Les progressions d'accords cinématiques ont une saveur unique qui les distingue dans le monde de la composition musicale.

Aujourd'hui, nous allons examiner ce qu'il faut pour donner vie à ces compositions magiques, en commençant par la théorie musicale, jusqu'aux progressions d'accords qui ont fait de certains films des classiques intemporels. À la fin de cet article, vous saurez tout ce dont vous avez besoin pour écrire votre propre musique de film, de jeu vidéo ou toute autre chose à laquelle vous pouvez penser.

Comprendre les progressions d'accords

Il n'est pas réaliste d'aborder le sujet des progressions d'accords cinématographiques sans savoir ce qu'est une progression d'accords. Il s'agit d'un sujet complexe, je vais donc vous en donner un bref aperçu. Ceux qui sont déjà familiarisés avec la théorie musicale qui sous-tend les structures d'accords peuvent sauter cette section.

Pour ceux qui débutent, se concentrer sur la diatonalité et l'harmonie fonctionnelle est un excellent moyen de commencer à comprendre la théorie qui sous-tend les progressions musicales.

Les progressions d'accords diatoniques utilisent les notes d'une seule tonalité. Par exemple, si vous écrivez une chanson en la majeur, tous les accords proviendront de la gamme de la majeur, qui contient les notes la, si, do#, ré, mi, fa# et sol#.

À partir de cette gamme, vous pouvez créer des triades, c'est-à-dire des accords composés de trois notes :

• La majeur (I) : LA DO# MI
• Si mineur (ii) : si ré fa#
• Do# mineur (iii) : do# mi sol#
• Ré majeur (IV) : RÉ FA# LA
• Mi majeur (V) : E G# B
• F# mineur (vi) : FA# LA DO#
• Sol# diminué (vii°) : G# B D

Chaque accord est généralement représenté par un chiffre romain : les lettres majuscules correspondent aux accords majeurs et les lettres minuscules aux accords mineurs. Cela nous donne la progression : I - ii - iii - IV - V - vi - vii°.

La tonique, ou l'accord I (ici A majeur), est un point de référence pour tous les autres accords, tandis que l'accord V (E majeur) est ce que l'on appelle la "fonction dominante", qui a un fort "désir" de se résoudre à la tonique.

Lorsque nous étudions les relations entre les accords, nous parlons de la conduite de la voix, qui décrit la manière dont les notes individuelles passent d'un accord à l'autre.

Par exemple, lorsque l'on passe de V (mi majeur) à I (la majeur), on constate ce qui suit :

• E (racine) se résout en A (racine).
• Le sol# (tierce) se résout en la (racine).
• Le si (quinte) se résout en do# (tierce de I).

Cette résolution fait de I - V - I une progression commune qui sonne complète et harmonieuse.

Si le V se résout bien en I, nous pouvons chercher d'autres accords qui ont une relation similaire.

L'accord ii (si mineur) est à une quinte de V. En ajoutant ii avant V, on obtient la progression I - ii - V (A - Bm - E), où ii est un accord prédominant, qui mène facilement à l'accord dominant (V). Cette progression I - ii - V est l'une des plus fréquemment utilisées dans divers genres musicaux, notamment le jazz, la musique classique, la musique pop et la musique country.

Cercle des cinquièmes

Si vous envisagez de devenir compositeur de bandes sonores, la suite logique de la théorie musicale est de comprendre le cercle des cinquièmes.

Une "quinte" est la cinquième note d'une gamme majeure. En jouant une note, puis la note sept hauteurs plus haut, vous établissez une quinte. La poursuite de ce schéma crée un cercle qui représente visuellement les relations entre les tonalités. Plus deux touches sont proches sur ce cercle, plus la transition entre elles sera douce ; de la même manière, des touches plus éloignées peuvent créer un effet plus contrasté.

Pourquoi devez-vous savoir cela ? Parce que le passage d'une touche à l'autre est essentiel pour créer un voyage émotionnel.

Les compositeurs de films passent d'une tonalité à l'autre pour suivre les changements dans les scènes, et le cercle de quintes montre clairement à quel point les tonalités sont étroitement liées les unes aux autres. Par exemple, le passage de do majeur à sol majeur est une transition courante car les deux tonalités partagent certaines notes, ce qui permet à la musique de s'enchaîner naturellement.

Le cercle des quintes vous permet également d'explorer différentes mélodies en toute confiance, en passant d'une tonalité à l'autre, éloignée mais néanmoins apparentée ; passer de do majeur à fa# majeur peut constituer un changement assez radical, mais des tonalités contrastées peuvent être très utiles si la scène exige un mouvement soudain.

