Vous êtes-vous déjà demandé comment étaient créées vos chansons préférées ? Ou peut-être souhaitez-vous créer votre propre musique ?

Que vous rêviez de produire de la musique pour d'autres artistes, de composer de la musique pour les médias, ou que vous souhaitiez simplement comprendre comment la saucisse musicale est fabriquée, ce guide vous accompagne pas à pas.

Nous vous accompagnerons tout au long du processus, notamment en vous expliquant le matériel dont vous avez besoin, les techniques d'écriture et de composition, ainsi que les aspects techniques de la production musicale.

La production musicale est un monde sauvage et amusant de plugins, de logiciels, de matériel, de compétences et de créativité. Mais tout ce dont vous avez besoin, c'est d'un ordinateur portable et d'un rêve.

Et ce guide.

Tout producteur de musique commence quelque part. C'est ici que vous commencez.

Production musicale, partie 1 : équipement et compétences

Les bases de la production musicale

L'expression "produire de la musique" est une manière faussement simple de décrire toute une série d'activités qui constituent le processus de production musicale.

Voici un aperçu de ce qu'implique la production de musique :

Rédaction et arrangement

Avant d'enregistrer de la musique, il faut d'abord écrire la chanson. Il est vrai que de nombreux producteurs écrivent des morceaux au fur et à mesure qu'ils les produisent - en construisant un rythme, en créant une progression d'accords, en ajoutant une ligne de basse, etc.

Lorsque vous écrivez des chansons, il est plus important d'écrire avant d'entrer en studio, car les paroles sont une partie très importante de la chanson.

Quoi qu'il en soit, à un moment donné, la musique et les paroles doivent être écrites, et elles doivent être organisées en une structure cohérente - l'arrangement de la chanson.

Tous les producteurs de musique ne participent pas à l'écriture des chansons, en particulier lorsqu'ils travaillent principalement avec des artistes plutôt que pour eux-mêmes.

Programmation et conception sonore

Selon le style de musique que vous produisez, le processus de production peut comporter un élément de programmation. Il peut s'agir de la programmation de rythmes et de parties de basse, ou de la création de différents sons à l'aide de synthétiseurs et de plugins.

Certains genres s'appuient plus fortement sur ce processus que d'autres. La musique électronique, par exemple, implique davantage de programmation que la production d'un groupe de rock. Plus vous êtes "dans la boîte", plus vous devrez programmer.

Enregistrement

L'enregistrement de voix ou de "vrais" instruments est un aspect important de la production musicale. Si vous travaillez avec d'autres musiciens et chanteurs, le rôle du producteur consiste à obtenir les meilleures performances de chacun lors de l'enregistrement. Pour ce faire, vous devrez faire preuve d'une grande aisance relationnelle !

Mixage et mastering

Une fois que tout est enregistré et programmé, la piste doit être mixée et masterisée. Certains producteurs s'occupent eux-mêmes de l'un ou des deux, tandis que d'autres font appel à un ingénieur spécialisé dans le mixage et/ou le mastering.

Que fait un producteur de musique ?

Quelle est la place du producteur de musique dans tout cela ? Cela dépend. De nombreux musiciens produisent leur propre musique, assumant le rôle d'auteur-compositeur, d'artiste et de producteur. Parmi les exemples célèbres, citons Chance the Rapper, l'artiste britannique Skepta et Pharrell Williams.

D'autres producteurs de musique collaborent avec des artistes pour les aider à façonner leur son. Il peut s'agir simplement d'arranger un arrangement en studio et d'obtenir les meilleures performances des musiciens qu'ils enregistrent, ou de participer plus profondément au processus de création musicale. George Martin était communément appelé le "cinquième Beatle" en raison de son implication majeure dans le processus créatif des Beatles.

Un producteur de musique qui réussit est compétent dans tous ces domaines, mais il sait où ils s'insèrent dans le tableau et comment ils peuvent servir au mieux la musique.

Outils et équipements

Que vous produisiez vos propres chansons ou que vous collaboriez avec d'autres artistes, vous aurez besoin d'un équipement de base pour commencer. Certes, vous pouvez réserver un studio d'enregistrement avec tous les outils nécessaires, mais cela devient vite coûteux, surtout si vous débutez dans la production musicale.

