Quel que soit le type de mixage sur lequel je travaille, il y a quelques qualités que je recherche souvent : ampleur, profondeur, précision et punch. Ces objectifs sont assez constants, quel que soit le genre. Du jazz le plus doux à l'EDM le plus percutant, il y a quelques principes que je laisse généralement me guider, comme "nettoyer le bas du spectre" et "faire en sorte que les sons se collent les uns aux autres".

Cependant, lorsque l'on mixe de la musique métal, en particulier du métal moderne, avec ses tempos rapides et ses arrangements denses, les règles du jeu changent. Bien que j'utilise toujours certaines techniques traditionnelles comme base, l'intensité requise pour chaque couche exige une touche plus innovante.

Aujourd'hui, je souhaite vous présenter un guide approfondi sur le mixage de musique métal, du début à la fin. Je peux affirmer sans hésiter qu'après l'avoir lu, vous n'aurez plus besoin d'un autre guide pour obtenir la clarté et l'agressivité que vous recherchez dans vos mixages de musique métal.

Mais d'abord, je veux répondre à une question importante.

Pourquoi le mélange de métaux est-il si difficile ?

J'ai l'impression de voir régulièrement apparaître sur YouTube de nouvelles vidéos proposant des astuces pour mélanger les métaux. Bien sûr, ces vidéos ne seraient pas aussi populaires si les gens n'avaient pas autant de mal à mélanger les métaux.

La question est de savoir pourquoi c'est tellement plus difficile que de mixer de la musique pop ordinaire.

Arrangements denses

La musique métal moderne utilise souvent des arrangements denses et complexes, avec plusieurs pistes de guitare, une double batterie et des riffs rapides et ultra-distordus. Cette densité peut rendre difficile le fait de s'assurer que chaque instrument est entendu clairement sans se retrouver avec une grosse boule de bouillie.

De plus, la distorsion lourde est devenue la marque de fabrique du métal. Nous l'utilisons pour obtenir ces sons de guitare et de basse agressifs que nous connaissons et aimons tous. Cependant, la distorsion a pour effet secondaire d'augmenter le contenu harmonique. Si l'on n'y prend pas garde, on peut se retrouver avec un mélange boueux et une définition floue entre les différentes couches. Trouver cet équilibre délicat est l'une des difficultés auxquelles se heurtent de nombreux ingénieurs débutants.

Placement vocal

Les voix métalliques peuvent varier considérablement.

Du chant clair à la Dio aux cris de porc agressifs, en passant par les grognements et les hurlements, il n'est pas toujours facile de savoir comment placer ses voix dans un mix déjà dense. Vous ne voulez pas que vos voix soient recouvertes par un mur de guitares, mais vous ne voulez pas non plus qu'elles soient placées au-dessus de l'instrumentation comme elles le seraient dans un mixage pop.

Fatigue

La musique métal a une énergie implacable.

Au bout d'un certain temps, écouter le même blast beat et le même riff chromatique peut s'avérer décourageant. Contrairement à un morceau de R&B, la dureté du métal peut rendre son écoute difficile pendant de longues périodes.

Au-delà des aspects physiques, le métal traite souvent de thèmes agressifs et d'intensité émotionnelle. Certaines chansons exigent un sérieux effort psychologique de la part du mixeur pour ne pas s'épuiser dès le début. Il est essentiel d'écouter à des niveaux raisonnables et de faire des pauses fréquentes.

Utilisation d'échantillons

De nombreux ingénieurs de mixage de la vieille école pourraient vous dire que l'utilisation d'échantillons de batterie dans le mixage d'un morceau de métal est une hérésie. Si vous obtenez le bon enregistrement dès le départ et que vous savez comment utiliser l'égalisation et la compression, vous ne devriez pas avoir besoin d'un renfort d'échantillons de batterie, n'est-ce pas ?

Ce n'est souvent pas le cas, en particulier lorsque le mixage qui vous a été envoyé contient des percussions trop dynamiques qui ont été enregistrées dans une pièce de mauvaise qualité.

À bien des égards, l'utilisation d'échantillons de batterie est devenue aussi courante que l'utilisation de l'auto-tune dans un mixage de musique pop. Tout comme nos oreilles se sont habituées à entendre une hauteur parfaite dans nos chansons pop préférées, elles se sont également habituées à la puissance et à la précision qui caractérisent les mixages de métal modernes.

Parfois, l'utilisation d'échantillons de batterie est le moyen le plus rapide d'y parvenir, alors pourquoi ne pas en profiter ?

