Vous avez du mal à faire sonner vos rythmes comme les pros ?

Avec l'énorme quantité d'informations disponibles en ligne, il est facile de se sentir perdu et de ne pas savoir par où commencer. En tant qu'artiste ou beatmaker émergent, trouver des conseils clairs et exploitables peut faire toute la différence pour perfectionner votre art.

Dans ce guide, nous allons faire la part des choses et vous donner dix conseils essentiels pour améliorer votre jeu. Qu'il s'agisse de maîtriser votre flux de travail ou de trouver le groove parfait, ces conseils sont conçus pour faire passer vos rythmes au niveau supérieur.

Plongeons dans l'aventure !

Différents types de rythmes

Le terme "beat" peut désigner tous les types de musique, et pas seulement le beat hip-hop standard. En fait, même au sein du hip-hop, il existe plusieurs sous-genres, chacun ayant son propre style et ses propres caractéristiques. Du son grinçant, brut et urbain du Boom Bap aux sons lourds de basses et centrés sur le charleston du Trap, en passant par les vibrations mélodiques et riches en samples du Lo-Fi, le hip-hop offre à lui seul une gamme variée de beats.

Bien sûr, dans la communauté des beatmakers, plusieurs autres genres comme l'EDM, la house, la pop et même la musique électronique expérimentale sont tout aussi importants. Ces genres ont des éléments uniques qui définissent leurs rythmes, comme la grosse caisse à quatre pieds de la musique house ou la basse wobble du dubstep.

Avant de commencer votre prochain rythme, il est important de déterminer le type de rythme que vous souhaitez créer, car cela vous guidera dans le choix du tempo, de l'instrumentation et de l'ambiance générale.

La boîte à outils du beat maker

Pour créer un rythme de haute qualité, il faut une étincelle créative et les bons outils. Le fait de disposer du bon équipement peut avoir un impact significatif sur votre flux de travail et sur la qualité de votre musique. Examinons quelques-uns des outils essentiels dont vous avez besoin pour commencer à créer des rythmes.

Ordinateur

De nos jours, le matériel n'est plus aussi crucial pour la création de rythmes qu'il ne l'était auparavant.

Vous vous souvenez peut-être de l'époque où l'Akai MPC ou le Roland TR-808 étaient des "must-haves" pour les beatmakers. Bien qu'ils restent des équipements légendaires, aujourd'hui, vous pouvez pratiquement tout faire à partir de votre ordinateur.

Avec la technologie actuelle, votre ordinateur de bureau ou portable peut tout gérer, du séquençage et de la programmation au mixage et au mastering. Il suffit d'avoir le bon logiciel, et le tour est joué.

Si vous êtes à la recherche d'un ordinateur pour la création de rythmes, recherchez quelques éléments clés : un processeur rapide (i5 ou supérieur), beaucoup de RAM (au moins 8 Go, mais 16 Go est encore mieux) et une bonne capacité de stockage (SSD est la meilleure solution pour la rapidité). Un écran haute résolution vous permettra également de voir tous les petits détails de votre logiciel de création audio.

DAW

Très bien, parlons maintenant de la station de travail audio numérique (DAW).

C'est dans ce logiciel que toute la magie opère, ce qui en fait l'un des outils les plus importants de votre arsenal de création de rythmes. C'est dans votre DAW que vous séquencerez vos rythmes, arrangerez vos pistes et peaufinerez chaque détail pour que votre musique sonne parfaitement.

Il existe de nombreux DAW fantastiques, chacun ayant ses propres atouts pour créer des rythmes. Voici quelques options intéressantes à prendre en considération :

• Ableton Live : Connu pour son interface intuitive et ses puissantes fonctions de bouclage, il est le préféré des producteurs de musique électronique et de hip-hop.
• FL Studio : Célèbre pour son séquenceur pas à pas facile à utiliser, il est parfait pour les débutants comme pour les professionnels.
• Logic Pro X: un choix de premier ordre pour les utilisateurs de Mac, car il offre une suite complète d'outils et de sons.

Il s'agit de choisir le DAW qui vous convient le mieux. Prenez le temps d'explorer ces options et vous saurez que vous avez trouvé la solution idéale.

