La techno est une sorte de terme générique que nous utilisons souvent pour décrire un large éventail de musique électronique. Créer un guide sur "comment faire de la techno" n'aurait pas vraiment de sens, car il existe une infinité de genres, de sous-genres et de sons parmi lesquels choisir.

Cependant, cela ne signifie pas que nous ne pouvons pas examiner certains des principes de base qui se présentent dans presque toutes les formes de musique techno. Alors, sans plus attendre, plongeons dans l'exploration des principes de base afin que vous puissiez commencer à produire de la musique techno chez vous.

Qu'est-ce que la musique techno ?

La musique techno a une histoire assez riche, même si la plupart des amateurs de musique techno moderne associent le genre à des producteurs comme Adam Beyer ou Maceo Plex. Cependant, lorsqu'elle a pris racine à Détroit dans les années 1980, elle était en grande partie influencée par les sons de groupes tels que Kraftwerk.

Les producteurs utilisaient des boîtes à rythmes, des séquenceurs et des sons synthétiques en temps réel pour créer leurs propres morceaux de techno.

C'est pourquoi je pense qu'il est logique d'adopter la même approche pour le processus de production moderne afin de créer un tutoriel étape par étape.

1. Rassemblez vos échantillons de batterie

La première chose avec laquelle nous voulons commencer notre morceau est une grosse caisse 909, car la boîte à rythmes 909 a joué un rôle important dans les origines de la musique techno. En fait, Juan Atkins, l'un des premiers pionniers de la musique techno, a reçu sa première boîte à rythmes 909 du légendaire DJ de Chicago Frankie Knuckles.

Bien que vous puissiez utiliser une caisse claire 909 pour un son techno plus classique, j'ai décidé d'opter pour une caisse claire 808 dans ce cas. J'ai également utilisé un charleston fermé, un tom grave et un tom intermédiaire provenant d'un pack d'échantillons 808.

Pour créer un rythme techno de base, c'est à peu près tout ce dont vous avez besoin.

Ableton Live propose des tonnes d'excellents échantillons de départ avec lesquels vous pouvez travailler, mais si vous voulez passer à l'étape supérieure, je vous recommande de télécharger quelque chose comme Native Instruments Battery 4 ou d'investir dans un abonnement Splice.

2. Création de votre premier sillon

L'une des plus grandes idées reçues sur la musique techno est qu'il s'agit d'une musique à quatre sur le sol. Pourtant, il existe de nombreux morceaux techno qui s'appuient davantage sur des breaks et des grooves expérimentaux que sur le placement standard de la grosse caisse.

Je préfère le style breakbeat de la musique techno, et c'est pourquoi je veux m'appuyer davantage sur ce groove.

Alors que la plupart des producteurs commencent par placer leur grosse caisse, j'aime souvent commencer par laisser mon métronome tourner autour de 125-140 battements par minute, et jouer un groove avec quelque chose comme les toms (que j'ai placés dans mon rack pour commencer), afin d'obtenir un groove autour duquel je peux construire.

Cette approche a deux effets :

1. Il permet d'humaniser votre piste techno en gardant tout juste un peu à l'écart de la grille.
2. Il confère à votre groove de batterie un caractère unique qui vous est propre.

Je pense que la meilleure approche est d'improviser avec le métronome et de voir ce que vous obtenez. Voici le groove que j'ai trouvé ci-dessous :

Si votre groove vous semble trop décalé, vous pouvez toujours quantifier dans votre DAW.

Un groove techno ne doit pas donner l'impression d'être trop libre. L'aspect robotique fait partie du son, donc si la quantification jusqu'à la grille fonctionne pour votre son, allez-y.

3. Ajout du charleston

Maintenant que vous avez établi un groove de base et que vous vous sentez bien, vous pouvez l'utiliser comme référence principale pour le reste des éléments de la batterie.

L'une des plus grosses erreurs commises par les nouveaux producteurs de techno est d'avoir plusieurs éléments qui font chacun leur propre chose. En réalité, chaque élément de batterie doit contribuer et collaborer avec les autres éléments de batterie afin de créer un groove unique.

Ceci étant dit, nous allons maintenant mettre en place le charleston, en utilisant la même approche que pour les toms.

Pendant que les toms jouaient, j'ai joué un rythme de charleston qui me semblait correct avant de le quantifier pour compenser mes compétences médiocres en matière de batterie.

Vous remarquerez que si vous regardez le groove MIDI des toms et du chapeau côte à côte, vous verrez que certains des principaux points d'accentuation correspondent, ce qui correspond à ce que je voulais dire plus tôt en disant que les deux éléments jouent l'un sur l'autre.