Les bons échantillons peuvent améliorer la puissance et la cohérence de votre batterie sur l'ensemble de la piste, en veillant à ce que chaque coup ait autant d'impact que le précédent. C'est particulièrement utile dans les mixages de métal, car vous voulez une batterie qui traverse les murs denses de la guitare et de la basse sans perdre sa férocité.

Trouver un équilibre

Je ne vous dis pas d'aller effacer ce que l'ingénieur du son a travaillé sans relâche pour créer. C'est dans l'enregistrement original que résident le son unique et l'émotion de la piste. Si vous le remplacez complètement par des échantillons, vous vous retrouvez avec une batterie qui ressemble à celle de n'importe qui d'autre.

Trouver le bon équilibre entre les sons de batterie originaux et les échantillons ajoutés est la clé ici.

Mon objectif est souvent de compléter et d'améliorer les sons naturels de la batterie plutôt que de les remplacer entièrement, de sorte que le kit conserve son caractère unique tout en bénéficiant du punch et de la clarté supplémentaires que les échantillons peuvent apporter.

C'est pourquoi j'aime généralement ajouter des échantillons de batterie enregistrés pendant la session plutôt que d'utiliser des échantillons tiers, car ils donnent un son plus cohérent qui se fond naturellement dans les propriétés acoustiques du kit. Bien sûr, si vous n'avez pas d'échantillons de la session, des échantillons tiers soigneusement sélectionnés qui correspondent étroitement au son du kit feront l'affaire. Gardez simplement l'oreille ouverte et privilégiez toujours le maintien de l'intégrité du son original de la batterie.

L'intégration d'échantillons de batterie dans un mixage de métal peut être abordée de plusieurs façons. L'une d'entre elles est le remplacement d'échantillons, où les déclencheurs de la performance originale de la batterie sont utilisés pour activer les échantillons. Cette méthode peut être particulièrement utile pour renforcer les coups faibles ou incohérents. Une autre approche est le mélange d'échantillons, où les échantillons sont mélangés aux frappes originales pour leur donner du poids et du corps sans pour autant supplanter complètement le son naturel de la batterie.

Comment intégrer des échantillons

Heureusement, ce processus est plus facile qu'il ne l'a jamais été. Nous avons à notre disposition des tonnes de plugins pour ajouter des échantillons de batterie. Parmi les choix les plus populaires, citons Trigger , de Slate Digital, qui offre une grande précision et une grande flexibilité pour le déclenchement et le mélange, et Superior Drummer , de Toontrack, qui dispose d'une vaste bibliothèque d'échantillons de haute qualité que vous pouvez entièrement personnaliser pour l'intégrer à votre mixage.

Comme la plupart des ingénieurs de mixage métal, j'ai pris goût à Steven Slate Drums au cours des dernières années. C'est une excellente solution pour obtenir des sons de batterie réalistes qui peuvent être facilement intégrés dans des productions de métal. Les capacités d'édition sont impressionnantes et je trouve toujours facile d'adapter parfaitement les échantillons à mon mix.

Maintenant que nous avons exploré l'art nuancé de l'utilisation d'échantillons de batterie lors du mixage de musique métal, passons au paysage plus large du processus de mixage de musique métal.

Le processus de mélange des métaux

La moitié de la bataille du mixage de musique métal consiste à obtenir les bons sons à la source, mais une fois que vous avez l'impression de les avoir en place, vous pouvez commencer à faire en sorte que ces sons s'accordent le mieux possible.

1. Alignement de la phase et du temps

La première étape consiste à s'assurer que tout est en phase et en temps voulu.

Sans cette étape, il est pratiquement impossible d'obtenir la puissance et la clarté que vous souhaitez pour votre mélange métallique.

Sources de la grosse caisse

Lorsque vous avez affaire à plusieurs sources de grosse caisse, telles que différents microphones et échantillons ajoutés, vous devez vous assurer qu'elles sont cohérentes en phase. Il s'agit d'aligner les formes d'onde de chaque source de grosse caisse de manière à ce qu'elles se complètent plutôt qu'elles ne s'annulent.

Une méthode simple consiste à zoomer sur les formes d'onde dans votre DAW et à ajuster manuellement le timing des pistes jusqu'à ce que les pics et les creux s'alignent le plus étroitement possible. Vous maximiserez ainsi l'impact du son combiné.

Je recommande également de sélectionner une source de grosse caisse pour dominer les basses fréquences ou les fréquences inférieures afin d'éviter les conflits de fréquences entre les deux sources. En attribuant la responsabilité des basses fréquences à une seule source, vous obtenez un bas de gamme plus ciblé et plus percutant, ce qui permet aux autres éléments de la batterie et du mixage de se situer plus confortablement dans leurs gammes de fréquences respectives.