Échantillons et boucles

Ensuite, nous abordons les échantillons et les boucles, qui sont des éléments essentiels à la création de rythmes.

Les échantillons sont de courts fragments de son - qu'il s'agisse d'un coup de batterie ou d'une phrase vocale. Les boucles, quant à elles, sont des sections audio plus longues qui peuvent être répétées sans interruption.

Les bons échantillons et les bonnes boucles peuvent vraiment donner vie à vos rythmes et vous inspirer de nouvelles idées, en vous aidant à créer le son parfait.

Heureusement, il n'est plus nécessaire de fouiller dans les caisses pour trouver des boucles et des échantillons de qualité comme c'était le cas il y a quelques décennies, car il est plus facile que jamais de trouver des échantillons et des boucles de haute qualité.

Voici quelques-unes de mes ressources préférées disponibles en ligne :

• Splice: Une énorme bibliothèque d'échantillons et de boucles libres de droits, avec de nouveaux ajouts chaque jour.
• Loopmasters : Offre une grande variété de packs spécifiques à un genre, produits par des producteurs professionnels.
• Sample Magic: Des tonnes de sons et de packs d'échantillons de haute qualité.
• Native Instruments : Leurs packs d'extension sont parfaits pour Maschine et d'autres DAW.
• Cymatique : Populaire pour les producteurs de hip-hop et de trap.

Contrôleur MIDI

Bien que les contrôleurs MIDI ne soient pas absolument nécessaires pour créer des rythmes, étant donné que vous pouvez programmer des choses avec le clavier et la souris de votre ordinateur, le fait d'en avoir un peut certainement changer la donne. Un contrôleur MIDI peut rendre le processus de création de rythmes plus intuitif et plus pratique, en vous permettant de jouer physiquement vos idées au lieu de simplement cliquer avec une souris.

Il existe plusieurs types de contrôleurs MIDI, chacun présentant des avantages uniques pour la création de rythmes :

• Claviers de commande : Ils sont dotés de touches de type piano et sont parfaits pour jouer des mélodies, des accords et des lignes de basse. La plupart d'entre eux comprennent également des boutons et des curseurs pour un contrôle supplémentaire.
• Contrôleurs à pads : Ces contrôleurs sont dotés de pads de batterie qui sont parfaits pour taper des rythmes et déclencher des échantillons. Pensez au MPD d'Akai ou à la Maschine de Native Instruments.

L'intérêt d'utiliser un contrôleur MIDI est que vous pouvez jouer physiquement des motifs de batterie, des mélodies et des accords, ce qui donne à vos rythmes une touche plus humaine. De plus, vous pouvez facilement manipuler les effets et régler les paramètres de différents plugins et synthétiseurs en temps réel.

Moniteurs de studio ou casques d'écoute

Soyons réalistes : faire de la musique sur des haut-parleurs d'ordinateur portable, c'est nul. Ils n'ont tout simplement pas la clarté ou la portée nécessaire pour vous permettre d'entendre toutes les nuances de votre musique.

Investir dans une paire de moniteurs de studio ou un casque de qualité est l'une des meilleures décisions que vous puissiez prendre en tant que beatmaker. Tout d'abord, ils sont conçus pour fournir une représentation plate et précise de votre musique, vous donnant tous les détails dont vous avez besoin pour prendre de meilleures décisions en matière de mixage. Ils révèlent également toute la gamme de fréquences de vos rythmes, ce qui vous permet de les mixer de manière à ce qu'ils sonnent bien sur n'importe quel système.

Comment créer un rythme

Lorsqu'il s'agit de créer des rythmes, il n'y a pas d'approche unique.

Chaque beatmaker a son propre processus, et c'est en partie ce qui rend cette forme d'art si passionnante. Certains producteurs commencent par créer une mélodie entraînante sur leur clavier avec l'un de leurs synthétiseurs VST préférés, tandis que d'autres démarrent avec une solide boucle de batterie.

Vous pouvez même commencer par découper un échantillon ou créer une ligne de basse qui donne le ton.

Quelle que soit la manière dont vous choisissez de commencer, les étapes suivantes vous guideront tout au long du processus de création d'un rythme.

