En tant que guitaristes, nous avons tous entendu ces savoureux licks de guitare qui nous font froncer les sourcils et nous dire : "Comment diable ont-ils fait ça ?" Qu'il s'agisse d'un effet à la Hendrix ou d'un bend à la King de Clapton, ce sont ces petits moments magiques du jeu que l'on appelle des "licks". Si vous cherchez à jouer vos propres licks comme le font les pros, vous êtes au bon endroit.

Savoir comment et pourquoi les licks de guitare fonctionnent peut faire passer votre jeu au niveau supérieur. Dans ce guide, nous allons explorer le fonctionnement de ces phrases mélodiques et techniques et, plus important encore, comment vous pouvez commencer à les utiliser dans votre propre jeu.

Qu'est-ce qu'un "Guitar Lick" ?

Un "lick" de guitare est une petite phrase musicale ou une poignée de notes enchaînées qui donnent de la saveur à une chanson. Contrairement aux riffs, qui ont tendance à se répéter tout au long d'une chanson, les licks apparaissent généralement une ou deux fois, souvent dans un solo ou entre deux couplets, comme une explosion rapide.

J'aime considérer un coup de langue comme un point d'exclamation musical. Il ne domine pas la conversation, mais lorsqu'il apparaît, on y prête attention.

Si l'on compare cela à la langue, un coup de langue est un peu comme l'utilisation d'un mot ou d'une phrase sympathique au milieu d'une conversation. Ce n'est peut-être pas le point central de la discussion, mais cela ajoute de la couleur et du piquant.

De la même manière, les licks de guitare sont de petites idées communicatives qui relient les phrases musicales plus larges qui les entourent. Elles complètent les solos, donnent vie aux mélodies et donnent à l'auditeur quelque chose à quoi s'accrocher dans les moments d'expression spontanée.

Une brève histoire de la guitare

Ce plan de guitare a des racines profondes dans le blues.

À l'époque, les joueurs de blues se transmettaient des idées musicales, généralement basées sur la progression d'accords 1-4-5. Si quelqu'un trouvait quelque chose qui sonnait bien, qu'il s'agisse d'un grand bend ou d'un motif de note savoureux, d'autres musiciens reprenaient cette idée et y mettaient leur grain de sel.

Au fil du temps, ces phrases musicales se sont répandues, ont évolué et sont parfois devenues des icônes.

Au fur et à mesure que les musiciens s'inspiraient des idées des uns et des autres, certains licks sont devenus très courants, en particulier dans le blues et le début du rock. Certains d'entre eux sont même devenus si populaires qu'ils sont devenus les "visages" de genres entiers.

Par exemple, le rockabilly et la country partagent souvent les mêmes mélodies, tandis que le blues comporte d'innombrables bends et slides qui donnent au genre sa signature.

Le fait est que deux guitaristes peuvent jouer exactement le même morceau et sonner complètement différemment. Pensez à quelqu'un comme B.B. King jouant un bend lent et plein d'âme et à quelqu'un comme Eddie Van Halen faisant la même chose. Les notes sont peut-être les mêmes, mais le style et l'interprétation font toute la différence.

En fin de compte, il ne s'agit pas seulement de jouer les bonnes notes, il s'agit aussi de la façon dont vous les jouez.

Licks et riffs de guitare

De nombreux guitaristes confondent les licks et les riffs. Après tout, ils sont tous deux accrocheurs et rendent les chansons mémorables. Cependant, il existe une grande différence entre les deux.

Un riff est généralement l'idée musicale principale, quelque chose qui se répète tout au long de la chanson et qui ancre la mélodie ou le rythme.

Les licks, quant à eux, sont plutôt des petites touches musicales qui viennent de temps en temps ajouter un peu de piment.

Prenez Sweet Child O' Mine de Guns N' Roses. La première partie de guitare emblématique de Slash est un riff. Il est immédiatement reconnaissable, se répète tout au long du morceau et donne le ton à l'ensemble de la chanson. Lorsque vous entendez ce riff, vous savez exactement dans quelle chanson vous vous trouvez - c'est l'accroche qui vous saisit et qui maintient la cohésion de la chanson.

