Aujourd'hui, l'EDM est partout.

On l'entend dans les plus grands festivals de musique comme l'Electric Daisy Carnival ou Tomorrowland, dans son bar local préféré, dans les fêtes organisées à la maison et sur la plupart des stations de radio. Près d'un quart de la musique diffusée sur Spotify est qualifiée d'EDM, et 23 % des auditeurs âgés de 16 à 19 ans en écoutent.

Le plus drôle, c'est que l'EDM n'est même pas un genre ! Il s'agit d'un terme générique qui englobe une variété de styles si différents les uns des autres que certains ont à peine quelque chose en commun.

Néanmoins, depuis le début des années 2010, la révolution EDM a changé la culture de la danse et la musique pop pour de bon, propulsant la bonne vieille musique électronique au rang de courant dominant, et mettant en lumière l'écosystème dynamique des DJ et des clubs qui repoussent les limites de ce nouveau mouvement.

Aujourd'hui, nous allons analyser ce qu'est l'EDM, comment elle a commencé et où elle se dirige, et définir ses sous-genres les plus populaires. Nous terminerons l'article par une section sur la manière de produire de la musique électronique à l'aide de votre station de travail audio numérique (DAW). Si c'est ce que vous cherchez, vous pouvez passer directement à la section " Commencer à produire de la musique électronique".

Une définition de la GED

EDM signifie Electronic Dance Music (musique électronique de danse), ce qui explique à peu près ce à quoi ce terme générique fait référence : il s'agit d'une musique composée d'instruments synthétisés électroniquement et conçue pour faire danser les gens grâce à des rythmes et des mélodies entraînants.

Les instruments électroniques peuvent être à la fois analogiques et numériques, tout comme les processus audio d'échantillonnage et d'édition audio. Ce qu'il faut retenir, c'est que le terme "EDM" englobe tout ce qui est fait pour danser.

La musique électronique, un terme parapluie encore plus large, comprend des genres musicaux comme l'électroacoustique, le drone et la musique d'ambiance, qui ne sont pas des genres dansants mais qui sont tout de même réalisés par des moyens électroniques, ou une combinaison d'éléments analogiques et électroniques.

Revenons à l'EDM. Compte tenu de la variété des genres qui entrent dans cette catégorie, il est difficile de trouver des éléments communs à tous, mais en voici quelques-uns :

• Ils ont tous une pulsation rythmique, dans un tempo qui peut aller de 60 BPM (Dub) à 180 ou plus (Drum and Bass).
• Les chansons ont tendance à être faciles à écouter et mémorables, avec des mélodies accrocheuses et une ambiance énergisante.
• De nombreux effets et traitements sont appliqués à tous les instruments et à toutes les voix.
• Utilisation fréquente d'échantillons et de matériel préenregistré.
• C'est une musique conçue pour galvaniser les auditeurs lorsqu'elle est jouée dans les festivals et les fêtes.

Tout le reste est optionnel, et chaque genre a sa propre signature sonore qui le distingue des autres, ce qui fait de l'EDM un écosystème aussi dynamique et créatif pour les producteurs.

Chronologie de l'EDM

Croyez-le ou non, l'EDM trouve ses racines dans la musique concrète, une forme de composition musicale qui a vu le jour dans les années 1920 et qui repose sur le mélange et la modification de sons préenregistrés.

C'est à cette époque que les compositeurs ont tenté pour la première fois de créer de la musique en utilisant des sons multicouches et en les mélangeant pour créer un paysage sonore cohérent. L'œuvre de John Cage est un excellent exemple de cette forme d'art.

L'expérimentation électronique s'est développée au fur et à mesure que la technologie évoluait. Des générateurs électroniques plus puissants ont conduit à la naissance de l'Elektronische Musik dans l'Allemagne des années 1950, un mouvement de musique purement électronique dirigé par le grand Karlheinz Stockhausen.

(L'Allemagne est devenue un creuset phénoménal d'expérimentation électronique, donnant vie à des genres électroniques uniques pendant des décennies, de la Kosmische Musik à l'Electropop et à la Berlin Techno. Aujourd'hui encore, Berlin est l'une des destinations musicales incontournables pour les amateurs d'EDM).

À la fin des années 1960 et tout au long des années 1970, la popularité croissante des synthétiseurs modulaires (le premier synthétiseur commercial de Robert Moog a été commercialisé en 1964) et des boîtes à rythmes a donné lieu à une exploration plus large des sons électroniques.