Préparer le terrain pour votre rythme avec le tempo et la vibration

La première chose à faire lorsque vous créez votre rythme est de décider de l'ambiance générale et du tempo de votre morceau, car c'est ce qui établira la base et l'atmosphère de tout ce qui suivra. Pour vous aider à prendre cette décision, posez-vous quelques questions clés :

• Quelle émotion dois-je transmettre ? Par exemple, voulez-vous que votre rythme soit énergique et entraînant ou doux et décontracté ?
• Quel genre dois-je viser ? Les différents genres ont souvent des tempos caractéristiques. La drum and bass est par exemple beaucoup plus rapide que le chillhop.
• Quel est le contexte de ce rythme ? S'agit-il d'un banger pour la piste de danse, d'un morceau de rap plein d'âme ou d'un morceau d'ambiance ?

Pour un morceau de danse très énergique, vous pouvez fixer le tempo autour de 120-130 BPM. Pensez à Avicii ou David Guetta. D'un autre côté, vous pouvez viser un tempo plus lent, entre 70 et 100 BPM, pour un rythme hip-hop froid.

Pensez à "Nuthin' But a G Thang" de Dr. Dre, qui se situe à 95 BPM.

Bien sûr, si vous voulez vraiment ralentir les choses et opter pour une ambiance électronique, vous pouvez choisir un tempo autour de 60-80 BPM.

Weightless" de Marconi Union est l'un de mes morceaux ambiants préférés. Il tourne autour de 60 BPM, ce qui correspond à peu près au rythme cardiaque moyen d'un être humain au repos, ce qui le rend incroyablement relaxant à écouter.

L'idée est que le fait de définir le bon tempo et la bonne ambiance dès le début vous aide à prendre des décisions créatives, alors prenez le temps de vous détendre avant de vous lancer.

Le groove à l'état pur

Une fois que vous avez défini le tempo et l'ambiance, il est temps de mettre en place un motif de batterie. Le rythme de la batterie sera l'épine dorsale de votre rythme. Il existe une infinité d' outils et de techniques que vous pouvez utiliser pour créer un motif de batterie solide, je vais donc passer rapidement en revue certains des plus populaires :

Outils de création de rythmes

• Boîtes à rythmes : Les machines classiques comme la Roland TR-808 ou les émulations logicielles sont idéales pour obtenir des sons de batterie emblématiques, mais il convient également de noter que la plupart des logiciels d'enregistrement sont dotés de kits de batterie et d'échantillons intégrés que vous pouvez séquencer directement dans le logiciel.
• Contrôleurs MIDI: Je suis un grand fan de l'utilisation de contrôleurs de pads pour taper les rythmes manuellement pour une sensation plus humaine. Il suffit de charger vos échantillons de batterie préférés, de les affecter à votre contrôleur et de les laisser s'exprimer !
• VST de batterie : Il existe également des plugins tiers comme Addictive Drums ou Superior Drummer, qui offrent des sons de batterie très détaillés et réalistes.
• Boucles et échantillons : Commencez par une ou deux boucles de batterie pour vous inspirer.

Techniques de création de rythmes

• Séquençage par étapes : La saisie pas à pas des frappes de batterie dans le séquenceur de votre DAW est un moyen facile de créer des motifs de batterie ultra précis.
• Enregistrement en direct : Si vous en avez la possibilité, jouez et enregistrez vos parties de batterie en temps réel à l'aide d'un kit live, d'un kit électronique ou d'un contrôleur de pad.
• Superposition : La combinaison de différents sons de batterie, comme la superposition d'un kick percutant avec une 808 profonde ou d'un clap avec une caisse claire, est un excellent moyen d'ajouter de la complexité et de la profondeur à vos rythmes.
• Sensation : vous pouvez soit ajuster la synchronisation de vos coups de batterie pour les mettre parfaitement en place avec une forte quantification, soit créer une sensation plus naturelle, hors réseau, avec un peu de swing.

Ajout d'éléments mélodiques

Il est maintenant temps d'ajouter des éléments mélodiques à votre rythme, ce qui peut vraiment transformer l'ambiance et donner vie à votre morceau. Je ne peux pas vous donner de techniques précises ici, car cette étape varie en fonction de l'ambiance générale que vous souhaitez obtenir.

