ソングライターによく聞かれる質問だが、作曲と作詞のどちらが先か？

これには万能の答えはない。ソングライティング・チームを10人部屋に入れれば、同じだけの答えが返ってくるだろう。個人的な好みの問題もあるが、状況的なものもある。例えば、騒がしいバスターミナルでノート一冊で立ち往生していると、歌詞優先のルートに導かれるかもしれない。

この記事では、曲作りのさまざまなアプローチと、それぞれが曲の展開に微妙な影響を与えることについて、深く掘り下げていこうと思う。

歌詞ファースト・アプローチ

エルトン・ジョンの初期のカタログのほとんどは、歌詞が先に書かれていた。彼のコラボレーターであったバーニー・トーピンが完全な歌詞を書き、エルトン・ジョンがそれをセットする。彼らは実際に会う前に何曲も一緒に書いており、その時も言葉から入るコラボレーションを続けていた。私たちは今、このサラブレッドのアプローチを見てみようと思う。

作詞は一生勉強して練習できる技術だ。良い歌詞を書くコツは、音楽がその役割を果たせるようにスペースを空けておくことだ（ダジャレだよ）。時には、過密を避けるために素晴らしいセリフを犠牲にすることもあるかもしれないが、それも作詞の技術の一部なのだ。

歌詞の最初のアプローチで確立すべき最初のことは、理想的にはタイトルの形で、あなたのテーマです。この曲は何について歌っているのか？何を言いたいのか？どんな感情を伝えたいのか？

そこに到達するためには、自分がどこに向かっているのかを知ることが重要だ。歌詞や音楽的に）うだうだするのは悪いことではないが、ある時点で旅を始める必要がある。

テーマが決まったら、歌詞のアイデアをスケッチしましょう。セリフの断片でもいいし、テーマについて気づいた面白いことでも、適当な言葉でもいい。後で編集することもできます。

私はペンと紙を使って書く方が好きだ。その方が、言葉や歌詞のアイデアをより簡単にページに投げ込むことができる。歌詞を書き留める代わりに、ボイスメモに録音する方法もある（犬の散歩中に便利）。そうしているうちにメロディが浮かんできて、そのまま歌い始めることもできる。そうなるとハイブリッドなアプローチ（下記参照）になってしまうが、それでも構わない！

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さて、テーマに基づいていくつかの言葉をまとめたら、曲の構成について考え始めよう。典型的なヴァース・コーラス形式にするのか？それとも、あまり一般的ではないAABA構成？構成自体は重要ではないが、曲には構成が必要だ。そうでなければ、家を建てる前に飾り付けをしようとするようなものだ。

さあ、いよいよ歌詞を書き始めましょう。ヴァース・コーラス形式を選ぶのであれば、まずサビの部分から歌詞を書き始めることをお勧めする。この時点で言っておくと、1回で全曲を完璧に書き上げる必要はない。何か欲しいものがあるのは分かっているけれど、それをうまく表現できないときに、本物の歌詞の代わりに「ダミーの歌詞」を使うことはよくあることだ。私は、ケイティ・ペリーが「 Baby, you're a firework」を決める前に、まず「ツナフィッシュとアップルパイ」という歌詞を書いたと想像したい。

コーラスに満足したら、ヴァースを書く。それがある程度形になったら、残りのヴァースを書く（前述のless-is-moreのアプローチを念頭に）。各節の対応する行の行の長さと音節数を合わせるようにしてください。ブリッジのような他のセクションがある場合は、その部分の歌詞も書き足してください。

おめでとう！歌詞を一旦横に置いて、自分自身に少し時間を与えてみてください。あなたの脳は、あなたが一日を過ごす間、バックグラウンドで曲を処理し続けるでしょう。ノートに戻ったとき、あなたは新鮮な視点を持っていて、ただ書くために手を加えることができます（ダジャレが多すぎましたか？ ごめんなさい...）。