Prenez par exemple "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin. La première partie de guitare est un riff. Il est immédiatement reconnaissable et vous savez de quelle chanson il s'agit dès qu'il frappe, quel que soit le ton ou le style de jeu.

Mais tous les riffs ne doivent pas nécessairement être l'idée principale. Parfois, les riffs sont subtils et restent en arrière-plan, comme dans "Superstition" de Stevie Wonder.

Le célèbre riff de clavinet conduit le groove, mais il n'est pas nécessairement au centre de l'attention. Il s'agit plutôt d'une base rythmique. Ainsi, si les riffs sont généralement plus centraux que les licks, ils peuvent néanmoins être utilisés de différentes manières en fonction des besoins de la chanson.

Liks de guitare vs. Solo de guitare

Les licks et les solos sont deux choses différentes, bien qu'ils soient étroitement liés.

Un solo est un morceau plus long et plus développé qui contient souvent plusieurs accords. D'une certaine manière, les solos sont comme une collection d'accords tissés ensemble pour créer une déclaration musicale complète.

De nombreux guitaristes utilisent les licks comme éléments de base lorsqu'ils improvisent un solo. Par exemple, Eric Clapton peut prendre quelques accords de blues classiques et improviser autour d'eux pour créer un solo sur-le-champ.

Au fil des ans, il s'est constitué une boîte à outils de phrases qu'il peut utiliser chaque fois que le moment s'y prête. Ainsi, alors qu'un lick ne représente que quelques secondes de quelque chose, un solo utilise ces moments pour créer quelque chose de plus grand et de plus dynamique.

Comment écrire un morceau de guitare

Si les accords de guitare trouvent leur origine dans le blues, ils ne se limitent pas à un seul genre.

On trouve des plans dans le rock, le jazz, le métal, la country, et j'en passe. Cependant, dans le blues, il existe quelques techniques classiques que les musiciens utilisent souvent pour créer des accords mémorables. Par exemple, la montée et la descente de la gamme pentatonique mineure sont des techniques incontournables. Ajoutez quelques bends sur la note bleue (la 5ème bémol), et vous obtiendrez cette sensation de blues incomparable. Vous pouvez également expérimenter des intervalles comme les tierces et les neuvièmes pour donner un peu plus de caractère à votre jeu.

Quel que soit le genre, voici quelques conseils pour vous aider à écrire votre propre morceau de guitare :

• Commencez par une idée mélodique simple, souvent basée sur une gamme ou un accord (chantez-la si nécessaire !).
• Expérimentez avec le rythme. Comme je joue beaucoup de funk, j'aime utiliser la syncope et les silences.
• Utilisez des courbes, des glissades et des martelages pour créer de la fluidité et du mouvement.
• Jouez avec différentes combinaisons de notes et d'intervalles.
• Ajoutez de la dynamique en variant votre attaque et votre technique de picking.
• Enfin, le texte doit être court et facile à mémoriser. L'essentiel est de ne pas trop compliquer les choses.

Bien sûr, il n'y a pas de meilleure façon de commencer à expérimenter la création de vos propres morceaux que d'apprendre des pros !

8 exemples de licks de guitare emblématiques

Le "Lick"

Ah, le coup de langue. Si vous avez passé un peu de temps avec des musiciens, en particulier des musiciens de jazz, vous avez probablement entendu celui-ci plus de fois que vous ne voudriez l'admettre. C'est sans doute le morceau le plus tristement célèbre, et pas seulement dans le jazz. Vous le trouverez dans le blues, le rock, le funk, la pop... Il est devenu le "Where's Waldo" des plans de guitare. Une fois qu'on l'a entendu, on ne peut plus s'en passer.

