La répétition en musique est au cœur de la production musicale, et c'est souvent la force motrice des chansons accrocheuses qui restent indéfiniment dans nos têtes. C'est un phénomène fascinant qui relie tous les peuples : une attirance atavique pour les structures mélodiques et rythmiques qui, d'une manière ou d'une autre, nous relient tous depuis la nuit des temps.

Cela est possible grâce aux motifs. Qu'ils soient mélodiques ou rythmiques, les motifs en musique sont des séquences sonores qui peuvent créer un effet hypnotique chez l'auditeur, en le plongeant dans un paysage sonore défini par la répétition et l'évolution.

Mais qu'entend-on exactement par "motifs musicaux", "grooves" et "rythmes" ? Bien qu'il s'agisse de concepts que vous tenez pour acquis (nous tapons tous du pied lorsque nous entendons un rythme agréable ou fredonnons une mélodie que nous aimons), il existe une structure claire derrière l'envie irrésistible de danser sur une chanson, et c'est précisément ce dont nous allons parler aujourd'hui.

Cet article a pour but d'expliquer la véritable nature des motifs musicaux et la manière dont vous pouvez les utiliser pour améliorer votre production musicale. Que vous veniez de vous lancer dans la composition musicale ou que vous souhaitiez simplement mieux comprendre la théorie musicale, nous allons tout aborder ici.

Définitions des motifs rythmiques et mélodiques

Vous avez probablement entendu les définitions ci-dessous à plusieurs reprises au cours de votre scolarité, mais il est bon de rafraîchir ces idées avant d'approfondir la façon dont nous pouvons utiliser les modèles pour transformer notre processus de création musicale.

Motifs rythmiques

En résumé, un rythme est une séquence répétée de sons ou de mouvements, avec un silence entre les sons qui forment le rythme. Le silence est tout aussi important que les sons qui forment le rythme, car il donne une impression de mouvement à la séquence sonore.

Les motifs rythmiques peuvent évoluer, alterner, s'arrêter et redémarrer ; le résultat est un mouvement complexe du rythme qui fait avancer une chanson. Ils peuvent être simples ou complexes, longs ou courts, mais ils ont tous un but : constituer la base d'une chanson que les auditeurs peuvent suivre et que les musiciens peuvent développer.

Motif mélodique

Les motifs mélodiques, ou motifs tonaux, sont des séquences de notes musicales arrangées en rythmes qui sont accrocheurs et répétables dans le temps. Ils constituent l'aspect chantable d'un morceau, une "accroche" dont les auditeurs peuvent se souvenir. Ils constituent un élément essentiel de la musique populaire.

Ces motifs peuvent varier légèrement à chaque fois qu'ils sont joués afin de captiver l'auditeur et de diversifier la chanson. Ils constituent un aspect crucial pour la création d'un motif, un court passage rythmique ou mélodique répété et développé tout au long d'un morceau, devenant ainsi la base ou la partie la plus cruciale d'une composition musicale.

Qu'est-ce qui fait que les motifs musicaux sont... des motifs ?

Comment toutes ces notes interagissent-elles et se fondent-elles les unes dans les autres ? Comment savoir si une section rythmique est cohérente et groovy ? Comme pour la plupart des éléments de la théorie musicale, il n'existe pas de limites claires quant à ce que l'on peut ou ne peut pas faire avec les notes. En ce qui concerne les motifs, il s'agit de définir la structure de notre composition et de la développer.

En résumé, les motifs rythmiques sont créés par la combinaison de notes de durées et d'intensités différentes, formant un groove ou une ambiance unique. Les motifs mélodiques, quant à eux, sont des séquences de notes répétées à la même hauteur ou à des hauteurs différentes, créant des motifs ou des thèmes dans une composition.

Un motif est une combinaison de plusieurs facteurs qui le rendent unique, chaque élément jouant un rôle dans sa définition : une légère variation sur l'un ou l'autre élément peut donner vie à une ambiance ou à une atmosphère complète.

Au sens le plus large, un modèle nécessite les éléments suivants :

Répétition

L'aspect le plus fondamental d'un motif est la répétition. Il peut s'agir d'une série de notes, de rythmes, d'accords ou même d'une progression qui se répète tout au long d'un morceau. L'important est qu'il soit reconnaissable et mémorable pour l'auditeur.

Prévisibilité

Les motifs donnent un sentiment de prévisibilité à votre chanson, ce qui est fondamental si vous voulez que les gens l'apprécient. Les auditeurs s'attendent généralement à ce que le motif se poursuive ou revienne une fois qu'il est établi, mais vous pouvez également modifier le motif original pour créer une tension, un soulagement ou une surprise.

Cohérence

Dans un motif rythmique, la cohérence peut résider dans la durée des notes et des silences ; dans un motif mélodique, elle peut résider dans les intervalles entre les notes. Si un motif constitue la base de votre chanson, sa cohérence vous aidera à développer le morceau et à y ajouter de la variété tout en conservant une base solide.