歌詞ファースト・アプローチの長所と短所：

+ 聴衆の耳を引くような、明確でよく練られた歌詞を持っている。

- 最初に歌詞を全部書いてしまうと、音楽があなたの言いたいことを表現する余地がなくなってしまうかもしれない。

ミュージック・ファースト・アプローチ

もし作曲の方が好きなら、音楽第一のアプローチに惹かれるだろう。ドリーム・シアターでもない限り）歌詞のためにスペースを空けておくことを忘れないでください。あなたの天才的な音楽的頭脳から、何十億ものアイデアが飛び出してくるかもしれないが、それらをすべて1つの曲に入れる必要はない。

ミュージック・ファースト・アプローチのプロセスは、上で説明したことと似ている。作業を始める前に、曲の心象風景について考えてみよう。それをコード構成や和声的な風景の中でどのように伝えるか？メロディーはどのような形をとるのか？テンポはこれらにどう影響するのか？

次に、音楽のアイデアをスケッチする。コード進行でも、ギターリフでも、ベースラインでもいい（3つ全部でもいい）。これらのスケッチを、いつも手元にあるボイスレコーダーに放り込んでおくといいだろう（ボイスメモアプリに感謝！）。素晴らしいメロディを思いついたのに、Logicを起動するためにパソコンに向かう間に忘れてしまうほど最悪なことはない。私はただ録音を始めて、何が出てくるかうろうろするのが好きだ。Zoom h1nレコーダーでは、ファイルにマーカーを追加できるので、DAWにインポートするときにベストな部分を簡単に見つけることができる。

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繰り返しになるが、構造は重要だ。構成が決まったら、さまざまなセクションを作り始める！構成が決まったら、さまざまなセクションを作り始める。 ボーカルのメロディーを先に書いてから、それと連動するコードを考えるかもしれないし、その逆かもしれない。余談ですが、ここで音楽理論の基本的な理解が役に立ちます。メロディに合うか合わないか、たくさんのコードを試してみるよりも、何が合って何が合わないかを知ることができる。

もしあなたがヒップホップの仕事をしているのなら、ビートを最初に作ることになるだろう。伝説的なプロデューサーのティンバランドは、新曲を作るとき、ビートを思いつき、彼と彼のプロダクション・チームは、歌詞を加える前に、それを音楽でドレスアップするのが好きだ。

最後に、脳が新しいアイデアを思いつくように、曲から離れる時間を作る。そして、歌詞を書き加えるために、あなたの言葉の魔術師（あなたかもしれない）に送りましょう。

ミュージック・ファースト・アプローチの長所と短所

+ 歌いやすいメロディーやフックができあがるだろう。

- 歌詞を書く前にメロディーを練ってしまうと、風変わりで印象的なセリフを逃してしまうことになりかねない。

ハイブリッド・アプローチ

上記のどちらのアプローチも、2つの要素の相互作用なしに、最初のアイデアから完成までの道のりを歩んできた。より一般的な手法では、この2つを混ぜ合わせ、両方を同時に開発する。

このような方法は、あなたが作詞家であり作曲家でもある場合、あるいはあなたと同じ部屋に共同作曲家がいる場合に典型的だ。このような状況でも、何かが最初に来る。インスピレーションは、1行かもしれないし、フレーズかもしれないし、アコースティック・ギターで弾くキャッチーなコードかもしれない。歌詞が先か音楽が先か、どちらでもいい。相乗効果を生み出し、お互いに（あるいはソロの場合は自分自身に）アイデアを出し合うことが重要なのだ。

この方法で作曲する手順も、上記と同じだ。曲の感情の道筋を決め、構成を考え、セクションを作り、休憩を取り、言葉を変え、コードを変え、満足いくまで微調整する。このアプローチの優れた点は、曲を書きながら、それぞれの要素が他の要素にインスピレーションを与え続けられることだ。レノンとマッカートニーはこの方法で曲を書き始めた。

