La musique dub a peut-être commencé comme un genre de niche, mais ses répercussions se sont étendues bien au-delà des rivages de la Jamaïque, où elle est née. Des morceaux chargés d'écho des légendes du reggae des années 1970 aux productions lourdes de basses de la musique de danse électronique d'aujourd'hui, le dub a laissé son empreinte sur un large éventail de musiques populaires.

Des artistes comme The Clash et Massive Attack ont plongé dans la piscine dub, créant une musique qui a longtemps trouvé un écho auprès des publics du monde entier, mais d'une manière ou d'une autre, le dub lui-même reste un genre qui passe encore inaperçu pour beaucoup.

Malgré ses décennies d'influence, la musique dub reste un son à la fois omniprésent et insaisissable. Dans cet article, nous allons nous plonger dans l'histoire, l'influence et les icônes de la scène dub. À la fin, vous comprendrez pourquoi le dub mérite bien plus qu'un simple clin d'œil. Et qui sait ? Vous pourriez même vous retrouver à intégrer un beat inspiré du dub dans votre prochain morceau !

Qu'est-ce que la musique dub ?

La musique dub, souvent appelée "dub reggae", est née des versions instrumentales des chansons reggae jamaïcaines à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Tout a commencé avec l'idée simple mais brillante (et accidentelle) de dépouiller les chansons de reggae jusqu'à leur plus simple expression - en supprimant le chant principal tout en conservant parfois les chœurs - pour créer un espace où le rythme, ou "riddim", occupe le devant de la scène.

Ces premiers morceaux dub étaient entièrement consacrés à la batterie et à la basse, le battement de cœur de la musique reggae, mis à nu pour tout le monde.

Le nom "dub" vient de " dubplates " , des disques en acétate utilisés par les opérateurs de systèmes de sonorisation pour tester de nouveaux mixages ou diffuser des titres exclusifs. Le terme "dub" lui-même est devenu synonyme de remixage et de modification de ces versions instrumentales, en ajoutant des couches d'effets comme la réverbération, l'écho et le retard.

Essentiellement, le producteur est devenu l'artiste, remixant et remodelant la musique en temps réel, transformant la table de mixage en un instrument à part entière.

À ses débuts, la musique dub était brute et organique. Les producteurs utilisaient le studio comme terrain de jeu créatif. Mais la technologie a progressé, tout comme la musique dub. Les boîtes à rythmes et les échantillonneurs ont fini par faire leur apparition, poussant le genre vers de nouveaux territoires.

Aujourd'hui, le dub est devenu un genre de musique électronique à part entière, influençant tout, du hip-hop à l'EDM. Pourtant, à la base, le dub reste fidèle à ses racines - une célébration du rythme, de l'expérimentation et de la puissance de la basse !

Une histoire de la musique dub

"Sur la plage

La naissance de la dub music est l'un de ces accidents heureux qui ont changé à jamais le cours de l'histoire de la musique.

Nous sommes en 1968 en Jamaïque, et l'air est rempli des sons de la musique reggae. Le producteur de sound systems Rudolph "Ruddy" Redwood vient de commander au studio Treasure Isle l'enregistrement du tube "On the Beach" des Paragons.

Cependant, une petite erreur de Byron Smith, l'ingénieur du studio, a donné lieu à quelque chose de magique.

Smith a accidentellement pressé une copie du morceau sans les voix - juste l'instrumental. Au lieu d'effacer cette "erreur", Redwood a décidé d'en profiter et a fait tourner la version sans voix lors d'une de ses soirées sound system.

La réponse a été électrique.

Le public a adoré ce son dépouillé et rythmé, et la version instrumentale est rapidement devenue un énorme succès. Qu'est-ce qui la rendait si spéciale ? D'une part, elle laissait plus d'espace à la musique pour respirer, et d'autre part, elle ouvrait la voie à ce que l'on appelle le "toasting", qui consiste pour les DJ à parler, chanter ou psalmodier sur le riddim. Il s'agit là d'un précurseur de ce que nous appelons aujourd'hui le rap et le hip-hop modernes.

