Dans sa forme la plus simple, l'objectif de la conception sonore est de sculpter le son de manière à réaliser une vision créative spécifique. Qu'il s'agisse d'évoquer l'ambiance sinistre d'une maison hantée pour un film d'horreur ou de créer un synthétiseur pulsant pour une piste EDM dynamique, la conception sonore s'étend à tous les supports, de la musique au cinéma en passant par les jeux vidéo et bien d'autres encore.

Les concepteurs sonores sont en quelque sorte des alchimistes du son : ils partent de l'idée de ce que pourrait être un son et utilisent les outils appropriés pour lui donner vie.

Imaginez une scène dans le dernier film de science-fiction où une créature extraterrestre prend sa première respiration. Il s'agirait probablement d'une expiration d'un autre monde qui vous ferait frissonner dans la salle de cinéma. Ce son à la fois obsédant et magnifique n'aurait pas existé si le concepteur sonore ne lui avait pas donné vie.

Aujourd'hui, nous allons nous pencher sur les subtilités de la conception sonore et explorer dix techniques et astuces professionnelles qui peuvent vous aider à tirer le meilleur parti des sons que vous créez.

L'histoire de la création sonore

L'évolution de la conception sonore est étroitement liée à l'évolution des médias et de la technologie. Les premiers exemples de conception sonore sont apparus il y a des milliers d'années. Les Grecs et les Romains construisaient des dispositifs mécaniques uniques pour intégrer des effets sonores à leurs spectacles, tels que les machines à vent, constituées de roues rotatives drapées de tissu, et les machines à tonnerre, qui consistaient en des boules de cuivre déposées sur des peaux de vache tendues.

Cependant, au début du 20e siècle, lorsque les ingénieurs ont enfin eu la possibilité de synchroniser le son dans les films et à la radio, ils ont commencé à créer des effets sonores en direct pendant les projections de films et les émissions de radio à l'aide de divers dispositifs mécaniques.

"Le chanteur de jazz (1927), premier film parlant, a joué un rôle important dans la popularisation du son synchronisé au cinéma.

Dans les années 1930, les concepteurs sonores ont commencé à utiliser des sons enregistrés pour des effets spécifiques dans les films et à la radio afin de rendre les médias plus crédibles. Jack Foley, pionnier des effets sonores, a mis au point la technique de création et de synchronisation des effets sonores en temps réel avec l'action à l'écran.

C'est ainsi qu'est né le terme "Foley", ou processus d'ajout d'effets sonores personnalisés dans les films.

Des années 1940 aux années 1970, la technologie a évolué rapidement, donnant aux concepteurs sonores un plus grand contrôle créatif. La bande magnétique a été un élément révolutionnaire de la conception sonore, car elle a permis de modifier et de manipuler les sons enregistrés.

Cette forme d'art a été baptisée "musique concrète".

Grâce à des pionniers comme Pierre Schaeffer et Robert Moog, les synthétiseurs n'allaient pas tarder à arriver sur le marché, nous permettant de créer des paysages sonores pour le cinéma et la télévision comme jamais auparavant.

Bien sûr, ce qui a vraiment tout changé pour le producteur moderne d'aujourd'hui, c'est l'avènement de la technologie numérique dans les années 1980. Avec une combinaison de stations de travail audio numériques, d'échantillonneurs et de synthétiseurs, le ciel est devenu la limite de l'intégration de la conception sonore.

Que fait un concepteur sonore ?

Les concepteurs sonores sculptent, éditent, créent et manipulent le son pour diverses formes de médias, notamment la musique, le cinéma, la télévision, les jeux et les applications UX. Selon le type de projet sur lequel il travaille, l'étendue de son travail peut varier. Examinons quelques exemples de rôles qu'un concepteur sonore peut jouer.

Conception sonore en musique

Dans le domaine de la production musicale, le rôle des concepteurs sonores peut varier considérablement.