La bonne nouvelle, c'est qu'il est possible de créer un home studio étonnamment performant sans se ruiner (ou sans faire sauter la carte de crédit de ses parents). Passons en revue les outils et équipements essentiels dont vous aurez besoin pour commencer à faire de la musique dans le confort de votre propre espace.

Ordinateur

La première chose dont vous aurez besoin est un objet que vous possédez probablement déjà : un ordinateur. Qu'il s'agisse d'un Mac ou d'un système d'exploitation Windows, il sera le cœur battant de votre studio. L'idéal est de disposer de processeurs performants, de beaucoup de mémoire vive et d'un disque SSD pour que tout se passe bien.

Station de travail audio numérique

Une station de travail audio numérique (DAW) est le QG de commande d'un producteur de musique professionnel. C'est là que tout se passe : les instruments sont enregistrés, les synthétiseurs sont programmés, les mélodies sont transformées en pistes, etc. En bref, c'est l'outil principal du producteur de musique.

Il existe une multitude de stations de travail audio numériques fantastiques pour tous les budgets:

• Faucheur
• Logic Pro
• Ableton Live
• FL Studio
• Cubase
• Pro Tools
• PreSonus Studio One

Bien qu'ils aient tous des caractéristiques différentes, ils font tous essentiellement la même chose : capturer la musique que vous créez.

Interface audio

Une interface audio permet de transférer des signaux analogiques dans le monde numérique, et vice-versa. Si vous enregistrez une source externe dans votre logiciel d'enregistrement, comme une voix, une guitare, etc .

Certaines interfaces audio offrent également d'autres options de connectivité, telles que le MIDI et l'audio numérique; essentiel si vous souhaitez connecter du matériel MIDI ou analogique à votre système.

Enfin, une interface audio fournira des sorties pour connecter des moniteurs de studio et des casques (parfois plusieurs), ce qui vous permettra d'entendre votre chef-d'œuvre dans toute sa gloire sonore. À ce propos...

Moniteurs et écouteurs

Vous aurez besoin de quelque chose pour écouter la musique que vous avez créée. Les coussins d'air ou les haut-parleurs grand public ne feront pas l'affaire ; ils colorent le son pour le rendre agréable à l'oreille.

Ce qu'il vous faut, ce sont des moniteurs et des casques dédiés au home studio qui offrent une représentation précise de ce qui sort de votre logiciel d'enregistrement, avec toutes ses imperfections. Vous en aurez besoin pour le monitoring pendant l'enregistrement des pistes, mais aussi plus tard dans le processus de production.

Contrôleur MIDI

Quel que soit le type de musique que vous produisez, il est utile de disposer d'un contrôleur MIDI. Il en existe de toutes les formes et de toutes les tailles, avec des caractéristiques différentes, mais même un simple petit clavier vous permettra d'entrer des notes rapidement et facilement.

Les contrôleurs MIDI sont souvent dotés de pads, de boutons et de molettes qui rendent plus musicales la lecture de motifs de batterie ou le contrôle d'autres paramètres MIDI. Certains sont même équipés de faders pour faciliter le travail de mixage.

Échantillons, instruments logiciels et effets

À moins que vous n'enregistriez des chants grégoriens dans une église, vous aurez besoin de plugins pour traiter vos sons. Qu'il s'agisse d'effets de base comme la réverbération et le délai, ou de traitements plus complexes comme la synthèse sonore granulaire et la compression de la chaîne latérale, ces plugins vous aideront à créer un son unique et à donner à votre mixage un aspect professionnel.

Heureusement, la plupart des logiciels d'enregistrement sont livrés avec des instruments et des effets de base qui permettent de faire le travail correctement, de sorte qu'il n'est pas nécessaire d'investir dans un logiciel dès le départ.

Microphone

Enfin, si vous envisagez d'enregistrer des voix (ou tout autre type d'instrument acoustique) dans votre home studio, vous aurez besoin d'un microphone de bonne qualité. Veillez à en choisir un qui fonctionne bien pour les types de sources sonores que vous allez enregistrer.

Chaise et bureau confortables

Même si ce n'est pas indispensable, le fait de disposer d'une chaise et d'un bureau confortables pour travailler des heures durant pendant que vous composez de la musique augmentera votre productivité. Qu'est-ce que je peux dire ? J'aime être à l'aise lorsque je produis.