Le son du roi Tubby

La naissance accidentelle de la musique dub a fini par attirer l'attention de l'un de ses pionniers les plus influents, Osbourne "King Tubby" Ruddock. Ingénieur du son doté d'un sens aigu de l'innovation, King Tubby a compris qu'il était possible d'amener l'idée des morceaux instrumentaux de reggae à un niveau supérieur. Inspiré par les nombreuses possibilités qui s'offraient à lui, Tubby a mis au point sa propre formule dub, qui consistait à déconstruire et à reconstruire.

Il prenait les morceaux de reggae originaux et les réduisait à leurs éléments essentiels - principalement la batterie et la basse, connues sous le nom de "riddim". Il a ensuite superposé les pistes avec un mélange d'écho, de réverbération et de retard. Les voix sont souvent réduites à des fragments, des échos de l'original, tandis que d'autres instruments entrent et sortent du mélange, créant une expérience d'écoute immersive.

Cette approche novatrice de la production musicale s'est rapidement répandue comme une traînée de poudre, et la musique dub est rapidement passée du statut de phénomène de sound system à celui d'élément incontournable des studios d'enregistrement. En peu de temps, les albums de dub ont commencé à apparaître sur les étagères des magasins de disques, présentant au monde une nouvelle facette expérimentale du reggae.

Doubler le courant dominant

Dans les années 1960 et 1970, la scène musicale jamaïcaine était en plein essor grâce aux grands succès du ska, du rocksteady et du reggae. Ces genres musicaux dominaient les ondes et les salles de danse. Mais pendant que ces titres faisaient la pluie et le beau temps, quelque chose de révolutionnaire se préparait sur les faces B.

Les sound systems, toujours à la recherche de nouveauté et d'excitation, ont commencé à expérimenter avec les faces avant de ces disques populaires. Au lieu de simplement presser les pistes originales, ils ont commencé à créer des versions dub des faces A, en supprimant les voix et en jouant avec les éléments instrumentaux.

Ces versions dub ont donné une nouvelle vie aux grands succès.

Par exemple, "King Tubby Meets Rockers Uptown" était la version dub de "Baby I Love You So" de Jacob Miller, devenant ainsi l'une des plus célèbres versions dub d'une face A.

Les experts du dub entrent en scène

Au début des années 1970, la musique dub est devenue un mouvement à part entière. Plusieurs producteurs pionniers sont apparus sur la scène, chacun apportant sa propre saveur à ce genre en pleine évolution. Des noms comme Lee "Scratch" Perry, King Tubby, Augustus Pablo et Errol Thompson ont commencé à résonner dans les rues de Kingston, tandis que ces visionnaires se taillaient une place de choix en tant que véritables propriétaires du dub.

Derrick Harriott, un producteur qui a apporté sa propre touche au genre, a contribué à la révolution dub.

Harriott s'est fait connaître pour son utilisation inventive des effets sonores, ajoutant des éléments tels que des sirènes, des coups de tonnerre et même des bribes de dialogue à ses doublages. Ces effets ajoutent des couches d'atmosphère et de drame à la musique, donnant à chaque morceau l'impression d'être une entité vivante.

Création de la scène Dub britannique

Les immigrants jamaïcains qui se sont installés au Royaume-Uni dans les années 1970 et 1980 ont apporté avec eux les sons du reggae et de la musique dub. Cet échange culturel a donné naissance à une scène dub britannique distincte.

Des artistes pionniers comme Dennis Bovell, Mad Professor et Jah Shaka ont joué un rôle crucial dans la formation de ce mouvement, en insufflant aux lignes de basse percutantes et aux rythmes hypnotiques du dub jamaïcain leur propre saveur britannique.

Dennis Bovell, surnommé le "Godfather of UK Dub", a contribué à faire connaître le dub aux masses britanniques. Son travail avec des groupes comme Matumbi a contribué à combler le fossé entre le reggae, le dub et la scène punk émergente.

De même, Mad Professor est devenu célèbre pour son approche expérimentale, mêlant des éléments dub traditionnels à des sons électroniques pour créer une ambiance futuriste et spatiale qui a trouvé un écho auprès de la jeunesse de l'époque. Jah Shaka a défendu le côté spirituel du dub, utilisant sa musique pour promouvoir des messages de paix, d'amour et de résistance.

