La musica reggae non segue le regole di nessun altro, ed è questo che la rende così speciale. Nato alla fine degli anni '60 in Giamaica, il reggae è nato da un mash-up di ska, rocksteady e soul americano, tutti cucinati lentamente sotto il sole dell'isola. Ma mentre lo ska era iper e nervoso, il reggae allungava le cose. Lasciava spazio. Spazio per il groove. Spazio per il messaggio.

Nel suo nucleo, la musica reggae è meno legata alla velocità e più al feeling. Si tratta di una cassa costante sulle due e sulle quattro, di una chitarra skanky nascosta dietro il ritmo e delle linee di basso più profonde che la musica possa offrire. Dal punto di vista della produzione, il reggae tende a essere grezzo ma ipnotico. Si sentono toni di batteria spaziosi, code di riverbero elastiche e quella sottile oscillazione che deriva dalla saturazione del nastro o dai banchi di missaggio della vecchia scuola.

Ecco la parte interessante. Nonostante la varietà del reggae, dal roots al dub, dal dancehall reggae al lovers rock, la maggior parte di esso è costruito con gli stessi strumenti di base. Certo, ogni artista apporta il proprio tocco, ma sotto la superficie c'è un insieme familiare di strumenti che mantiene le cose a terra.

Quindi, se state cercando di ottenere l'autentico suono reggae nelle vostre produzioni o siete semplicemente curiosi di sapere cosa conferisce al genere il suo suono inconfondibile, siete nel posto giusto. Entriamo nel merito degli strumenti essenziali che hanno fatto muovere e ballare il reggae per decenni.

Quali strumenti si trovano nel reggae?

1. Basso

Se la musica reggae fosse una casa, il basso non sarebbe solo le fondamenta. Sarebbe la porta d'ingresso, le finestre e metà dei mobili. A differenza della maggior parte dei generi in cui il basso si nasconde sullo sfondo, nel reggae è in primo piano. Molti lo considerano addirittura lo strumento principale. E onestamente? Non hanno torto.

Le bassline del reggae sono melodiche e spesso ripetono gli stessi riff ipnotici che rimangono per tutta la canzone. Anche se il suono può sembrare semplice all'esterno, non si tratta necessariamente di ciò che viene suonato, ma di come viene suonato. Ci sono molti groove lenti e mid-tempo, molto spazio tra le note e una grande attenzione al feeling piuttosto che al flash. Invece di correre su e giù per la tastiera, i bassisti reggae tendono a inserirsi in un groove e a cavalcarlo come un'onda.

Lo strumento preferito è solitamente un basso elettrico a quattro corde, come un Fender Precision o un Jazz Bass. Aston "Family Man" Barrett dei Wailers era un maestro del P-Bass. Tono profondo, bassi caldi e quel tanto che basta per incidere senza essere aggressivo. Anche Robbie Shakespeare, la metà del leggendario duo Sly & Robbie, era noto per i suoi modelli Fender, ma di tanto in tanto si affidava ai bassi Music Man per un tocco un po' più moderno.

Per quanto riguarda gli amplificatori, i preferiti erano gli Ampeg della vecchia scuola, in particolare i modelli come l'SVT, in grado di far tremare i muri senza suonare come una poltiglia tonale. Ma in studio, molti bassi reggae venivano registrati in presa diretta (DI), a volte con un preamplificatore o un compressore valvolare nella catena per mantenere le cose grasse e rotonde.

C'è anche un po' di roba da nerd che vale la pena di conoscere.

La maggior parte dei bassisti reggae utilizza corde con avvolgimento piatto. Queste danno un suono liscio e corposo senza il rumore delle dita che si ottiene con le corde tonde. È un po' come mettere del feltro sul martello di un pianoforte. Il suono è più scuro, più caldo e molto più controllato.