La musique disco, avec ses rythmes "quatre sur le plancher" et ses lignes de basse addictives, est un précurseur de l'EDM moderne et a connu un succès mondial avec Giorgio Moroder et Donna Summer. L'électropop, avec Kraftwerk et le Yellow Magic Orchestra comme groupes les plus populaires, a également connu un succès mondial au milieu des années 1970.

Il est également essentiel de mentionner l'impact de la musique dub et de la culture des systèmes de sonorisation qui ont vu le jour en Jamaïque à cette époque, et qui ont donné naissance à la culture du remixage et renforcé l'utilisation des platines de DJ et des tables de mixage en tant qu'instruments créatifs.

Au début des années 1980, tous ces éléments ont convergé et se sont mélangés dans deux villes, Chicago et Detroit, qui ont donné naissance respectivement à la musique House et à la musique Techno.

La Chicago House music est une revisite du disco sous une forme plus électronique, avec des rythmes 4/4 réalisés avec des boîtes à rythmes, des mélodies accessibles, des lignes de basse profondes et des syncopes accentuées.

La techno de Détroit est plus futuriste, avec des rythmes plus lourds et une ambiance plus abstraite que la house. Elle a également tendance à avoir des rythmes percussifs plus complexes.

À partir des années 90, de nouvelles ramifications dans l'écosystème de la musique électronique ont commencé à émerger partout dans le monde.

Pendant des années, la musique trance est devenue la force motrice de la musique électronique grand public, tandis que des genres plus orientés vers le rave, comme la jungle et la drum and bass, sont devenus populaires au Royaume-Uni et dans la culture des clubs européens. Le duo français Daft Punk a donné vie à un mélange unique de musique électronique, de dance et de disco qui en a fait un phénomène mondial.

Au 21e siècle, la popularisation des logiciels d'enregistrement a révolutionné la production de musique électronique, permettant à d'innombrables artistes d'expérimenter la production musicale même sans avoir accès à du matériel de musique haut de gamme ou à des studios d'enregistrement.

Cela nous amène au chapitre suivant : les genres EDM les plus populaires actuellement.

Aperçu des genres EDM

Il existe une infinité de genres et de sous-genres dans la catégorie EDM, et l'analyse de chacun d'entre eux dépasse le cadre de cet article. Cependant, il est important de comprendre les différences entre les styles EDM les plus populaires et la manière dont vous devez aborder la production en fonction du genre sur lequel vous souhaitez vous concentrer.

Dans cette section, vous trouverez une liste des genres de musique électronique de danse les plus populaires d'hier et d'aujourd'hui, classés par ordre alphabétique. Pour que les choses soient simples et ordonnées, j'ai indiqué pour chaque genre les principales caractéristiques sonores, le tempo habituel et les artistes les plus populaires qui ont défini le genre.

Techno acide

À partir de la fin des années 1980 et tout au long des années 1990, l'acid techno a connu un grand succès dans les raves et les clubs underground. Elle s'inspire des sons étranges du synthétiseur Roland TB-303 et se caractérise par des rythmes répétitifs, des textures minimalistes et un tempo d'environ 140 BPM. Pour vous faire une idée, regardez Aphex Twin, Richie Hawtin et Chris Liberator.

Basse

La musique basse est un style très large qui comprend des genres tels que le Dubstep, le Drum and Bass, le Trap, et fondamentalement tout ce qui a un bas de gamme puissant. La musique basse a généralement des lignes de basse lourdes qui s'inspirent du soundsystem britannique et de la culture garage. Skream et Benga sont les pionniers du genre.

Big Room House

La Big Room House est l'exemple même d'un son adapté aux festivals, et c'est le genre EDM le plus important actuellement sur la scène des clubs. Il est devenu populaire au début des années 2010, Martin Garrix, Hardwell, Nicky Romero et Afrojack devenant rapidement les principaux représentants du genre. En tant que style, il est très facile à identifier : des drops massifs, des mélodies simples et un tempo d'environ 128 BPM.

Bitpop

Mélange d'éléments chiptune et de musique pop, le Bitpop est un genre de musique électronique qui utilise les puces sonores d'anciens ordinateurs (8 bits ou 16 bits) et les combine avec du matériel et des voix modernes. Il s'agit d'une musique nostalgique, dont le tempo varie entre 100 et 140 BPM. Écoutez Anamanaguchi et Slagsmålsklubben.

Breakbeat Hardcore

Le breakbeat hardcore combine les rythmes breakbeat avec la sensation galvanisante de la musique rave. Il est apparu dans les années 90 au Royaume-Uni et se caractérise généralement par des tempos rapides, autour de 145-155 BPM ou plus, des basses lourdes et des crochets vocaux échantillonnés. The Prodigy, en particulier leurs premiers albums, sont les meilleurs exemples de ce style.