Compétences du producteur de musique

Oui, vous pouvez aller à l'université pour étudier la production musicale, mais le coût est élevé. De nombreux producteurs sont autodidactes et la plupart des techniques de production musicale peuvent être apprises grâce à des cours en ligne, en regardant des vidéos en ligne ou en suivant des tutoriels sur des sites web ou dans des magazines.

Il existe cependant quelques compétences moins évidentes qui vous aideront à devenir un meilleur producteur.

Théorie de la musique

C'est peut-être une évidence. Mais plus vous comprendrez le fonctionnement de la musique, plus vous serez à même de la produire ; vous saurez instinctivement pourquoi quelque chose ne fonctionne pas musicalement et comment y remédier.

De plus, si vous travaillez avec d'autres musiciens, cela vous aidera à communiquer plus efficacement avec eux. À ce propos...

Compétences humaines

La communication est probablement la partie la plus importante du métier de producteur. Qu'il s'agisse de créer des réseaux dans l'industrie musicale ou de collaborer avec d'autres artistes, il est essentiel de savoir mettre les gens à l'aise.

Compétences en matière d'écoute

Tout le monde écoute de la musique. Mais un producteur de musique écoute différemment.

L'écoute active consiste à se pencher sur les détails, à analyser les mélodies, à décomposer les arrangements, à comprendre ce qui se passe dans le mixage et à repérer les techniques utilisées dans les chansons les plus populaires. Cela signifie également être attentif aux changements de style, de son et de structure qui reflètent les tendances actuelles de l'industrie.

Le développement de ce type d'écoute ciblée est l'une des compétences les plus précieuses que vous puissiez acquérir en tant que producteur de musique, et elle s'affine avec la pratique.

Gestion de projet

Cela peut sembler sortir d'un manuel d'entreprise, mais la gestion de projet est un aspect important du métier de producteur de musique, surtout si vous produisez un album entier avec un groupe ou si vous travaillez sur un projet en collaboration.

Vous devrez vous occuper de la gestion des fichiers, de la programmation des séances, de l'engagement des musiciens et du budget (même un producteur de musique ne peut échapper à une feuille de calcul).

Il est également utile d'avoir une compréhension de base du fonctionnement des contrats de l'industrie musicale. Les relations avec les musiciens de studio, les licences ou les droits d'auteur ne constituent pas la partie la plus tape-à-l'œil de la production d'un disque, mais c'est sans aucun doute l'une des plus importantes si vous voulez que votre production soit professionnelle et sans accroc.

Production musicale Partie 2 : Techniques et stratégies

Techniques d'écriture et de composition

Points de départ

Il n'y a rien de pire que de regarder un écran vide, de vouloir écrire de la musique, mais de ne pas savoir par où commencer. Le problème vient en partie du fait qu'il existe de nombreuses façons de commencer une chanson.

Construire un rythme

Commencer un morceau par un groove peut être une excellente façon de le faire : il donne de l'énergie et du rythme et, dans certains genres, entraîne tous les autres instruments. Les stations de travail audio numériques telles que FL Studio et Ableton Live permettent de créer des rythmes en toute simplicité.

Créer une progression d'accords

Si vous recherchez quelque chose de plus vibrant, essayez de commencer par une progression d'accords. Une fois que vous avez commencé, vous pouvez changer d'accord pour créer quelque chose de plus unique.

Choisir une structure de chanson

Le fait de disposer d'une feuille de route indiquant la progression de votre chanson peut vous aider à rester concentré, en particulier lors de l'écriture des paroles.

Écrire quelques paroles

Si la musique n'est pas au rendez-vous, essayez de commencer par les paroles. Une accroche lyrique forte peut suggérer un rythme qui deviendra la base d'une chanson.

Faites des boucles ensemble

Parfois, il est bon de jouer avec les idées. Essayez de lancer un tas de boucles dans un projet pour créer une ambiance. Il peut s'agir d'éléments audio ou MIDI - tout ce qui peut donner un coup de fouet à votre créativité. Souvent, vous trouverez une bribe d'idée musicale cachée quelque part, et cette pépite vous mènera vers un nouveau territoire créatif.

La nouille

Il n'est pas nécessaire d'être un virtuose du piano ou de la guitare pour que cela fonctionne. Il vous suffit de trouver un son qui vous plaît, de l'enregistrer et de commencer à jouer. Explorez, faites des erreurs et explorez des territoires que vous n'avez jamais visités auparavant. Surtout, ne vous éditez pas, jouez simplement.