CONSIGLIO PRO: se state suonando un basso reggae e avete difficoltà a ottenere il suono giusto, eliminate gli acuti. Sia che si tratti del basso stesso, dell'amplificatore o della DAW, non si tratta di scintille. Tagliate tutto ciò che si trova al di sopra di 4-5 kHz o più in basso. Quello che volete è un tono che sembri avvolto in una spessa coperta di lana. Dovrebbe essere morbido per le orecchie, ma abbastanza pesante da farvi tremare il petto.

Il basso è il punto in cui la musica reggae vive e respira. Se riuscite a centrare questo aspetto, siete già a metà dell'opera.

2. Chitarra elettrica

A differenza del rock, nel reggae la chitarra elettrica non cerca di mettersi in mostra. Tuttavia, non lasciatevi ingannare. Come persona che ha passato anni a suonare la chitarra ritmica in una band funk, posso dirvi che "agganciarsi" a un groove richiede un livello di abilità e destrezza completamente diverso.

Nella musica reggae, la chitarra elettrica può essere importante quanto il basso e, per molti versi, è la compagna di ballo perfetta del basso. Mentre il basso rimbomba, la chitarra aggiunge il chop.

La maggior parte delle chitarre ritmiche reggae usa quello che noi chiamiamo "skank". Si tratta di un accordo breve e staccato che viene suonato sugli "off-beats" (le "and", se volete contare). È quasi più una percussione che una melodia. Si mettono in sordina le corde quel tanto che basta per tenere le cose strette, poi si dà loro vita con un colpo di polso. Consideratelo come il metronomo incorporato del genere.

Di solito si trovano giocatori che utilizzano chitarre piuttosto standard: Fender Stratocaster, Telecaster o Gibson Les Paul. La Strat, in particolare, è stata una scelta obbligata per molti musicisti reggae, grazie al suo tono nitido e alla configurazione versatile dei pickup. Detto questo, non c'è una regola fissa. Se si sente bene e il suono è pulito, funziona.

Infatti, Ernest Ranglin, uno dei pionieri del suono giamaicano della chitarra, suonava spesso una Gibson ES-175 ed era in grado di passare da licks influenzati dal jazz a chops stretti e smorzati nello stesso respiro. Hux Brown, che ha suonato con Toots and the Maytals, si appoggiava a una Telecaster per i suoi medi scattanti e il suo tocco twangy.

Per quanto riguarda gli amplificatori, molti ragazzi di un tempo usavano Fender Twins, Roland Jazz Chorus o anche Vox per ottenere quel dolce suono. Il trucco consiste nell'impostare un tono pulito e brillante con un pizzico di riverbero o di delay elastico per dare un po' di aria. Risparmiate l'overdrive e la distorsione per il vostro gruppo punk.

https://www.youtube.com/watch?v=S3UqvWk8-uw

Se volete ascoltare un esempio da manuale, ascoltate "Stir It Up" di Bob Marley & The Wailers. Quella chitarra ticchettante e tesa sugli off-beat è la skank. "Legalize It" di Peter Tosh è un altro grande esempio.

Quindi no, la chitarra reggae non è appariscente, ma è precisa, incisiva e molto più difficile da suonare bene di quanto sembri. Non si può fingere questa sensazione.

3. Tamburi

Nella musica reggae la batteria e il basso vanno di pari passo. Insieme, creano il cosiddetto riddim. Questa parola viene usata spesso, soprattutto nel reggae e nella dancehall, ma in realtà significa solo il groove della sezione ritmica. È il motore che alimenta l'intero brano e, quando è fatto bene, lo si sente nella spina dorsale.

Ci sono alcuni pattern di batteria caratteristici della musica reggae, ma il più famoso è il one drop. Si chiama così perché la grancassa, che normalmente colpisce sui battiti uno e tre nella maggior parte della musica rock, manca sul primo. Invece, la cassa e il rullante colpiscono insieme sul terzo battito, lasciando vuoto il primo battito. Sembra semplice, ma questa piccola pausa dà all'intero ritmo una sensazione di rilassatezza, quasi di assenza di peso.

https://www.youtube.com/watch?v=IT8XvzIfi4U&pp=0gcJCdgAo7VqN5tD

Carlton Barrett, batterista di Bob Marley & The Wailers, ha praticamente scritto il libro sul one drop. Ascoltate "No Woman, No Cry" o "Three Little Birds". Quel battito lento e paziente è da manuale. Aveva questo modo di far sentire la batteria pigra e bloccata allo stesso tempo, il che è più difficile di quanto sembri.