Pistes de caisse claire, overheads et micros d'ambiance

Accordez la même attention à vos pistes de caisse claire, à vos rétroprojecteurs et à vos microphones d'ambiance.

Pour les caisses claires, alignez le micro rapproché sur les échantillons utilisés. Les micros Overheads et les micros d'ambiance doivent également être vérifiés par rapport aux micros de proximité pour s'assurer qu'ils sont en phase. Il peut s'avérer nécessaire de basculer le commutateur de phase sur la bande de canaux de votre logiciel d'enregistrement et d'écouter quelle position donne un son plus ample.

Si vous souhaitez accélérer le processus, il existe des tonnes de plugins d'alignement automatique qui peuvent ajuster automatiquement le timing et la phase, comme Sound Radix Auto-Align ou Waves In-Phase.

Pistes d'amplis et de DI de basse

L'alignement de la piste DI (injection directe) de la basse avec la piste de l'ampli de basse (si vous en avez un) est l'étape critique suivante.

Comme ces pistes représentent la même performance capturée de différentes manières, leur alignement permet d'obtenir un son de basse plus serré et plus cohérent. Il suffit de faire correspondre le transitoire initial de la forme d'onde de la piste DI avec celui de la piste d'ampli pour les renforcer.

S'assurer que tous les instruments sont à temps

Bien entendu, vous devez également vous assurer que tous les instruments sont synchronisés les uns avec les autres, sans que cela n'affecte la qualité de la performance. Voici les étapes que j'ai l'habitude de suivre :

• Commencez par la section rythmique et alignez d'abord les pistes de batterie. Elles constitueront l'épine dorsale du mixage, et vous devrez donc vous assurer qu'elles sont suffisamment proches de la grille pour assurer la cohérence, mais pas trop pour ne pas perdre l'aspect humain.
• Alignez la basse sur la grosse caisse. L'interaction entre ces deux éléments est essentielle pour resserrer le groove.
• Vérifiez l'alignement des guitares rythmiques avec les pistes de batterie et de basse et procédez à tous les ajustements nécessaires pour garantir l'étanchéité.
• Enfin, alignez tous les instruments ou voix supplémentaires pour vous assurer qu'ils s'intègrent bien à la base rythmique établie.

2. Regroupement

Ensuite, j'aime regrouper mes instruments dans des bus en acheminant plusieurs pistes d'instruments similaires, comme la batterie, les guitares ou les voix, dans des canaux de bus uniques.

Non seulement cette approche rationalise le flux de travail du mixage en me permettant de traiter plusieurs pistes simultanément, mais elle m'aide également à obtenir un son plus cohérent. En appliquant des effets, un égaliseur et une compression à un groupe d'instruments dans son ensemble, vous pouvez les coller les uns aux autres.

De plus, l'utilisation d'un seul égaliseur sur un mur de guitares vous permettra d'économiser plus de CPU que l'utilisation de plusieurs plugins d'égalisation sur des pistes individuelles ayant toutes les mêmes réglages.

3. Équilibre du volume

L'équilibre du volume doit être l'objectif principal de tout mixage. Si cette partie n'est pas correcte, aucun égaliseur, aucune compression ni aucun effet ne sera utile.

Pendant la phase d'équilibrage du volume, vous voulez vous assurer que chaque élément de la piste est entendu (ou ressenti) clairement et qu'il contribue à l'impact global sans dominer le mixage. J'adhère généralement à la règle générale qui consiste à maintenir au moins 6 dB de marge de manœuvre au cours de ce processus afin d'éviter l'écrêtage numérique et de laisser suffisamment d'espace pour le processus de masterisation éventuel.

Tambours d'équilibre

Un son de batterie précis est un élément essentiel de la musique métal moderne, et pour obtenir ce son, il est conseillé de donner la priorité aux micros de batterie ponctuels par rapport aux micros d'amplification ou aux micros d'ambiance. Cette approche permet un contrôle plus précis des différents éléments de la batterie.

Vous pouvez commencer par la grosse caisse et la caisse claire, puis mélanger soigneusement les toms et les cymbales en fonction de vos goûts. La manière dont vous équilibrerez votre batterie dépendra entièrement de la chanson, mais je peux vous donner un conseil : faites attention à vos overheads. De nombreux mixages de métal amateur sonnent durs et abrasifs parce que l'ingénieur du son a monté les cymbales trop haut.

Équilibrer les basses et les guitares

L'étape suivante consiste à équilibrer la basse et les guitares par rapport à la batterie.