Par exemple, vous pouvez choisir d'utiliser :

• Boucles : L'utilisation de boucles préfabriquées est un moyen rapide et facile d'ajouter des couches mélodiques à vos rythmes. Vous pouvez vous procurer ces boucles à partir de packs d'échantillons ou les extraire de chansons réelles si vous en avez l'autorisation.
• Échantillons : De même, vous pouvez couper et retourner des échantillons de pistes existantes pour donner à votre rythme une touche unique et nostalgique. C'est idéal pour les genres tels que le hip-hop et le lo-fi.
• VST ou instruments Live : Les possibilités sont infinies. Que vous utilisiez un piano, une guitare ou un synthé VST, vous pouvez créer le son exact que vous recherchez.

Parfois, j'aime commencer par des progressions d'accords. Il peut s'agir simplement de trois ou quatre accords qui s'enchaînent tout au long du rythme et créent un sentiment de mouvement.

À partir de là, vous pouvez ajouter des mélodies principales, telles que des lignes ou des riffs d'une seule note, qui se superposent à vos progressions d'accords et à votre motif de batterie, donnant ainsi à l'auditeur quelque chose d'accrocheur à quoi s'accrocher.

10 astuces de beat-making pour améliorer votre jeu

Une fois que vous avez une idée ou une base solide pour votre beat, il est temps de passer à l'étape suivante. Voici 10 conseils de pro que j'aime incorporer dans chacun de mes rythmes pour leur donner un son de pro.

Superposez vos percussions

Parfois, les échantillons et les boucles de batterie sonnent bien seuls. Cependant, la plupart du temps, je trouve que la superposition des percussions ajoute le type de profondeur et de texture dont nous avons besoin pour faire ressortir nos rythmes.

Lorsque je parle de "superposition", j'entends la combinaison de plusieurs échantillons de batterie pour créer un son unique et plus complet. Vous pouvez essentiellement tirer parti des points forts de différents sons de batterie et les fusionner en un tout cohérent.

Pour commencer, examinez les caractéristiques des sons de batterie que vous souhaitez superposer.

Par exemple, vous pouvez avoir un échantillon de grosse caisse qui a beaucoup de basses et un autre qui a une attaque vive et percutante. En superposant ces deux échantillons, vous pouvez créer un son de grosse caisse qui possède à la fois les basses profondes dont vous avez besoin et le punch nécessaire pour traverser le mixage. Nous pourrions utiliser un modificateur de transitoires pour réduire le sustain de l'échantillon tranchant afin qu'il n'empiète pas sur l'échantillon plus bas et plus puissant.

La même approche peut être appliquée aux caisses claires, aux charlestons et aux autres éléments de percussion.

La chose la plus importante à laquelle il faut prêter attention est l'alignement de la phase.

Des phases mal alignées peuvent entraîner l'annulation de certaines fréquences, ce qui se traduit par un son plus faible. Il est facile de penser qu'en empilant deux grosses caisses, vous obtiendrez un son encore plus lourd, mais c'est rarement le cas. Heureusement, la plupart des logiciels d'enregistrement disposent d'outils qui vous permettent d'ajuster la phase de vos échantillons afin qu'ils fonctionnent ensemble.

Certaines couches peuvent toutefois bénéficier de légères variations de vitesse et de timing. Cela permet d'ajouter une touche plus humaine à votre batterie. Par exemple, en retardant légèrement l'une des couches de caisse claire, vous obtiendrez un effet de flamme, semblable à celui d'un vrai batteur.

Vous pouvez également envisager d'utiliser différentes techniques de traitement sur chaque couche. Par exemple, vous pouvez conserver une couche de caisse claire sèche et directe pour conserver le punch initial, tout en envoyant l'échantillon moins important dans une réverbération pour lui donner de l'espace.

Bien entendu, n'hésitez pas à expérimenter des sons non conventionnels, tels que des échantillons de bruitage, des clics ou même de petites bribes mélodiques. C'est un excellent moyen de rendre le son de votre batterie plus intéressant et de vous démarquer des autres producteurs de musique.