Ma l'one drop non è l'unico trucco del gruppo. C'è anche il ritmo rocker, in cui il calcio colpisce a ogni battuta, aggiungendo una sensazione di guida, quasi di marcia. È la versione reggae del four-on-the-floor. Poi c'è il ritmo steppers, che si appoggia ancora di più al ritmo. C'è un calcio su ogni quarto di nota e un rullante ancora su tre, ottimo per la musica dub e per i brani più energici.

Per quanto riguarda il tono, le batterie reggae sono in genere piuttosto asciutte e tese. Spesso si sente un rullante con le corde un po' allentate o addirittura con il nastro adesivo, che gli conferisce un suono sferragliante e squadrato. I tamburi sono accordati in modo basso e tonico. I piatti sono usati con parsimonia, con piccoli accenti qua e là. Non si tratta di un genere "crash-and-bang". Si tratta piuttosto di una cottura controllata.

In termini di produzione, la batteria reggae viene spesso trattata con effetti sottili.

Il riverbero a molla è un punto fermo, soprattutto nel dub, dove viene abusato nel miglior modo possibile. Si può anche sentire il tape delay sul rullante o sugli hi-hat, che aggiunge movimento senza intralciare il groove. E quando è il momento del dub, le cose si fanno più strane. Spesso si sentono produttori che escludono il kick per alcune battute, che inseriscono un ritardo slapback sul rim shot e che fanno il panning degli hi-hat su tutto il campo stereo.

4. Strumenti a percussione

Nella musica reggae, le percussioni sono la colla che tiene insieme il groove. Questi sottili accenti riempiono le fessure tra il kick, il rullante e il basso, dando al ritmo più consistenza e vita. È un aspetto che forse non noterete consapevolmente, ma a cui il vostro corpo risponderà sicuramente.

E le percussioni del reggae non sono una cosa unica. C'è un intero buffet di strumenti tra cui i musicisti possono scegliere, ognuno dei quali aggiunge il suo piccolo sapore al mix. Ecco una panoramica di alcuni degli strumenti a percussione che si trovano spesso nella musica reggae:

• Bongo Drums - Un paio di tamburi a mano piccoli e acuti che di solito gestiscono frasi brevi e sincopate. Sono ideali per creare tensione o per mantenere un groove che ribolle appena sotto la superficie. Spesso li si sente rullare all'inizio di una strofa o intrufolarsi nelle pause strumentali.
• Tamburi conga - Più alte e profonde dei bonghi, le congas hanno un tono più caldo e rotondo. Nel reggae sono suonate tipicamente con le mani in un ritmo costante e ripetitivo che si aggancia alla linea di basso. Ascoltando quasi tutti i primi brani roots reggae, le sentirete gorgogliare sotto di voi.
• Shaker - Questi piccoli oggetti possono sembrare secondari, ma svolgono un lavoro enorme. Che si tratti di un semplice egg shaker o di una più tradizionale maraca, contribuiscono a mantenere le cose in movimento e ad aggiungere quell'arioso "ts-ts-ts" al ritmo. Sono perfetti per dare un po' di movimento a un brano senza appesantirlo.
• Tamburello - Non solo per i cori delle chiese. Nel reggae, i tamburelli di solito suonano sul backbeat o tra i colpi di rullante. Sono taglienti e stridenti e tagliano il mix, soprattutto quando sono abbinati a handclap o ad altre percussioni di alto livello.
• Campanaccio - Usato con parsimonia, ma quando c'è, serve di più! Il campanaccio aggiunge un effetto metallico e di media intensità che può dare alla sezione ritmica un po' di rimbalzo in più. Viene spesso utilizzato negli stili stepper e dancehall.
• Guiro - È quel suono vuoto e raspante che si ottiene trascinando un bastone su una zucca dentellata o su una superficie di plastica. Non è molto comune in tutti i brani, ma può aggiungere una texture graffiante unica che nessun altro può replicare.
• Woodblock - Un altro sottile strumento di accento. Si tratta di brevi click di legno che possono fornire sincopi o rispecchiare un pattern di chitarra ritmica. Ottimi per i fills o per i colpi d'accento.
• Finger Cymbals o Chimes - Si sentono nel reggae in stile dub, soprattutto nelle intro o durante i breakdown trippeggianti. Aggiungono un luccichio sognante e ultraterreno che fluttua sul ritmo come fumo.

