Composer, c'est souvent repousser les limites. Mais lorsque les limites ne sont plus du tout respectées, que devient la composition ? En d'autres termes : les œuvres des compositeurs peuvent-elles un jour cesser d'être considérées comme... de la musique ?

Car le dictionnaire Oxford définit l'opéra comme "une forme de drame musical où des forces rythmiques purement mélodiques s'entrelacent avec des éléments narratifs". Cela ne semble pas s'appliquer au "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, par exemple. D'accord ; pouvons-nous continuer à l'appeler "mélodrame" alors ? :)

Avant-propos

La composition est un processus profondément personnel et créatif pour tout artiste. Chaque artiste a son propre style, qui reflète son individualité et sa vision artistique.

Lorsqu'il entame le processus de création, l'artiste réfléchit soigneusement à la manière de mélanger divers éléments pour créer un ensemble cohérent. Par son style de composition, l'artiste transmet son esthétique et ses perspectives au public.

Le style de composition d'un artiste peut évoluer au fil du temps, reflétant sa croissance personnelle et ses influences changeantes. Ou plutôt, c'est la fusion du style et de la composition qui donne naissance aux œuvres d'art. Chaque œuvre porte une part de l'âme de l'artiste et un message unique que le monde doit interpréter.

Les bons compositeurs de musique ont toujours eu la capacité unique de transformer leurs pensées et leurs expériences en chefs-d'œuvre musicaux. Aujourd'hui, les compositeurs modernes continuent de repousser les limites de l'expression musicale.

La musique occidentale était, en un sens, définie par un centre tonal. Dans l'atonalité, les compositeurs se libèrent des contraintes liées à l'utilisation d'une tonalité particulière et des attentes qui en découlent.

Ils peuvent utiliser les douze notes de la gamme chromatique de manière égale, sans tenir compte des hiérarchies de l'harmonie tonale traditionnelle.

Cette absence de tonalité définie dans l'atonalité a ouvert la voie à des compositions uniques et innovantes.

Musique classique

La musique occidentale classique possède une tonalité définie (ou des centres tonaux, en cas de modulations).

On peut trouver un centre tonal fort dans pratiquement toutes les compositions classiques. Par exemple, dans la très populaire Symphonie n° 9 de Beethoven, la tonalité de ré mineur sert de "point d'ancrage".

Cet exemple illustre la manière dont les compositeurs utilisent le concept de centre tonal pour créer une cohésion musicale et un sentiment de résolution. Cela ne veut pas dire que la gamme chromatique n'est pas un élément fondamental de la musique classique. En fait, c'est tout le contraire !

Dans la composition classique, l'utilisation de la gamme chromatique introduit une palette de couleurs musicales riche et expressive. Elle élargit le choix des options, ce qui permet d'obtenir des harmonies complexes et des passages chargés dans les œuvres classiques.

Les accords fonctionnels

Comme nous l'avons vu dans notre article sur la gamme diatonique, la notion d'accord a évolué au cours des âges. La musique tonale en donne une définition plus stricte et plus structurée.

Le concept de fonctionnalité des accords est étroitement lié aux relations mutuelles entre les accords, telles qu'elles sont définies par les progressions et les cadences harmoniques.

Cependant, un simple accord peut également être fonctionnel et fournir une structure qui sous-tend une mélodie. Tout dépend donc des compétences et des intentions du compositeur.

Les auteurs habiles peuvent créer une grande variété d'ambiances à partir d'un seul accord, dans différents contextes musicaux. Apprendre à s'exprimer par le biais d'un accord est une étape cruciale vers l'art musical !

Au-delà du classicisme

Au début du XXe siècle, des musiciens comme Alexandre Scriabine et Igor Stravinsky ont commencé à décrire la musique en s'éloignant de la gamme diatonique traditionnelle.

Leurs œuvres expressionnistes adoptent un chromatisme expressif, utilisant des harmonies, des gammes et des accords qui abandonnent presque totalement la tonalité conventionnelle.

Lorsqu'on écoute leurs compositions, on se rend compte de la maîtrise dont ils faisaient preuve. Leurs progressions d'accords et leurs mélodies chargées défiaient les attentes de l'auditeur.

Le début

Au fur et à mesure de l'évolution, des idées novatrices ont remis en cause les dernières contraintes de l'harmonie fonctionnelle.

Cet écart par rapport à l'approche traditionnelle a rendu les accords successifs dissonants et déconnectés, du point de vue de la structure conventionnelle des accords.

Arnold Schoenberg a introduit l'atonalité et de nombreuses autres techniques expérimentales, repoussant les limites encore plus loin. Le "style Schoenberg" était tellement avant-gardiste à l'époque que certains ne le considéraient même pas comme de la musique, ce qui fait de ses efforts un exemple de changement de paradigme archétypal.

Son atonalité libre exigeait que les concepts harmoniques traditionnels soient entièrement abandonnés, sans être strict quant à ce qui les constitue exactement. Cela soulève la question suivante : un compositeur atonal se concentre-t-il sur la rupture de toutes les règles traditionnelles ?

Esthétique de l'atonalité

Contrairement à la croyance populaire, l'atonalité n'est pas une "anti-tonalité". Il s'agit d'un ensemble de principes indépendants. Si les cadences harmoniques sont "interdites", les compositeurs atonaux ne fondent pas leur esthétique sur le degré de non-tonalité d' un morceau de musique.

L'absence d'un centre tonal traditionnel est en effet un trait caractéristique d'une pièce atonale. Et oui : dans une œuvre atonale, le compositeur évite délibérément d'établir une tonalité de base, ce qui conduit à une manifestation dynamique de diverses structures d'accords.

