a través de estas etapas.

Algunos empiezan con una melodía pegadiza y construyen a partir de ella, mientras que otros trocean algunas muestras y crean una secuencia genial en un MPC. Otros adoptan el enfoque tradicional y utilizan la estructura estándar de los arreglos pop para construir una canción desde cero, empezando por la batería, luego el bajo, después la guitarra y así sucesivamente.

La belleza de la producción de música electrónica reside en esta diversidad de enfoques.

Aunque voy a compartir el método que mejor me funciona a mí, recuerda que no existe un proceso único. Se trata de encontrar el flujo de trabajo que encienda tu creatividad y permita que tus ideas fluyan libremente.

Encontrar su sonido

Cuando empiezas a aprender a hacer música electrónica, lo más difícil puede ser encontrar tu sonido.

Hay muchos subgéneros bajo el término "música electrónica", y cada uno tiene su propia paleta de sonidos, ritmos y estructuras. Estos son algunos de los subgéneros más populares:

• Casa
• Tecno
• Dubstep
• IDM (música de baile inteligente)
• EDM (música electrónica de baile)
• Trance
• Drum and Bass
• Bajo futuro

Como nuevo productor, creo que la clave para descubrir tu sonido en medio de esta diversidad es la exploración y la experimentación.

Sumérgete en diferentes subgéneros, no sólo como oyente, sino también como estudiante. Crea piezas cortas o ritmos inspirados en distintos estilos para ver qué te resuena y te da rienda suelta a tu creatividad. También puedes intentar colaborar con otros productores que puedan ofrecerte nuevas perspectivas e inspirarte en direcciones que quizá no habrías considerado por ti mismo.

Este enfoque requiere una escucha activa . Es una de las herramientas más poderosas para comprender los matices de cada subgénero. Cuando escuches un tema, intenta diseccionarlo: identifica los elementos básicos que definen su sonido, desde el tempo y los patrones de batería hasta las opciones de sintetizador y la estructura del arreglo. Presta atención a cómo se elaboran la tensión y la relajación, cómo evoluciona el tema con el tiempo y qué emociones o atmósferas evoca.

A día de hoy, adoptar un enfoque analítico de la escucha es una de mis formas favoritas de aprender más sobre una canción.

El ritmo de los cimientos

En el corazón de la música electrónica se encuentra el groove, que a menudo obtenemos de la batería y la percusión.

Las BPM (pulsaciones por minuto) desempeñan un papel fundamental en la definición del subgénero y, aunque siempre se puede experimentar, la mayoría de los oyentes tienen expectativas cuando escuchan ciertos tipos de música electrónica.

Por ejemplo, el techno suele oscilar entre 120 y 135 BPM y tiene un patrón de cuatro bombos, mientras que la música house tradicional suele ser más soul y animada, y flotar entre 120 y 130 BPM, con un patrón de batería ligeramente más funky y groovy.

El dubstep, conocido por sus bajos pesados y grooves sincopados, suele rondar los 140 BPM, lo que crea un poco de espacio para esos icónicos y pesados patrones de batería de medio tiempo.

El drum and bass lleva esto aún más lejos, a casi 160-180 BPM, utilizando ritmos de breakbeat acelerados que proporcionan una energía más intensa y caótica.

Por supuesto, también tenemos música electrónica ambiental que evita los ritmos de batería tradicionales en favor de una textura más fluida y evolutiva. A veces, ni siquiera hay batería. Más bien se centra en crear un paisaje más atmosférico.

Conocer los tempos y patrones de batería típicos de estos subgéneros puede ayudarte a alinear tus temas con las convenciones del género. Por supuesto, como ya he dicho, no tengas miedo de experimentar con el tempo y el ritmo para encontrar tu sonido único.

Preparar el ritmo

Siempre he pensado que empezar por la batería es una estrategia sólida para la producción de música electrónica.

La sección rítmica puede sentar las bases del tempo y la energía de un tema y establecer un ritmo en el que se fijen el resto de los elementos. Piensa en ella como si fuera la columna vertebral del tema.

Aunque las canciones electrónicas pueden cambiar drásticamente de una a otra, los componentes clave de la mayoría de los grooves de batería incluyen el bombo, la caja o palmada, los hi-hats y percusión adicional, que puede añadir un poco de sabor y textura.