Rendu célèbre à l'origine par les musiciens de jazz, le "Lick" est devenu un phénomène à part entière. Il s'agit d'une courte séquence de notes accrocheuse qui fonctionne à peu près partout. Il s'agit presque d'un mème musical. Les gens adorent l'utiliser, parfois un peu trop.

Mais, qu'il soit surutilisé ou non, ce n'est pas pour rien qu'il est si populaire. Il permet d'ajouter un peu de piment aux solos et aux fills. Mettez-le dans votre arsenal, mais essayez de ne pas l'utiliser partout.

Blues Double Stops

Maintenant que nous avons parlé du "Lick", commençons par l'un des licks les plus légendaires de l'histoire de la guitare - le double stop du blues. Si vous avez déjà écouté "Johnny B. Goode" de Chuck Berry, vous savez exactement de quoi je parle. Cette intro ? Probablement l'une des plus malsaines de l'histoire du rock.

On pourrait dire que Chuck Berry a déclenché une véritable révolution du rock and roll avec ces doubles arrêts !

Qu'est-ce qu'un double stop ? En termes simples, c'est le fait de jouer deux notes en même temps. C'est une astuce intéressante qui donne à votre jeu une plus grande texture harmonique.

Ce qui est génial, c'est que ce morceau n'est pas resté cantonné au blues et au rock and roll de la vieille école. Comme beaucoup de choses chez Chuck Berry, il a été emprunté, réutilisé et saupoudré dans d'innombrables chansons depuis.

Par exemple, Keith Richards des Rolling Stones a repris ce double stop à la Berry et en a fait un élément clé de leur son. On peut l'entendre dans des morceaux comme "Honky Tonk Women". Angus Young d'AC/DC est lui aussi un grand fan du double stop, bien qu'il l'ait électrifié avec son style plus agressif dans des morceaux comme "Back in Black".

Jazz Fusion

Le jazz fusion est un magnifique terrain d'entente où le jazz rencontre le rock et devient un peu bizarre, de la meilleure façon possible. Il reprend l'improvisation du jazz, y ajoute de l'énergie rock, des rythmes funky et un peu de psychédélisme.

Parmi les guitaristes de jazz fusion les plus légendaires, citons John McLaughlin, qui, avec son groupe Mahavishnu Orchestra, se déchaînait à la vitesse de l'éclair et avec des signatures temporelles bizarres, et Allan Holdsworth, qui pouvait tordre les notes et les esprits avec son legato fluide et son phrasé d'un autre monde. Et, bien sûr, Pat Metheny.

Si vous cherchez un exemple unique de licks de jazz fusion en action, Mike Einziger d'Incubus en sert de superbes dans "Summer Romance (Anti-Gravity Love Song)", en particulier ce legato tout en douceur juste avant le premier couplet.

Le blues s'épanouit

Lorsqu'il s'agit d'un blues aux sonorités claires, personne ne l'a fait comme Jimi Hendrix. Bien sûr, Hendrix était connu pour ses distorsions sauvages et pour plier sa guitare à sa volonté, mais c'est lorsqu'il la réduisait avec des sons clairs que la magie opérait vraiment.

Dans " Little Wing ", Hendrix pose l'une des plus belles intros de guitare de tous les temps, composée de plusieurs licks uniques. L'ensemble est à la fois précis et sans effort, combinant arpèges, hammer-ons et pulls-offs, le tout avec un son de Strat propre et cristallin.

"Funk #49" - James Gang - Pre Bends

Le pre-bend est une technique de jeu de guitare qui consiste à plier la corde avant de frapper la note, de sorte que lorsque vous la pincez, la note chante déjà dans sa position pliée. C'est l'un de ces mouvements qui donne à un lick un peu plus de personnalité et de flair, et Joe Walsh l'a utilisé comme un blues Jedi tout au long de sa carrière.

Si une grande partie de son travail en solo met magnifiquement en valeur ces pré-courbes, l'un des meilleurs exemples se trouve dans ses premiers travaux avec James Gang, en particulier dans "Funk #49".

