작곡가들에게 많이 받는 질문입니다. 작곡을 먼저 하나요, 가사를 먼저 쓰나요?

여기에는 정답이 없습니다. 작곡팀 10개를 한 방에 모아두면 다양한 반응이 나올 수 있습니다. 예를 들어 시끄러운 버스 터미널에 노트북만 들고 갇혀 있으면 가사를 먼저 떠올릴 수 있는 것처럼 개인적인 취향의 문제일 수도 있지만 상황에 따라 달라질 수도 있습니다.

이 글에서는 곡을 작곡하는 다양한 접근 방식과 각 접근 방식이 곡의 전개에 미묘한 영향을 미치는 방식에 대해 자세히 살펴보겠습니다.

가사 우선 접근법

엘튼 존의 초기 카탈로그는 대부분 가사를 먼저 썼습니다. 공동 작업자인 버니 타우핀이 가사를 완성하면 엘튼 존이 곡을 붙이는 방식이었죠. 두 사람은 직접 만나기도 전에 많은 곡을 함께 썼고, 그 후에도 가사 우선의 공동 작업을 계속했습니다. 지금부터 이 철저한 접근 방식을 살펴보겠습니다.

가사 작사는 평생 공부하고 연습할 수 있는 기술입니다. 좋은 가사를 쓰는 비결은 음악이 제 역할을 할 수 있는 공간을 남겨두는 것입니다(말장난의 의도). 때때로 이것은 지나친 혼잡을 피하기 위해 훌륭한 대사를 희생하는 것을 의미할 수도 있지만, 이는 작사 기술의 일부입니다.

가사를 먼저 정할 때 가장 먼저 설정해야 할 것은 주제이며, 이상적으로는 제목의 형태입니다. 노래의 주제는 무엇인가요? 무엇을 말하려고 하나요? 어떤 감정을 전달하고 싶으신가요?

목적지에 도달하려면 어디로 가는지 아는 것이 중요합니다. 서정적으로나 음악적으로나 국수를 먹는 것이 잘못된 것은 아니지만 어느 시점에서 여행을 시작해야 합니다.

테마를 정했다면 이제 가사 아이디어를 스케치할 차례입니다. 가사 아이디어는 대사의 일부분, 테마에서 발견한 흥미로운 내용 또는 임의의 단어가 될 수 있습니다. 나중에 언제든지 돌아와서 편집할 수 있으니 모든 것을 적어 두세요.

저는 펜과 종이를 사용해 글을 쓰는 것을 선호하는데, 그렇게 하면 단어와 서정적인 아이디어를 더 쉽게 떠올릴 수 있기 때문이죠. 가사를 적는 대신 음성 메모로 녹음하는 방법도 있습니다(개를 산책시킬 때 편리합니다). 그러는 동안 멜로디가 떠오르면 바로 노래를 부르기 시작할 수도 있습니다. 그러면 하이브리드 방식이 되지만(아래 참조) 괜찮습니다!

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이제 주제를 중심으로 몇 가지 단어를 조합했으니 노래 구조를 생각해 보세요. 일반적인 절-코러스 형식이 될까요? 아니면 덜 일반적인 AABA 구조일까요? 구조 자체는 중요하지 않지만 노래에는 구조가 있어야 합니다. 그렇지 않으면 집이 지어지기도 전에 집을 꾸미는 것과 마찬가지입니다.

이제 글을 쓰기 시작하여 가사로 만들 차례입니다. 절-코러스 형식을 선택하는 경우, 대부분의 사람들이 기억할 부분이 후렴구이므로 후렴구 가사를 먼저 작성하는 것이 좋습니다. 이 시점에서 한 가지 언급하고 싶은 것은 노래 전체를 한 번에 완벽하게 작성할 필요는 없다는 것입니다. 원하는 가사가 있지만 도저히 떠오르지 않을 때 실제 가사 대신 '더미 가사'를 사용하는 경우가 종종 있습니다. 케이티 페리가 '베이비, 넌 불꽃이야 '를 결정하기 전에 '참치와 애플 파이' 라는 가사를 먼저 썼다고 상상하고 싶어요.