Ces pionniers britanniques du dub ont également inspiré une vague de groupes crossover qui ont incorporé le dub dans leur propre son, contribuant ainsi à le faire connaître à un public encore plus large.

Des groupes comme The Police, The Clash et UB40 ont commencé à expérimenter les rythmes profonds et les effets d'écho du dub, en les mélangeant au punk, au rock et à la new wave. L'album emblématique Sandinista ! de The Clash et le morceau "Walking on the Moon" de The Police illustrent tous deux l'influence du dub sur la musique britannique traditionnelle.

La scène dub britannique a non seulement donné une plate-forme aux sons jamaïcains, mais a également élargi la portée de la musique dub.

Le dub devient électronique

Au début des années 1980, l'évolution de la musique dub a pris un tournant passionnant avec l'apparition des remixes électroniques. Les producteurs ont commencé à expérimenter les synthétiseurs, les boîtes à rythmes et les effets sonores numériques, repoussant les limites de la signature sonore du dub. Cette époque a donné naissance à une fusion du dub avec la musique électronique, créant un tout nouveau spectre de sous-genres qui continuent d'influencer le monde de la musique aujourd'hui.

Lorsque le dub est entré dans l'ère numérique, plusieurs formes électroniques de dub ont vu le jour :

• Dubstep: De nombreux amateurs de dubstep ne savent pas que ce genre musical est né au Royaume-Uni à la fin des années 1990. Au départ, le dubstep reprenait les basses profondes et les éléments à forte réverbération du dub et les fusionnait avec un son plus sombre et plus agressif. Des artistes pionniers comme Skream, Benga, et Burial ont contribué à définir ce genre, qui a rapidement gagné en popularité dans les clubs underground et a ensuite explosé sur la scène musicale mondiale.
• Dubtronica: Avec les qualités atmosphériques du dub et les tambours électroniques, le dubtronica est devenu un espace d'expérimentation. Des artistes comme Thievery Corporation et Ott sont connus pour leur travail dans ce genre.
• Dub Techno: Le dub techno reprend le minimalisme de la techno et lui insuffle les qualités de profondeur et d'écho du dub. Des artistes comme Basic Channel et Deepchord ont été les pionniers de ce genre.
• Psydub: Fusion de dub et de musique psychédélique, le psydub offre une expérience d'écoute trippante et déroutante. Shpongle et Younger Brother sont des figures de proue de la scène psydub.
• Trip-Hop: Le trip-hop mêle le dub au hip-hop, au jazz et à la musique électronique, créant ainsi un genre à la fois cool et nerveux. Massive Attack, Portishead et Tricky sont quelques-uns des artistes les plus emblématiques de la scène trip-hop des années 90.

Au fil du temps, le chevauchement entre le dub et le dancehall s'est également accentué, en particulier lorsque le dancehall a commencé à incorporer des éléments électroniques à la fin des années 1980 et au début des années 1990.

Des artistes comme King Jammy ont joué un rôle déterminant dans cette fusion et, plus tard, des artistes comme Shabba Ranks et Buju Banton ont brouillé les pistes en utilisant des techniques de production inspirées du dub pour créer des hits dancehall.

Reggae vs. Dub

Le reggae et le dub sont des genres très proches, il n'est donc pas surprenant que de nombreuses personnes en parlent de manière interchangeable. Tout d'abord, les deux sont enracinés dans les riches traditions musicales de la Jamaïque.

Cependant, bien qu'ils partagent de nombreuses similitudes, il existe des différences essentielles qui les distinguent. Voici un aperçu des principales distinctions entre le reggae et le dub :