Ces principes ont donné naissance à ce que l'on a appelé plus tard la seconde école de Vienne. Arnold Schoenberg a écrit Pierrot Lunaire pour démontrer ses points esthétiques plus tôt, et ses élèves Alban Berg et Anton Webern ont suivi, commençant à écrire des pièces pour piano et même des suites.

Leurs morceaux de piano, en particulier, ont montré que l'orientation musicale était totalement différente. La main droite ne "volait" pas en jouant la mélodie ou les notes de passage des cadences majeures. Les morceaux portaient plutôt sur les classes de hauteur et la structure, en envoyant les touches majeures à la retraite.

Oui, dans la musique atonale, la virtuosité (ou plutôt la dextérité) devient moins importante. Webern et Berg ont continué à s'appuyer sur ce que leur professeur leur avait enseigné, ce qui a conduit à d'autres développements stylistiques.

Années Apex

La musique sérielle est apparue comme une rupture significative avec la musique atonale libre en tant que telle. Elle repose sur une technique dodécaphonique, ou rangée de tons, qui détermine la séquence mélodique et les accords successifs tout au long d'une composition.

La technique de composition correspondante, alors appelée "sérialisme", s'est imposée grâce aux travaux de la seconde école de Vienne. L'impulsion donnée par les compositeurs a conduit à la création d'œuvres atonales révolutionnaires.

Les élèves préférés de Schoenberg (Alban Berg et Anton Webern, déjà cités) étaient à l'avant-garde du mouvement sérialiste.

Ils ont commencé à utiliser des structures mathématiques rigoureuses pour organiser leurs compositions. Leurs œuvres atonales utilisent souvent les rangées dodécaphoniques susmentionnées pour atteindre leur objectif.

Ce système exigeait que les 12 tons de la gamme chromatique soient utilisés, mais pas à partir d'une seule octave et strictement sans aucune ressemblance avec une mélodie tonale (telle qu'elle est définie traditionnellement). Pour ajouter au défi, la "rangée" doit être développée sans répétitions de tons.

Par conséquent, la musique atonale est devenue un véritable défi pour l'interprète, en particulier les pièces atonales comportant une partie vocale. En raison de l'absence de référence harmonique fonctionnelle, les chanteurs moins expérimentés devaient souvent faire des exercices spéciaux et même apprendre leur partie par cœur.

L'influence du sérialisme a laissé un impact durable sur le monde de la musique classique contemporaine. Les pièces atonales ont ouvert la voie à d'autres expérimentations en matière de composition.

Les non-viennois

Il serait erroné de conclure que la musique atonale est liée à Vienne - ou à l'Occident en général, d'ailleurs.

Sergei Prokofiev a exploré ces concepts de manière indépendante, créant des œuvres qui remettaient particulièrement en question la structure conventionnelle de l'opéra. Il a continué à construire sur les bases établies par Scriabine et Stravinsky.

Ses compositions, à l'instar de l'opéra Wozzeck d'Alban Berg, ont vu la dissolution de l'élément structurel principal, tandis que les mélodies et les rythmes gagnaient en indépendance et en complexité.

Ironiquement, l'atonalité libre peut être considérée à la fois comme le début et la fin, simplement parce que l'atonalité était moins stricte avant et après les Sérialistes.

On peut ne pas être d'accord, mais certains aspects ou extraits de la musique de Prokofiev, Chostakovitch ou même Rachmaninov sont en quelque sorte "librement atonaux".

Le jazz

Au moins depuis Charlie Parker, et certainement après lui, tous les musiciens de jazz ont été obsédés par la façon d'élargir les centres tonaux, de "redéfinir les tonalités" en quelque sorte. C'est ce qui a donné naissance au cool jazz et au jazz modal en particulier.

Un peu plus tard, Herbie Hancock a exploré la fusion de la musique classique contemporaine et des genres de jazz - une conséquence inévitable de son esprit novateur. Il a traité le rythme comme un partenaire inséparable de la mélodie, créant des compositions révolutionnaires.

Ces expériences de tensions mélodiques et rythmiques sont devenues l'un des principaux déterminants du développement de la nouvelle musique au 20e siècle.

Les conséquences

La musique atonale n'a pas mis fin à la musique tonale ou à l'harmonie fonctionnelle. Elle a plutôt redéfini les concepts, les accords et ce qui définit un centre tonal, ce qui constitue un accord, etc.

La musique tonale aujourd'hui

L'harmonie fonctionnelle contemporaine semble... eh bien... enrichie (c'est le moins que l'on puisse dire). L'esthétique permet à la fois les classes de hauteur de la musique atonale et un centre tonal.

La musique tonale d'aujourd'hui peut comporter - et comporte - de la musique atonale. Ou peut-être des "ressemblances" avec la musique atonale, ou peut-être des aperçus et des influences de la musique atonale. Et c'est tout à fait naturel, car la musique est la musique, et la clé se trouve dans les idées des compositeurs.

La musique atonale d'aujourd'hui ?

De même, la musique atonale est de la musique atonale. Et la musique atonale contemporaine existe, même si elle n'est pas nommée comme telle (comme "musique atonale contemporaine" ).

Arnold Schoenberg et toutes les écoles qui l'ont précédé sont très différents des écoles d'aujourd'hui. Le "Pierrot Lunaire" n'est pas comparable à la musique atonale d'aujourd'hui. Mais d'un autre côté, elle n'était pas non plus comparable à la "Thrénodie aux victimes d'Hiroshima" de Penderecki, qui n'a été composée qu'une décennie après la mort de Schoenberg...

Ce qui compte, c'est que la musique atonale de Schoenberg a apporté de nouvelles idées au monde de la musique. Des idées clés, particulièrement utiles dans le domaine de la musique de film ou de théâtre. Et oui : aujourd'hui, tout le monde s'accorde à dire que les œuvres de Schoenberg étaient - et seront toujours - de la musique !