La basse doit compléter la grosse caisse, en remplissant les basses fréquences sans les écraser. Nous finirons par l'égaliser et la compresser, alors ne soyez pas trop dur avec vous-même si le son n'est pas parfait dès le départ.

J'aime bien mettre mon kick en solo et augmenter le fader de la guitare basse jusqu'à ce qu'il soit bloqué. Vous le saurez quand vous l'entendrez.

Quant aux guitares, elles sont souvent les vedettes de la musique métal. Veillez à ce qu'elles s'expriment clairement sans dominer la batterie et la basse.

Équilibrer les voix

Il n'y a pas grand-chose à dire sur l'équilibre des niveaux vocaux, car ils sont largement déterminés par le style et le type de performance. De nombreux styles agressifs exigent que les voix occupent une place prépondérante dans le mixage, tandis que les parties plus mélodiques ou atmosphériques se fondent davantage dans la toile de fond instrumentale.

De nombreux groupes de métal que j'ai mixés aiment que leurs voix soient plus en arrière dans le mix. Deftones me vient toujours à l'esprit, car j'ai l'impression que Chino aime toujours que son chant se fonde dans l'instrumentation, plutôt que de se démarquer.

L'idée est que l'intelligibilité n'est pas toujours primordiale, surtout si vous souhaitez détourner l'attention vers les guitares ou la batterie.

4. Panoramique

Remarquez que je n'ai encore rien dit au sujet de l'analyse d'échantillons.

En effet, j'aime équilibrer le volume en mono. Bien sûr, les niveaux relatifs changeront lorsque je commencerai à faire des panoramiques, mais pour moi, il est plus facile de m'assurer que mon équilibre approximatif sonne bien en mono avant de me concentrer sur d'autres points.

Un bon panoramique joue un rôle crucial dans la création d'un mixage spacieux. Sans lui, les choses peuvent facilement sembler congestionnées, en particulier dans les mixages denses.

J'aime généralement commencer par une base centrale solide en conservant le kick, la caisse claire, la basse et le chant principal au milieu, puis en répartissant stratégiquement les guitares, les claviers et les chœurs sur le champ stéréo pour créer un contraste.

Les guitares doublées vont souvent à fond à gauche et à droite, mais il m'arrive de les faire pivoter légèrement vers l'intérieur et de les automatiser vers l'extérieur pendant le refrain pour lui donner plus d'impact.

Il convient également de réfléchir à la façon dont vous souhaitez que votre batterie soit placée : perspective du batteur ou perspective du public ?

Les erreurs à éviter dans le domaine de la prospection minière

Il y a quelques pièges à éviter lors de l'utilisation de la batée.

Tout d'abord, un panoramique excessif des instruments à l'extrême gauche ou à l'extrême droite peut donner un mixage déséquilibré, en particulier si le panoramique d'un élément est trop prononcé d'un côté et qu'il n'y a rien de l'autre côté pour l'équilibrer.

En outre, le fait de négliger la relation de phase entre les sources enregistrées et les sources DI lorsqu'elles sont séparées par un panoramique peut donner un son faible ou creux. C'est pourquoi je recommande toujours de vérifier régulièrement votre mixage en mono pour s'assurer que les éléments panoramiques ne disparaissent pas ou ne sont pas déphasés.

Veillez également à ne pas surcharger certaines zones du champ stéréo. Si un riff de guitare et une partie de piano jouent dans la même gamme, envisagez de les éloigner l'un de l'autre pour créer un équilibre, plutôt que de les placer l'un sur l'autre. En fin de compte, vous n'aurez pas à effectuer autant de travaux d'égalisation pour obtenir la clarté souhaitée.

5. QE

L'égaliseur est l'outil suivant dans le processus de mixage. Il vous permet de sculpter et d'affiner l'équilibre tonal de chaque piste au sein du mixage, afin qu'elles s'accordent bien les unes avec les autres.

Cependant, si l'égaliseur offre de vastes possibilités pour améliorer un mixage, il est tout aussi facile de le détruire si vous ne le traitez pas avec respect.

De nombreux ingénieurs de mixage ont tendance à augmenter les fréquences avant d'essayer de les réduire.

Bien sûr, l'amplification est très utile lorsqu'elle est nécessaire, car elle permet de mettre en valeur les meilleures caractéristiques d'un instrument, comme le boom d'un kick ou la présence d'un solo de guitare. Cependant, un boost excessif peut conduire à un mixage encombré où les éléments se disputent l'espace. Au final, vous vous retrouvez avec de la boue et un manque de définition.