J'utilise également la syncope ici, en ajoutant quelques moments de décalage entre les toms pour faire danser le groove.

4. Ajout du coup de pied

Nous adopterons la même approche pour la grosse caisse, en jouant les toms et le charleston en arrière, en appuyant sur record, et en cherchant un groove unique. J'ai également supprimé quelques coups de tom à ce stade, car il commençait à y avoir trop de monde.

Voici ce que j'ai obtenu :

Remarque : lorsque j'écris des grooves pour de la musique électronique, qu'il s'agisse d'un morceau techno, house ou hip-hop, j'aime souvent faire durer mes boucles d'au moins quatre mesures. J'aime souvent faire des boucles d'au moins quatre mesures. De cette façon, je peux obtenir une boucle qui sonne généralement de façon uniforme avec quelques légers changements, qui se retrouvent souvent vers la fin de la deuxième et de la quatrième mesure.

5. Ajout d'une réverbération au kick

Bien que cela puisse sembler contre-intuitif par rapport à tout ce que vous avez appris sur la production musicale auparavant, de nombreux styles de musique techno utilisent la réverbération sur la grosse caisse. Vous ne devez pas inonder votre grosse caisse de réverbération, mais lui donner un peu d'espace est un excellent moyen de remplir le champ stéréo et d'ajouter un peu de queue à la fin.

Si vous optez pour un style techno à l'ancienne, vous pouvez également mettre votre réverbération en mono, de manière à ce qu'elle soit directement au milieu.

Pour ce faire, nous allons créer une piste d'envoi avec un plugin de réverbération de votre choix, afin que vous puissiez traiter votre réverbération en parallèle.

Pour cette réverbération, nous voulons un temps de déclin relativement faible. Un temps de déclin long, en particulier sur un élément de groove, peut commencer à brouiller les lignes rythmiques entre les coups. Notre cerveau a une façon intéressante d'interpréter la durée de chaque coup comme le temps nécessaire pour que la queue de la réverbération atteigne zéro.

J'aime souvent utiliser la queue la plus courte possible pour donner l'impression que le coup de pied se trouve dans une petite pièce.

Ensuite, j'utiliserai un plugin d'égalisation après ma réverbération pour me débarrasser de certains aigus à l'aide d'un filtre passe-bas. Le résultat final devrait être un son industriel profond et sombre.

L'avantage de notre réverbération en tant qu'envoi est que nous pouvons la régler et la mixer lentement de manière à ce qu'elle soit subtilement derrière notre kick sec. Lorsque vous l'écoutez dans le contexte du reste de la batterie, la réverbération ne doit pas être évidente. Nous la voulons juste assez forte pour combler l'espace mort entre les coups de pied et les toms.

ASTUCE : Si vous voulez faire preuve de fantaisie avec votre envoi de réverbération, vous pouvez utiliser un plugin de saturation tel que FabFilter Saturn pour lui donner un peu plus de caractère.

5. Ajout d'une caisse claire

Nous allons maintenant adopter une approche "choisissez votre propre aventure" pour la caisse claire.

Vous pouvez choisir de le dessiner dans notre jeu comme nous l'avons fait avec les éléments de tambour ci-dessus.

Cependant, la raison pour laquelle je vais choisir de la dessiner est que je veux que ma caisse claire soit mon élément d'ancrage. Le reste du groove n'est pas aussi conventionnel que ce que l'on peut attendre de la musique techno moderne, mais plutôt que notre kick dise "c'est là que le rythme arrive", c'est la caisse claire qui joue ce rôle.

Commençons par dessiner la caisse claire sur les doubles croches.

À partir de là, nous pouvons ajuster la vélocité de certains coups de caisse claire, là où nos chapeaux sont mis en valeur, afin de créer une petite poche pour qu'ils sortent, ce qui donne un groove unique.

Je le dupliquerai ensuite en quatre barres (comme je l'ai mentionné plus haut) et je créerai une certaine variété avec des rouleaux et d'autres éléments :

Je dois également mentionner que l'un des éléments les plus importants de la musique techno est de lancer des surprises. Plus vous faites de copies d'un groove de quatre mesures, comme celui ci-dessus, par exemple, plus vous devez faire de changements pour que l'auditeur pense savoir à quoi s'attendre, alors qu'il s'agit à chaque fois de quelque chose qui sort complètement de l'ordinaire.

L'imprévisibilité et l'aléatoire sont deux des principaux éléments qui humanisent la musique techno, c'est pourquoi il est essentiel de les mettre en œuvre autant que possible.

6. Se faire poignarder

Votre groove de batterie devrait être assez solide à ce stade, nous allons donc ajouter un élément mélodique.

