Si vous vous êtes aventuré dans les abysses de la production musicale et des forums de mixage ou des vidéos YouTube, vous avez probablement rencontré l'expression "piste de référence".

Que vous ayez déjà intégré des pistes de référence dans votre flux de travail musical ou que vous ne l'ayez jamais expérimenté, je peux affirmer en toute confiance que l'utilisation d'une piste de référence peut grandement améliorer la qualité de votre musique.

De plus, contrairement à ce que beaucoup pensent, l'utilisation de pistes de référence ne signifie pas que l'on limite son flux créatif.

Utilisée à bon escient, une piste de référence peut empêcher votre musique de manquer d'originalité et la maintenir au niveau des normes professionnelles. Par essence, les pistes de référence placent votre musique originale au niveau d'autres artistes que vous aimez, garantissant que vos mixages sont à la hauteur, apportant des idées uniques en matière d'arrangement et aidant à tracer une voie créative lorsque vous partez d'une ardoise vierge.

Dans ce guide, j'aimerais vous présenter toutes les raisons pour lesquelles vous pourriez utiliser une piste de référence lors de votre prochaine production ou mixage.

Qu'est-ce qu'une piste de référence ?

Une piste de référence est une piste finie d'un autre artiste que vous pouvez utiliser comme modèle pour le son souhaité de votre propre musique.

Lorsque vous utilisez une référence, l'objectif est de comparer votre morceau avec celui de l'autre artiste afin de trouver des idées pour l'arrangement, la production, le mixage ou l'ambiance générale.

J'aime souvent laisser les morceaux de référence influencer mes choix tout au long du processus de création musicale :

• Loudness Matching : s'assurer que le volume sonore de mon mixage est aligné sur celui de la piste de référence. Cette opération est plus fréquente lors de la phase de masterisation.
• Arrangement: Faire correspondre l'arrangement de ma chanson à celui de la piste de référence.
• Le mixage : Vérifier que mon mixage est conforme à la qualité de la référence, y compris l'équilibre du volume, la dynamique, l'égalisation et les effets.
• Benchmarking créatif : S'inspirer pour développer des idées musicales professionnelles et éviter de partir d'une toile blanche.

Si vous vous préparez à maîtriser votre piste, n'oubliez pas d'explorer la fonction de piste de référence d'eMastered.

Pourquoi utiliser une piste de référence ?

L'une des principales raisons pour lesquelles j'utilise une piste de référence est de trouver le son de la piste sur laquelle je vais travailler. Même si vous n'en êtes pas conscient, chaque chanson que vous composez est le produit de l'influence qui vous entoure.

Si vous débutez en tant qu'artiste ou producteur et que vous essayez de trouver votre son, je vous recommande d'explorer les artistes que vous aimez et de dresser une liste des caractéristiques qui les rendent spéciaux. Vous pouvez ensuite prendre ces caractéristiques et les mélanger les unes aux autres pour créer votre propre son.

De plus, les pistes de référence atténuent la pression liée à la création de chansons à partir d'une toile vierge.

Lorsque vous avez des sources d'inspiration, vous disposez essentiellement d'une palette qui vous sert de point de départ. Et non, ce n'est pas du vol. Il s'agit de s'inspirer de techniques et d'idées créatives existantes, comme le font les artistes depuis la nuit des temps.

Pensez-y de la manière suivante : chaque style de musique a des arrangements communs qui ont fait leurs preuves.

Il n'y a aucune raison de réparer ce qui n'est pas cassé, comme on dit. Vous pouvez plutôt vous inspirer des chansons que vous aimez, en utilisant les idées qui fonctionnent et en ajoutant vos propres éléments pour les différencier.

Imaginons que vous travailliez sur un morceau de Motown dans le style des années 60. Vous pouvez choisir d'utiliser une batterie mono, une basse électrique P, une Fender Stratocaster, un clavier Rhodes et des voix.

Cependant, disons que vous aimez profondément la musique country et que vous jouez du banjo. Votre élément unique peut être la présence d'un banjo dans le morceau. Vous seriez surpris de voir à quel point un élément aussi simple que l'ajout d'un autre élément peut complètement modifier l'ambiance d'une chanson.

Comment utiliser les pistes de référence

Examinons quelques-unes des principales façons d'utiliser les pistes de référence pour obtenir un son de haute qualité dans votre musique.