Commencez plutôt par couper les fréquences indésirables pour nettoyer le son. Il est toujours surprenant de constater que cette approche permet souvent d'obtenir un mixage plus clair et plus équilibré, sans qu'il soit nécessaire d'apporter des améliorations significatives.

Une autre erreur fréquente consiste à passer trop de temps à égaliser les pistes en solo.

Bien que cela puisse aider à identifier les fréquences problématiques, cela ne fournit pas de contexte sur la façon dont la piste se situe dans le mixage. Les instruments et les voix peuvent sonner très différemment selon qu'ils sont isolés ou mélangés à d'autres éléments.

Il est essentiel de prendre les décisions relatives à l'égalisation dans le contexte du mixage complet, afin que chaque réglage contribue positivement au son global.

Utilisation des filtres

Obtenir des basses fréquences correctes dans un mixage est l'une des choses les plus difficiles dans le mixage de la musique métal.

Le bas du spectre représente le poids et la puissance de la piste, mais lorsqu'il n'est pas géré correctement, il peut donner lieu à un mixage boueux et indéfini. Le masquage est souvent le principal responsable d'un bas du spectre médiocre, lorsque des fréquences superposées provenant de différents instruments encombrent le même espace sonore.

C'est là que les filtres passe-haut (HPF) entrent en jeu.

Avec un filtre passe-haut, vous pouvez supprimer de manière sélective les basses fréquences inutiles des instruments qui n'en ont pas besoin, afin que la basse et la grosse caisse puissent avoir le punch nécessaire. Bien qu'il n'y ait pas de règle absolue, voici quelques suggestions de filtres passe-haut pour différents instruments :

• Kick Drum: Si ces blast beats sont un peu mous à la base, vous pouvez commencer autour de 30 à 40 Hz pour resserrer votre kick sans perdre le son fondamental.
• Guitare basse: Un HPF autour de 30-50 Hz peut aider à supprimer les ronflements tout en conservant le corps, et l'éloigner du kick.
• Caisse claire: Commencez par un HPF autour de 80-100 Hz. L'objectif est d'éliminer les bruits de fond en dessous de la fréquence fondamentale souhaitée. Dans le métal, la partie la plus importante de la caisse claire est la fente.
• Toms : Le HPF autour de 80-120 Hz pour les toms en rack et de 60-100 Hz pour les toms au sol, en fonction de leur taille et de leur accordage, fonctionne généralement bien. Pour les fills où les toms jouent seuls, vous pouvez même automatiser le HPF pour qu'il soit désactivé, ce qui ramène les subs pendant une seconde.
• Les charlestons et les cymbales : L'application d'un HPF autour de 200-300 Hz est idéale pour nettoyer tout bruit de saignement ou de basse fréquence. Vous n'avez pas besoin de beaucoup de corps pour ces éléments.
• Micros plafonniers : Il n'est pas rare de régler un HPF à 300 ou 400 Hz. Les micros Overhead doivent se concentrer sur la capture du chatoiement des cymbales et de l'image spatiale de la batterie. J'aime généralement surveiller la fréquence fondamentale de ma cymbale, afin de ne pas la dépasser et de ne pas perdre son caractère.
• Micros d'ambiance : Un HPF autour de 80-20 Hz peut éliminer les grondements indésirables dans les basses fréquences et resserrer le son global du kit, bien que cela dépende vraiment de ce que vous voulez que la pièce apporte à votre mixage.
• Guitares électriques : Un filtrage en dessous de 60-100 Hz peut permettre de se débarrasser du grondement des basses résonances et du bruit de la cabine, bien que cela puisse changer en fonction du degré d'accordage.
• Voix : La plupart des voix n'ont pas de contenu utilisable en dessous de 80 Hz, c'est pourquoi un HPF autour de 80-100 Hz peut être utile pour éliminer les plosives et les grondements de bas de gamme qui ne sont pas essentiels à la clarté de la voix. Avec des voix masculines ou féminines plus aiguës, vous pouvez même aller plus loin.

Les filtres passe-bas (LPF), en revanche, sont souvent négligés, alors qu'ils sont tout aussi cruciaux. J'applique généralement des filtres passe-bas aux guitares électriques et aux guitares basses pour éliminer le grésillement du haut du spectre. Les guitares métalliques, par exemple, bénéficient souvent d'un égaliseur de type "cut-off-the-crust", avec un roll-off dans les graves et les aigus pour les placer au centre et les éloigner des éléments qui devraient se trouver dans ces régions.

D'une manière générale

Il existe une infinité de façons d'aborder le QE, et avant de me pencher sur des instruments spécifiques, j'aimerais passer en revue quelques conseils qui pourraient vous être utiles.