Simplicité

Oui, connaître la théorie musicale est utile pour produire de la musique, mais il n'est pas nécessaire d'être diplômé en musique pour écrire des chansons.

De nombreuses chansons populaires reposent sur des progressions d'accords très basiques de trois ou quatre accords. Souvent, le couplet et le refrain utilisent la même progression sous une mélodie différente et avec une instrumentation différente. Il n'est pas nécessaire d'explorer toutes les possibilités harmoniques si vous trouvez un accord qui fonctionne bien.

Il en va de même pour les mélodies : elles sont souvent plus efficaces lorsqu'elles sont courtes, faciles à chanter et intéressantes sur le plan rythmique.

N'essayez pas de réinventer la roue ; lorsque vous trouvez une idée musicale qui vous plaît, suivez-la. Après tout, c'est l'émotion qui se cache derrière la chanson qui attirera les auditeurs.

Apprendre des autres

Il y a beaucoup de chansons dans le monde. Certaines sont bonnes, d'autres mauvaises, d'autres encore indifférentes (je te regarde, Nickelback). Mais qu'on les aime ou qu'on les déteste, on peut apprendre beaucoup de choses en écoutant activement des chansons. Commencez par vos morceaux préférés ;

• Quelle est la structure de la chanson ?
• Comment la progression des accords évolue-t-elle ?
• Quelle est la forme de la mélodie ?
• Comment le tempo affecte-t-il les qualités émotionnelles ?

Je ne dis pas qu'il faut copier votre chanson préférée, mais plutôt apprendre ce qui vous touche en étudiant toutes les parties inhérentes.

Il en va de même pour l'instrumentation, l'arrangement et les techniques de production. Plus vous vous engagez dans ce processus d'apprentissage et absorbez de la musique d'autres genres (en particulier ceux que vous n'écoutez pas souvent), plus votre propre style musical sera riche.

Commencer à faire de la musique

Il n'y a pas de règle absolue sur la façon de commencer une chanson ; l'essentiel est que vous commenciez et que vous continuiez à commencer. Conservez tout, même les nouilles à moitié cuites que vous avez produites après une soirée en ville. Vous pourrez toujours y revenir plus tard et vous en inspirer.

Lancer son premier projet

Vous avez rassemblé tous les outils dont vous avez besoin et vous êtes prêt à produire votre premier morceau. Oo-err, madame. Il faut toute une vie pour maîtriser la production musicale, et la meilleure façon d'apprendre est de le faire.

Voyons étape par étape à quoi ressemble la production musicale. Ce n'est pas la seule façon de faire, c'est juste une façon de faire. J'utilise Logic Pro pour cette présentation, mais vous pouvez recréer les étapes dans pratiquement n'importe quel logiciel de création musicale.

Avant de commencer

Je suis une adepte de l'organisation. Cela permet de garder les choses en ordre lorsque vous travaillez sur plusieurs projets en même temps. Pour cela, créez un dossier principal sur votre disque dur où vous stockerez tous vos projets en cours (vous pouvez archiver les projets sur un disque dur externe lorsqu'ils sont terminés).

Créez ensuite un sous-dossier pour chaque projet sur lequel vous travaillez actuellement. Une fois que vous avez ouvert votre session, cliquez immédiatement sur "Enregistrer sous" et donnez-lui un nom. De cette façon, vous pouvez sauvegarder votre progression au fur et à mesure en appuyant sur Ctrl+S/Commande+S, plutôt que de vous perdre dans la musique et de perdre tout votre travail à cause d'un crash du système (je l'ai fait, je l'ai fait).

OK, le ménage est fait. Passons à la création musicale.

Étape 1 : Construction d'une progression d'accords

C'est un lundi doux, alors jouons et créons quelque chose de vibrant. Je commence par une progression d'accords mélancolique ( Am - Dm9 - G - E7/G# ) jouée sur un piano électrique.

Étape 2 : Ajout de la basse et de la batterie

Ensuite, je veux ajouter quelques éléments fondamentaux au morceau. La basse (ainsi que la partie de piano électrique) fournira la colonne vertébrale harmonique, tandis que la batterie donnera au morceau une certaine assise rythmique.