Il bello delle percussioni reggae è che possono essere minimali e al tempo stesso molto efficaci. Uno shaker ben posizionato o un semplice ritmo di conga cambiano completamente il groove di un brano senza affollare il mix. I produttori spesso trattano le percussioni come un condimento, dandogli quel tanto che basta per esaltare il groove senza prendere il sopravvento.

E quando si tratta di registrare o mixare, le percussioni ricevono spesso un trattamento spa completo. Vengono messe in panning largo, immerse nel riverbero o passate attraverso un delay a nastro per ottenere un'atmosfera dub distanziata. Qualunque sia il modo in cui un produttore può ottenere il carattere, di solito è quello.

Se state producendo musica reggae e vi chiedete cosa manca, è probabile che le vostre percussioni abbiano bisogno di un po' di amore. Perché a volte non sono le cose più ovvie a creare il groove, ma i piccoli dettagli che si sentono più che si ascoltano.

5. Tastiera

Agli albori, la musica reggae prendeva le chiavi dai vecchi pianoforti verticali. Niente fronzoli, solo qualcuno che martellava accordi fuori ritmo accanto alla chitarra. Aveva un fascino grezzo e sgraziato che dava a quei primi brani, come "Isrealites" di Desmond Dekker, un'atmosfera unica da saloon.

https://www.youtube.com/watch?v=0wSXTN2EfRo

Verso la fine degli anni '70, i grandi pianoforti acustici iniziarono a lasciare il posto alle tastiere elettriche, come il Fender Rhodes e lo Yamaha CP70. Questi ultimi avevano più forza, più sustain e potevano reggere il confronto con un'intera band. Poi gli anni '80 arrivarono come un'onda anomala impregnata di synth e il reggae ne seguì l'esempio. Improvvisamente, c'erano pad lussureggianti, lead strani e organi traballanti che turbinavano nel mix.

Il classico suono reggae a cui la maggior parte delle persone pensa oggi deriva spesso da qualcosa di digitale. I primi modelli di Casio e Yamaha hanno avuto un grande successo, in particolare modelli come la Yamaha DX7 e la serie Casio CZ. Erano economici, avevano un sacco di preset e potevano sopravvivere alla strada. Quel caratteristico suono di organo digitale era probabilmente una patch chiamata "Reggae Organ 1". Era un nome sfacciato, ma funzionava.

Poi c'è stato il Korg M1, che ha fatto la sua comparsa in tutto il reggae e la dancehall della fine degli anni '80 e '90.

Quella tastiera era un mostro, con campane, pizzichi, corde, persino finti tamburi d'acciaio. Poteva fare tutto. Anche la serie Juno di Roland ha avuto un momento di gloria, soprattutto i modelli Juno-60 e Juno-106, con il loro caldo tono analogico e i filtri facili da modificare. La gente iniziò a essere creativa con i pad, i lead e i piccoli e strani stab. Era tutto lecito.

Il fatto è che non c'è un solo modo di usare le tastiere nella musica reggae. A volte sono in funzione accanto alla chitarra. A volte fluttuano sullo sfondo, aggiungendo consistenza. A volte prendono il comando con una linea di synth traballante che sembra provenire dallo spazio. La varietà è infinita, e questo fa parte del divertimento.