Reconnaissance

Quand une mélodie ou un rythme sont-ils accrocheurs ? Lorsqu'elle se détache suffisamment du reste de la chanson pour être perçue comme un point fort, un élément autour duquel la chanson gravite ou sur lequel elle repose.

Ces caractéristiques sont fondamentales pour les motifs tonaux et rythmiques : plus un motif est reconnaissable et cohérent, plus le morceau devient immersif pour votre public. La différence entre un motif réussi et un autre qui ne trouve pas d'écho auprès des auditeurs réside dans sa capacité à être à la fois simple et unique. Il n'est pas facile de créer un motif aussi mémorable, mais dans la section suivante, nous verrons comment en créer un vous-même.

Comment utiliser des motifs pour faire de la musique

Maintenant que vous savez ce qui définit un motif, il est temps de mettre la main à la pâte et de comprendre comment créer un motif musical solide. Pour faire de la musique avec des motifs, vous devez utiliser des séquences rythmiques, mélodiques et harmoniques pour créer une structure solide pour votre morceau.

Utilisation de motifs rythmiques

Un motif rythmique est l'épine dorsale d'un morceau. C'est l'âme du groove, il doit donc fournir un rythme cohérent que les autres musiciens peuvent suivre.

En résumé, un rythme est défini par le tempo, la pulsation, la mesure, l'accentuation, la subdivision, la syncope et les silences :

Le tempo est la vitesse à laquelle la musique se déplace.

Le battement est l'unité de base du temps.

Le compteur rassemble les battements en ensembles réguliers.

L'accentuation met l'accent sur certains temps ou certaines notes.

Le lotissement divise les parcelles en unités plus petites.

La syncope déplace les accents pour créer la surprise.

Les supports améliorent la forme et la sensation d'un rythme.

Si la signification de ces éléments est claire pour vous, vous êtes prêt à les utiliser pour créer des grooves différents. Une légère variation de chacune de ces caractéristiques peut donner vie à un rythme complètement différent, alors prenez-les une à une et voyez comment elles peuvent révolutionner votre rythme. Que vous soyez batteur ou producteur de rythmes, une fois que vous aurez compris les facteurs qui définissent le rythme, vous serez en mesure de transformer des schémas rythmiques courants en grooves uniques et d'élever votre art au niveau supérieur.

Utilisation de motifs mélodiques

Les motifs mélodiques sont des séquences de notes reconnaissables et mémorisables dans une chanson. Ces éléments musicaux peuvent être répétés et variés tout au long d'un morceau : vous pouvez changer la tonalité, le rythme ou même l'harmonie tant que le motif sous-jacent reste identifiable.

Les motifs mélodiques peuvent prendre diverses formes et être utilisés de différentes manières :

Progressions harmoniques: Une séquence d'accords répétée tout au long d'une section musicale, comme le populaire I-IV-V-I dans le blues. Le rythme harmonique peut vous aider à donner vie à des progressions puissantes et facilement reconnaissables.

Variations: Modification du rythme, de la mélodie ou de l'harmonie pour capter l'attention de l'auditeur. Il s'agit généralement d'une technique utilisée une fois que le modèle a déjà été établi et qu'il est reconnaissable par l'auditeur.

Structure: par exemple, la structure couplet-refrain de nombreuses chansons pop repose sur des motifs répétitifs, tant au niveau des paroles que de la musique. Ces motifs aident les auditeurs à comprendre et à se souvenir de la chanson.

Improvisation: un motif peut constituer la base d'une musique improvisée, un élément sur lequel les musiciens peuvent s'appuyer et s'appuyer.

Composition: les motifs peuvent être un outil pour structurer les idées. Les nouvelles chansons peuvent commencer par un motif simple, puis évoluer, en ajoutant des couches d'autres motifs sur le motif original.

Théorie musicale des motifs rythmiques et mélodiques

Que vous travailliez sur un motif rythmique ou musical, la compréhension du système de notation musicale est fondamentale et peut vous aider à développer considérablement vos compétences. Il s'agit d'une série de symboles représentant différentes durées de notes et de silences, organisés dans le cadre d'une signature temporelle, la "structure" qui définit le nombre de temps d'une mesure et la valeur de la note correspondant à un temps.

Cette structure permet aux musiciens de comprendre la synchronisation et le rythme de la musique, même s'ils n'ont pas composé le morceau eux-mêmes, en leur fournissant toutes les informations nécessaires pour recréer la vision créative du compositeur original.

La mesure, c'est-à-dire la manière dont les temps sont regroupés, peut être simple ou complexe et peut ajouter des couches de texture rythmique à un morceau. Les temps peuvent également être divisés en parties plus petites, une pratique qui peut s'avérer utile, en particulier dans les genres où la syncope ou les motifs rythmiques inhabituels sont courants, comme les genres dits progressifs ou même dans la musique classique.