Courbes et silence

Dans la musique blues, le bend est le lieu d'une conversation entre le guitariste et l'auditeur. Il donne presque à la guitare une qualité vocale.

En pliant la corde, vous étirez la hauteur d'une note jusqu'à une note plus aiguë, en ajoutant de la tension et de la détente d'une manière que les mots ne peuvent parfois pas exprimer. Et personne n'a mieux compris le pouvoir du bend que B.B. King.

B.B. avait un style unique en matière de bends. Il ne se contentait pas de plier une note pour le plaisir, il la pliait lentement et, une fois qu'elle atteignait son apogée, il utilisait son vibrato emblématique en agitant le poignet.

Mais là où son génie s'est vraiment manifesté, c'est quand il savait quand ne pas jouer. Le silence entre les phrases était tout aussi important que les notes qu'il pliait. King laissait de l'espace entre ses plans, donnant à l'auditeur le temps de sentir la note avant de l'attaquer avec un autre bend plein d'âme.

Cette combinaison de bends et de silences est une leçon parfaite de dynamique de lick de guitare. Lorsque vous donnez à vos notes la possibilité de respirer, vous créez de l'anticipation et rendez chaque phrase encore plus percutante.

Octaves de jazz

L'un des mouvements caractéristiques de la guitare jazz est la technique de l'octave, qui consiste à jouer la même note sur deux cordes différentes, l'une plus aiguë et l'autre plus grave, afin d'obtenir un son plus ample et plus dynamique. Cette technique a été rendue célèbre par le légendaire Wes Montgomery, dont le jeu doux comme du beurre et les passages à l'octave sont devenus la marque de fabrique de la guitare jazz.

Regardez à 5:51 dans la vidéo ci-dessus pour le voir en action !

En jouer est en fait plus simple qu'il n'y paraît. Vous placez vos doigts sur deux cordes, en sautant généralement une corde entre les deux (comme les cordes de ré et de si), et vous vous assurez que les deux notes sont à l'octave l'une de l'autre. À partir de là, vous faites glisser la forme vers le haut et vers le bas du manche.

J'aime utiliser les octaves pour donner à mes plans de guitare une qualité plus mélodique.

Funk à l'ancienne

Le jeu de guitare funk à l'ancienne est axé sur la rigueur. Les plans de guitare funk ne sont pas de longs solos de guitare avec des bends et des arpèges. Elles sont courtes, précises et pleines de rythme et de vibrations.

S'il est un guitariste qui a défini ce style, c'est bien Jimmy Nolen, l'homme à l'origine de la signature sonore de James Brown. Le jeu de guitare solo "chicken scratch" de Nolen est devenu le battement de cœur du groupe de Brown, et son son tranchant et percutant a influencé toute une génération de guitaristes funk.

Maîtriser les licks de guitare funk signifie maîtriser le rythme. Utilisez des techniques telles que le strumming en sourdine, les slides rapides et le picking syncopé pour capturer cette sensation de funk.

Réflexions finales

Les licks de guitare sont les épices que nous ajoutons pour donner de la saveur à notre jeu. Même si elles n'ont pas la puissance immédiatement reconnaissable des riffs mémorables, elles donnent à vos solos et à vos phrases un peu plus de personnalité.

Avec un lick bien joué, vous pouvez rompre la monotonie et transformer une simple mélodie en quelque chose de spécial, qu'il s'agisse d'un bend bluesy ou d'une course d'octave jazzy.

Si vous souhaitez commencer à incorporer des accords dans votre musique, vous trouverez d'excellentes ressources telles que JustinGuitar, Pickup Music, et même des chaînes YouTube comme Marty Music ou Jens Larsen pour le jazz. Ces plateformes décomposent les accords classiques et modernes et vous montrent comment les utiliser dans de vraies chansons.

Une fois que vous en avez acquis quelques-uns, commencez à les intégrer à vos solos de guitare et à vos morceaux. Plus vous explorerez le sujet, plus ces accords deviendront une extension naturelle de votre propre son !