Quando si parla di effetti, il delay e il riverbero sono i più importanti, soprattutto nel dub. Come nel caso della batteria, il delay a nastro viene applicato a tutti i pezzi di organo e ai colpi di sintetizzatore, mentre il riverbero a molla aggiunge un tocco metallico che sembra provenire dal nulla e dappertutto allo stesso tempo. Spesso si sentono sweep di filtri, phaser e persino sottili effetti di chorus che danno un po' di movimento alle parti di tastiera.

Nel reggae, la tastiera è una sorta di arma segreta. Forse non è l'elemento più appariscente, ma quando è fatta bene, lega tutto insieme.

6. Corna

La famiglia degli ottoni nella musica reggae è composta da trombe, tromboni, sassofoni e, occasionalmente, flicorni o corni francesi, se qualcuno si sente davvero avventuroso. Insieme, aggiungono un po' di sapore e anima al groove.

Nel primo reggae i fiati erano usati con più parsimonia. Si sentivano brevi riff, stab di sottofondo, occasionali ganci melodici. Ma a partire dalla metà degli anni '70 e negli anni '80, le sezioni di ottoni divennero molto più ambiziose. Le band iniziarono a inserire arrangiamenti completi di fiati, stratificando le parti come un'orchestra in miniatura.

Gruppi come gli Skatalites hanno aperto la strada, ma sono stati gruppi come The Wailers e Third World a renderla massiccia. Si sentiva una tromba e un sax che raddoppiavano la stessa linea per dare più forza, con un trombone che si inseriva sotto per ingrassare.

https://www.youtube.com/watch?v=OSOqWgqwynQ

Guardate "Exodus" di Bob Marley . La sezione fiati è una forza trainante per il brano. Lo stesso vale per "Your House" degli Steel Pulse e "Sponji Reggae" dei Black Uhuru.

Naturalmente, come tutto il resto della musica reggae, anche gli ottoni sono diventati digitali. Tra la fine degli anni '80 e gli anni '90, con l'ascesa della dancehall e di apparecchiature da studio più economiche, le sezioni di fiati dal vivo iniziarono a essere sostituite da ottoni sintetici e da stab di tastiera. Non era la stessa cosa, ma aveva la sua atmosfera. Era più stretto, più robotico e molto più facile da controllare in un mix.

Tastiere come la Korg M1 e la Roland D-50 erano cariche di preset di ottoni smielati ma affascinanti che i produttori sfruttavano a fondo. Era un'epoca diversa, ma ancora molto reggae.

Per quanto riguarda il loro ruolo? Come le chitarre, i fiati in una band reggae raramente si mettono in mostra. Non cercano di strappare un assolo jazz o di rubare la scena. Invece, sono lì per punteggiare i ritornelli, rafforzare le linee vocali e dare alla musica quella spinta inconfondibile. In sostanza, sono l'hype crew del riddim.

7. Organo

L'organo potrebbe essere nato in chiesa, ma nel reggae ha preso una svolta a sinistra e non si è mai guardato indietro. È stato un punto fermo fin dall'inizio.

https://www.youtube.com/watch?v=94fG4A_jQuM

I primi musicisti reggae si sono affidati all'organo. Lo si può sentire in "Monkey Man" dei Maytals e in "You Can Get It If You Really Want" di Jimmy Cliff. C'è un sottile ritmo che si trova proprio sotto la voce, chiamato "bubble". È uno stile di esecuzione sincopato in cui l'organo riempie lo spazio tra il kick e il rullante, quasi come se stesse massaggiando il ritmo piuttosto che guidarlo. Non è appariscente, ma è essenziale. Consideratelo come il battito del cuore dietro il battito del cuore.