Carte de l'arrangement

L'une des premières choses pour lesquelles j'utilise des pistes de référence dans mon mixage est l'arrangement. Je trouve qu'en m'inspirant de l'arrangement d'une chanson, il est plus facile de s'affranchir de l'arrangement standard couplet-refrain-verseau-refrain-pont-refrain.

Par exemple, un titre que vous aimez peut ressembler à ceci :

• Intro
• Verset
• Chœur
• Interlude
• Verset
• Répartition
• Chœur
• Solo
• Pont
• Chœur
• B Crochet

Vous pouvez prendre l'arrangement ci-dessus et l'intégrer dans un morceau pop standard pour lui donner plus d'intérêt.

Bien sûr, si l'objectif est d'obtenir un arrangement qui corresponde au style, au genre ou à l'ambiance que vous envisagez pour votre nouvelle chanson, je vous recommande de trouver un morceau qui présente un arrangement stylistique.

Lorsque je choisis un morceau comme référence pour l'arrangement, je commence par identifier une chanson dont la structure me semble exceptionnelle. La chanson doit être captivante ou énergisante. J'importe ensuite le morceau dans mon logiciel de création musicale.

J'analyse ensuite l'arrangement, en notant les sections telles que l'intro, le couplet, le refrain, le pont et l'outro, ainsi que les moments où les instruments entrent, sortent, changent de manière dynamique, etc.

À partir de là, je crée un schéma de base ou une carte de la structure de la piste de référence.

Il peut s'agir d'une liste écrite des différentes sections sur un bloc de papier ou de la création de marqueurs de piste dans votre DAW. Si la chanson que vous utilisez comme référence a le même BPM que la chanson que vous créez, vous pouvez littéralement l'aligner dans votre DAW et placer des marqueurs de référence au début de chaque section.

Au fur et à mesure que vous travaillez sur votre chanson, il se peut que vous ayez besoin d'affiner l'arrangement en fonction de l'évolution de votre morceau, alors n'hésitez pas à faire des ajustements si cela vous semble approprié.

Progression d'accords

Bien que j'aie étudié la musique et la composition à un niveau élevé, j'ai souvent du mal à trouver la progression d'accords que je veux utiliser pour un morceau sur lequel je travaille. Bien sûr, il existe des progressions "standard" que les gens utilisent dans certains genres, comme le I-V-vi-IV dans la musique pop ou le I-IV-V7 dans le blues. Cependant, il peut être agréable de sortir de ces attentes pour surprendre les auditeurs.

J'aime commencer par choisir un morceau de référence dans le même genre que mon projet ou dans un genre similaire. Bien entendu, il doit présenter une progression d'accords forte que j'aime et une mélodie qui résonne en moi.

Pour les besoins de l'enseignement, disons que vous aimez la progression pop courante I-V-vi-IV. Vous pouvez alors essayer de l'adapter à l'arrangement de votre propre chanson. Ce n'est pas parce que vous travaillez avec une progression d'accords simple que vous ne pouvez pas l'adapter à votre goût.

Au-delà de la progression proprement dite, vous pouvez également prendre note de la façon dont votre référence passe d'une progression d'accords à l'autre.

Par exemple, disons que vous travaillez avec une piste de référence qui passe en douceur d'une progression mineure à une progression majeure dans le refrain, comme "Mr. Jones" de Counting Crows. Les couplets de "Mr. Jones" sont en la mineur, mais lorsque le refrain arrive, il passe à la tonalité relative de do majeur à l'aide d'une progression I-IV-V.

Vous pouvez essayer de mettre en œuvre cette même relation relative majeur-mineur dans votre morceau.

Mélodie

Au-delà de la progression d'accords, vous pouvez également analyser la mélodie de votre morceau de référence et prêter attention à la manière dont elle complète la progression d'accords, tant sur le plan mélodique que rythmique.

Voyez quelles sont les techniques de phrasé utilisées. Les mélodies sont-elles progressives ou sautent-elles d'une note à l'autre ? La mélodie du refrain s'élève-t-elle au-dessus de celle du couplet, ou est-elle plus douce et plus feutrée ? Les mélodies commencent-elles sur des downbeats, des pickups ou des mesures impaires ?