Deep House

La Deep House a une ambiance immersive avec des lignes de basse accrocheuses, des éléments percussifs, des accords jazzy et un tempo d'environ 120-125 BPM. Duke Dumont, Robin Schulz et Maya Jane Coles sont tous d'excellents artistes que vous devriez découvrir si vous êtes intéressé par ce genre.

Techno profonde

Contrairement à la Deep House, la Deep Techno a des textures plus riches et un flux plus hypnotique. Elle a un tempo régulier d'environ 120-125 BPM et inclut souvent des ambiances sonores. Donato Dozzy et Deepchord sont les meilleurs du jeu, à mon avis.

Downtempo

Le downtempo mélange des éléments de musique ambiante et de musique chillout pour créer une atmosphère relaxante. Le tempo est généralement lent, de 60 à 90 BPM, pour renforcer l'atmosphère apaisante et introspective que le genre véhicule. Pour vous faire une idée, écoutez Bonobo.

Drum and Bass

La drum and bass a vu le jour au Royaume-Uni au début des années 1990 et connaît aujourd'hui un retour en force. Elle a un tempo d'environ 160-180 BPM, se caractérise par des breakbeats rapides, des lignes de basse caverneuses et des rythmes complexes inspirés de la batterie jazz sous stéroïdes. Je vous recommande d'écouter Chase & Status, Pendulum, Sub Focus, Goldie et Noisia.

Dub Techno

La Dub Techno a un son profond qui encourage l'introspection, et une ambiance dub engageante qui en fait un élément de base dans les clubs underground du monde entier. Son tempo varie entre 110 et 120 BPM. Des artistes comme Basic Channel et Deepchord sont des pionniers du genre.

Dubstep

Le dubstep a été le genre du milieu des années 2000, avec ses basses lourdes et ses rythmes syncopés qui ont influencé tous les autres genres, du heavy metal à la pop. Son tempo est d'environ 140 BPM et son atmosphère est sombre et inquiétante. Le genre peut être très diversifié, mais il ne fait aucun doute que Burial a créé une signature sonore qui a défini le genre, alors consultez sa discographie si vous voulez en savoir plus sur ce style.

Electro House

L'Electro House est devenu populaire au début des années 2000, avec un mélange de musique house et de sons inspirés de l'électro, des lignes de basse lourdes et un tempo compris entre 125 et 135 BPM. Deadmau5 et David Guetta ont fait de ce genre musical un courant dominant à l'époque.

Electro Swing

Fusion intéressante de musique swing vintage et de rythmes électroniques modernes, Electro Swing offre une approche assez unique de l'EDM moderne, avec des rythmes up-tempo autour de 110-130 BPM et une forte utilisation de samples de cuivres. Découvrez Parov Stelar et son immense production pour découvrir le genre sous son meilleur jour.

Future Bass

La Future Bass a une ambiance plus chaleureuse et un son plus entraînant que les genres dont elle s'inspire, principalement le dubstep et le trap. Elle est devenue populaire au milieu des années 2010, avec un tempo compris entre 130 et 175 BPM. Flume et Illenium ont popularisé le genre au cours de la dernière décennie, bien que la Future Bass semble s'être essoufflée dans les années 2020.

Glitch

La glitch music utilise des distorsions numériques, des glitchs et des sons inattendus pour créer un paysage sonore expérimental, généralement accompagné d'un rythme d'inspiration électronique. Des artistes comme Autechre, Apparat et Tim Hecker sont de grands représentants du genre.

Hardstyle

Très populaire aux Pays-Bas, en Belgique et en Italie, le Hardstyle est un genre percutant et direct, avec des kicks distordus et des mélodies galvanisantes. Le tempo gravite généralement autour de 140-150 BPM. Headhunterz et Showtek ont interprété ce genre dans les festivals les plus célèbres du monde entier.

Industrie

La musique industrielle peut être extrêmement variée, allant de l'ambient à la musique métal et tout ce qui se trouve entre les deux, mais vous trouverez toujours un sentiment dystopique qui relie d'une manière ou d'une autre le genre dans toutes ses variations. Nine Inch Nails et Front 242 sont quelques-uns des représentants les plus connus du genre.

Lo-Fi

Une qualité sonore médiocre, des rythmes doux, des bruits ambiants et un tempo décontracté d'environ 60-90 BPM, telle est la formule à succès du lo-fi, un genre qui est devenu extrêmement populaire au cours de la dernière décennie, notamment parce qu'il est parfait pour étudier et se détendre. Des artistes comme Nujabes et Jinsang ont été les pionniers de ce genre avec leurs morceaux apaisants et nostalgiques.