Les motifs mélodiques, quant à eux, sont principalement définis par la hauteur des notes (déterminée par leur position sur la portée), la tonalité et la clef utilisée.

Les notes sont organisées en gammes, et la relation entre ces notes (les intervalles) définit le mouvement de la mélodie, qu'elle passe d'une note adjacente à une autre ou qu'elle en traverse plusieurs. C'est cette relation qui définit la tonalité de la musique.

Comment s'entraîner à créer des motifs mélodiques et rythmiques ?

C'est en forgeant qu'on devient forgeron, n'est-ce pas ? Voyons donc comment un musicien peut perfectionner son art de créer des motifs mélodiques et rythmiques.

Pour créer des motifs rythmiques mémorables, il faut développer un solide sens de la synchronisation et une compréhension des différentes valeurs de notes et des silences. Dans cette quête, le métronome devrait devenir votre compagnon inestimable, et si vous jouez de "vrais" instruments, votre pratique quotidienne devrait certainement comporter des exercices basés sur le métronome.

Avec le temps, commencez à expérimenter différentes signatures temporelles et apprenez à ressentir le groove propre à chacune d'entre elles. Cela vous permettra d'accéder à des motifs plus complexes, y compris la syncope, les signatures temporelles impaires et les rythmes croisés, autant d'éléments qui peuvent rendre vos chansons uniques et inoubliables.

Concentrons-nous à présent sur la pratique mélodique. Commencez par les gammes et les arpèges, qui sont les éléments constitutifs de toute mélodie. Exercez-vous dans différentes tonalités et apprenez à "sentir" votre instrument. Cela prendra du temps, mais c'est un processus extrêmement gratifiant à long terme.

Comprendre comment les mélodies sont construites sur ces bases est la première étape de la composition musicale professionnelle : les intervalles et les propriétés uniques que chaque intervalle apporte à une mélodie ne sont pas quelque chose que l'on peut simplement inventer ; ils sont basés sur une structure musicale solide que vous devez apprendre à développer ou à élargir votre palette sonore.

Une fois que vous avez compris ces éléments de base, il est temps de créer votre propre musique.

Le rythme et la mélodie doivent fonctionner à l'unisson, de manière à se compléter mutuellement. Vous pouvez expérimenter en appliquant différents motifs rythmiques à une mélodie définie et voir comment ce processus modifie le caractère de votre morceau. Vous pouvez aussi faire l'inverse : modifier la mélodie tout en gardant le rythme constant peut montrer comment la mélodie influe sur l'ambiance émotionnelle de votre morceau.

À ce stade, l'improvisation devient souvent un aspect fondamental du processus de création musicale. Cependant, votre improvisation doit maintenant être basée sur les règles claires de la composition musicale, que vous utiliserez pour créer votre propre signature sonore.

N'oubliez jamais de vous enregistrer lorsque vous improvisez. Vous n'imaginez pas le nombre de fois où mes collègues et moi avons improvisé pendant 15 minutes pour nous apercevoir que nous avions oublié d'allumer l'enregistreur. L'impermanence fait partie de toute forme d'art, alors n'oubliez pas d'immortaliser vos moments de créativité, de quelque manière que ce soit.

Réécouter votre performance vous aidera à apprécier la cohérence de vos schémas et vous donnera des indications sur les points à affiner. En outre, cela encourage l'écoute critique : il peut être difficile de s'écouter improviser, mais il est essentiel d'évaluer son niveau et la distance qui le sépare de ses objectifs créatifs.

En fin de compte, la création de motifs n'est pas un processus mécanique mais plutôt artistique : les motifs les plus convaincants ne sont pas les plus complexes, mais ceux qui transmettent une émotion et établissent un lien avec les auditeurs à un niveau plus profond. Apprenez les bases, puis utilisez ces connaissances pour donner vie à votre vision créative sans vous soucier de vos compétences ou de votre niveau technique.

Réflexions finales

J'espère que ce guide vous aidera à passer au niveau supérieur en matière de production musicale !

Ma dernière recommandation est de ne pas trop se concentrer sur la théorie musicale, mais plutôt d'essayer de comprendre les éléments de base des motifs musicaux et de les utiliser pour donner vie à votre vision artistique. Au fur et à mesure que vos compétences s'amélioreront, vous ressentirez le besoin d'en savoir plus sur la théorie musicale et sur la manière de créer des motifs inoubliables : le moment venu, vous serez en mesure de définir les connaissances dont vous avez besoin pour perfectionner votre art et simplifier votre processus de création musicale.

La prochaine fois que vous écouterez une chanson, prenez le temps de comprendre les motifs rythmiques et mélodiques et essayez de les recréer à l'aide des outils et des connaissances à votre disposition. Vous élargirez ainsi votre palette sonore et apprécierez la beauté et la complexité de la musique que vous aimez.

Amusez-vous bien !