• Structure :
  • Reggae: Se caractérise par des chansons structurées avec des couplets, des refrains et souvent des mélodies vocales fortes.
  • Dub: principalement instrumental, axé sur le remixage et la manipulation des éléments du morceau original, souvent en supprimant ou en réduisant les voix.
• L'instrumentation :
  • Reggae: S'appuie sur un groupe complet, comprenant guitare, basse, batterie, claviers et cuivres, et met l'accent sur le rythme et la mélodie.
  • Dub: se concentre fortement sur la basse et la batterie (le "riddim"), en supprimant souvent les autres instruments ou en les utilisant avec parcimonie et en y ajoutant des effets.
• Techniques de production :
  • Reggae: Enregistré et produit avec un minimum d'effets sonores, il se concentre sur un son naturel, produit par un groupe en direct.
  • Dub: Connu pour son utilisation expérimentale d'effets de studio tels que la réverbération, l'écho et le retard, créant un son plus spacieux et d'un autre monde.
• Présence vocale :
  • Reggae: Les voix sont au centre de la chanson, délivrant son message, souvent sur les thèmes de l'amour, de la justice sociale et de la spiritualité.
  • Dub: Les voix, lorsqu'elles sont présentes, sont généralement fragmentées, répercutées ou remixées, et s'intègrent à la texture générale plutôt que d'en être le point central.
• Objectif :
  • Reggae: Vise à offrir une expérience musicale cohérente avec une narration ou un message clair.
  • Dub: Il s'agit souvent d'un remix ou d'une réinterprétation de la musique reggae, qui met l'accent sur l'ambiance, le rythme et l'expérimentation sonore.
• Impact culturel :
  • Reggae: Largement reconnu pour son influence sur la musique mondiale, notamment en diffusant la culture jamaïcaine et des messages de paix et d'unité.
  • Dub: Influent sur le son de la musique électronique moderne, du hip-hop à l'EDM, et connu pour son rôle dans la culture du remix.

Si le dub et le reggae ont une origine commune, leurs différences résident dans leur approche de la création musicale.

Artistes Dub emblématiques

Le roi Tubby

King Tubby, né Osbourne Ruddock, est souvent considéré comme le "père du dub".

En tant qu'ingénieur du son pionnier, Tubby a révolutionné la production musicale en transformant la table de mixage en instrument. Son travail révolutionnaire consistait à dépouiller les morceaux de reggae jusqu'à leur noyau et à y ajouter des effets sonores novateurs tels que l'écho, la réverbération et le retard.

Des morceaux comme King Tubby Meets Rockers Uptown featuring Augustus Pablo illustrent son style caractéristique. L'influence de Tubby est immense et, à tous égards, il a jeté les bases de la culture moderne du remix et de la musique électronique.

Lee Scratch Perry

Lee "Scratch" Perry, également connu sous le nom de "The Upsetter", est l'une des figures les plus excentriques et les plus influentes du dub. Producteur, mixeur et artiste, le travail de Perry au Black Ark Studio en Jamaïque a produit certains des morceaux dub les plus révolutionnaires de tous les temps.

Il était passé maître dans l'utilisation de sons non conventionnels, tels que des bris de verre ou des bruits d'animaux, associés à une réverbération et à un délai importants pour créer des paysages sonores hors du commun. Les collaborations de Perry avec des artistes comme Bob Marley et The Wailers, ainsi que ses propres albums, ont contribué à repousser les limites du dub, faisant de lui une icône du genre.

Augustus Pablo

Augustus Pablo, né Horace Swaby, est surtout connu pour son utilisation magistrale du mélodica, un instrument qu'il a popularisé dans le reggae et la musique dub. Sa signature sonore, que l'on pourrait qualifier d'obsédante, éthérée et mélodique, avec des lignes de basse profondes qui font écho, est devenue une marque de fabrique du genre dub.

Les collaborations de Pablo avec King Tubby ont donné naissance à certains des albums dub les plus emblématiques, dont King Tubby Meets Rockers Uptown. Sa capacité à mélanger la musique jamaïcaine traditionnelle avec des éléments dub expérimentaux a contribué à consolider sa place parmi les artistes les plus novateurs et les plus durables du genre.

Professeur fou

Mad Professor, né Neil Fraser, est une figure clé de l'évolution du dub, en particulier au Royaume-Uni. Connu pour son approche futuriste du genre, Mad Professor a embrassé le côté numérique des choses, poussant le dub vers de nouveaux territoires électroniques.