Techno minimale

La techno minimale est une version dépouillée de la techno, avec des rythmes répétitifs, des éléments minimalistes et un tempo compris entre 120 et 130 BPM, qui est devenue populaire au début des années 1990. Richie Hawtin, Robert Hood, Ricardo Villalobos et Mika Vainio sont quelques-uns des plus grands producteurs qui ont exploré ce genre hypnotique.

House progressive

La house progressive est un style de musique house inspiré de la trance, avec des structures mélodiques, des chutes euphoriques et un tempo généralement compris entre 125 et 130 BPM. Cependant, sa structure est plus complexe que celle de la trance, avec des couches rythmiques ou des motifs mélodiques complexes. Découvrez Eric Prydz, deadmau5, Swedish House Mafia et Lane 8.

Trance

La musique Trance, c'est l'euphorie à l'état pur traduite en sons. Avec des mélodies immersives et un tempo engageant (jusqu'à 150 BPM) avec des montées et des descentes exaltantes, le genre est devenu populaire dans les années 90 et n'a jamais quitté la piste de danse depuis. Je vous recommande de commencer à explorer le genre à partir des maîtres : Armin van Buuren, Paul van Dyk et Tiesto.

Garage britannique

Le UK Garage a vu le jour dans les années 1990 au Royaume-Uni, sous la forme d'un mélange de rythmes syncopés et de 2-step avec des éléments dance et R&B. Largement inspiré par le mouvement jungle mais plus accessible aux auditeurs occasionnels, le genre a rapidement gagné en popularité dans le monde entier, se ramifiant en une pléthore de sous-genres, de la bassline au futur garage, en passant par le grime et le dubstep. El-b et Groove Chronicles comptent parmi les meilleurs artistes explorant le genre.

Vaporwave

La vaporwave est un microgenre fascinant qui combine une esthétique rétro avec une sensation surréaliste. Il se compose généralement d'échantillons ralentis, avec un tempo d'environ 60-90 BPM, rappelant la culture pop des années 80 et 90, ainsi que la musique pour les publicités et la musique d'ascenseur d'époques révolues. Au fil des ans, le genre a été utilisé comme un outil pour exposer (et critiquer) la culture techno moderne. Si vous vous intéressez à ce pan caché de l'EDM, ne manquez pas de découvrir Telepath et Saint Pepsi.

Débuter avec la production d'EDM

Votre premier morceau ne sera peut-être pas un tube planétaire, mais faire ses premiers pas dans le monde de la production musicale EDM n'est pas si difficile. Vous avez besoin de certains logiciels et plugins, mais après cela, tout ce que vous avez à faire, c'est de pratiquer, pratiquer et pratiquer !

Vous trouverez ci-dessous ce que je pense être la meilleure approche pour créer de la musique EDM. Chaque genre est différent, mais pour autant que je sache, c'est une structure qui fonctionne bien avec tous les styles qui tombent dans la catégorie de la musique de danse électronique.

Choisissez votre DAW

Nous pourrions passer des journées entières à discuter du choix d'un logiciel d'enregistrement, mais essayons de rester simples.

La plupart des DAW professionnels, sinon tous, répondraient à vos besoins en tant que producteur EDM, surtout si vous êtes débutant. Si GarageBand est tout ce que vous avez ou ce que vous pouvez vous permettre (il est gratuit), utilisez-le. Si vous n'utilisez pas de produits Apple, optez pour Cakewalk (là encore, gratuit, mais pour Windows).

Si vous pouvez investir un peu plus et que vous souhaitez apprendre à produire des morceaux de manière professionnelle, je vous recommande deux DAW exceptionnels pour les producteurs d'EDM : Ableton Live et FL Studio.

Ableton Live est le DAW le plus populaire, et il est phénoménal pour la production EDM, grâce à son système de boucles emblématique. FL Studio est une autre option de choix pour les producteurs de musique électronique, avec une bibliothèque de sons professionnels, une boîte à rythmes et un clavier MIDI très intuitifs.

Cela dit, quel que soit le DAW dont vous disposez, vous devriez disposer de suffisamment d'outils et de sons pour créer un morceau EDM de base. Comme vous le verrez ci-dessous, je n'utilise ni Ableton Live ni FL Studio, mais je peux tout de même créer un morceau EDM à partir de zéro. Ne vous focalisez donc pas trop sur l'outil, mais plutôt sur la façon dont vous pouvez créer le flux de production EDM parfait sur votre DAW de prédilection.