Expérimenter le swing

Il n'y a pas de meilleure façon d'ajouter une touche plus humaniste à vos rythmes qu'avec un peu de swing !

Mais qu'est-ce que l' échangisme ?

En bref, le swing introduit de légers retards de synchronisation, en retirant certaines notes de la grille métronomique pour donner de la syncope à votre batterie. C'est un excellent moyen d'éviter que la batterie ne sonne comme un robot.

Si certains genres peuvent bénéficier de ce son direct, d'autres, comme le hip-hop, le jazz et le funk, se marient bien avec un rythme plus détendu et plus groovy.

J Dilla était le maître du swing, et ses rythmes classiques de hip-hop boom-bap ont donné naissance à toute une génération de beatmakers. Écoutez sa production de batterie sur "Runnin" des Pharcyde pour un exemple parfait de swing sur une batterie :

Bien que le swing puisse être appliqué à presque tous les éléments de votre rythme, il est le plus souvent utilisé sur les charlestons, les caisses claires et les percussions. Votre logiciel d'enregistrement dispose probablement d'une fonction de swing ou de shuffle sur le rouleau de piano ou le séquenceur. La plupart des logiciels modernes, comme Ableton Live, FL Studio et Logic Pro, intègrent des paramètres de swing qui vous permettent d'ajuster la quantité de swing appliquée à vos motifs de batterie.

Lorsque vous appliquez le swing, vous modifiez essentiellement le timing des notes à contretemps. Par exemple, dans un rythme 4/4 standard, si vous appliquez le swing, les deuxième et quatrième temps de chaque mesure peuvent être repoussés légèrement plus tard, ce qui crée une sensation de décontraction. Le degré de swing que vous appliquez peut varier. Parfois, un swing subtil est plus que suffisant pour rendre une boucle de batterie plus intéressante, alors que d'autres fois, il faut pousser les choses plus loin pour obtenir un shuffle plus prononcé.

Varier la vitesse

Un autre bon moyen d'ajouter une touche humaine à vos rythmes est de varier la vélocité de vos notes.

La vélocité fait référence à l'intensité avec laquelle une note est jouée. Lorsque vous jouez d'un instrument en direct, vous obtenez une vélocité naturelle d'une note à l'autre. Cependant, lorsque vous programmez des sons, qu'il s'agisse de batterie, de synthétiseurs, de touches, etc., la vélocité est souvent la même, à moins que vous ne fassiez en sorte de l'ajuster. Lorsque chaque note est jouée à la même vitesse, la musique peut sembler plate et sans vie.

Imaginez que vous jouez un motif de charleston en croches. Vous ne frapperiez pas chaque note avec la même emphase, à moins que vous ne cherchiez à obtenir une sorte de son techno industriel.

Heureusement, l'un des moyens les plus simples de commencer à varier la vélocité est d'utiliser vos motifs de batterie. Rendez certaines frappes plus douces et d'autres plus prononcées à l'aide des commandes de vélocité de votre rouleau de piano. Par exemple, vous pouvez rendre les coups de caisse claire principaux plus forts tandis que les notes fantômes sont plus douces.

Si vous programmez un motif de charleston de base, vous pouvez faire en sorte que les contretemps (les "et" dans un motif 1 et 2 et 3 et 4 et) soient frappés à une vitesse inférieure à celle des temps faibles. Même le changement le plus subtil peut rendre votre motif de charleston beaucoup plus naturel.

Si vous ne savez pas quelles notes rendre plus douces ou plus dures, enregistrez-vous en train de frapper le sillon avec vos doigts, importez l'audio dans votre DAW et faites correspondre la vitesse de vos échantillons à la vitesse de chacun de vos coups de doigts.

Automatisez vos effets

Alors que la plupart des producteurs débutants ajoutent des effets tels que la réverbération, le délai ou les filtres à leur mix et s'en tiennent là, j'aime considérer ces éléments de mixage, par ailleurs statiques, comme des instruments. Tout comme vos instruments, ils doivent évoluer au fil du temps pour rendre vos rythmes plus dynamiques.