Ils naviguent souvent dans le monde extrêmement complexe des instruments (réels ou virtuels), des enregistrements sur le terrain, des processeurs d'effets et des logiciels d'enregistrement pour composer, créer et manipuler le son de leurs morceaux.

Par exemple, un concepteur sonore peut vouloir créer un son de synthétiseur unique dans son DAW pour servir d'élément mélodique principal dans son dernier morceau de deep house. Il peut utiliser un synthé comme le Serum de Xfer Records pour créer une piste unique avec une combinaison de tables d'ondes et d'effets, ou utiliser une collection d'échantillons enregistrés sur mesure et passés par un moteur d'effets granulaires pour créer quelque chose de plus organique.

Flying Lotus (Steve Ellison) est un excellent exemple de producteur qui utilise le design sonore pour sa musique qui défie les genres.

"Cosmogramma" est l'un de mes albums électroniques préférés du 21e siècle, car il mélange des éléments de jazz, de hip-hop et de musique électronique. Pendant l'enregistrement de l'album, la mère d'Ellison est tombée gravement malade. Pendant qu'elle était à l'hôpital, il a décidé d'apporter un ensemble de microphones et un appareil d'enregistrement dans la chambre de sa mère pour enregistrer des échantillons audio à partir des moniteurs de signes vitaux et des respirateurs, qu'il allait utiliser pour la dernière piste de l'album, "Galaxy in Janaki".

Bien qu'il s'agisse certainement d'un acte non conventionnel (et potentiellement étrange), il a noté qu'il ne voulait pas "oublier l'espace" alors qu'il pleurait la mort de sa mère. Ces sons sont devenus une partie importante de ce morceau.

Conception sonore dans les productions cinématographiques et télévisuelles

Au cinéma et à la télévision, les concepteurs sonores jouent un rôle essentiel dans l'amélioration des récits visuels.

Qu'il s'agisse du grincement d'une porte qui renforce le suspense dans un film d'horreur ou du grondement lointain du tonnerre qui donne le ton d'une tempête imminente, les concepteurs sonores professionnels créent et conservent soigneusement les sons pour les synchroniser avec les images à l'écran.

Le film à succès "Jurassic Park", sorti en 1993, en est un bon exemple : le concepteur sonore Gary Rydstrom a donné vie à ces créatures préhistoriques en créant des rugissements de dinosaures réalistes. Selon Rydstrom, le rugissement emblématique du T-Rex était un assemblage de divers sons d'animaux, notamment le grognement d'un tigre, le couinement d'un éléphanteau et le gargouillis d'un alligator.

Conception sonore dans les jeux vidéo

Dans l'industrie du jeu vidéo, les concepteurs sonores doivent construire des mondes entiers à partir de zéro pour offrir aux joueurs des expériences auditives immersives.

De l'écho des pas aux grondements explosifs d'un canon de navire du XVIIIe siècle tirant au loin, chaque son est un élément constitutif.

Prenons l'exemple du jeu post-apocalyptique "The Last of Us", qui utilise les échos subtils de la faune lointaine et l'ambiance obsédante des villes abandonnées pour créer une atmosphère terrifiante. Bien sûr, ceux qui ont joué au jeu savent que même ces effets sonores ne font pas le poids face au thème de guitare de Gustavo Santaolalla qui donne la chair de poule.

Conception sonore de l'expérience utilisateur (UX)

Les concepteurs sonores travaillent également avec les développeurs de produits pour créer des sons destinés à l'interface utilisateur et à d'autres applications du monde réel.

Le petit bruit que vous entendez sur votre smartphone lorsque vous envoyez un courriel est l'œuvre d'un concepteur sonore. Il en va de même pour les environnements physiques, tels que les ascenseurs, où vous entendez un petit carillon pour indiquer que vous êtes arrivé à un étage ou qu'il est temps pour les nouveaux passagers d'entrer.