Sa série Dub Me Crazy met en avant son utilisation innovante des synthétiseurs, des échantillonneurs et des boîtes à rythmes, mêlant les techniques traditionnelles du dub à ce qui était alors une production à la pointe de la technologie. Les collaborations de Mad Professor avec un large éventail d'artistes, dont Massive Attack sur leur album No Protection, ont contribué à faire connaître le dub à un public plus large.

Scientifique

Scientist, né Hopeton Overton Brown, était un protégé de King Tubby et s'est fait connaître pour son approche ludique du dub. Débutant comme apprenti au studio de Tubby, Scientist a rapidement développé son propre style, caractérisé par des basses lourdes, des effets d'écho uniques et des manipulations sonores complexes. Des albums comme Scientist Rids the World of the Evil Curse of the Vampires et Scientist Wins the World Cup sont souvent célébrés pour leurs titres imaginatifs et leurs techniques de production novatrices.

La capacité de Scientist à créer des paysages sonores vivants, presque cinématographiques, a fait de lui l'une des figures les plus emblématiques et les plus aimées de la scène dub.

Les 5 meilleurs conseils pour le mixage de Dub

Le dub est une forme d'art unique. À bien des égards, la "console de mixage" est l'instrument le plus important.

Bien sûr, dans les premiers temps du dub, des pionniers comme King Tubby et Lee "Scratch" Perry ont fait du studio leur instrument. Aujourd'hui, si les ordinateurs ont changé la façon dont nous créons le dub, l'essence de l'art reste la même.

Voici quelques conseils pour vous aider à maîtriser l'art du mixage dub sur une installation moderne :

1. Adopter une approche manuelle

Lorsqu'il s'agit de mixer dub, il y a quelque chose de particulièrement puissant dans le fait d'utiliser ses mains. Si les outils numériques offrent de la précision, la forme d'expression tactile qui découle de l'interaction physique avec votre équipement est irremplaçable.

En dub, vos mains doivent être le prolongement de vos instincts créatifs.

L'approche manuelle du mixage vous permet de vous connecter à la musique à un niveau plus profond. Qu'il s'agisse d'appuyer sur les faders ou de tourner les boutons d'une console, l'acte physique de manipuler le son en temps réel apporte un niveau de spontanéité et d'intuition qui est au cœur du dub. Lorsque vous vous engagez physiquement avec votre console de mixage ou votre équipement, vous réagissez à la musique dans l'instant, en prenant des décisions basées sur la sensation plutôt que sur la théorie.

En bref, le dub devrait toujours être un processus instinctif.

2. Configuration de votre modèle de session Dub

Lorsqu'il s'agit de mélanger le dub, la préparation est essentielle.

Que vous travailliez avec des racks externes ou que vous utilisiez une station de travail audionumérique, le fait de disposer d'un modèle de session avec des départs auxiliaires prêts à l'emploi peut vous faire gagner du temps et vous aider à rester dans le flux créatif. Voici une liste de départs auxiliaires et d'effets indispensables à inclure dans votre configuration :

• Mono Spring Reverb: vous pouvez utiliser une réverbération à ressort classique pour ajouter une chaleur analogique et grinçante à votre mixage. Idéale pour envoyer des coups de caisse claire ou des bribes de voix afin de créer une ambiance dub authentique, à l'ancienne. La configuration mono permet de garder l'effet serré et concentré. Si vous utilisez du matériel, une unité de réverbération Fender '63 est un bon choix. Si vous travaillez dans la boîte, essayez l'AKG BX 20 de UAD.
• Réverbération stéréo numérique: La réverbération stéréo numérique permet d'obtenir un son stéréo plus large. Faites passer vos guitares, vos cuivres ou même des kits de batterie complets par cet effet pour créer une atmosphère luxuriante. Cet effet est idéal pour ajouter de la profondeur à votre mixage et le rendre plus spacieux. Le Lexicon PCM 92 est idéal pour une réverbération étendue du côté matériel, mais si vous recherchez un logiciel, Valhalla VintageVerb est la solution idéale.
• Long-Building Dub Echo (Mono ou Stereo): Il s'agit d'un élément essentiel du dub. Créez un délai avec une longue boucle de rétroaction, ce qui lui permet de se construire et d'évoluer au fil du temps. Utilisez-le en mono pour un son plus direct et ciblé, ou en stéréo pour un effet plus large et plus immersif. Parfait pour laisser un riff de guitare ou une ligne de chant s'étendre à l'infini, créant ainsi un espace dub classique. Le Roland RE-201 Space Echo est le choix le plus évident, mais pour une plus grande flexibilité, je recommande le Soundtoys EchoBoy.
• Phaser: Un phaser est idéal pour ajouter du mouvement et de la texture à un mix. Vous pouvez envoyer vos charlestons, vos synthétiseurs ou même des boucles de batterie entières à travers un phaser pour créer un effet tourbillonnant et hypnotique. En tant que guitariste, l'Electro-Harmonix Small Stone Phaser est l'un de mes favoris pour le matériel. Toutefois, si vous souhaitez opter pour un logiciel, découvrez Soundtoys Phasemistress.