J'utilise les préréglages d'instruments fournis avec Logic pour les sons - je peux toujours revenir en arrière et les peaufiner plus tard.

Étape 3 : Enregistrement de mélodies

Maintenant que les éléments de base de la piste sont en place, je veux enregistrer un élément mélodique. J'opte pour une partie de synthé, mais vous pouvez utiliser une voix, un échantillon de saxophone ou enregistrer votre propre morceau.

Là encore, j'utilise un preset standard, mais j'ai légèrement modifié les réglages pour qu'il ne soit pas aussi brillant. (et comme nous sommes encore au pays du MIDI, tout peut être remplacé plus tard).

J'ai utilisé la molette de modulation et le pitch bend pour donner un peu plus d'expression à la partie. Si je finis par changer le son, je devrai veiller à ce que ces expressions se traduisent dans le nouveau patch.

Notez que pour l'instant, je ne fais que construire des morceaux autour d'une boucle. Certains producteurs travaillent de cette manière, tandis que d'autres construisent des morceaux de manière plus linéaire. Il n'y a pas de bon ou de mauvais choix.

Étape 4 : Ajout d'effets et organisation

Les choses prennent forme ! Maintenant que les idées de base sont en place, il est temps d'arranger le morceau. Pour commencer, je vais copier plusieurs fois la boucle de 4 mesures que j'ai créée, et créer des régions de marquage pour les différentes sections.

Ensuite, je commencerai à découper l'espace en supprimant des régions, soit dans leur intégralité, soit en les divisant.

C'est peut-être la chanson la plus courte du monde, mais vous avez une idée de la façon dont une production peut être mise en place.

Ajoutons un peu de variété à ce qui se passe en coupant la caisse claire dans le deuxième couplet, et en ajoutant une partie de guitare dans le refrain et le deuxième couplet. J'utilise un échantillon de la bibliothèque Apple Loops incluse.

Voici comment il sonne actuellement, sans aucun effet ajouté :

J'utiliserai la compression et l'égalisation pour nettoyer et resserrer les instruments (y compris une compression sidechain sur la basse pour permettre à la grosse caisse de ressortir), et j'ajouterai une distorsion de phase en tant qu'effet d'insertion sur le piano électrique.

C'est également le moment d'ajouter un peu de ce que j'aime appeler de la "poussière de fée" - des pistes qui ne contiennent pas nécessairement des mélodies ou des rythmes, mais qui ajoutent un petit quelque chose de plus à la production. J'ai utilisé quelques instances d'Alchemy, le synthétiseur/échantillonneur de Logic, pour ajouter quelques textures, et j'ai enregistré une partie de shaker pour rehausser le refrain.

Étape 5 : Mélange

Le mixage est une forme d'art qui mérite un article à part entière, et il existe en effet de nombreux. Pour l'instant, je vais me concentrer sur quelques concepts de base pour commencer.

Équilibre des volumes

Avant d'aller plus loin dans l'utilisation des plugins, commencez par régler les faders de volume pour équilibrer les niveaux des différentes pistes.

Laissez une marge de manœuvre pour l'étape du mastering, et surveillez donc le niveau général sortant du bus stéréo. L'idéal est d'obtenir une crête à environ -6dB.

Dans cet exemple de chanson, j'ajouterai un fondu sur le bus stéréo pour l'outro de la piste. Je sais que ce n'est pas très original, mais c'est une bonne utilisation de l'automatisation - votre meilleur ami dans la production musicale.

Panoramique

Pour donner de l'espace à tout le monde, je vais répartir les pistes sur le champ stéréo. La basse, le kick et la caisse claire restent au centre, tandis que les hats sont légèrement panoramiques vers la gauche (à partir de l'instrument de l'échantillonneur lui-même), et le shaker va un peu vers la droite. Le panoramique peut créer beaucoup d'espace lorsque vous faites de la musique, alors n'ayez pas peur de l'utiliser.

QE

Pour garder les choses claires, il est bon d'éliminer les bruits parasites et d'apprivoiser toute fréquence dure à l'aide de l'égaliseur. L'élimination des basses fréquences dans les pistes laisse de la place au kick et à la basse, tandis que l'atténuation des hautes fréquences rend les choses plus faciles pour l'oreille.

Sidenote : J'ai déjà nettoyé les instruments dans la section précédente, je n'ai donc pas grand-chose à faire ici. Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder, du moment que c'est fait.