L'essentiel, cependant, est de n'utiliser la piste de référence que comme source d'inspiration. Ne la copiez pas directement, vous risqueriez d'avoir des ennuis.

Le procès entre The Hollies, Radiohead et Lana Del Rey en est un excellent exemple. Qu'ils se soient volés l'un l'autre consciemment ou inconsciemment, il est presque impossible de ne pas entendre les similitudes entre ces chansons, et Radiohead et Lana Del Rey ont dû renoncer à quelques parts du gâteau pour cela.

Conception sonore et idées musicales

Comme je l'ai déjà dit, il n'y a aucune raison de réinventer la roue lorsque vous créez vos propres chansons. De nombreux genres utilisent les mêmes idées musicales. Pensez à une chanson de rock moyenne, par exemple. Vous y trouverez probablement une batterie, une basse et une guitare électrique.

S'il y a une combinaison d'instruments que vous aimez vraiment, utilisez-la dans vos propres productions !

Commencez par choisir une piste de référence dans la même veine que la chanson sur laquelle vous travaillez, car elle aura probablement l'instrumentation et les éléments de conception sonore que vous recherchez.

Écoutez attentivement la piste de référence (idéalement avec une bonne paire d'écouteurs) et notez les instruments que vous entendez. Par exemple, si j'écoute un morceau d'EDM, je pourrais noter :

• Coup de pied lourd
• Caisse claire électronique
• Hi-hats
• Applaudissements
• Percussion en direct
• Ligne de basse synthétique
• Sous-basses
• Accords de synthèse
• Arpèges au synthétiseur
• Élévateurs, balayages, impacts, FX général
• Succès orchestraux
• Des guitares qui ont de la chance

Une fois que j'ai défini ma palette d'instruments spécifiques, je peux choisir la manière dont je souhaite intégrer ces sons dans mon arrangement. Je ne veux pas que tous ces sons soient joués à chaque section du morceau. Au contraire, je veux qu'ils entrent et sortent pour rendre le morceau plus dynamique.

En écoutant activement un mixage, vous pouvez voir comment les pistes sont superposées pour créer un son plus riche et plus complet.

De nombreux producteurs de musique électronique superposent plusieurs sons pour obtenir une instrumentation dense. Par exemple, vous pouvez utiliser une onde de scie comme synthé principal et l'accompagner d'une onde carrée, d'un pad chaud et réverbérant et d'une couche harmonique aiguë et légèrement désaccordée dans une octave différente.

Réflexion sur le timbre et la dynamique

Vous ne devez pas nécessairement utiliser dans votre chanson les mêmes instruments que ceux que vous entendez dans votre référence. En revanche, vous pouvez utiliser des instruments ayant le même timbre. Supposons que l'accroche de la piste EDM à laquelle vous vous référez comporte un pad chaud et soutenu et un synthé brillant et staccato.

Vous pouvez trouver des instruments avec la même variété timbrale pour créer la même composition de fréquence que votre référence avec des instruments que vous aimez. Par exemple, vous pourriez utiliser un clavier Rhodes à la place d'un pad chaud et soutenu et une guitare électrique pincée à la place d'un synthé staccato.

De la même manière, vous pouvez observer comment la dynamique change tout au long de la référence et essayer d'incorporer des contrastes dynamiques similaires dans votre propre arrangement.

"A Day in the Life" des Beatles est un exemple frappant de chanson avec des changements dynamiques spectaculaires. Les refrains sont calmes et réfléchis avant de se transformer en un véritable chaos.

Conception et effets sonores

J'aime prêter une attention particulière aux éléments ou effets uniques de la conception sonore qui sont utilisés dans ma piste de référence.

Pour commencer, j'écouterai attentivement la façon dont les effets spatiaux tels que la réverbération et le délai sont utilisés dans la piste de référence. Vous pouvez vous poser plusieurs questions en écoutant :

• Y a-t-il une réverbération sur la piste et de quel type ? (plaque, hall, pièce, ressort, etc.)
• Le délai (slap, ping-pong, quart de note, etc.)
• Quelle est l'importance de ces effets dans le mixage par rapport aux instruments sur lesquels ils sont utilisés ?
• Sont-elles réparties sur l'ensemble du spectre stéréo ou en mono ?
• Existe-t-il plusieurs instances d'effets sur certains éléments ? Par exemple, de nombreuses voix pop ont une combinaison de réverbération de salle, de réverbération de plaque, de délai de claquement et de délai stéréo.
• Comment ces effets sont-ils traités ? Ont-ils été égalisés, compressés ou déformés ?