Conception sonore au théâtre

Enfin, et ce n'est pas le moins important, nous voyons la conception sonore dans les représentations théâtrales en direct. Comme je l'ai mentionné précédemment, les effets sonores sur scène existent depuis des milliers d' années, mais grâce à une technologie plus performante que jamais, les concepteurs de sons en direct disposent d'une souplesse bien supérieure à celle des Grecs et des Romains de l'Antiquité.

Au-delà de la partition emblématique d'Elton John et Tim Rice dans la production de Broadway du "Roi Lion", vous entendrez l'utilisation de paysages sonores immersifs de la savane africaine et de sons d'animaux, qui s'associent pour créer un monde dans lequel le public peut pénétrer.

Créer son premier son

Une bonne conception sonore nécessite une danse complexe entre différents éléments de conception sonore.

Pour devenir un maître de la création et de la manipulation de sons, vous devez comprendre comment ces éléments s'articulent les uns par rapport aux autres. Nous allons explorer quelques-uns des éléments constitutifs de la conception sonore et les différents outils de conception sonore que vous pouvez utiliser pour créer de nouveaux sons.

1. Choisir le bon outil de conception sonore

Lorsque vous vous lancerez dans la création sonore, la première chose à faire sera de trouver l'outil qui vous convient le mieux.

Une fois que vous avez déterminé le type de son que vous voulez produire, vous pouvez vous demander : "Quelle source audio puis-je utiliser pour créer ce son ?".

Synthétiseurs

Les synthétiseurs sont indispensables dans le monde de la conception sonore.

Grâce à la puissance des formes d'onde, des oscillateurs et des effets, vous pouvez façonner et remodeler les sons à votre guise.

Il existe également plusieurs styles de synthèse, chacun ayant un timbre unique convenant mieux à différents projets.

Par exemple, les synthétiseurs analogiques offrent une certaine chaleur qu'il est difficile de reproduire ailleurs. Les sons d'un Minimoog ou d'un Juno-60 capturent magnifiquement l'essence d'une époque révolue, ce qui est parfait lorsque vous souhaitez conférer un ton "vintage" à vos sons personnalisés.

Découvrez l'album révolutionnaire de Kraftwerk "Autobahn", sorti en 1974, dans lequel le groupe a utilisé un mélange de synthétiseurs analogiques, dont les célèbres ARP Odyssey et Minimoog, pour créer un morceau de musique de 22 minutes qui simule l'expérience de la conduite sur l'Autobahn allemande.

Échantillonneurs

L'artiste norvégien Geir Jenssen, mieux connu sous le pseudonyme de Biosphere, intègre dans ses compositions des enregistrements bruts du monde naturel qui l'entoure.

Son album "Substrata", acclamé en 1997, tisse des paysages sonores atmosphériques avec des enregistrements du monde naturel, y compris le vent, l'eau et le chant des oiseaux, pour créer une expérience sonore unique et immersive.

Pour un exemple plus moderne, le producteur de musique Ableton Rob Late utilise des enregistrements échantillonnés d'éléments présents dans son studio pour construire des pistes complètes.

Enregistreurs de terrain

S'aventurer au-delà des limites d'un studio n'est pas à la portée de tout le monde, mais l'utilisation d'enregistrements de terrain personnalisés dans la musique est l'un de mes moyens préférés pour ajouter une caractéristique tridimensionnelle organique et authentique à la musique et à la musique d'accompagnement.

Le preneur de son britannique Chris Watson est l'un des pionniers de l'enregistrement de terrain les plus influents de l'histoire, surtout connu pour ses enregistrements immersifs du monde naturel. Il est l'un des membres fondateurs de Cabaret Voltaire, un projet de musique expérimentale des années 1970 et 1980.

La vidéo ci-dessus montre comment Watson s'y prend pour capturer les sons ambiants et les utiliser dans son travail.

2. Modifier les éléments fondamentaux

Une fois que vous avez trouvé l'outil de conception sonore qui vous convient, l'étape suivante de votre voyage alchimique consiste à peaufiner ces sons pour atteindre votre objectif.