Cuando empieces a crear tus propios ritmos de batería, puedes adoptar varios enfoques:

• Uso de samplers de batería: Soy un gran fan de Battery 4 de Native Instruments, ya que puedes cargar tus propias muestras de batería y crear grooves MIDI desde cero.
• Flipping Breaks, Loops y Samples: Ser capaz de trocear breakbeats y loops es un enfoque de la vieja escuela, pero sigue siendo un componente clave para hacer música electrónica e inspirar nuevas ideas.
• Escuchar pistas de referencia: Te recomiendo que dediques tiempo a analizar los ritmos de batería de los temas que te gustan e intentes reproducirlos. Presta atención a las distintas capas, al swing o al tiempo directo, y a cómo el ritmo complementa la sensación general del tema.

Veamos cómo crear un ritmo house sencillo:

1. Empieza con un bomb o: Busca un bombo ideal de estilo house y colócalo en cada tiempo del compás (1, 2, 3, 4) para conseguir ese icónico ritmo de cuatro en el suelo.
2. Añade una palmada o caja: Añade una palmada o una caja en los tiempos 2º y 4º para empezar a crear el groove.
3. Introduce hi-hats: Añade hi-hats cerrados entre cada golpe de bombo y caja para conseguir un ritmo constante y enérgico. Si quieres una sensación más fluida, puedes utilizar corcheas.
4. Incorpora percusión: para darle más sabor a tus ritmos, puedes añadir algunos elementos de percusión, como shakers o panderetas.
5. Experimenta con loops: Si quiero añadir textura a mis grooves, suelo superponer un loop de percusión o un loop superior para rellenarlos.

Crear un ritmo es tanto una cuestión de experimentación como de seguir una fórmula, así que juega con todos estos elementos y modifícalos a tu gusto.

Establecer una línea de bajo

La línea de bajo es el punto en el que la canción empieza a cobrar impulso. El bajo debe complementar el groove de la batería y servir de puente entre los elementos rítmicos y armónicos de la música.

He aquí un método simplificado para crear una línea de bajo interesante:

1. Selecciona tu sonido: Empieza por elegir un sonido de bajo que se ajuste a tu género. Los bajos de sintetizador son versátiles y pueden modelarse ampliamente, mientras que los bajos muestreados pueden añadir una textura real a tu pista. A
2. Crea un groove: Empieza con un patrón básico que siga el groove de tu batería y, a continuación, experimenta con síncopas o notas adicionales para crear ritmo e interés. Te recomiendo que escuches las líneas de bajo de otros temas electrónicos que te gusten y veas qué tipo de técnicas utilizan.
3. Varía tus notas: No tengas miedo de desviarte de la nota fundamental. Puedes explorar la escala en busca de diferentes opciones de notas. ¿No está seguro de cómo aplicar escalas basadas en la teoría musical? Echa un vistazo a algunos de nuestros blogs sobre el tema.
4. Coloca un subgrave: Si tu bajo necesita un poco más de "empuje" en los graves, puedes añadirle un subgrave limpio basado en ondas sinusoidales. Asegúrate de que esté afinado y rítmicamente alineado con el bajo principal.

Sea cual sea tu enfoque, debes saber que la línea de bajo es un elemento fundamental en cualquier tema de música electrónica, así que tómate tu tiempo para perfeccionarla y no tengas miedo de hacer cambios hasta que encuentres el groove perfecto.

Organizar los acordes

A continuación, empieza a desarrollar una progresión de acordes para la canción. Los acordes sirven para sentar las bases emocionales sobre las que se construirán la melodía y otras texturas. Tienen el poder de evocar determinados estados de ánimo, crear tensión y liberación, y guiar al oyente a través de una narración.

Por supuesto, la forma de abordar los acordes puede cambiar significativamente de un género a otro. Por ejemplo, en la música electrónica ambiental, las progresiones de acordes exuberantes y extensas pueden ser buenas para crear una sensación de profundidad, mientras que en el house o el techno, los acordes más simples y sin mucho movimiento armónico pueden ser una mejor opción.

Aunque no es necesario ser un experto en teoría musical, tener unos sólidos conocimientos teóricos puede ayudarte a tomar decisiones más informadas sobre las progresiones y los voicings de los acordes. Lo bueno de la teoría musical es que se trata de conocer las reglas para poder romperlas. Además, te da el poder de comunicar determinadas emociones e ideas a través de tu música,

Si quieres aprender más sobre teoría musical, consulta nuestra guía para crear progresiones de acordes.

Escribir una melodía

¿Qué es una melodía?

En su forma más básica, es una secuencia de notas que sirve de tema principal o punto focal de una pieza musical.

Es la parte de la canción que más recuerdan los oyentes, por lo que una buena melodía debe ser memorable. Desde el punto de vista de la teoría musical, también debe encajar en el contexto armónico del tema.