J'aime aussi demander comment les éléments du mixage sont répartis.

La plupart des mixages de rock modernes, par exemple, utilisent des techniques de panoramique similaires : voix principale, basse, kick et caisse claire au centre, overheads, guitares électriques et acoustiques panoramiques à gauche et à droite, et clés, percussions, charlestons, toms et autres éléments de mixage panoramiques quelque part à gauche ou à droite dans leur propre espace.

Bien entendu, rien ne vous empêche de faire preuve de créativité en matière de panoramique, et certaines pistes peuvent constituer d'excellentes références à cet égard.

Prenons l'exemple de "Altered Beast III" de King Gizzard and the Lizard Wizard. Si vous écoutez avec un casque, vous pouvez entendre les deux batteries enregistrées avec un panoramique à gauche et à droite, un choix très inhabituel qui donne à ce morceau un son unique.

Enfin, écoutez les techniques de conception sonore de votre référence que vous pouvez utiliser.

Prenons l'exemple de Flume. Lorsqu'il est arrivé sur la scène de la musique électronique en 2012, c'était le début de la scène Future Bass.

Il a utilisé un mélange unique de synthèse granulaire pour la texture, d'effets vocaux modulés et étirés dans le temps, et de modulation stéréo sur les délais et les réverbérations pour créer des expériences d'écoute immersives. Le résultat n'était rien moins que phénoménal et, aujourd'hui encore, ces techniques de conception sonore restent un élément essentiel de son son.

Mélange

Une fois que j'ai terminé le processus de production musicale, je choisis des pistes de référence pour le processus de mixage. Je trouve qu'il est toujours utile d'utiliser des pistes de référence mixées par des professionnels pour le mixage, car elles fournissent un cadre de référence pour le son de votre mixage.

Les différents environnements d'écoute ont leurs propres particularités. Si vous mixez dans une chambre à coucher mal traitée, par exemple, il est facile d'ajouter trop ou pas assez de basses fréquences. Certaines pièces présentent également des modes dans les bas-médiums, ce qui peut vous amener à penser qu'il faut extraire un tas de "boue" de tous les éléments.

Cependant, une fois ce mixage effectué dans votre voiture, vous risquez de vous rendre compte que vos décisions de mixage ont été faussées par le son de la pièce dans laquelle vous travailliez. En utilisant des pistes de référence, vous êtes plus sûr de votre équilibre tonal à l'étape du mixage, ce qui garantit que votre piste sonnera comme il se doit sur les différents systèmes de lecture.

Lorsque vous choisissez une référence pour l'étape du mixage, vous devez en trouver une qui corresponde au genre et au style de votre propre chanson. Il peut s'agir de la même chanson que celle que vous avez utilisée comme référence pour la production, si cela a du sens d'un point de vue sonore.

L'important est de s'assurer que la piste à laquelle vous faites référence est bien mixée et maîtrisée.

J'ai quelques morceaux de référence choisis dans différents genres que j'ai collectionnés au fil des ans, chacun d'entre eux ayant des caractéristiques sonores que j'aime. Je vous recommande de faire de même !

Une fois que vous avez votre référence, chargez-la dans votre DAW sur une piste séparée du reste de votre mixage, de manière à ce qu'elle ne passe par aucun traitement, en particulier un traitement de bus.

Équilibre des volumes

La clé du référencement d'un mixage est de s'assurer que votre référence correspond à l'intensité sonore perçue de votre mixage. La piste à laquelle vous vous référez aura probablement été masterisée. Cependant, vous ne devez pas mixer au même volume qu'une piste masterisée, car vous ne laisserez aucune marge de manœuvre pour le mastering.

J'aime généralement baisser mes pistes de référence d'environ -6dB et commencer à ajuster le volume de mes éléments de mixage à partir de là, car je trouve que cela me donne généralement la marge de manœuvre dont j'ai besoin.