후렴구가 마음에 들면 계속해서 구절을 작성하세요. 어느 정도 형태가 잡히면 나머지 구절을 작성합니다(위에서 언급한 적은 것이 더 많다는 접근 방식을 염두에 두세요). 각 구절의 해당 줄에 대해 줄 길이와 음절 수가 일치하도록 하세요. 구조에 다리와 같은 다른 섹션이 있는 경우 해당 섹션에 대한 가사를 더 작성하세요.

축하합니다, 가사 전체를 완성하셨군요! 일부 가사가 마음에 들지 않더라도 한쪽으로 치워두고 잠시 시간을 내보세요. 하루를 보내는 동안 뇌는 백그라운드에서 노래를 계속 처리할 것입니다. 다시 노트북으로 돌아오면 새로운 관점을 갖게 될 것이고, 그냥 쓸 수 있도록 수정할 수 있을 것입니다(말장난이 너무 많았나요? 죄송합니다...).

가사 우선 접근 방식의 장단점:

+ 청중의 귀를 사로잡을 수 있는 명료하고 잘 짜인 가사가 있습니다.

- 모든 가사를 먼저 쓰면 음악이 말하고자 하는 바를 표현할 여지가 없을 수 있습니다.

음악 우선 접근 방식

작곡을 더 좋아한다면 음악 우선 접근 방식에 끌릴 가능성이 높습니다. 가사가 제 역할을 할 수 있도록 공간을 남겨두는 것을 잊지 마세요( 드림 시어터가 아니라면). 음악적 천재성을 발휘하고 싶은 아이디어가 무수히 많을 수 있지만, 그 모든 것을 한 곡에 담을 필요는 없습니다.

음악을 먼저 접근하는 과정은 위에서 설명한 것과 비슷합니다. 작업할 때 곡의 감정적 풍경에 대해 생각해 보세요. 코드 구조와 화성적 풍경에서 그 감정을 어떻게 전달할 것인가? 멜로디는 어떤 형태를 취할까요? 템포는 이 모든 것에 어떤 영향을 미칠까요?

다음으로 몇 가지 음악적 아이디어를 스케치하세요. 코드 진행이나 기타 리프, 베이스 라인(또는 세 가지 모두)이 될 수 있습니다. 이 스케치를 항상 가지고 있는 보이스 레코더에 넣는 것이 좋습니다(음성 메모 앱은 신의 축복입니다!). 멋진 멜로디가 떠올랐다가 컴퓨터로 달려가 Logic을 부팅하는 동안 잊어버리는 것보다 더 나쁜 일은 없으니까요. 저는 그냥 녹음을 시작하고 무엇이 나오는지 지켜보는 것을 좋아합니다. Zoom h1n 레코더에서는 파일에 마커를 추가할 수 있어서 DAW로 가져올 때 가장 좋은 비트를 쉽게 찾을 수 있습니다.

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다시 말하지만, 구조가 중요합니다. 시작하기 전에 무엇을 만들고 있는지 알아야 합니다! 구조를 결정했으면 다른 섹션을 만들기 시작하세요. 이 작업에는 옳고 그른 방법이 없으며, 보컬 멜로디를 먼저 작성한 다음 그에 맞는 코드를 만들 수도 있고 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 참고로 이 단계에서는 음악 이론에 대한 기본적인 이해가 도움이 될 것입니다. 멜로디에 맞는 화음을 찾기 위해 수많은 화음을 시도하는 대신, 어떤 것이 효과가 있고 어떤 것이 효과가 없는지 알 수 있습니다.

힙합 분야에서 일한다면 가장 먼저 만드는 것이 비트일 가능성이 높습니다. 전설적인 프로듀서 팀발랜드는 신곡을 작업할 때 비트 를 만든 다음 가사를 추가하기 전에 그와 그의 제작팀이 음악으로 꾸미는 것을 좋아합니다.

