L'intérêt d'apprendre à mixer de la musique est que vous pouvez trouver votre propre formule : une signature sonore qui vous identifiera en tant qu'artiste ou ingénieur du son et vous aidera à créer une palette sonore qui vous permettra de vous démarquer. Mais avant tout, il existe certaines règles en matière de mixage audio qui, bien qu'elles ne soient pas immuables, vous aideront certainement à obtenir un son plus professionnel.

Certains conseils sont conçus pour vous aider à rationaliser votre flux de travail, et d'autres pour garantir que votre musique sonnera bien sur tous les systèmes de lecture. Le point commun de toutes ces recommandations est qu'elles permettent de vérifier la réalité pendant le mixage, en vous guidant dans vos ajustements et en vous aidant à prendre des décisions réfléchies, que vous travailliez sur votre propre musique ou sur les œuvres d'autres artistes.

Chaque ingénieur du son a ses propres théories sur ce qui est crucial et ce qui ne l'est pas lors du mixage audio, mais vous trouverez ci-dessous ce que j'estime être les règles à suivre pour créer un mixage professionnel, quels que soient votre style, votre genre et votre expérience.

Comprendre le genre

Si vous mixez votre propre musique, je suppose que vous connaissez le genre musical que vous produisez. Toutefois, les choses peuvent être différentes si vous êtes ingénieur du son et que vous travaillez avec plusieurs artistes de différents genres.

Métal, hip-hop, pop, musique classique : chaque genre a ses propres règles et son propre son. Vous pouvez décider de ne pas les suivre aveuglément, mais vous devez au moins en être conscient. Un solo de guitare ne sonnera pas du tout de la même manière s'il fait partie d'une chanson pop, soul, disco ou heavy metal ; il en va de même pour tous les autres éléments d'une chanson, de la batterie aux voix en passant par les synthétiseurs.

Dans le rock et le métal, l'équilibrage des niveaux dans les médiums peut être une tâche longue et exigeante ; dans la musique pop, la voix principale est généralement l'élément le plus important ; dans le hip-hop et la techno, la grosse caisse doit être la principale force motrice de votre rythme. Nous pourrions continuer indéfiniment à discuter de la façon dont chaque genre a ses propres signatures distinctives, mais c'est à vous de comprendre et d'identifier ce qui est crucial dans votre mixage et de l'améliorer en conséquence.

L'objectif ultime est toujours de créer un son cohérent qui corresponde à ce que le public imagine, et le mixage final que vous enverrez à l'ingénieur de masterisation doit déjà présenter les caractéristiques du genre sur lequel vous travaillez.

Organisation du mélange

L'organisation de votre flux de travail lors du mixage vous permettra de gagner du temps, d'obtenir des résultats cohérents et de créer un son reconnaissable que vous pourrez adapter à plusieurs projets sans avoir à repartir de zéro à chaque fois.

Il existe plusieurs façons de préparer votre session, dont les plus courantes sont le regroupement, le codage couleur, la désignation des pistes, l'utilisation de dossiers de pistes et l'utilisation de bus.

Si vous regroupez des pistes similaires, telles que des sections de cordes et de la batterie, il sera plus facile d'ajuster les niveaux et les effets de ces pistes. C'est également un excellent moyen de visualiser votre projet et de voir des pistes séparées comme faisant partie d'un élément unique.

L'utilisation d'un code couleur peut changer la donne lorsque vous travaillez sur de grands projets : vous pouvez l'utiliser pour différencier les éléments de votre mixage et localiser facilement les pistes. Par exemple, vous pouvez utiliser une couleur pour le synthé, une autre pour la guitare et une autre pour les voix. Une fois de plus, cela vous permet d'avoir une représentation visuelle de ce qui se passe en un coup d'œil, ce qui est crucial si vous êtes ingénieur du son et que vous travaillez sur plusieurs projets.

Dans certains DAW, il est possible de créer des dossiers de pistes, ce qui permet de regrouper les pistes de manière hiérarchique et de garder vos éléments de mixage organisés et ordonnés.

Enfin, n'oubliez pas l'importance des bus de mixage, ces canaux virtuels qui vous permettent de regrouper plusieurs pistes et de leur appliquer collectivement des effets. Leur utilisation vous permettra non seulement de gagner énormément de temps, mais aura également un impact positif sur la cohérence de votre mixage.

Pistes de référence

C'est peut-être l'aspect le plus crucial lorsque l'on veut produire un mix de bonne qualité. Choisir une piste de référence qui corresponde non seulement au genre sur lequel vous travaillez, mais aussi aux désirs de votre client, à vos goûts et aux outils dont vous disposez n'est pas une tâche triviale, mais elle est pourtant nécessaire.

Lorsque vous travaillez avec un client sur un mixage, c'est toujours une bonne idée de lui demander des chansons antérieures comme référence, ce qui vous donnera une idée plus claire du type d'équilibre qu'il recherche dans son mixage. En sachant exactement ce que vous ou vos clients recherchez, vous pouvez créer un mixage conforme à ce qu'ils envisagent.