Per quanto riguarda l'attrezzatura, il suono classico proveniva da organi a ruota dentata come l'Hammond B3, spesso abbinato a un altoparlante Leslie per ottenere quel tono vorticoso e gorgheggiante. Questa configurazione era ingombrante e costosa, quindi molti produttori giamaicani si rivolsero a organi combo più accessibili come il Vox Continental o il Farfisa, entrambi dotati di un suono più grezzo e aggressivo, in grado di penetrare in un mix denso senza bisogno di un lavoro aggiuntivo.

Negli anni '80 il digitale prese il sopravvento. Entrano in scena la Yamaha DX7, la Korg M1 e altre tastiere dotate di patch per organo. Non erano ricchi come quelli veri, ma svolgevano il loro compito e, per certi versi, quel tono sottile e digitale si adattava all'atmosfera elettronica e spoglia dell'epoca. I produttori modificavano l'attacco e il rilascio per imitare il ritmo pulsante della bolla, a volte facendolo passare attraverso phaser o delay a nastro per ottenere un maggiore movimento.

Per saperne di più sulle progressioni di accordi reggae .

8. Clavinet

Il clavinet non è molto amato nel reggae di questi tempi, ma c'è stato un tempo in cui era ovunque. Ha avuto un vero e proprio momento di gloria negli anni '70, soprattutto nello stile roots reggae, dove il suo tono funky e percussivo aggiungeva un nuovo livello al groove. Se l'organo era liscio e costante, il clavinet era il suo cugino più scattante e aggressivo.

Il suono di un clavinet è una via di mezzo tra una chitarra e una tastiera. È tagliente, twangy e pieno di attitudine. In pratica è un clavicordo elettrico, che non suona bene finché non lo si collega e lo si fa passare attraverso un pedale wah o un phaser. Allora, all'improvviso, si ha qualcosa che può rimbalzare, saltare o rincorrersi con la chitarra ritmica o occupare interamente quello spazio.

Il suo ruolo in una band reggae era solitamente ritmico. Si sentivano brevi stab sincopati, riempimenti funky o piccoli riff veloci che si inserivano nella tasca. Aggiungeva una consistenza croccante al mix che rendeva tutto più compatto. Anche lo stile di esecuzione era molto staccato. Le note sono state tenute corte e spezzettate per farle stare in mezzo al ritmo.

Il modello di riferimento era l'Hohner Clavinet D6. Questo oggetto era fondamentalmente il clavinet. Aveva un'abbaiata e un morso caratteristici che non si possono falsificare. Stevie Wonder l'ha reso famoso nel funk con "Superstition", ma i produttori di reggae l'hanno decisamente capito. Lo facevano passare attraverso gli amplificatori, i pedali o anche con un delay a nastro, se si sentivano avventurosi.

https://www.youtube.com/watch?v=5WZY1cEecbI

Volete sentirlo in azione? Guardate "Stepping Razor" di Peter Tosh. Sentirete una tastiera percussiva e tesa che si insinua nel mix, che è il clav che fa il suo dovere. Non è al centro dell'attenzione, ma una volta che la si sente partire, ci si rende conto di quanto aggiunga.

Nel reggae moderno, il clav non compare così spesso. Forse perché è un suono di nicchia, o forse perché è stato sostituito da sintetizzatori e campionatori, ma quando compare è come una piccola capsula del tempo dell'epoca d'oro del reggae. Graffiante, funky e imprescindibilmente grezzo.

9. Voce

E infine, arriviamo alla ciliegina sulla torta, le voci.

Sono il messaggio, lo stato d'animo e talvolta l'intera ragione d'essere della canzone. Che si tratti di protesta, di lode o di festa, la voce ha il suo peso. E in molte canzoni reggae, questo peso è spesso pesante. Di solito non si tratta solo di canzoni d'amore e di ganci orecchiabili (anche se ne troverete molti). Le voci del reggae parlano spesso di anima, di lotta e di qualcosa in cui credere.

Dal punto di vista tonale, le voci reggae tendono a essere calde e naturali. Di solito non ci sono molte rifiniture in studio, come la correzione dell'intonazione o dieci strati di armonie raddoppiate (a meno che non si tratti di pop reggae ultramoderno).