Pour commencer, évitez d'augmenter ou de réduire la même fréquence sur plusieurs instruments. Cela peut entraîner une accumulation de fréquences ou un affaiblissement excessif dans certaines zones du mixage, ce qui entraîne un manque de clarté et de séparation entre les instruments. Par exemple, si vous augmentez les bas-médiums de la guitare rythmique et de la guitare basse, vous risquez d'obtenir un mélange boueux où aucun des deux instruments ne se détache distinctement.

Une autre stratégie efficace consiste à atténuer les instruments qui en masquent d'autres, plutôt que d'augmenter les fréquences de l'instrument masqué. Vous obtiendrez ainsi un mixage plus naturel et plus dynamique. Par exemple, si les guitares rythmiques masquent la caisse claire, au lieu d'augmenter les médiums supérieurs de la caisse claire (ce qui peut lui donner un son dur ou peu naturel), essayez de réduire légèrement ces fréquences sur les guitares. Cet ajustement subtil peut révéler la présence et l'impact de la caisse claire sans altérer sa tonalité inhérente.

Enfin, expérimentez des choix d'égalisation en miroir. Il s'agit d'effectuer des réglages d'égalisation complémentaires sur différents instruments de manière à ce qu'ils s'emboîtent les uns dans les autres comme les pièces d'un puzzle. Par exemple, si vous réduisez les fréquences bas-médiums de la guitare basse pour éliminer les bruits parasites, vous pouvez augmenter légèrement ces mêmes fréquences sur la grosse caisse pour conserver la plénitude de cette plage de fréquences.

L'égalisation de différents instruments

Comme je l'ai indiqué précédemment, il n'existe pas d'approche unique de l'égalisation, car chaque mixage contient des éléments différents qui sonnent de manière totalement différente. Toutes les guitares distordues ne sonnent pas de la même manière, de même que tous les sons de basse n'ont pas le même bas ou le même milieu de gamme.

Au fil de ces conseils généraux, je souhaite que vous gardiez cela à l'esprit.

Kick Drum

Il est important de noter que la fondamentale de la plupart des kicks se situe quelque part entre 60 et 80 Hz.

Si vous avez besoin de plus de puissance et de poids, vous pouvez booster à cet endroit. Il faut cependant faire attention, car les boosts importants dans cette région peuvent finir par sonner faux, en particulier avec les doubles kicks rapides.

J'aime parfois appliquer un léger boost entre 3 et 5 kHz pour améliorer l'attaque du batteur et lui donner ce son de "clic", ce qui peut l'aider à s'articuler au milieu de guitares fortement distordues. Si vous mixez un kick qui semble trop boomy et manque de définition, le fait de couper certaines fréquences autour de 250-400 Hz peut le nettoyer et l'éloigner des sons de guitare bas-médians.

Caisse claire

Dans la musique métal, vous souhaitez généralement une caisse claire courte et percutante. Si elle n'est pas assez percutante dans le mixage, vous pouvez renforcer les hauts médiums autour de 2-4 kHz pour faire ressortir le claquement de la caisse claire. D'autre part, une légère accentuation autour de 200 Hz peut ajouter du corps et du poids, au cas où la caisse claire sonnerait un peu mince.

Si le son de votre caisse claire est un peu dur, je vous recommande de regarder autour de 1 kHz pour voir où vous pouvez faire quelques petites coupes.

Hi-Hats et cymbales

Pour les charlestons et les cymbales, l'objectif d'un mixage métallique est d'obtenir une présence nette et aérée qui complète l'énergie globale sans la percer ou l'écraser.

Après le filtre passe-haut, vous pouvez essayer d'augmenter légèrement la fréquence entre 6 et 10 kHz pour faire ressortir le grésillement naturel si le son est terne ou s'il se perd dans le mélange. Si elles sonnent fines ou dures, vous pouvez atténuer les résonances dures autour de 2-4 kHz. De plus, cela permettra à vos cymbales et à vos charlestons de ne pas gêner vos voix !

Toms

Les toms sont souvent utilisés dans le métal pour les remplissages et les transitions dramatiques. Il y a deux choses que j'attends d'eux : du punch dans les basses fréquences et de la clarté sur l'attaque.

Des boosts autour de 80-100 Hz (en particulier sur le tomier) peuvent enrichir le son fondamental, tandis qu'une légère coupure autour de 400-600 Hz peut aider à réduire le côté "boîteux". L'augmentation de l'attaque des toms autour de 3-5 kHz peut les aider à se démarquer dans le mixage.

Guitare basse

Le rôle de la basse dans le métal est de s'aligner sur la grosse caisse et de fournir une base solide.