Réverbération + délai

Les choses sonnent un peu sèches et fades en ce moment, alors j'ai ajouté de la réverbération aux parties de piano, de guitare et de synthé. La réverbération ajoute de la profondeur et donne l'impression que la production provient du même espace.

J'ai également ajouté un peu de retard sur la ligne de synthé, pour le mouvement. J'utilise un départ auxiliaire pour chacun de ces effets, de sorte que tous les instruments les partagent. C'est un bon moyen d'économiser la puissance de l'unité centrale.

Pistes de référence

Je n'en utilise pas ici (vilain !), mais comparer vos chansons à des morceaux de référence dans un genre similaire peut s'avérer très utile pour s'assurer que votre musique tient la route face à la concurrence. Il ne s'agit pas de copier, mais d'apprendre ce qui fait la solidité d'un mix.

Voilà où nous en sommes aujourd'hui.

Il s'agit d'un morceau de musique très basique, et de nombreuses autres techniques de production auraient pu être utilisées pour améliorer les choses. Mais cet exemple montre à quel point la production musicale peut être simple - il suffit de s'y mettre !

Mixage et mastering

Pendant que nous y sommes, prenons le temps de parler du mixage et du mastering.

En résumé, le mixage consiste à équilibrer toutes les parties d'une chanson afin qu'elle représente la vision de l'artiste. Le mastering, quant à lui, consiste à apporter la touche finale à un mixage pour qu'il sonne parfaitement sur différents systèmes de lecture.

Parfois, un producteur de musique va jusqu'au bout, produisant, mixant ET masterisant le morceau. D'autres fois, il confie la session à un ingénieur pour le mixage, ou mixe lui-même le morceau et laisse l'ingénieur de masterisation le terminer.

Attention, le mixage et le mastering sont des formes d'art subtiles qui prennent toute une vie (ou plus) pour, ahem, les maîtriser. Vous pouvez être un producteur bricoleur, mais il n'y a pas de honte à partager la charge (y compris en utilisant des services comme eMastered ).

Conception sonore et synthèse

Qu'il s'agisse d'une basse qui fait vibrer les os, d'un pad luxuriant ou d'un bip bizarre que vous avez créé à partir du pet de votre oncle à Thanksgiving, la production musicale commence à ressembler à de la magie lorsque vous commencez à jouer avec les sons.

La conception et la synthèse sonores sont un processus pratique et expérimental, et l'un des éléments les plus créatifs (et les plus uniques) du métier de producteur de musique.

Au lieu de s'appuyer uniquement sur des préréglages de synthétiseurs et des boucles génériques (que tout le monde peut se procurer), un bon producteur de musique apprendra à modifier ou à créer de toutes pièces ses propres sons. Vous n'avez pas besoin d'être un magicien du synthé (Harry) pour commencer à jouer ; commencez simplement à vous amuser - et n'oubliez pas de sauvegarder les idées qui vous viennent à l'esprit.

Plus vous jouez, plus vous maîtrisez le caractère émotionnel et sonore de vos morceaux. Quel que soit le domaine de l'industrie musicale dans lequel vous produisez de la musique, le simple fait de disposer de quelques sons personnalisés peut vous permettre de vous démarquer en tant que producteur.

Se développer en tant que producteur de musique

Le métier de producteur de musique n'est pas figé : c'est un processus continu d'apprentissage de nouveaux outils, de maîtrise des compétences techniques et de découverte d'astuces créatives qui permettent de faire circuler les idées.

Si vous voulez devenir un producteur de musique prospère, vous devrez également rester au courant des tendances de l'industrie musicale ou, mieux encore, développer un son qui contribue à les définir. La croissance n'est pas le fruit du hasard. Voici quelques conseils pratiques pour vous aider à progresser :

Cela prend du temps

Oui, commencez tout de suite à faire de la musique, mais sachez qu'il faut du temps pour devenir un grand producteur de musique. Il y a beaucoup à apprendre : comment tirer le meilleur parti de votre logiciel de création musicale, comment et quand utiliser les différents effets, comment enregistrer des instruments en direct, les techniques de mixage, l'arrangement, la conception sonore - la liste est longue.

