Mixer de la musique de jazz est un défi unique, qui nous ramène aux racines de l'un des genres les plus durables de l'histoire de la musique. Contrairement à de nombreux styles contemporains qui évoluent continuellement avec les progrès technologiques, le jazz a remarquablement conservé sa sonorité authentique au cours des dernières décennies.

La véritable marque d'un ingénieur qualifié transparaît dans son approche du mixage d'un disque de jazz, où l'essence de la performance en direct règne librement et où les dynamiques subtiles doivent être préservées, plutôt que réinventées. Si vous avez l'habitude de mixer de la musique pop, rock, hip-hop ou électronique, il peut être difficile de s'écarter de ce que vous comprenez actuellement en tant qu'ingénieur du son.

Le mixage de jazz nécessite une approche plus nuancée, allant de la capture de l'interaction spontanée entre les instruments au respect de l'espace acoustique qui définit son son. Aujourd'hui, nous allons explorer 13 conseils et techniques éprouvés pour le mixage de jazz et voir comment ces approches uniques peuvent faire de vous un meilleur ingénieur du son !

1. Garder les choses naturelles

La musique jazz a longtemps été profondément ancrée dans les clubs et les bars clandestins. Aujourd'hui encore, elle porte en elle l'essence des espaces acoustiques naturels où elle a résonné pour la première fois.

Ce lien avec l'environnement n'est pas seulement historique, c'est aussi un aspect important de la sonorité et de l'attrait du genre. Les performances en direct, spontanées et interactives, qui sont typiques du jazz, s'épanouissent dans ces environnements acoustiques ! Nous voulons entendre les nuances de la réverbération de la salle et l'interaction entre les musiciens du groupe, même si ce n'est pas techniquement "parfait".

Conformément à la tradition, la plupart des instruments de jazz sont joués dans leur forme pure, non amplifiée, qu'il s'agisse de la basse, du saxophone ou du piano. En tant qu'ingénieur de mixage travaillant dans le domaine du jazz, le défi consiste à conserver cette authenticité naturelle. Si vous êtes responsable de la session d'enregistrement, cela signifie également qu'il faut étudier attentivement le placement des microphones dans la pièce.

À moins que l'artiste ne vous demande expressément de vous aventurer et de tenter quelque chose d'expérimental, votre objectif premier doit être de reproduire la sensation d'être dans la pièce avec les musiciens.

2. Allez-y doucement avec la compression

L'émotion dans le jazz réside dans la dynamique, il est donc essentiel d'être doux avec la compression.

La gamme dynamique inhérente au jazz - du coup de pinceau le plus doux sur une caisse claire à l'explosion complète d'une section de cuivres bombastique - raconte une histoire. La tension et le relâchement sont essentiels, c'est pourquoi l'une des plus grandes erreurs que peuvent commettre les ingénieurs du son est la surcompression.

La dernière chose que vous voulez faire est de priver la musique de ses forces vives et de lui ôter son flux et son reflux.

Lorsque vous utilisez la compression dans le jazz, ayez un objectif clair et explicite. Par exemple, vous pouvez utiliser un compresseur sur une contrebasse avec une touche légère pour égaliser les niveaux entre les notes pizzicato et les passages à l'archet, de manière à ce que les deux s'intègrent bien dans le mixage.

Sur un piano, la compression peut être appliquée pour dompter les pics des passages staccato plus agressifs tout en préservant les variations de volume expressives des sections plus douces et plus lyriques.

3. Utiliser la saturation de la bande

Certains des meilleurs disques de jazz ont été enregistrés sur bande, de sorte que, que vous le sachiez ou non, le son et la saturation que vous obtenez sont quelque chose que vous avez l'habitude d'entendre.

La saturation de bande est l'un des types de saturation que je préfère utiliser dans un mixage, en particulier lorsque vous recherchez de la chaleur, du caractère et de la cohésion. Même lorsqu'elle est utilisée subtilement, elle peut avoir un impact considérable. Au-delà des harmoniques que vous obtenez grâce à la saturation, vous bénéficiez également d'une légère compression qui fait souvent défaut aux enregistrements numériques.

Lorsque vous utilisez la saturation de bande sur le master, adoptez une approche légère. L'objectif est d'imprégner l'ensemble du mixage d'une chaleur et d'une plénitude cohérentes sans compromettre sa clarté et sa gamme dynamique. C'est ce que certains appellent la "colle".