Comprendre les formes d'onde

Dans le labyrinthe de la conception sonore à base de synthétiseurs, il est essentiel de choisir le bon point de départ.

Vous devez choisir une forme d'onde dont le timbre est similaire à celui que vous souhaitez obtenir.

Que vous souhaitiez obtenir le punch doux d'une grosse caisse ou le vrombissement modulé d'un pistolet laser, la forme d'onde de base adéquate vous permettra de préparer le terrain.

Un jour, on m'a demandé de créer un son ambiant lointain, d'un autre monde, pour un court métrage de science-fiction, et j'ai décidé de commencer à construire à partir d'une onde sinusoïdale. Les ondes sinusoïdales sont connues pour leur pureté, ce qui en fait des fondations parfaites pour d'autres couches, en particulier lorsque vous souhaitez obtenir un son plus mystérieux.

Bien entendu, toutes les formes d'onde de base - sinus, carré, dent de scie et triangle - sont différentes.

Chacune possède une signature sonore distincte et, en tant que concepteur sonore, il est important d'apprendre à discerner leurs qualités uniques.

Je vous recommande de prendre le temps de vous immerger dans les tons purs de chaque forme d'onde afin de pouvoir commencer à les reconnaître dans les sons que vous entendez dans vos chansons ou paysages sonores préférés.

Les ondes triangulaires sont beaucoup plus douces que les ondes carrées, mais un peu plus riches que les ondes sinusoïdales. Les dents de scie offrent un bel entre-deux, et ainsi de suite. Pensez à ce processus comme si vous étiez un peintre apprenant comment les différentes couleurs primaires s'associent pour créer des textures plus raffinées.

Déconstruire des sons complexes

Le véritable défi se présente lorsque vous êtes confronté à l'ingénierie inverse de sons complexes, tels que le son d'un pistolet laser futuriste.

Chaque fois que l'on me confie la tâche de créer un son spécifique, j'aime le considérer comme un puzzle. J'essaie d'identifier et d'isoler les couches individuelles clés responsables de l'attaque, du maintien et du relâchement du son.

Par exemple, voyons comment le concepteur sonore Ben Burtt a créé le son emblématique du sabre laser de Star Wars.

Le bourdonnement de ralenti, qui est le principal bruit du sabre laser, provient de deux moteurs de projecteur verrouillés et du bourdonnement d'un vieux tube d'image sur un téléviseur. En ce qui concerne le son du choc, lorsque les deux sabres laser s'affrontent, Burt avait besoin d'une attaque, d'un maintien et d'un relâchement.

Pour l'attaque, il a utilisé le son d'un bâton enfoncé dans de la glace sèche, tandis que pour le maintien et le relâchement, il a utilisé le son d'un aspirateur.

3. Façonner l'enveloppe

Une fois que vous disposez des matières premières, vous pouvez commencer à jouer avec les enveloppes d'amplitude.

L'enveloppe d'amplitude d'un son est la façon dont il évolue dans le temps, y compris l'attaque, la décroissance, le maintien et le relâchement.

Lorsque vous créez un nouveau son, vous devez vous poser des questions comme celles-ci :

Est-ce que je veux que le son frappe fort avec un impact immédiat, ou est-ce que je veux qu'il se déploie progressivement ?

Doit-il disparaître rapidement ou s'estomper doucement ?

La façon dont vous réglez l'enveloppe d'amplitude déterminera les réponses à ces questions.