J'aime souvent augmenter légèrement la fréquence autour de 80-100 Hz pour renforcer les sons fondamentaux de la basse, en particulier si elle semble manquer de bas de spectre. J'atténue également les effets de boue autour de 200-250 Hz, car les fréquences peuvent s'accumuler assez rapidement à cet endroit.

Si vous n'entendez pas très bien votre basse à travers le mur de guitares, une légère accentuation autour de 700 Hz à 1 kHz couplée à une distorsion de haut de gamme peut aider à articuler le son des doigts ou du médiator de la basse.

Guitare électrique

La façon dont j'égalise les guitares métalliques peut varier. Un solo est différent d'une guitare rythmique distordue, qui est différente d'une partie d'ambiance propre et étincelante.

Par souci de concision, parlons de guitares métalliques à haut gain, comme celles que l'on s'attend à entendre sur un disque de Slayer.

Si j'ai l'impression que mes guitares métalliques sonnent de manière brouillonne, je les coupe autour de 300-400 Hz, et si j'ai l'impression qu'elles ont besoin d'un peu plus de définition, 800 Hz peut les mettre en avant. Si j'ai affaire à des guitares solo qui ont besoin d'un peu plus de mordant pour passer au travers de tous les instruments du mixage, j'augmenterai légèrement la fréquence autour de 3 kHz.

Voix

Les voix dans le métal sont également très variées, allant des grognements gutturaux aux mélodies planantes.

Chacune d'entre elles nécessite une approche adaptée pour s'intégrer correctement dans le mixage. Cependant, par rapport à un mixage pop, où je pourrais vouloir utiliser un renforcement des hautes fréquences au-dessus de 10 kHz pour donner aux voix un éclat étincelant, j'aime me concentrer davantage sur les hauts médiums lorsque je mixe du métal ou du rock.

Un renforcement autour de 2-5 kHz peut aider à donner plus de présence et d'énergie à une voix. Toutefois, si une accentuation dans cette zone semble trop dure, vous pouvez essayer d'atténuer autour de 200-300 Hz et d'augmenter le volume global de la voix.

6. Compression

La compression peut être un point de discorde pour de nombreux nouveaux ingénieurs, car elle peut être difficile à entendre.

Heureusement, dans le métal, vous pouvez être un peu plus agressif avec la compression, ce qui nécessite moins de finesse que pour un mixage de jazz ou de R&B, par exemple.

L'élément le plus important à conserver est la batterie.

Compression de la batterie

Pour la grosse caisse, un rapport modéré à élevé (environ 4:1 à 8:1) avec une attaque lente peut aider à accentuer le transitoire initial, en lui donnant du punch et de la présence, tout en comprimant le corps. La caisse claire nécessite souvent une approche similaire, avec en plus une prise en compte du temps de relâchement pour améliorer le déclin naturel de la caisse.

Les toms peuvent être compressés avec un ratio légèrement inférieur (3:1) et un temps d'attaque moyen afin de préserver leur dynamique sans aplatir leurs performances. Les Overheads nécessitent généralement une compression moins agressive (voire pas de compression du tout), car j'aime me concentrer davantage sur le collage du kit avec eux. D'un autre côté, n'hésitez pas à réduire les micros d'ambiance en miettes, car c'est un excellent moyen de donner de la vie au kit !

Bien entendu, vous pouvez également utiliser la compression parallèle à ce stade, mais nous en parlerons plus en détail dans un instant

Compression des basses

En compressant la guitare basse, vous pouvez ancrer le bas du spectre d'un mixage métallique.

J'aime utiliser deux compresseurs en série, ce qui permet à la fois un contrôle subtil de la dynamique et la préservation de la tonalité naturelle de la basse. Le premier compresseur peut être réglé avec un ratio élevé (environ 8:1) et une attaque plus rapide pour capter les pics, tandis que le second compresseur, avec un ratio plus faible et une attaque plus lente, permet d'égaliser la performance dans son ensemble.

Compression vocale

Les voix peuvent avoir une gamme dynamique assez large, en particulier lorsque les chanteurs montent et descendent dans leur gamme.

Dans la plupart des cas, les voix métalliques peuvent bénéficier d'un taux de compression plus élevé (6:1 ou plus) pour obtenir un son plus cohérent. Une attaque rapide permet de dompter immédiatement les parties agressives, tandis qu'un temps de relâchement moyen permet au compresseur de respirer avec la performance.

7. Réverbération et délai

Lorsque j'utilise la réverbération dans la musique métal, j'aime l'aborder avec retenue.