En matière d'orchestration, les compositeurs peuvent également choisir des signatures de tonalité qui fonctionnent bien avec des instruments spécifiques, simplement en suivant le cercle des quintes, tout en préservant la progression harmonique.

En fin de compte, la composition d'une bande sonore se résume à une tension et à un relâchement, et la compréhension du cercle des quintes fournit aux compositeurs une structure permettant de créer une tension efficace. Que ce soit en résolvant un accord de dominante pour revenir à l'accord principal, ou en utilisant des dominantes secondaires et des échanges modaux, vous serez en mesure d'ajouter plus de profondeur à votre musique en suivant ce système.

Meilleurs exemples

Examinons comment certaines des partitions les plus emblématiques utilisent ces progressions :

Interstellar - Hans Zimmer

Une bande originale phénoménale réalisée par l'un des plus grands compositeurs vivants de musique de film. Le thème principal d'Interstellar est dans la tonalité de la mineur, mais il commence par l'accord de VI, Fmaj7, suivi de l'accord de v mineur, mi mineur, qui contient le sol à la basse.

Le troisième accord est la mineur, ce qui donne un sens évident à la résolution. Ensuite, la progression revient à mi mineur, toujours avec sol à la basse, mais avec une note ré dans la mélodie cette fois. La progression en accords mineurs, avec les renversements d'accords occasionnels, crée une atmosphère de crainte et de mystère, qui convient parfaitement à ce space opera visionnaire et déroutant.

Stranger Things - Kyle Dixon et Michael Stein

Le thème principal de Stranger Things est un autre excellent exemple, car il présente un moyen simple mais efficace de créer de la tension.

Le thème n'utilise que deux accords : Do majeur 7 et Do majeur 7/E. Cependant, le passage d'un accord à l'autre est particulièrement fluide, les racines de chaque accord étant jouées à des octaves différentes dans la basse.

Le do majeur 7 et le do majeur 7/E ont les mêmes quatre notes, mais le changement de la note de basse donne à chaque accord une sonorité différente. L'effet de l'alternance des notes basses sous un accord crée une atmosphère inquiétante qui s'accorde parfaitement avec l'histoire.

Thème de la princesse Leia (Star Wars) - John Williams

J'ai toujours préféré Star Trek, mais je ne peux pas nier que les films de Star Wars contiennent certaines des meilleures compositions musicales réalisées pour le cinéma. Parmi tous les chefs-d'œuvre composés au fil des décennies, le thème de la princesse Leia de John Williams est le summum de la narration musicale.

Écrit en ré majeur, la progression des accords du thème suit le schéma I-iv-I-iv-II-vi-VI-iv-V-II dom 7. La musique oscille ainsi entre accords majeurs et mineurs, ce qui lui confère une aura de nostalgie.

Ce que j'aime le plus dans le thème de Leia, c'est la façon dont il passe d'un accord de ré majeur à un accord de sol mineur. Ce changement donne à la musique une texture douce-amère, nuancée et majestueuse.

Williams utilise un accord de sol mineur au lieu d'un accord de sol majeur, afin de donner un ton plus sombre et plus émotionnel à la bande sonore. En outre, au fur et à mesure que le thème progresse, la tonalité descend d'un demi-pas, ce qui amplifie la profondeur du morceau. Le thème passe deux fois par ces accords, avant de revenir au ré majeur.

9 accords cinématographiques à utiliser pour vos bandes sonores

I - V - vi - IV : Meilleure bande originale pop

Exemple : C - G - Am - F

I - V - vi - IV est de loin la progression la plus populaire de la musique occidentale. Elle commence par l'accord I (la tonique), passe à l'accord V (la dominante), descend à l'accord vi (la sixte mineure) et se termine par l'accord IV (la sous-dominante).

Outre le fait qu'elle est parfaite pour interchanger le centre tonal, cette progression crée intrinsèquement un sentiment d'élévation, avec un flux d'émotions qui évolue progressivement vers l'espoir. L'ensemble de l'ambiance est complet et stimulant, ce qui explique qu'il ait été utilisé à d'innombrables reprises au fil des décennies.

vi - IV - I - V : Le morceau épique

Exemple : Am - F - C - G

Une autre séquence courante est vi - IV - I - V, qui suit un schéma similaire à I - V - vi - IV, mais qui commence par l'accord subordonné, l'accord vi, avant d'aboutir à une résolution forte.

Cela crée un changement de ton émotionnel assez poignant, en particulier parce que le V fournit une libération émotionnelle puissante au voyage d'un personnage.

vi - iii - V - II : Positivité et espoir

Exemple : Am - Em - G - D

Cette séquence fonctionne bien pour les moments émotionnels, lorsque l'équilibre entre la tristesse et l'espoir est crucial.