Examinons brièvement ces principales caractéristiques de l'enveloppe :

• Attaque - Le temps d'attaque est le temps qu'il faut à un son pour atteindre son amplitude maximale. L'attaque d'une personne frappant une caisse claire et celle d'une corde de violon sont très différentes. Si vous souhaitez recréer le choc de deux épées, vous pouvez opter pour un son à l'attaque métallique et tranchante.
• Décroissance - La phase de décroissance intervient directement après qu'un son a atteint son amplitude maximale et détermine le temps qu'il lui faut pour redescendre à son niveau de maintien. J'aime penser ici à la résonance. Par exemple, si je joue une note sur un petit piano de style saloon et que je joue ensuite la même note sur un grand piano à queue, j'obtiendrai une plus grande décroissance du piano à queue, grâce à la résonance supplémentaire du corps.
• Sustain - Cette partie d'un son se concentre sur le niveau de volume qu'il maintient lorsqu'il est maintenu. Pour revenir à l'exemple du choc des épées, le sustain serait assez rapide à moins qu'il n'y ait un long "ping" dû à la vibration des deux métaux qui se heurtent l'un l'autre.
• Release - Le release est la durée nécessaire pour qu'une note passe du niveau de sustain au silence complet. Souhaitez-vous qu'un son s'attarde ou qu'il soit ponctué de façon percussive ?

Comprendre l'ADSR est essentiel lors de la création d'effets sonores et de textures soniques, mais ce n'est pas l'étape finale.

4. Ajouter la modulation

Dans le monde vivant, le son n'est pas statique. Il bouge et se module. Il en va de même pour la musique et les effets sonores que vous créez.

La meilleure façon de rendre les sons statiques plus intéressants est d'y ajouter de la modulation.

Il s'agit essentiellement de faire varier dans le temps une ou plusieurs propriétés d'un son ou d'une forme d'onde donnée, qu'il s'agisse d'un changement subtil de hauteur ou d'une évolution du contenu fréquentiel.

Lorsque vous écoutez des sons que vous souhaitez recréer, vous devez discerner les éléments de ce son qui changent au fil du temps.

Entendez-vous des changements de tonalité ?

Le volume varie-t-il d'un moment à l'autre ?

Y a-t-il des filtres ou des générateurs d'harmoniques qui introduisent de nouvelles fréquences ?

Le processus de modulation n'a pas besoin d'être flagrant non plus. Vous pouvez introduire subtilement des changements de hauteur et de fréquence en ajustant les boutons ou les curseurs de votre synthé ou de vos processeurs d'effets. Cela peut se faire manuellement ou à l'aide d'oscillateurs basse fréquence (LFO), qui offrent un style de modulation plus rythmique et prévisible.

En tant que concepteur sonore, vous pouvez utiliser des paramètres tels que le taux, l'intensité ou le type de forme d'onde pour modifier la façon dont un son évolue dans le temps.

Pour mettre en œuvre cette stratégie, je vous recommande d'expérimenter l'automatisation dans votre logiciel d'enregistrement. Vous pouvez prendre un son et dessiner des enveloppes de modulation personnalisées pour lui donner du mouvement et de l'énergie.

5. Appliquer les effets

La dernière partie du processus de conception sonore, souvent la plus passionnante, est l'ajout d'effets. C'est ici que vous transformez complètement le son avec lequel vous travaillez pour créer quelque chose de vraiment spécial.

La plupart des concepteurs sonores disposent d'un arsenal considérable d'effets, à la fois sous forme matérielle et logicielle, et nombre d'entre eux ont construit des chaînes de signaux uniques afin d'obtenir différents styles de profondeur, d'espace et de texture.

Grâce à une séquence d'effets soigneusement sélectionnés, vous pouvez transformer un simple signal audio en une expérience à part entière.

L'objectif principal des effets audio est de recréer des phénomènes psychoacoustiques. Imaginez un lieu ou une expérience et pensez à tous les éléments qui travaillent ensemble pour créer les sons qui s'y trouvent.

L'ampleur du son que vous entendez dans un canyon est liée à la distance entre les surfaces dures et au nombre de répétitions de l'écho que vous entendez, tandis que le son d'une voix qui vous parle de l'autre côté du téléphone est lié à la résonance d'un filtre passe-bande et à un léger degré de saturation.