ハイブリッド・アプローチの長所と短所

+ 音楽と歌詞は無理なく融合する。

- さまざまなリフや歌詞のアイデアを試して、曲を完成させることができないまま、終わりのないメリーゴーランドのような状態になりかねない。

歌詞、それとも詩？

物議を醸した60年代のロッカー、ドアーズのフロントマン、ジム・モリソンは作詞作曲をした。より正確には、彼は詩を書き、それを歌詞にしたり、音楽を背景にしたりした。 詩と歌詞は似ているが、2つの異なるものだ。詩は自給自足的なもので、音楽を必要とせずに表現できるように作られている。一方、歌詞は歌の方程式の半分である。それだけでは単純で、幼稚にさえ見えるかもしれない。しかし、歌詞が音楽になると、そうした不十分さは消えてしまう。作曲家が詩を音楽化することもあるが、これはクラシック音楽では一般的だ。

詩を歌詞にする

おそらくあなたは、自分の詩を歌の形に変えたいと思うだろう。あなたならどうしますか？

あなたはすでに感情的な基盤を手にしている。最初に考えるべきは構成だ。歌詞は古典的な歌の形式には従わないかもしれないので、選んだ形式に適したセクションに言葉を組み立てる必要がある。また、行の長さと対称性も考慮したい。繰り返される各セクション（詩、またはA）は、音節の数とストレスが同じパターンに従う必要がある。最後に、歌詞には音楽が呼吸するためのスペースが必要です。すべてを言葉で表現する必要はない。

私の視点

私の曲作りへのアプローチはどうだろう？質問をはぐらかすかもしれないが、答えは今取り組んでいること、そして誰と仕事をしているかによる。私は主にミュージシャンなので、自然と作曲やヴォーカル・メロディに傾きます。演劇のための作品に取り組んでいるときは、コラボレーターと一緒に仕事をする。歌詞を全部書いてもらうこともあれば、歌詞の一部分だけをセットすることもある。そのためにアイデアを考え、歌詞を送り返して手直ししてもらい、その間に次のセクションを音楽だけで書くこともある。また、作詞家に遊んでもらうために、ダミーの歌詞を使ったラフなボーカルと一緒に音楽だけのアイデアを送ることもある。しかし、どんなときでも、私たちは曲の背後にある意図と、それがどのように構成されるかを知っている。

私の共同作業者は、既存の曲の上に歌詞を書くことがあると告白してくれたことがある。これは、他のミュージシャンと一緒に仕事をしている作詞家で、自分のアイデアを形にするのに苦労している場合に使える巧妙なトリックだ。新しい曲を思いつくときに原曲のことを考えないようにするのは、どんなに頑張っても難しいからだ！

普通の」曲作りでは、私はほとんどいつもハイブリッドな方法を採用している。私にとって、この2つを切り離すことは難しく、歌詞のラインを思いついたら、必然的に何らかの形でそれを歌うことになる。同じように、うだうだしているうちにコード進行やメロディが気に入れば、言葉も後からついてくる。この記事で紹介した最初の2つのアプローチのどちらかを使って最高の曲が書かれているのは事実だが、最終的には、たとえそれが2つの自分のバージョン間であったとしても、曲作りは共同作業なのだ。

結論

ソングライティングとは、音楽と歌詞が互いを補い合う芸術であり、曲はその部分の総和よりも大きくなる。一つの要素を取り除けば、曲は半分以下になってしまう。この記事の冒頭の質問に対する最も正しい答えは、「どちらでもない。ニワトリが先か卵が先かという質問と同じで、それに答える本当の方法はない。さらに言えば、誰が気にする？結局は歌がすべてなのだから。

素晴らしい曲には音楽と歌詞が同じくらい重要なので、作曲を新鮮に保つためにさまざまなアプローチを試してみるのは良いアイデアだ。もしあなたが、最初にコードを思いつくことでしか曲を作ったことがないミュージシャンなら、ボイスメモにメロディーを歌い込んでみて、コードを加え、それから歌詞を書く。曲作りのプロセスがまず歌詞に重点を置いているなら、歌詞を書き加える前に、コードや歌でアイデアを練ってみよう。もしあなたがハイブリッド人間なら、言葉だけを扱うコラボレーターを見つけて、あなたが介入する前に、彼らに完全な曲を夢中になって作ってもらうのはどうだろう。少なくとも、あなたは自分の作詞スタイルや、何が自分にとって効果的なのかを学ぶことができるだろう。

書き続けろ、ソングスミス。未来は君のものだ！