3. Création de longs délais d'écho

L'une des techniques caractéristiques de la musique dub est la création de ces profonds délais d'écho évolutifs qui semblent s'étendre à l'infini. Au cœur de ce son se trouve une astuce simple mais puissante : renvoyer le delay à lui-même. Cette méthode, souvent appelée "feedback looping", est la pierre angulaire de la production dub.

Pour obtenir cet effet, vous devez acheminer la sortie de votre unité de délai vers son entrée.

Voici comment cela fonctionne : lorsque le signal du délai est renvoyé vers lui-même, il crée une boucle qui fait que les échos se construisent et évoluent dans le temps, devenant plus intenses à chaque répétition. Cette boucle de rétroaction peut être réglée pour contrôler la durée des échos et leur interaction avec le reste du mixage.

Je recommande d'utiliser des délais analogiques, car les imperfections naturelles et les bizarreries du matériel ajoutent à la magie. Les appareils analogiques, comme le Roland Space Echo ou les délais à bande classiques, introduisent souvent des variations subtiles de hauteur, de timing et de tonalité lorsque les échos se répètent, ce qui confère à vos pistes de dub un caractère chaud et granuleux.

Comme les taux de ces retards ne sont pas parfaitement synchronisés, vos choix sont basés sur la sensation plutôt que sur des règles strictes. En manipulant le feedback et les temps de retard, vous réagissez à la musique en temps réel.

L'un des moyens les plus efficaces de créer des échos de dub cool est de faire passer le taux de retard de très rapide à très lent. Commencez par un délai rapide et serré pour créer un sentiment d'urgence, puis ralentissez progressivement pour étirer les échos et créer un paysage sonore vaste et spacieux.

4. Accentuer les tambours

Dans la musique dub, les tambours sont tout ce qu'il y a de plus important.

Pour faire ressortir votre batterie, vous devez faire preuve de créativité avec les effets et le traitement. L'une des façons d'y parvenir est d'envoyer des éléments de batterie spécifiques vers des auxiliaires chargés de phasers, de réverbérations à ressort ou de retards, qui peuvent ajouter de la profondeur, du mouvement et de l'atmosphère.

Par exemple, essayez d'envoyer votre caisse claire sur une piste auxiliaire avec une réverbération à ressort mono classique, ou envoyez vos charlestons ou vos percussions sur une piste auxiliaire avec un phaser.

En plus des effets créatifs, il est essentiel d'obtenir le bon punch et la bonne présence dans votre batterie. Les compresseurs comme le DBX-160 sont fantastiques à cet égard. Réglez une attaque moyenne et un relâchement rapide pour laisser passer les transitoires initiales, puis réglez la compression en fonction de vos goûts. Vous obtiendrez ainsi un son percutant et percutant qui traverse le mixage.

Réflexions finales

La musique dub est plus qu'un simple genre. Né des riches traditions de la musique jamaïcaine, il s'est transformé en une forme d'art dynamique et en constante expansion. L'histoire du dub est longue et profonde. De la musique reggae pressée en pistes instrumentales à la musique reggae instrumentale remixée en musique de danse moderne, la musique dub continue d'évoluer telle que nous la connaissons.

Nous espérons que ce petit guide de la musique dub vous a permis de mieux apprécier le genre et vous a donné envie d'en faire à votre tour !