Aujourd'hui, j'ai envie d'un accord de synthé. Je vais utiliser Serum pour cet exemple, mais vous pouvez utiliser n'importe quel VST.

Alors, quel accord jouons-nous ?

La plupart des morceaux techno que vous connaissez sont construits sur des accords mineurs ou des accords mineurs 7, qui sont des triades mineures normales auxquelles on ajoute un septième degré. Si vous ne savez pas de quoi je parle, vous pouvez consulter notre section sur la théorie musicale sur notre blog eMastered.

Je commence par composer un son d'accord relativement doux avec un peu de réverbération directement sur le canal pour l'ouvrir dans le champ stéréo. Ensuite, avec ma boucle de batterie, je vais poser une boucle d'accord rythmique en utilisant un accord de fa mineur7.

À partir de là, je quantifie et j'apporte toutes les modifications nécessaires au son de l'accord pendant qu'il est reproduit. Nous voulons que l'ADSR soit court tout au long de l'accord.

CONSEIL : ajoutez un LFO à votre stab d'accord, mais ne le synchronisez pas avec le groove. Vous profiterez ainsi du caractère aléatoire que de nombreux producteurs de techno aiment laisser se déployer lorsqu'ils produisent de la musique techno.

7. Créez votre ligne de basse

La façon dont vous abordez votre ligne de basse dans vos morceaux techno vous appartient, mais j'aime généralement la baser sur ce qui se passe dans la mélodie. Comme j'utilise un accord de synthétiseur stab, je le complète avec un sub rolling.

En revanche, si vous utilisez un synthé de type pad ou drone, vous pouvez choisir de rendre votre basse plus rythmique et mélodique. Bien sûr, tout dépend du sous-genre que vous visez.

Pour cette ligne de basse, j'ai décidé d'aller à l'ancienne avec une émulation de Moog d'Arturia, qui a toute la saveur de la célèbre basse de synthé monophonique. C'est l'un de mes VST préférés lorsque je veux un son de basse chaud et percutant.

J'ai opté pour une belle basse profonde sans beaucoup de contenu harmonique dans les médiums afin de la garder à l'écart du synthé. Bien que vous puissiez dessiner vos notes de basse sur le rouleau de piano, je trouve qu'il est plus excitant de les jouer avec votre clavier MIDI et de les quantifier à partir de là.

8. Ajout d'effets spéciaux et de calques supplémentaires

Les parties les plus importantes de votre morceau techno sont terminées, mais vous avez peut-être l'impression qu'il sonne un peu clairsemé. C'est là que l'ajout de quelques effets et couches supplémentaires peut s'avérer utile. Avec différentes couches ici et là, vous disposez de nombreux éléments à manipuler et à jouer, ce qui peut ajouter de l'intérêt à votre morceau.

Envisagez d'ajouter des éléments mélodiques ponctuels, des montées et des descentes, ou quelques boucles de percussions supplémentaires. À ce stade, vous pouvez également faire preuve de créativité en matière de conception sonore et créer vos propres effets. Écoutez certains de vos rythmes techno préférés et voyez quels types de couches supplémentaires sont en jeu.

Bien que les possibilités soient infinies, il convient de garder à l'esprit que ces couches doivent soutenir les éléments principaux, et non les dominer.

9. Arrangement de la piste

Une fois que vous avez obtenu une boucle qui vous convient, vous pouvez commencer à arranger votre morceau de techno pour qu'il dépasse les 16 mesures.

Il existe une infinité d' approches en matière d'arrangement, mais celle que j'adopte souvent avec la musique techno consiste à traiter le morceau comme si j'utilisais une boîte à rythmes matérielle.

Commencez par un élément, par exemple les toms que nous avons d'abord posés. Après quelques mesures, ajoutez le charleston, puis le kick et enfin la caisse claire. Vous pouvez aussi ne pas commencer par la batterie et donner aux auditeurs les stabs pour commencer.

L'essentiel est de créer un récit. Il ne faut pas que toutes les couches jouent en même temps.

Je trouve utile d'écouter des références et de voir comment d'autres producteurs de techno organisent leurs morceaux. Même si la plupart des musiques électroniques de danse ne suivent pas la structure traditionnelle des chansons, nous pouvons toujours considérer notre arrangement comme des sections distinctes (c'est-à-dire l'introduction, la construction, l'accroche, l'interlude, etc.)

Dans cet arrangement, j'ai décidé de commencer par réunir les toms et le charleston. Au cours des 16 premières mesures, j'ai lentement introduit d'autres éléments pour donner l'impression que j'étais en train de construire une section centrale ou un chœur plus important.