Il existe quatre principaux types d'effets que nous utilisons dans la conception sonore, chacun d'entre eux offrant des possibilités distinctes.

• Effets temporels : La réverbération et le retard façonnent la dimension temporelle, donnant aux auditeurs l'illusion de l'espace et de la profondeur.
• Effets de modulation : Les effets chorus, phaser, flanger, trémolo et auto-pan ajoutent du mouvement et du caractère aux sons.
• Filtres : Les filtres passe-bas, passe-haut et passe-bande nous permettent de modeler le spectre de fréquence des sons.
• Effets dynamiques : La compression et la saturation nous permettent de contrôler l'intensité dynamique des sons tout en ajoutant des caractéristiques de timbre uniques.

Imaginons que nous voulions créer un son atmosphérique de type spatial et de science-fiction.

Je commencerais par un pad de synthé de base et j'appliquerais une quantité généreuse de réverbération. Comme nous sommes dans l'espace, la queue de la réverbération devrait être assez longue (je sais, il n'y a pas vraiment de son dans l'espace, alors soyez indulgent avec moi, et ne soyez pas un guerrier du clavier). Vous pouvez même expérimenter avec le paramètre de diffusion pour mélanger un peu plus les réflexions et rendre la réverbération plus épaisse.

Vous pouvez ensuite ajouter un effet de retard pour renforcer l'impression d'espace. Plus le temps de retard est long, plus le son semble étendu.

Pour que le son soit encore plus étrange, vous pouvez placer un effet de modulation, tel qu'un chorus ou un phaser, après le délai et la réverbération dans la chaîne, afin de lui donner un peu de mouvement.

Bien entendu, je n'hésiterais pas à modifier l'ordre de la chaîne de signaux pour obtenir d'autres résultats ou à automatiser les paramètres de chaque effet pour ajouter encore plus de mouvement.

10 conseils supplémentaires pour améliorer votre conception sonore

Maintenant que vous avez une idée assez précise de toutes les stratégies et de tous les effets qu'un concepteur sonore utilise pour créer un nouveau son ou un nouvel environnement sonore pour une chanson, un film, un jeu ou un produit, examinons quelques conseils et techniques qui vous permettront d'aller plus loin dans votre travail de conception sonore.

1. Textures de piles et sons de couches

L'empilement de textures et la superposition de sons est un excellent moyen d'ajouter de la profondeur à vos sons. En combinant divers éléments, vous pouvez créer des sons composites qui sont plus que la somme de leurs parties.

Le son d'une guitare grinçante, distordue et octaviée sur un pavé de synthétiseur ambiant subtil mais large peut rendre les deux sons plus intéressants.

2. Utiliser l'effet Haas

L'effet Haas est un moyen subtil mais puissant de donner une impression de largeur à un son. Lorsque vous retardez légèrement un canal d'un signal stéréo, il donne l'impression d'être plus large. C'est un outil merveilleux pour prendre des sons autrement centrés et les diffuser "en dehors des haut-parleurs".

3. Ne pas continuer à ajouter des éléments si le mélange ne fonctionne pas

Dans leur quête de la perfection, les producteurs et compositeurs de musique se retrouvent souvent à ajouter continuellement de nouveaux éléments lorsqu'ils constatent que leur mixage ne fonctionne pas.

Je vous conseille vivement de reconnaître quand vous avez ce penchant et de résister à la tentation d'enterrer votre mélange dans de la pacotille. Au lieu de cela, concentrez-vous sur l'affinage et l'optimisation de ce que vous avez déjà. Le mantra est de privilégier la qualité à la quantité, c'est pourquoi il est essentiel de choisir les éléments avec soin.

4. Le silence est votre ami

Nous sous-estimons souvent le pouvoir du silence dans la conception sonore, ce qui est ironique car il existe dans notre langage quotidien.