Parmi mes plugins de saturation de bande préférés, citons le Universal Audio Ampex ATR-102, qui offre une représentation méticuleusement modélisée de la machine à bande classique, et le Waves J37, qui s'inspire de la machine utilisée pour enregistrer la plupart des grands albums des années 1960.

4. Trouver de l'espace dès le début

Il est essentiel de trouver de l'espace dans votre mixage brut dès le début, en particulier dans la musique jazz. Avant d'utiliser un égaliseur, considérez le panoramique et les niveaux comme vos principaux outils pour créer de l'espace et de la profondeur. L'idée est de faire en sorte que chaque élément s'insère naturellement dans le champ stéréo afin de ne pas avoir à recourir à l'égalisation par la suite.

Effectuez des panoramiques et ajustez les niveaux pour permettre à chaque instrument de briller dans son propre espace. Par exemple, vous pouvez décentrer légèrement la section rythmique pour refléter son emplacement physique en direct, avec la contrebasse légèrement à gauche et le piano à droite. La batterie peut être inclinée en fonction de la perspective de l'auditeur, en plaçant le charleston légèrement sur le côté et les toms répartis sur tout le champ stéréo, afin d'obtenir une représentation plus réaliste.

5. Laisser la batterie décider

L'un de mes principes directeurs en matière de mixage de jazz est de "laisser la batterie décider". À mes yeux, les caractéristiques sonores et la dynamique de la batterie donnent le ton au reste du mixage.

Examinons deux approches diamétralement opposées du mixage de la batterie dans le jazz.

Dans un scénario, la batterie pourrait être composée d'une caisse claire douce et brossée et d'une grosse caisse discrète et moelleuse pour compléter l'ambiance lounge classique, décontractée et enfumée. Cette configuration exige que la basse, le piano et les cuivres soient mixés de manière à refléter cette subtilité.

À l'inverse, un mixage axé sur un morceau de bebop très énergique peut présenter une caisse claire avec un craquement net et prononcé et une grosse caisse à la fois serrée et proéminente. Ce son de batterie nécessitera également une approche de mixage beaucoup plus agressive et dynamique pour le reste des instruments.

Prenez le son nuancé de la batterie de Paul Motian sur "Sunday at the Village Vanguard" de Bill Evans, où son travail au pinceau ne se contente pas de créer une ambiance contemplative, mais dicte également un mixage où chaque instrument respire et interagit. De l'autre côté du spectre, nous avons l'énergie explosive d'Art Blakey sur "Moanin", qui montre comment un jeu de batterie puissant et centré peut obliger les autres musiciens à s'intensifier.

6. Se préparer aux bizarreries du mixage d'un groupe en direct

L'un des défis les plus uniques du mixage de jazz est de savoir comment mixer un groupe en direct, ce qui est un état d'esprit différent de celui que l'on applique généralement au mixage de musique pop.

De nombreux enregistrements de jazz restituent la magie d'une session en direct. Vous mettez un groupe de musiciens de jazz dans une pièce, vous les entourez d'une constellation de microphones et vous appuyez sur le bouton d'enregistrement. Si cette méthode reste le meilleur moyen de capturer l'interaction spontanée et l'énergie d'une performance en direct, elle introduit également des complexités telles que les problèmes de saignée et de phase.

Le bleed est le son d'un instrument qui est capté par le microphone d'un autre instrument. Dans la musique de jazz, cependant, plutôt que de considérer le bleed comme un problème, vous pouvez l'envisager comme une opportunité d'ajouter de la profondeur et du réalisme à votre mixage.

Les micros d'ambiance, par exemple, sont d'une valeur inestimable dans ce contexte. Un ingénieur du son les utilisera pour capturer le son collectif de l'ensemble dans la même pièce, ce qui donne au mixage un sentiment d'unité qu'il est difficile de reproduire avec des pistes isolées. L'essentiel est de veiller aux problèmes de phase entre ces sources microphoniques.

Écoutez les relations de phase entre les microphones, en particulier ceux qui sont proches les uns des autres ou qui captent la même source. L'inversion de la phase d'un microphone permet souvent de résoudre l'annulation de phase et d'améliorer le son. Vous pouvez également faire preuve de stratégie avec l'asservissement et l'automatisation du volume pour minimiser l'impact de la perte de son dans les moments critiques.