Mettez-vous au défi de faire quelque chose de créatif chaque jour, qu'il s'agisse de créer un rythme, d'expérimenter avec un synthétiseur ou de rafraîchir vos connaissances en matière de théorie musicale. Faire de la musique doit être un plaisir, et être producteur est une aventure. Combinez les deux, et vous ferez un sacré petit voyage.

Développez votre propre style

Lorsque l'on débute dans la production musicale, tout tourne autour de la magie de la création de sons et de l'assemblage de morceaux. Plus vous produisez de musique, plus vous développez un style particulier.

Il peut s'agir d'un "son" spécifique qui vous définit (pensez à Deadmau5 ou Skrillex), ou d'une façon de travailler en tant que producteur de musique - Rick Rubin a collaboré avec de nombreux artistes de différents genres, mais se concentre toujours sur une approche dépouillée et émotionnelle.

Vous ne pouvez pas le forcer, mais vous pouvez remarquer quelles parties du processus de production musicale vous illuminent. Penchez-vous sur ces éléments ; c'est là que votre style se développe.

Travailler avec ce que l'on a

Il ne se passe pas un jour sans qu'Instagram ne m'envoie une publicité à la figure pour que j'achète encore plus de matériel. La même chose vous arrivera, si ce n'est pas déjà le cas. Le problème, c'est que si vous restez coincé dans le cycle éternel des mises à niveau constantes, vous ne maîtriserez jamais l'équipement pour lequel vous avez dépensé votre argent durement gagné.

Bien sûr, si vous travaillez sur un projet qui a besoin d'un son ou d'un effet spécifique, n'hésitez pas à l'acheter. Mais n'achetez pas un autre compresseur si vous n'avez pas trouvé le moyen de tirer le maximum du compresseur livré avec votre DAW.

La nécessité est la mère de l'invention, et c'est en cherchant à obtenir le son que l'on souhaite avec le matériel dont on dispose que la véritable créativité entre en jeu.

Se présenter

N'attendez pas l'inspiration - elle a tendance à se manifester lorsque vous l'attendez. Engagez-vous à faire de la musique régulièrement, même si ce n'est que quelques heures par semaine. La créativité (et l'inspiration) est un muscle ; plus vous l'utilisez, plus il se renforce.

Comme l'a dit Yoda : "Faire ou ne pas faire. Il n'y a pas d'essai."

Échouer avec gloire

Il y a des jours où vos pistes sont mauvaises. Ce n'est pas grave. Tout le monde fait des erreurs. L'essentiel est de continuer, de se remettre en question, d'ouvrir son logiciel et de recommencer à faire de la musique.

Célébrer les progrès

En même temps, ne vous concentrez pas uniquement sur l'avenir. Regardez le chemin parcouru en tant que producteur de musique. Écoutez un ancien projet et constatez tout ce que vous avez appris. Chaque nouvelle astuce, chaque piste terminée, tout s'accumule. Allez-y !

Rester curieux

Même si vous ne produisez pas activement, vous pouvez toujours vous développer. Écoutez activement la musique : comment a-t-elle été créée ? Qu'est-ce qui fait qu'elle fonctionne ? Lisez des interviews et des livres sur la production musicale. Regardez des tutoriels. Explorez des genres inconnus. Empruntez des techniques à d'autres producteurs et essayez-les par vous-même.

Collaborer souvent

Travailler avec d'autres musiciens et artistes permet d'aiguiser ses oreilles, ses capacités de communication et d'écoute, ainsi que son instinct. Cela vous permet également de sortir de votre tête et d'entrer dans le monde, où se produit une véritable évolution.

Conclusion : Il suffit de le faire

À première vue, le concept de production musicale peut sembler compliqué, technique ou tout simplement étranger. En réalité, il n'est pas nécessaire de connaître une tonne de théorie musicale ou de comprendre le fonctionnement d'un égaliseur dynamique pour commencer. Tous les grands producteurs ont un jour ignoré ce que faisait un compresseur - vous pouvez apprendre tout cela en cours de route. Ce qui compte, c'est que vous commenciez.

Faites donc confiance au processus, commencez à produire et continuez à produire. Laissez-vous inspirer par d'autres producteurs, explorez des genres qui sortent de votre zone de confort et imprégnez-vous de tous les types d'art, et pas seulement de la musique. Acceptez vos erreurs, célébrez vos victoires et, lorsque vous avez terminé un morceau, commencez-en un autre.

Vas-y, et fais de la musique !