Les arrangements denses et les tempos rapides du métal laissent peu de place à l'effet de lavage ou de boue qu'une réverbération excessive peut introduire, c'est pourquoi je recommande de l'utiliser avec parcimonie pour renforcer, et non écraser, la puissance naturelle des instruments et des voix.

Les plaques courtes avec pré-délai sont idéales pour les caisses claires et les toms, car elles apportent juste ce qu'il faut d'amélioration spatiale pour les faire ressortir sans brouiller leur attaque. Le pré-délai permet à la première frappe de la batterie de traverser le mixage proprement avant que l'effet de réverbération ne se mette en place, ajoutant un sentiment de profondeur et de dimension sans sacrifier l'impact de la percussion.

Les plaques sont également idéales pour les voix, si le morceau nécessite une quelconque réverbération (parfois, les délais de type "slap" ou "ping-pong" peuvent donner une impression d'espace sans la densité d'une réverbération). Quel que soit votre choix, il est conseillé d'utiliser l'égaliseur sur la piste de retour pour sculpter l'équilibre tonal, en éliminant les graves et les aigus superflus.

Comme pour la plupart des autres instruments, vous pouvez limiter l'utilisation de la réverbération. Certaines exceptions peuvent être une réverbération de hall plus importante utilisée avec parcimonie sur un solo de guitare principale ou une réverbération de pièce plus serrée sur les guitares rythmiques pour ajouter de la cohésion.

Autres conseils sur le mélange des métaux

Partager votre contrebasse

Pour moi, pour obtenir le bon son de basse dans la musique métal, il faut séparer les canaux de haute et de basse fréquence à l'aide de l'égaliseur. Cela permet de traiter chaque plage de fréquences de manière indépendante.

En isolant les basses, vous pouvez préserver le grondement et la chaleur propres et fondamentaux de la basse, de manière à ce qu'elle soutienne solidement le mixage sans être boueuse. Sur le canal des hautes fréquences, en revanche, vous pouvez ajouter de la saturation et de la distorsion pour faire ressortir le grain et le caractère de la basse, afin qu'elle puisse se faufiler dans les arrangements les plus denses.

Pour ce qui est de l'emplacement du passe-haut et du passe-bas, j'aime généralement que mes basses aient une coupure LPF autour de 150 à 250 Hz et que les basses saturées aient un HPF autour de 200 à 300 Hz.

Contrôler les bas-médiums sur les guitares électriques

L'utilisation d'un compresseur multibande pour affiner les bas médiums des guitares électriques, en particulier pendant les sections en sourdine, est une technique sacrée dans le mixage du métal.

Les riffs en sourdine sont un élément essentiel de la musique lourde. Cependant, sans un traitement minutieux, ils peuvent parfois sonner boueux ou manquer de définition. En ciblant spécifiquement les fréquences bas-médium avec un compresseur multi-bandes, tel que le FabFilter MB, vous pouvez contrôler et resserrer vos guitares de sorte que la gamme de fréquences ne saute pas aux oreilles lorsque les guitares atteignent une section en palm muted.

La clé est d'isoler la plage de fréquences où les palm mutes résonnent le plus - souvent entre 200 et 500 Hz - et d'appliquer la compression de manière sélective sur cette bande. Le résultat final est une guitare métallique contrôlée mais claire.

Utilisation du traitement parallèle sur les voix

Enfin, j'aimerais parler de l'utilisation de la compression parallèle et de la distorsion sur les voix pour leur donner de l'agressivité.

La compression parallèle, également connue sous le nom de compression new-yorkaise, consiste à mélanger une version fortement compressée de la piste vocale avec la piste originale non compressée. Cette méthode permet à la voix de conserver sa dynamique et ses nuances naturelles, tandis que le signal compressé fait ressortir une présence cohérente et puissante dans l'ensemble du mixage.

Le résultat est une voix qui traverse des instruments denses sans perdre sa portée expressive.

L'ajout de distorsion en parallèle offre des avantages similaires.

Vous obtenez toute l'agressivité et l'énergie d'une piste vocale à haute teneur en énergie sans perdre l'intelligibilité ou la qualité des voix naturelles.

Réflexions finales - Mixer le métal comme un pro

Mixer de la musique métal est très amusant, et il existe de nombreux conseils, astuces et techniques géniaux que vous pouvez utiliser pour être créatif avec tous les éléments de vos mixes. Même si vous n'êtes pas passionné par la musique lourde ou agressive, vous pouvez apprendre beaucoup de choses en vous plongeant dans un mixage de musique métal. De plus, de nombreuses compétences acquises en mixant du métal sont utilisables dans d'autres genres, du hip-hop au reggae et au-delà.

Gardez le poids !