마지막으로, 두뇌가 새로운 아이디어를 떠올릴 수 있도록 노래에 집중할 시간을 주세요. 그런 다음 가사를 추가할 수 있는 작사가(본인이 될 수도 있습니다)에게 보내세요.

음악 우선 접근법의 장단점

+ 가창력 높은 멜로디 및/또는 후크가 만들어질 가능성이 높습니다.

- 가사를 쓰기 전에 멜로디를 만들면 기억에 남는 기발한 대사를 놓칠 수 있습니다.

하이브리드 접근 방식

위의 두 가지 접근 방식은 두 요소 간의 상호 작용 없이 초기 아이디어에서 완성까지의 과정을 거쳤습니다. 보다 일반적인 기법은 두 가지를 혼합하고 일치시켜 두 가지를 동시에 개발합니다.

이러한 방법은 작사자이자 작곡가이거나 같은 공간에 공동 작사가가 있는 경우 일반적으로 사용됩니다. 이 경우에도 영감은 한 줄의 가사나 한 구절, 어쿠스틱 기타로 연주하는 멋진 코드 등 무언가가 먼저 떠오를 수 있습니다. 가사가 먼저든 음악이 먼저든 무엇이든 상관없습니다. 중요한 것은 시너지를 창출하고 서로(또는 혼자서 작업하는 경우 혼자서) 아이디어를 떠올리는 것입니다.

이 방법으로 작곡하는 단계는 위와 동일합니다. 곡의 감정적 경로를 결정하고, 구조를 파악하고, 섹션을 만들고, 휴식을 취하고, 단어를 바꾸고, 코드를 바꾸고, 만족할 때까지 수정합니다. 이 접근 방식의 장점은 글을 쓰면서 각 요소가 서로에게 계속 영감을 줄 수 있다는 점입니다. 레논과 매카트니도 이런 방식으로 곡을 쓰기 시작했고, 그 결과 좋은 결과를 얻었다고 해도 과언이 아닙니다.

하이브리드 접근 방식의 장단점

+ 음악과 가사가 자연스럽게 어우러집니다.

- 다양한 리프와 가사 아이디어를 시도하는 끝없는 회전목마에 빠져 곡을 완성하지 못할 수도 있습니다.

가사, 아니면 시?

논란의 중심에 선 60년대 로커 더 도어스의 프론트맨 짐 모리슨은 가사를 썼습니다. 더 정확하게는 시를 쓴 다음 가사로 바꾸거나 음악 배경을 설정한 것입니다. 시와 가사는 비슷하지만 서로 다른 두 가지입니다. 시는 음악 없이도 스스로를 표현할 수 있도록 자급자족하도록 고안되었습니다. 반면 가사는 노래 방정식의 절반을 차지합니다. 가사는 그 자체로 단순하거나 유치해 보일 수 있습니다. 하지만 가사가 음악에 맞춰지면 이러한 불충분함은 사라집니다. 작곡가가 시를 가져다가 음악으로 만드는 경우도 있지만, 클래식 음악에서 더 흔하게 볼 수 있습니다.

시를 가사로 바꾸기

시를 노래 형식으로 각색하고 싶을 수도 있습니다. 어떻게 하시겠습니까?

이미 감정적 기반이 마련되어 있습니다. 가장 먼저 살펴봐야 할 것은 구조입니다. 가사가 고전적인 노래 형식을 따르지 않을 수 있으므로 선택한 형식에 적합한 섹션으로 단어를 만들어야 합니다. 반복되는 각 섹션(절 또는 A)은 음절 수와 강세가 동일한 패턴을 따라야 하므로 줄 길이와 대칭성도 고려해야 합니다. 마지막으로 가사는 음악이 숨을 쉴 수 있는 공간이 필요합니다. 모든 것을 말로 표현할 필요는 없으며, 다른 악기들이 각자의 이야기를 들려줄 수 있도록 하세요.