7. Processus en parallèle

Le traitement parallèle est l'une de mes techniques préférées en général, mais lorsqu'il s'agit de mixer du jazz, c'est essentiel.

En ajoutant des effets tels que la compression, la réverbération ou le retard à des canaux parallèles, vous pouvez mélanger le signal traité avec les pistes originales, non traitées, et augmenter certains aspects sonores sans pour autant écraser le son naturel global du mixage.

Dans un mixage de jazz, j'utilise souvent une compression parallèle sur la batterie, en envoyant les pistes de batterie vers un bus à forte compression, puis en les mixant à nouveau avec la batterie originale non traitée. Au final, vous obtenez un son de batterie beaucoup plus percutant et cohérent, tout en conservant la subtilité et la dynamique essentielles au jazz.

La réverbération parallèle est très utile de la même manière. Par exemple, je peux envoyer une piste de saxophone ou de trompette à un bus dédié à la réverbération pour créer une impression d'espace ambiant sans que le son soit distant ou délavé. Bien entendu, à moins que le musicien ne le demande, il est préférable de faire preuve de subtilité avec les effets spatiaux tels que la réverbération et le délai.

8. Tirer parti de l'automatisation des volumes

L'automatisation du volume règne en maître sur la compression lorsqu'il s'agit de mixer de la musique jazz. Plutôt que d'entendre quelques pics et de chercher un compresseur pour les contrôler, vous pouvez utiliser l'automatisation du volume pour les réduire afin d'obtenir un contrôle plus précis et naturel.

La compression, même lorsqu'elle est appliquée relativement légèrement, peut étouffer la vie d'un moment de solo spontané. En revanche, l'automatisation du volume vous permet d'améliorer ou d'atténuer certaines parties de la performance en fonction des besoins, VOUS donnant ainsi le contrôle nécessaire pour vous assurer que chaque nuance est entendue exactement comme prévu.

9. Être subtil avec les effets

La manière dont vous utilisez les effets sur votre album de jazz peut influencer son caractère "intemporel".

Certains disques, comme ceux de l'ère du jazz fusion des années 70 avec leur basse caractéristique chargée de phasers, ou les disques de rock des années 80 caractérisés par l'utilisation intensive de réverbérations à grille, peuvent sonner nettement désuets en raison des effets prédominants de leur époque.

Certes, les producteurs et les ingénieurs pensaient probablement qu'ils étaient novateurs à l'époque, et ils l'étaient, mais cela ancre également ces disques dans une période spécifique, ce qui peut limiter leur attrait pour les futurs auditeurs.

La clé pour éviter qu'un disque ne sonne démodé est de servir les besoins de la musique avant tout. Laissez le disque lui-même dicter l'utilisation ou non d'effets. Par exemple, un disque de jazz visant à restituer l'ambiance acoustique d'un album Blue Note des années 1960 bénéficiera d'un minimum d'effets.

D'un autre côté, un projet de jazz fusion moderne, comme Electric Masada ou James Blood Ulmer, pourrait volontiers incorporer des effets ésotériques comme des délais et des phasers pour sortir des normes du genre. La différence est que ces effets feraient partie intégrante du son et constitueraient une déclaration artistique plutôt que d'ajouter un effet bon marché au bout du compte.

10. Trouver la bonne réverbération

Au lieu de s'appuyer sur des effets temporels lourds lors du mixage d'un morceau de jazz, je recommande souvent de s'appuyer davantage sur des paramètres de réverbération ambiante ou de réverbération de salle. Ces types de réverbération sont conçus pour émuler l'acoustique naturelle d'un espace, apportant une sensation d'air et de dimension qui renforce l'impression de direct de l'enregistrement sans nuire à la musicalité.

L'objectif est de donner l'impression que le groupe joue ensemble dans le même espace, même si les pistes ont été enregistrées séparément. Les réverbérations ambiantes et les réverbérations de salle peuvent subtilement combler les écarts entre les instruments, les réunissant dans une scène sonore cohérente qui reflète l'expérience d'un club de jazz ou d'une salle de concert en direct.