La progression d'accords vi - iii - V - II entraîne les auditeurs dans un voyage émotionnel. Elle commence par un accord vi qui respire la solennité, et l'accord iii prolonge ce sentiment tout en suggérant un changement. Lorsque la progression atteint l'accord V, il y a un sentiment de nostalgie qui culmine avec l'accord II, ajoutant une touche surprenante et positive.

vi - IV - V - iii : Tristesse et acceptation

Exemple : Am - F - G - Em

Cette progression recommence avec l'accord de vi, mais l'accord de IV qui suit apporte un sentiment temporaire de stabilité. L'accord de V suivant crée une tension, mais la progression se termine par l'accord de iii, qui donne un sentiment doux-amer.

Les deux accords mineurs lui donnent un air triste, et c'est surtout l'accord iii qui est à l'origine du sentiment d'émotion qui définit la progression.

Pour moi, cette structure est parfaite pour les moments d'acceptation et de perte. Elle laisse au public un sentiment d'émotion non résolue, ce qui peut s'avérer efficace pour dépeindre la lutte d'un personnage principal.

I - IV - vi - V : La bande originale du héros

Exemple : C - F - Am - G

La progression I - IV - vi - V est un autre standard de la narration cinématographique qui fonctionne bien avec les personnages héroïques. Elle commence fort avec l'accord I, puis l'accord IV renforce encore l'impression de puissance de la musique.

Ensuite, l'accord vi ajoute un élément subtil de vulnérabilité à cette progression d'accords majeurs, et l'accord V crée une tension avant de revenir à l'accord I fondamental.

ii - IV - vi - V : Progression majestueuse

Exemple : Dm - F - Am - G

Cette progression est parfaite pour les scènes épiques. Elle commence par l'accord ii, qui lui donne une impression de mouvement. L'accord IV ajoute de la stabilité, tandis que l'accord vi apporte une certaine vulnérabilité. Enfin, l'accord V se résout avec force.

vi - IV - V - II : Une ambiance stimulante

Exemple : Am - F - G - D

Cette progression est présente dans probablement toutes les vidéos YouTube mettant en scène la nature et la musique relaxante !

Il commence par l'accord vi qui, en lui-même, dégage une atmosphère pensive et triste. Cependant, les accords IV et V créent un sentiment d'anticipation inspirant et positif. La séquence se termine par l'accord II, qui ajoute un sentiment d'espoir à la progression.

I - IV - ii - V : une nouvelle aventure

Exemple : C - F - Dm - G

Voici une progression qui convient parfaitement aux scènes d'action et de voyage.

La progression I - IV - ii - V est assez entraînante et commence par l'accord I, qui constitue une base solide. L'accord IV suivant développe la musique, tandis que l'accord ii ajoute une certaine tension. Enfin, la progression se résout en un accord V puissant, qui donne un sentiment d'excitation et d'énergie.

I - iii - V - II : Expansif

Exemple : C - Em - G - D

La progression I - iii - V - II commence par un accord I puissant, suivi d'un accord iii plus inattendu. L'accord V suscite l'anticipation, tandis que l'accord II apporte finalement un sentiment de possibilités infinies.

Les deux accords majeurs à la fin de cette progression créent une ambiance positive qui peut être utilisée dans de nombreux contextes cinématographiques.

Derniers conseils

La création d'une progression d'accords cinématographique qui résonne avec les gens nécessite un vocabulaire sonore à la fois profond et familier. Veillez donc à écrire une musique à laquelle les gens pourront s'identifier et qui élargira le sens de ce qui se passe à l'écran.

Lorsqu'il s'agit de bandes sonores de films, les options sont pratiquement infinies : par exemple, en apprendre davantage sur les tonalités mineures peut ajouter beaucoup de profondeur émotionnelle à votre partition, ou passer d'une tonalité majeure à sa version mineure pour créer un fort contraste susceptible d'accroître l'intensité dramatique.

Il en va de même pour les accords empruntés à la gamme parallèle mineure, comme le remplacement d'un accord vi dans une tonalité majeure par l'accord iv de la gamme mineure. Ou encore la maîtrise du mouvement de la fondamentale pour passer d'un accord à l'autre à partir d'une note commune.

Enfin, l'ajout d'un accord diminué dans vos progressions peut créer du suspense et conduire à une résolution significative, en particulier lorsque vous l'utilisez comme transition entre deux accords dans l'harmonie traditionnelle.

De nombreuses bandes originales ont utilisé des accords diminués pour ajouter de la surprise à des progressions simples. Cette astuce, ainsi que les dominantes secondaires et les changements de tonalité, vous aideront à construire une palette sonore qui fera naître de nouvelles émotions.

Bonne chance et restez créatifs !