Spesso quello che si sente è quello che si ottiene, ed è questo il punto. L'emozione traspare dalle fessure, dal respiro, dalle piccole imperfezioni. I cantanti spesso siedono dietro il ritmo, dando alle cose un'atmosfera un po' pigra e rilassata che in qualche modo rende il messaggio più forte.

Dal punto di vista dei testi, il disco è molto vario. Ci sono temi spirituali, la giustizia sociale, l'amore, il cuore spezzato, l'erba (tanta erba) e, naturalmente, la vita quotidiana. C'è un'onestà discorsiva. Anche quando le parole sono poetiche o simboliche, sembra comunque che qualcuno stia parlando direttamente a te. Brani come "Equal Rights" di Peter Tosh o "Redemption Song" di Bob Marley non suonano solo bene. Significano qualcosa.

Ora, lo stile vocale reggae non è una situazione univoca.

Il genere ha prodotto una grande varietà di vocalist, ognuno con il proprio tono, fraseggio e presenza. Prendiamo ad esempio Bob Marley. La sua voce è morbida, chiara e senza sforzo emotivo. Il suo modo di parlare è calmo ma potente, come qualcuno che ti dice una dura verità nel modo più delicato possibile. Canzoni di Bob Marley come "Waiting in Vain" dimostrano come potesse suonare intimo e universale allo stesso tempo.

https://www.youtube.com/watch?v=IWxbhC44p2w

Poi passiamo a Toots Hibbert di Toots and the Maytals, che ha uno stile vocale grintoso, influenzato dal gospel e pieno di fuoco. Toots sa cantare come un cantante soul e ringhiare come un bluesman. Mettete su "Funky Kingston" o "54-46 Was My Number" e ditemi se non sentite quell'energia nel vostro petto.

https://www.youtube.com/watch?v=wNxNwvjzGM0

C'è anche Marcia Griffiths, che era una potenza a sé stante. Sia che canti da sola o come parte degli I-Threes (il trio vocale di Bob Marley), la sua voce ha portato eleganza e calore a ogni brano. Date un'occhiata al suo pezzo da solista "Feel Like Jumping". È pura gioia in cera. Aveva questo modo di fondere la forza con la dolcezza, creando un tono vocale che era allo stesso tempo imponente e confortante. Dimostrò che la musica reggae poteva essere tenera senza perdere il suo fascino.

https://www.youtube.com/watch?v=Ur5yqXuvno0

Per un suono reggae moderno completamente diverso, date un'occhiata a Eek-A-Mouse. Il suo modo di suonare è in parte canto, in parte brindisi, in parte richiamo di uccelli alieni. È strano, selvaggio e in qualche modo funziona. "Ganja Smuggling" è un esempio perfetto di qualcosa di giocoso, ritmico e totalmente diverso da tutti gli altri.

https://www.youtube.com/watch?v=UR9Cj5UyVbM

Anche nelle epoche della musica dancehall, del dub reggae e del digitale, lo stile vocale è rimasto centrale. Artisti reggae come Buju Banton hanno portato una voce burbera, quasi urlata, che sembrava urgente e cruda. Altri, come Beres Hammond, si sono dedicati a ballate morbide e romantiche con un tono burroso e un fraseggio gospel.

Il filo conduttore di tutto questo? Il sentimento. Che siano lisce o graffianti, serie o sciocche, le voci della musica reggae provengono sempre da un luogo reale. È questo che le rende efficaci. Non si tratta di una tecnica perfetta o di esecuzioni appariscenti. Ma il cuore, il messaggio e lo stile rimangono impressi per molto tempo dopo la fine del ritmo.

Iniziate a creare la vostra musica reggae

Ora che avete un'idea più precisa dei principali strumenti reggae che compongono questo genere senza tempo, potrebbe essere il momento di iniziare a fare le vostre registrazioni reggae! Uno dei modi migliori per trovare ispirazione per lo stile reggae è ascoltare artisti reggae leggendari e analizzare ciò che rende la loro musica così eccezionale.