Lorsque vous choisissez une réverbération pour un mixage de jazz, envisagez des réglages qui offrent une sensation d'espace réaliste avec un temps de déclin relativement court.

11. Attention aux guerres de sonorité

Je suis sûr que nous en avons tous assez d'entendre parler des "guerres de la sonorité". Cependant, cela ne veut pas dire que nous ne sommes pas encore dans une tendance vers des pratiques de masterisation de plus en plus agressives visant à rendre la musique aussi forte que possible.

Le fait est que cette recherche du volume maximum ne correspond pas à l'éthique du jazz. Les mixages de jazz se nourrissent de flux et de reflux d'intensité, les moments calmes étant aussi expressifs que les moments forts.

Lors de la préparation d'un mixage de jazz pour le mastering et l'éventuel streaming ou la diffusion, il faut veiller à maintenir l'intégrité de la dynamique. Pousser trop fort un mixage de jazz dans le limiteur ou le codec peut introduire des distorsions ou des artefacts indésirables. Les cymbales font souvent les frais de ce traitement agressif.

Les cymbales, l'un des éléments les plus importants de la musique de jazz, contribuent de manière significative à la sensation et à l'atmosphère d'un morceau. Toutefois, lorsqu'elles sont trop limitées, on obtient un mixage qui semble contraint et artificiel. C'est probablement l'une des raisons pour lesquelles nous n'entendons pas beaucoup de cymbales lourdes dans la musique pop. Elles ne sont pas d'accord avec un mastering trop lourd.

Au lieu de chercher à obtenir un niveau sonore maximal pour aider votre mixage à se démarquer des autres plateformes de diffusion en continu, il est préférable d'adopter la gamme dynamique plutôt que de voir les algorithmes de diffusion en continu réduire votre master en raison d'une pénalité de niveau sonore.

12. Utiliser des égaliseurs matériels

L'égaliseur peut influencer de manière significative le son de votre mixage final.

En optant pour des égaliseurs matériels classiques plus conservateurs ou pour leurs émulations de plugins, vous pouvez ajouter une couche de richesse analogique et de subtilité qui fonctionne à merveille dans le jazz. Ils sont loin d'être aussi précis, mais c'est un peu le but. Nous voulons que nos choix d'égalisation soient musicaux et non chirurgicaux.

L'égaliseur Pultec EQP-1A est l'un de mes favoris absolus pour le mixage des disques de jazz. Il a la capacité unique de couper et d'amplifier simultanément la même fréquence, ce qui peut ajouter à la fois de la profondeur et de la présence à une basse droite, par exemple.

Les émulations Neve 1073 sont également idéales pour adoucir les voix, tout en conservant une sensation organique.

13. Référence à d'autres mélanges

La référence est une pratique inestimable pour tout ingénieur de mixage, quel que soit le genre sur lequel vous travaillez. Heureusement, dans le domaine du jazz, nous disposons de décennies de références sonores pour nous guider dans le processus de mixage.

Choisissez un morceau de jazz mixé et masterisé par des professionnels qui présente des similitudes avec le vôtre et analysez-le de près pour savoir comment équilibrer les instruments, gérer la dynamique et appliquer des effets de manière à renforcer l'impact émotionnel et la clarté de la musique.

Après avoir mixé pendant des heures, il peut être difficile de garder un regard neuf. Avec le référencement, vous avez la bonne perspective sous les yeux pour revérifier vos décisions à tout moment et vous assurer que vous êtes sur la bonne voie.

Le résultat final

Comparée à d'autres genres musicaux, la musique de jazz peut être assez difficile à mixer. En effet, il est difficile de mixer des instruments acoustiques lors d'un enregistrement en direct et il est impossible de dissimuler les défauts derrière des effets tels que la compression et la réverbération.

C'est pourquoi il est si important de bien faire les choses pendant le processus d'enregistrement. Tout grand mixeur de jazz vous dira que les disques de jazz légendaires ne proviennent pas du processus de mixage, mais des musiciens, de la composition et de l'enregistrement. Une fois le disque entre vos mains, votre seule tâche consiste à améliorer l'expérience d'écoute.

Que ces conseils vous incitent à mixer avec la sensibilité et la fluidité qu'exige le jazz, afin que chaque morceau que vous touchez swingue, groove et résonne pour les générations à venir !