Il existe une infinité de façons d'aborder cette question, mais l'une de mes techniques préférées consiste à utiliser l'automatisation pour créer des montées et des descentes. Par exemple, vous pouvez automatiser la coupure d'un filtre pour qu'il s'ouvre progressivement pendant un build-up. Vous entendrez souvent cela dans l'EDM et le hip-hop, car cela crée une tension avant une chute ou un refrain.

La réverbération et le délai sont également des candidats de choix pour l'automatisation. Vous pouvez commencer avec un signal de caisse claire sec et augmenter progressivement la réverbération pendant le chorus pour l'ouvrir. Vous pouvez également automatiser le feedback du délai sur un chop vocal pour transformer un simple délai en un écho tourbillonnant et caverneux.

Ajouter des éléments de transition

Les meilleurs rythmes ont des sections définies, tout comme les chansons pop. Vous voulez qu'une section accroche l'auditeur, lui donnant quelque chose à attendre au fur et à mesure que la chanson progresse. Si la structuration d'un rythme en sections définies est excellente, ce qui distingue les pros des amateurs, c'est la façon dont ces sections s'enchaînent.

Les éléments de transition peuvent aider à guider l'auditeur d'une partie du morceau à l'autre tout en maintenant la fluidité. Sans eux, un rythme peut facilement sembler décousu.

Il existe une multitude d'éléments de transition différents, mais les plus utilisés sont les suivants :

• Montées : Excellent avant une chute ou un refrain pour créer une anticipation. Vous pouvez créer des montées en utilisant des synthétiseurs, des balayages de bruit ou même des effets sonores échantillonnés.
• Balayages : Semblables aux élévateurs, les balayages impliquent généralement un balayage du filtre qui passe des basses aux hautes fréquences ou vice versa.
• Drum Fills: Si votre rythme ne supporte pas bien les sweeps ou les risers, vous pouvez simplement faire la transition entre les sections à l'aide d'un drum fill.
• Effets inversés : Prenez un son que vous avez déjà dans votre mixage et inversez-le pour l'utiliser comme transition. Il peut s'agir d'un crash de cymbale ou d'un échantillon vocal verbeux.
• Impacts : Les impacts puissants et percutants sont d'excellents outils pour marquer le début d'une nouvelle section. Je les mixe souvent très bas, pour qu'ils ne soient pas trop évidents, mais que l'auditeur les ressente et qu'ils indiquent le passage à quelque chose de différent.

Ajouter des textures d'arrière-plan

Dans presque tous les rythmes que je crée, j'aime ajouter des couches de fond subtiles pour remplir l'espace vide. C'est un excellent moyen de créer une expérience d'écoute plus immersive sans dominer les éléments principaux de votre morceau.

Les textures d'arrière-plan peuvent être des sons ambiants, des enregistrements de terrain, des nappes de synthétiseur douces et des effets atmosphériques. L'essentiel est de trouver des sons intéressants qui ajoutent une profondeur tridimensionnelle dont votre rythme pourrait être dépourvu.

Comme j'aime la musique organique, je me tourne souvent vers les sons de la nature comme la pluie, le vent ou le chant des oiseaux. En fonction de vos goûts en tant que producteur de musique, vous pouvez également ajouter des sons urbains, comme la circulation en ville ou les conversations d'une fête. Si le processus de production musicale l'exige, sortez avec un enregistreur pour capturer des sons du monde réel et incorporez-les dans vos rythmes afin d'y ajouter votre propre saveur.

Une fois, j'ai enregistré le son du climatiseur dans mon studio et je l'ai couplé au kick pour donner de l'air à mon rythme. Les possibilités sont infinies !

Exemple de sources inhabituelles

Je ne saurais trop insister sur l'importance de l'expérimentation. Des millions de producteurs produisent des rythmes en utilisant les mêmes échantillons, instruments virtuels et effets. Pour vous démarquer, vous devez trouver des moyens d'ajouter de l'originalité à vos rythmes.

En sortant du cadre habituel des kits de batterie et des préréglages de synthé traditionnels, vous pouvez trouver des sons qui distinguent vos morceaux. Les enregistrements sur le terrain sont un bon point de départ, mais vous pouvez également utiliser des dialogues, des effets sonores et des bruits de fond provenant de films et d'émissions de télévision, à condition d'en avoir le droit.