내 관점

작곡에 대한 제 접근 방식은 어떤가요? 대답을 회피할 위험을 무릅쓰고 말하자면, 제가 어떤 작업을 하고 있는지, 누구와 함께 작업하는지에 따라 달라집니다. 저는 주로 음악가이기 때문에 자연스럽게 작곡과 보컬 멜로디에 집중합니다. 극장용 곡을 작업할 때는 공동 작업자들과 함께 작업하는데, 종종 누가 먼저 작업할지 서로 의견을 교환하곤 합니다. 가사 전체를 쓰기도 하고, 가사 일부만 쓰기도 하죠. 그러면 아이디어를 떠올려서 가사를 다시 보내서 수정할 수 있도록 하고, 다음 부분은 음악으로만 쓸 수도 있습니다. 다른 경우에는 작사가가 작업할 수 있도록 더미 가사를 사용한 거친 보컬과 함께 음악 아이디어만 보내기도 합니다. 하지만 항상 곡의 의도가 무엇이고 어떻게 구성될지 우리 모두는 알고 있습니다.

제 공동 작업자들은 가끔 기존 곡 위에 운율, 구조 등을 이용해 가사를 만들어서 가사를 쓴다고 고백한 적이 있습니다. 그들은 이런 작업을 했는지 저에게 절대 말하지 않고, (모든 것을 다시 원점으로 돌려야 할 경우를 대비해) 곡을 절대 말하지 않습니다. 다른 뮤지션과 작업하는 작사가로서 아이디어를 구체화하는 데 어려움을 겪고 있을 때 사용할 수 있는 멋진 트릭입니다. 아무리 노력해도 새로운 음악을 만들 때 원곡을 생각하지 않는 것은 어렵기 때문에 역으로 하는 것이 더 어렵습니다!

'일반적인' 작곡의 경우 저는 거의 항상 하이브리드 방식을 채택합니다. 두 가지를 분리하기가 어렵고, 가사가 떠오르면 어떤 형태로든 노래를 부르게 되니까요. 마찬가지로 생각하다가 코드 진행이나 멜로디가 마음에 들면 가사가 따라 나오기도 합니다. 이 글에서 소개한 두 가지 접근 방식 중 하나를 사용하여 최고의 곡이 쓰여진 것도 사실이지만, 궁극적으로 작곡은 두 가지 버전이 존재하더라도 공동 작업의 결과물입니다.

결론

작곡은 음악과 가사가 서로를 보완하여 부분의 합보다 더 큰 노래가 되는 예술 형식입니다. 한 요소를 제거하면 노래의 절반도 완성되지 않습니다. 이 글의 맨 위에 있는 질문에 대한 정답은 '둘 다 아니다'이며, 둘 다 서로에게 영향을 미칩니다. 닭이 먼저인지 달걀이 먼저인지에 대한 질문과 마찬가지로 정답을 찾을 수 있는 방법은 없습니다. 그리고 더 중요한 것은 누가 신경 쓸까요? 결국은 노래가 중요하니까요.

훌륭한 노래에서 음악과 가사는 똑같이 중요하기 때문에 다양한 접근 방식을 시도해 봄으로써 작곡의 신선함을 유지하는 것이 좋습니다. 코드만 먼저 떠올려서 곡을 써본 적이 있는 뮤지션이라면 멜로디를 음성 메모로 불러보고 코드를 추가한 다음 가사를 써보세요. 작곡 과정에서 노랫말에 먼저 집중하는 편이라면 가사를 추가하기 전에 몇 가지 화음으로 아이디어를 떠올리며 노래를 불러 보세요. 만약 하이브리드형이라면 가사로만 작업하는 공동 작업자를 찾아서 곡을 완성한 후 여러분이 참여하도록 하는 것은 어떨까요? 최소한 자신의 글쓰기 스타일과 자신에게 맞는 것이 무엇인지에 대해 배울 수 있을 것입니다.

작곡가 여러분, 작곡을 시작하세요. 미래는 여러분의 것입니다!