Lorsque nous mettons un point à la fin d'une phrase, cela donne au lecteur ou à l'auditeur un moment pour respirer et réfléchir à ce qu'il vient d'entendre. Il devrait en être de même pour la musique et la conception sonore.

En incorporant stratégiquement le silence dans notre processus de création, nous pouvons créer des moments de tension, ce qui donne plus d'impact aux sons principaux.

5. Toujours expérimenter l'inversion

Bien qu'il soit facile d'abuser de l'effet inverse, c'est parfois ce qu'il vous faut pour rendre un son plus intéressant.

Qu'il s'agisse d'un crash de cymbale inversé représentant le son d'une porte de sas qui se ferme ou d'une voix réverbérée inversée derrière une voix sèche pour lui donner une qualité fantomatique, il existe une infinité de façons d'expérimenter l'inversion audio pour ouvrir des possibilités uniques.

6. Enregistrer les sons autant que possible

L'une des meilleures façons de rendre votre conception sonore plus authentique est d'enregistrer les sons chaque fois que possible. Vous avez toujours un petit appareil d'enregistrement sur vous (votre smartphone). Pourquoi ne pas l'utiliser pour capturer les sons organiques du monde qui vous entoure et les manipuler plus tard dans votre logiciel de création sonore ?

Dans l'une de mes chansons récentes, "Under the Sun", j'ai incorporé un enregistrement des oiseaux de mon voisin et j'ai ajouté une forte dose de réverbération pour donner l'impression qu'ils volaient dans un canyon.

7. Tirer parti du bruit

Bien que nous considérions souvent le bruit comme quelque chose que nous ne voulons pas voir dans nos mixages, il peut être un allié incroyablement puissant dans la conception du son.

Expérimentez différents types de bruit - blanc, rose ou même granulaire - pour ajouter de la texture, du caractère et de la complexité à vos sons.

8. Utiliser le champ stéréo complet

Si vous ne maximisez pas votre champ stéréo de droite à gauche, vous manquez de nombreuses opportunités.

La création d'un espace tridimensionnel demande du soin, car il s'agit de répartir les éléments de manière à ce qu'ils se complètent et non à ce qu'ils se masquent les uns les autres.

Elle nécessite également un contraste. Pour qu'un son donne l'impression d'être large, nous avons besoin d'un son étroit pour le contraster. Expérimentez le déplacement des sons dans le champ tridimensionnel et utilisez des effets tels que l'auto-pan pour créer un effet de hasard.

9. Le contraste est essentiel

Au-delà du champ stéréo, le contraste est tout aussi important dans tous les aspects de la conception sonore.

Sans douceur, il n'y a pas de bruit, et sans douceur, il n'y a pas de dureté.

En utilisant différentes saveurs dans votre processus, vous pouvez créer une recette plus dynamique.

10. Rester organisé

Ce dernier conseil n'est pas créatif, mais plutôt pratique.

Le processus de conception sonore peut être chaotique, et le meilleur moyen de maintenir un certain ordre est de rester organisé.

Assurez-vous que vos pistes et vos éléments sont correctement étiquetés, organisez vos sons et vos effets dans des dossiers facilement accessibles et utilisez des modèles et des chaînes d'effets prédéfinis dans votre DAW afin que, lorsque l'inspiration vous vient, vous puissiez vous y plonger directement au lieu de gaspiller votre énergie à chercher ce fichier audio de caisse claire distordue que vous auriez juré avoir dans votre arsenal.

Réflexions finales

Il faut des années de pratique pour devenir un grand concepteur sonore. Cependant, connaître les techniques uniques de mixage et d'enregistrement expérimental utilisées par les concepteurs sonores, que ce soit dans la production musicale, la conception sonore de films, la production télévisuelle ou les jeux vidéo, peut vous donner une longueur d'avance dans la production de vos propres sons originaux.

Il existe un paysage sonore infini qui n'attend que d'être mixé, manipulé, mélangé et maîtrisé par vous. Allez le capturer.