Passez du temps à explorer le genre, les artistes et la musique qui vous intéressent pour gagner du temps lors du processus de mixage. Vous n'êtes pas obligé de faire sonner votre mixage comme celui de tout le monde, mais il est bon de savoir à quoi le public est habitué avant de commencer le processus de mixage.

Par où commencer ?

Lorsque le moment est venu de commencer à mixer, vous vous demandez peut-être à quel instrument de musique vous devez vous attaquer en premier. Une fois de plus, il n'y a pas de réponse univoque à cette question, mais en règle générale, je vous recommande de commencer par la basse et la batterie.

C'est la base solide de votre chanson, et le fait de l'équilibrer vous aidera à prendre des décisions éclairées quant à l'emplacement des principaux éléments de votre mixage (guitares, synthétiseurs, voix).

De plus, les tambours couvrent l'ensemble du spectre de fréquences, ce qui peut vous donner un aperçu de la façon dont les fréquences se comportent dans votre mixage.

Si vous commencez par la batterie, le mieux est de vous concentrer d'abord sur la caisse claire et la grosse caisse. La caisse claire doit être l'un des éléments les plus bruyants de votre mixage : c'est la colonne vertébrale de votre morceau et elle en définit le groove : tous les autres éléments de la batterie doivent tourner autour d'elle.

La grosse caisse est presque aussi importante. Elle doit être forte, mais pas trop, car elle pourrait éclipser les transitoires de la caisse claire ou les instruments principaux.

Tout le reste (toms, cymbales, percussions) viendra après la caisse claire et le kick. Vous devez leur donner l'espace approprié dans votre mix, veiller à ce qu'elles soient clairement audibles sans pour autant éclipser ce qui guide le groove dans votre mix.

Lorsque vous passez aux autres éléments de votre mixage, concentrez-vous sur la manière dont vous pouvez améliorer la profondeur du mixage et régler avec précision tous les instruments de musique concernés. Plus vous ajoutez d'éléments à votre mixage, plus le processus d'équilibrage nécessitera des ajustements mineurs pour sonner juste. Au début, ce processus peut sembler insurmontable, mais au fil du temps, il deviendra amusant et engageant, et vous commencerez à voir votre signature sonore unique dans chaque piste que vous mixez.

Les volumes d'abord, les effets ensuite (Static Mixes)

Le mixage statique doit être la première étape du processus de mixage. S'il est bien fait, il vous donnera un mélange approximatif qui facilitera grandement l'obtention d'un mélange collé grâce aux effets de post-production.

Essayez d'obtenir un mixage équilibré en utilisant uniquement les faders de volume et les commandes de panoramique sans l'aide de traitement dynamique, d'effets ou d'automatisation. Cette balance de base vous aidera à créer un équilibre et une image stéréo approximative dans votre piste, que vous pourrez améliorer par la suite avec des effets.

Commencez par mettre tous les niveaux de volume à zéro, puis introduisez lentement chaque piste dans le mixage, l'une après l'autre. Ajustez les curseurs de volume pour vous assurer que chaque élément s'intègre bien dans le mixage, en vous concentrant sur la façon dont ils interagissent les uns avec les autres. Utilisez le panoramique pour placer les éléments dans le champ stéréo, en donnant à chacun son propre espace tout en évitant le masquage des fréquences.

Le mixage statique final doit ressembler à une version brute de l'album que vous allez sortir : tous les volumes doivent être parfaitement équilibrés et chaque instrument doit avoir son propre espace sur la scène sonore.

Il est probable que vous devrez procéder à des ajustements lorsque vous commencerez à appliquer des égaliseurs, des faders et des compressions. Néanmoins, ce mixage de base constituera un point de départ essentiel pour commencer à sculpter votre son à l'aide d'effets.

Oublier le bouton "Solo

Le mixage consiste à trouver l'équilibre et l'harmonie entre tous les éléments d'une piste. Il n'est donc pas surprenant qu'une vision holistique du travail sur une piste permette d'obtenir les meilleurs résultats.

Les réglages de fréquence effectués en mode solo peuvent faire perdre de la clarté à votre mixage : Les réglages de l'égaliseur effectués de cette manière peuvent faire en sorte qu'une piste "envahisse" l'espace de fréquence d'une autre, ou des réglages de compression qui semblaient idéaux en solo peuvent compromettre la dynamique du mixage.

Une fois de plus, je recommande d'utiliser les réglages de volume et de panoramique comme outils principaux pour résoudre les problèmes de mixage et améliorer l'équilibre dynamique. La suppression du bruit ou les ajustements mineurs de l'égaliseur peuvent nécessiter un solo, mais il s'agit là d'exceptions et non de la règle.