Una de las principales cosas que hay que tener en cuenta a la hora de crear una melodía memorable es el poder de la repetición.

Un motivo o frase que se repite es una buena forma de anclar la pista y dar coherencia al oyente, aunque también hay que evitar repetir demasiado, ya que la melodía puede acabar sonando monótona.

Te recomiendo que escuches música con melodías potentes para inspirarte.

Analiza cómo están construidas estas melodías, observa cómo interactúan con los acordes y el ritmo, y cómo utilizan la repetición y la variación para crear movimiento y emoción. También puedes inspirarte en estas canciones sin plagiarlas, como vienen haciendo los artistas desde el principio de los tiempos. Todo se construye a partir de algo anterior.

Unirlo todo

A continuación, hay que empezar a buscar formas de unir todos los elementos de la pista.

Aunque la música electrónica puede variar en cuanto a estructura, la mayoría de los temas electrónicos de estilo pop seguirán una estructura estándar con altibajos de principio a fin.

De la introducción se pasa a la estrofa, donde empieza a desarrollarse la historia. Esto puede llevar al preestribillo o a la subida para aumentar la tensión hasta el estribillo, el gancho o la caída, que actúa como punto culminante de la canción.

A partir de ahí, puedes añadir una sección de solo para mostrar un sintetizador o una línea vocal en particular, o un puente para un momento de contraste o reflexión antes del estribillo final, la caída o el outro.

Mezcla y masterización

Por último, llegamos al proceso de mezcla y masterización, que son las fases críticas del proceso de postproducción. En este punto, el objetivo debe ser convertir tu colección de pistas individuales en una pieza musical cohesionada y pulida para su publicación.

Al mezclar, el objetivo es equilibrar los niveles, panoramizar los distintos instrumentos en el campo estéreo, aplicar ecualización para eliminar los choques de frecuencias, comprimir para igualar la dinámica y utilizar efectos como la reverberación y el retardo para crear profundidad tridimensional.

La masterización es el último paso, en el que la pista mezclada se pule y se prepara para su distribución. En esta fase, afinarás el sonido general, te asegurarás de que las canciones sean coherentes en todo el álbum o EP si estás creando un proyecto, y comprobarás que la música suene lo mejor posible en distintos sistemas de reproducción.

Ambos procesos requieren un oído atento y un profundo conocimiento del comportamiento del sonido, y aunque puedes desarrollar tus habilidades lo suficiente como para mezclar y masterizar tus propias pistas, suele ser beneficioso que otra persona se encargue de estas tareas cuando estás empezando, ya que es bueno contar con alguien que tenga un oído fresco y un equipo especializado.

Los mejores recursos para aprender a hacer música electrónica

Más allá de este artículo, hacer música electrónica es un proceso de aprendizaje continuo con mucho ensayo y error y experimentación. Afortunadamente, existen innumerables recursos para productores de todos los niveles:

He aquí una lista de diferentes recursos y por qué son beneficiosos para ampliar tus conocimientos y habilidades:

• Tutoriales y cursos en línea: Plataformas como Skillshare, Udemy y Coursera ofrecen cursos sobre música electrónica impartidos por profesionales del sector, que pueden abarcar desde niveles principiantes hasta avanzados.
• Vídeos de YouTube: Canales como Point Blank Music School y ADSR Music Production Tutorials ofrecen un sinfín de tutoriales gratuitos, consejos y técnicas sobre diversos aspectos del proceso de creación musical, perfectos para estudiantes visuales.
• Foros y comunidades en línea : Comunidades como Gearslutz, Reddit's r/edmproduction y KVR Audio son excelentes para conectar con otros productores, compartir música, recibir opiniones y debatir sobre técnicas de producción.
• Recursos específicos para DA W : La mayoría de las DAW tienen foros, tutoriales y documentación oficiales. Yo soy un gran fan del sitio web Learning Music de Ableton, que tiene un sinfín de consejos, trucos y guías específicos para cada DAW.

Nuestro blog también está repleto de recursos útiles para crear música electrónica, ya sea para aprender teoría musical, cómo funciona la industria musical o cómo abordar el arreglo de una canción.

Reflexiones finales

Aprender a hacer música electrónica no es algo que se haga de la noche a la mañana.

Al final, el objetivo último es crear un tema que te haga sentir algo, un tema del que puedas sentirte orgulloso. La música evoluciona constantemente, así que no hay razón para atarse a una serie de reglas. Sin embargo, comprender las herramientas anteriores y cómo utilizarlas puede ayudarte a crear algo que sea a la vez bello y único en el vasto mundo de la música electrónica.