Bien que le processus varie en fonction de la chanson, il est conseillé de commencer par les principaux éléments de la chanson, notamment les voix, le kick, la caisse claire et la basse. Faites attention à la façon dont ils sont placés dans le mixage et essayez de faire correspondre le volume et les caractéristiques tonales de ces éléments dans votre piste. Ajoutez ensuite le reste de l'instrumentation et effectuez des tests A/B pour vérifier l'équilibre de la référence au fur et à mesure que vous avancez.

Évaluation de l'équilibre tonal, de la gamme dynamique et de l'imagerie stéréo

La partie suivante du processus consiste à s'assurer que l'équilibre des fréquences de votre mixage est similaire à celui de la référence. Y a-t-il des zones où votre mixage présente des lacunes ? Vous devrez peut-être procéder à des ajustements.

Commencez par écouter les deux pistes dans leur intégralité et comparez les différentes gammes de fréquences globales de votre mixage à celles du mixage de référence.

Avez-vous trop ou pas assez de bas de gamme ? Et le haut de gamme ? Les médiums ? Les bas-médiums ?

Une fois que vous avez trouvé un équilibre de fréquences qui vous convient, vous pouvez commencer à vous concentrer sur différents instruments.

Il se peut que la voix de votre mixage de référence ait une belle et vive tonalité aiguë, ce qui n'est pas le cas de la vôtre. Pour remédier à ce problème, vous pouvez augmenter les aigus de vos voix de 10 kHz. Il se peut que votre kick et vos basses soient bruyants et indéfinis par rapport à votre référence. Dans ce cas, vous pouvez essayer de les égaliser de façon à ce qu'ils s'accordent bien l'un à l'autre.

Une fois que l'équilibre des fréquences semble correct, j'aime écouter la gamme dynamique et la compression utilisées dans ma référence. En tant qu'ingénieur du son amateur, la compression est l'une des choses les plus difficiles à obtenir, car c'est l'une des choses les plus difficiles à entendre. Cependant, avec de la pratique, vous serez en mesure de déterminer le style de compression que vous devez utiliser pour vous mesurer à des pistes mixées par des professionnels.

Par exemple, il n'est pas rare d'utiliser 10 à 20 dB de compression sur une voix dans un mixage pop pour la bloquer. Analysez à peu près n'importe quelle piste pop top-40 diffusée à la radio aujourd'hui, et je vous garantis que vous pourrez entendre à quel point les voix sont compressées.

Enfin, effectuez un dernier passage en écoutant la largeur stéréo de la référence. Voyez comment se présente votre mixage. Les éléments sont-ils placés correctement dans le champ stéréo ? La référence est peut-être étroite dans les couplets et s'ouvre largement dans les refrains. La réverbération vocale est peut-être en mono pour faire de la place à l'arrangement stéréo dense. Certains instruments sont peut-être dotés d'un auto-pan pour leur donner plus d'intérêt.

En écoutant comment chaque élément est balancé, vous pouvez prendre des décisions plus sûres pour votre mixage stéréo.

Mastering

En général, j'aborde les pistes de référence lors du mastering de la même manière que lors du mixage.

Choisissez une piste de référence bien maîtrisée dans le même style que votre piste.

Chargez-le dans votre session de mastering sur une piste séparée, sans traitement supplémentaire, et analysez comment votre piste se comporte en termes d'intensité sonore, d'équilibre des fréquences, de largeur stéréo, de dynamique et de caractéristiques tonales.

J'utilise généralement un analyseur de spectre pour comparer l'équilibre des fréquences de mon master avec la différence, car cela me permet de voir où se situent les différences dans les gammes de fréquences basses, moyennes et hautes.

De même, vous pouvez utiliser des outils comme REFERENCE, dont j'ai parlé plus haut, pour obtenir des informations sur les trois caractéristiques clés du son - équilibre des fréquences, dynamique et largeur stéréo.

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Réflexions finales - Utilisation de pistes de référence pour une musique de qualité professionnelle

Qu'il s'agisse d'arrangements, de progressions d'accords, de production musicale, de mixage, de masterisation ou d'une combinaison de tous ces éléments, il n'y a aucune raison de ne pas utiliser des pistes de référence pour votre musique originale.

Lorsque vous choisissez des pistes de référence, privilégiez celles qui appartiennent au même genre que la piste sur laquelle vous travaillez. Cela fera une énorme différence dans votre flux de travail créatif et optimisera l'efficacité avec laquelle vous mixez et masterisez.