Pensez à des producteurs comme DJ Shadow. Son album "Endtroducing....." présente un mélange éclectique d'échantillons de vieux disques, de films obscurs et d'enregistrements aléatoires sur le terrain. Il a ouvert la voie à un son révolutionnaire qui résonne encore aujourd'hui chez les auditeurs.

Si vous aimez enregistrer, essayez de parcourir les petites annonces locales ou les boutiques en ligne pour trouver des instruments non traditionnels, comme des pianos jouets, des kalimbas ou même des objets improvisés comme des casseroles et des poêles.

Kount Koal est l'un de mes beat-makers préférés en ce moment. Il utilise des tonnes d'instruments et de techniques de traitement inhabituels pour créer des beats, ce qui lui confère un son unique.

Utiliser la saturation et la distorsion

Qu'il s'agisse d'ajouter du grit ou des vibrations vintage ou de rendre tous les éléments de vos rythmes cohérents, la saturation et la distorsion sont des outils puissants que je vous recommande vivement d'utiliser si ce n'est pas déjà fait.

La saturation imite la compression naturelle et les caractéristiques harmoniques de la bande et du matériel analogiques, vous donnant cette chaleur agréable que vous entendez sur les vieux disques, tandis que la distorsion peut vous donner une qualité plus rugueuse, plus tranchante.

Il existe de nombreux types de saturation différents, notamment

• Saturation de la bande
• Saturation des tubes
• Surmultipliée
• Fuzz
• L'écrasement des bits

Je vous recommande de mettre la main sur quelques plugins dans chaque catégorie et d'expérimenter en les ajoutant à vos sons individuels ou à l'ensemble de votre rythme.

Jouer avec des renversements d'accords

Jouer avec des renversements d'accords est un moyen fantastique d'ajouter de la variété à vos rythmes. Il suffit de changer l'ordre des notes de l'accord que vous jouez pour que la tonique de l'accord ne soit pas toujours dans la basse.

Non seulement cela peut rendre vos progressions d'accords de base plus intéressantes, mais cela peut aussi faciliter les transitions et la conduite des voix. Par exemple, si vous jouez une progression d'accords en do majeur (do - sol - am - fa), essayez d'utiliser le premier renversement de sol (si - ré - sol) pour que votre note de basse en do descende d'un cran au lieu de monter d'une quinte.

Référence Autres producteurs

Mon dernier conseil, et le plus important, est de faire référence à d'autres producteurs.

En analysant et en apprenant le travail de producteurs établis, vous pouvez avoir un aperçu des différentes techniques, styles et tendances qui peuvent inspirer et informer votre propre processus créatif. L'écoute critique est un excellent moyen d'améliorer vos mixages, de trouver l'inspiration pour vos arrangements et d'en apprendre davantage sur la conception sonore.

De nombreux producteurs de haut niveau se réfèrent ouvertement au travail des autres et l'étudient.

Par exemple, Dr. Dre a parlé de son admiration pour Quincy Jones et de la manière dont il se réfère au travail de ce dernier pour influencer son propre style de production. C'est probablement l'une des choses qui l'ont aidé à devenir l'un des producteurs les plus influents du hip-hop.

Les prochaines étapes de votre parcours de batteur

Tout au long de votre parcours, n'oubliez pas que la maîtrise de la production musicale est à la fois un art et une science. En appliquant les conseils et les techniques présentés, vous serez sur la bonne voie pour créer des rythmes de qualité professionnelle qui se démarqueront dans l'industrie musicale.

Pour créer ses propres rythmes, il suffit d'expérimenter, d'apprendre et d'affiner ses compétences.

Qu'il s'agisse de superposer des batteries, d'expérimenter le swing ou d'ajouter une texture unique grâce à des techniques d'échantillonnage inhabituelles, chaque étape vous rapproche de votre rythme final. N'oubliez pas de vous référer à d'autres producteurs pour vous améliorer continuellement et rester inspiré. Continuez à repousser vos limites et bientôt, vous produirez des rythmes qui pourront rivaliser avec les meilleurs !