La sortie de la salle d'attente

La marge de manœuvre est l'espace entre les niveaux de crête d'un signal audio et la limite maximale d'un système numérique.

Cet espace protège contre l'écrêtage mais définit également la qualité et la texture de votre son, en particulier lorsque vous utilisez des plugins. En effet, les plugins numériques réagissent différemment en fonction des niveaux d'entrée : des niveaux d'entrée plus faibles se traduisent généralement par une interaction dynamique plus réactive au sein du plugin et par une application plus transparente et plus efficace de l'effet.

Enfin, en disposant d'une marge de manœuvre suffisante, vous éviterez l'écrêtage et les artefacts indésirables de la distorsion numérique et améliorerez la dynamique de la piste. En règle générale, il faut laisser entre 3 et 6 dB de marge de manœuvre lors du mixage.

Écoute silencieuse

Lorsque nous écoutons de la musique à faible volume, nos oreilles sont moins sensibles aux graves et aux aigus extrêmes du spectre de fréquences. Lorsque le volume d'écoute augmente, nous commençons à entendre les hautes et les basses fréquences de manière uniforme. Essayez d'écouter une chanson pop à très faible volume : avez-vous remarqué que vous pouvez encore entendre clairement la voix, mais que la ligne de basse est à peine audible ?

Par conséquent, si un mélange peut donner une impression de plénitude et de clarté à faible volume, il est bien équilibré. En revanche, si un mixage semble équilibré à des volumes élevés mais perd de sa clarté et de sa cohésion lorsque le volume est réduit, cela signifie que quelque chose ne va pas dans l'interaction des éléments au sein du mixage.

Enfin, l'écoute à faible volume est également importante lorsque vous souhaitez créer un excellent mixage qui fonctionne bien dans tous les systèmes de récupération, en préservant sa gamme dynamique et son expressivité.

L'importance de la mono

Un mixage qui conserve sa clarté et son équilibre en mono, où tous les éléments sont additionnés sur un seul canal, est un mixage qui ne nécessite pas d'autres ajustements de niveau. Je recommande de toujours vérifier le son d'un mixage en mono, car c'est le meilleur moyen d'identifier et de traiter les problèmes de fréquence.

Dans un mixage stéréo, différents éléments peuvent être panoramiques et répartis sur le champ stéréo pour créer une séparation et un espace. Toutefois, lorsque ces éléments sont regroupés en mono, les problèmes d'annulation de phase deviennent beaucoup plus évidents. De la même manière, les problèmes de masquage de fréquences peuvent être identifiés plus facilement lors de l'écoute en mono.

Enfin, un mixage qui fonctionne bien en mono est susceptible d'être plus cohérent sur une large gamme de systèmes de lecture, des systèmes audiophiles haut de gamme aux appareils à une seule enceinte, ce qui est précisément ce que vous recherchez lorsque vous mixez de la musique.

Connaître les meilleurs outils, mais travailler avec ce que l'on a

Je sais par expérience qu'il est facile de se laisser piéger par l'idée que des plugins et du matériel coûteux sont nécessaires pour obtenir un son professionnel. De nos jours, ce n'est plus le cas.

La plupart des stations de travail audionumériques sont dotées d'une variété de plugins intégrés qui permettent d'obtenir des résultats professionnels ; vous pouvez commencer par apprendre à maîtriser ces outils, ce qui est une solution plus raisonnable que d'acquérir un grand nombre de plugins tiers que vous n'utiliserez probablement jamais.

Je ne dis pas que vous ne devriez pas connaître ou vous procurer des plugins et du matériel de haute qualité pour vos projets, mais devenir obsédé par eux vous détournera des aspects les plus cruciaux du mixage, à savoir affiner vos compétences, faire confiance à vos oreilles et utiliser les ressources dont vous disposez pour créer le meilleur mixage possible.

Réflexions finales

En matière de production audio, rien n'est figé. Et c'est en partie ce qui en fait une expérience aussi passionnante et créative.

Néanmoins, c'est en équilibrant soigneusement le volume que vous pourrez transformer votre mixage en un succès : prenez le temps de comprendre chaque instrument présent dans votre morceau et sa position idéale sur la scène sonore. Ne vous concentrez pas sur des éléments isolés, mais plutôt sur l'expérience sonore dans son ensemble, à laquelle l'auditeur peut s'identifier et dont il peut ressentir l'impact émotionnel.

Je ne saurais trop insister sur l'importance de tester votre mixage sur différents systèmes de lecture afin de vous assurer qu'il fonctionne comme vous l'avez imaginé sur tous les appareils. Une chanson peut sonner très bien dans un studio et très mal dans le système audio de votre voiture, et vous ne voulez pas que cela se produise. Utilisez des écouteurs professionnels et des moniteurs de studio, mais vérifiez également vos mixages sur vos écouteurs bon marché : le son doit être bon, quelle que soit la manière dont vous l'écoutez.

Bonne chance et restez créatifs !