La section centrale ou refrain, qui est de 16 mesures dans ce cas, est la partie la plus importante de la piste. Ici, j'ai ajouté tous les éléments principaux pour que cette partie de la piste ait le plus d'énergie possible. Vous pouvez choisir d'attendre cette section pour ajouter la basse afin de sentir le bas du spectre s'animer ou de ne pas ajouter le kick dans les 16 premières mesures.

À partir de là, nous pouvons ajouter une section de rupture de 16 mesures, qui permet aux auditeurs de reprendre leur souffle après la section centrale très énergique.

Pour cette partie de la piste, nous pourrions retirer les éléments de batterie et conserver des éléments mélodiques, tels que nos nappes de synthé ou un pad de synthé pompant. Cette section doit donner l'impression de contraster avec la section centrale entraînante.

Si je devais réaliser une production techno complète, j'allongerais probablement la durée de ces sections.

10. Ajouter l'automatisation

L'une des parties les plus importantes de la production de musique techno (et de musique électronique de danse en général) est l'automatisation. C'est ainsi que les producteurs prennent un morceau avec peu d'éléments et le maintiennent intéressant pendant cinq minutes ou plus.

Pour ce faire, il est utile de disposer d'un clavier ou d'un contrôleur MIDI relié à votre station de travail audio numérique. Vous pouvez ainsi associer vos boutons aux paramètres de vos échantillonneurs ou VST et automatiser les changements au fil du temps.

Par exemple, vous pouvez affecter un bouton au relâchement de votre échantillon de charleston, lancer la lecture et ajuster le relâchement au cours de la piste de manière à ce que la queue du charleston s'ouvre à l'approche de la section centrale. Vous pouvez également affecter un bouton au filtre de vos accords de synthétiseur et réduire les aigus pendant les sections plus calmes.

Ne soyez pas trop religieux dans votre approche de l'automatisation. Là encore, le hasard est le bienvenu. Parfois, je trouve amusant de faire correspondre certains boutons de mon clavier MIDI à des paramètres aléatoires de mon synthé et d'enregistrer l'automatisation au feeling.

L'important est que vous preniez le temps de le faire, car cela fera toute la différence pour que votre piste ait un son professionnel.

11. Mixage de la piste

Mixer de la musique techno n'est pas du tout la même chose que mixer, par exemple, un morceau de rock indépendant. Certains éléments doivent ressortir plus que d'autres, et les attentes globales des auditeurs à l'égard de votre morceau seront différentes.

Par exemple, la plupart des auditeurs de techno s'attendent à ce que la batterie occupe une place centrale, tous les autres éléments flottant à l'arrière-plan. Ils s'attendent également à ce que les basses fréquences soient nettes et précises. Comme il ne s'agit pas d'un tutoriel sur le mixage de la techno en particulier, je ne veux pas trop m'étendre sur le sujet. Cependant, il existe quelques approches de base que vous pouvez suivre pour obtenir un mixage décent :

• Faites référence à d'autres morceaux : Comparez continuellement votre mixage à d'autres pistes techno mixées par des professionnels pour vous assurer que vous êtes dans la bonne moyenne en termes d'équilibre. C'est le meilleur moyen de savoir si les éléments de votre mixage sont trop doux, trop forts, trop bruyants, trop fins, trop dynamiques, etc.
• Accordez vos sons : Vérifiez qu'il n'y a pas de conflit dû à la façon dont les éléments de votre mixage sont accordés. Par exemple, si votre kick est réglé sur 60 Hz à la fondamentale et que vos toms sont réglés sur une fondamentale de 110 Hz, vous pouvez envisager de les régler légèrement plus haut, à 120 Hz, afin qu'ils soient une octave au-dessus du kick. Dans certains cas, cela peut aider une piste à s'intégrer et à se sentir plus cohérente.
• Donnez aux instruments leur propre espace : Chaque élément de votre mixage doit avoir son propre espace dans le spectre des fréquences. Par exemple, vous pouvez ajouter un filtre passe-haut à vos éléments mélodiques pour les éloigner de votre kick, ou supprimer certaines des fréquences les plus élevées avec un filtre passe-bas sur votre basse pour l'éloigner de vos éléments mélodiques.

Commencer à faire de la musique techno

À ce stade, vous devriez avoir assimilé les bases de la création de musique techno.

Je le répète, il y a une infinité d'approches possibles, et la meilleure façon d'avancer est d'expérimenter mon approche ci-dessus, puis de trouver des morceaux que vous aimez et d'essayer de les recréer. Grâce à ce processus, vous apprendrez de nombreuses techniques et deviendrez un meilleur auditeur analytique, ce qui est une compétence essentielle pour tout grand producteur.

Amusez-vous bien !