Une fois encore, n'importe quel logiciel de création assistée par ordinateur peut s'avérer efficace, à condition que vous soyez familiarisé avec son fonctionnement. Prenez le temps de tester plusieurs stations de travail (la plupart d'entre elles sont disponibles en version d'essai gratuite) et voyez laquelle convient le mieux à votre flux de travail.

Avant de commencer, permettez-moi de préciser qu'il n'existe pas de règle d'or en matière de production de musique électronique. De plus, le flux de travail entre les producteurs de hip-hop et de techno, par exemple, peut être radicalement différent.

Cela signifie que j'espère que vous trouverez de la valeur dans le flux de travail présenté ci-dessous, mais que vous pouvez avoir une approche complètement différente de la production musicale et continuer à produire de la musique exceptionnelle.

Tempo et battements de tambour

C'est par le rythme de la batterie qu'il faut commencer, et c'est par quatre sur le sol qu'il faut commencer.

Choisissez la vitesse de votre piste en fonction du genre sur lequel vous travaillez. Si vous produisez un morceau classique de dance ou de tech-house, choisissez une vitesse comprise entre 126 et 132 BPM.

Pour ce guide, j'utiliserai Studio One comme DAW :

Il est important de régler votre projet sur le bon tempo avant de commencer pour diverses raisons, mais surtout parce que vous voulez entendre comment sonnent vos échantillons à la vitesse à laquelle la piste sera finalisée. Vous pouvez avoir un échantillon vocal qui sonne très bien à 126 BPM mais qui est extrêmement artificiel à 132 BPM, alors choisissez le tempo judicieusement et assurez-vous de choisir les bons échantillons pour votre piste.

Ensuite, concentrez-vous sur le kick, qui est la base de votre morceau EDM. Sur votre DAW, ajoutez une nouvelle piste mono, choisissez un son de grosse caisse que vous aimez dans votre bibliothèque (la plupart des DAW sont dotés d'une bibliothèque intégrée, et si ce n'est pas le cas du vôtre, il existe de nombreuses bibliothèques gratuites en ligne).

Ensuite, copiez/collez votre son de grosse caisse sur votre nouvelle piste, et ajoutez une grosse caisse à chaque temps de la première mesure. Il vous suffit ensuite de mettre en surbrillance toute la section et de la dupliquer aussi longtemps que vous le souhaitez.

Si vous l'avez fait correctement, votre piste EDM devrait ressembler à ceci :

Les logiciels audionumériques tels qu'Ableton Live et FL Studio, déjà mentionnés, sont dotés de systèmes de boucles intuitifs et de rouleaux de piano qui font de la création de rythmes un jeu d'enfant. Mais en général, si vous obtenez le bon tempo et que vous ajoutez une grosse caisse à tous les rythmes, vous devriez entendre le son de danse familier.

Concentrons-nous maintenant sur la caisse claire, qui est le moteur de votre chanson.

Les caisses claires EDM jouent généralement avec la grosse caisse sur les noires, ou jouent des rythmes plus rapides lorsqu'elles mènent à la section drop. Voici un exemple de ce à quoi ressemble un rythme de batterie/snare de base :

Les chansons EDM se présentent sous de nombreuses formes, et toutes les musiques de club ne sont pas des "four-on-the-floor". Il s'agit néanmoins d'un excellent point de départ si vous souhaitez créer votre premier morceau EDM.

Si vous utilisez des échantillons, assurez-vous que les rythmes sont parfaitement synchronisés et vérifiez les niveaux de volume lorsque la grosse caisse et la caisse claire jouent simultanément. Il est facile d'obtenir un son déformé, car la plupart des sons EDM sont conçus pour être aussi forts que possible.

Ligne de basse

Même si vous avez déjà une mélodie en tête, il est toujours bon de commencer par la ligne de basse, car elle servira de pont entre les accords et les rythmes qui définiront votre chanson.

Je vous recommande de rester simple au début. Vous pourrez toujours l'articuler davantage plus tard, mais pour l'instant, créez quelque chose de groovy et d'accrocheur.

Lorsqu'il s'agit de la basse, il est important de trouver l'équilibre parfait entre groove et subtilité. Dans certains genres, comme la techno minimale, la basse peut être l'élément principal de votre chanson, mais en général, elle doit être le ciment entre le rythme et la mélodie, ajoutant de la profondeur à l'un et à l'autre sans les éclipser.

Cymbales Hi Hat et Crash

L'emblématique ingénieur du son Steve Albini a qualifié le charleston d'"instrument véritablement satanique" parce qu'il semble toujours être en route lors de l'enregistrement d'une batterie. C'est peut-être le cas dans le rock indépendant, mais dans l'EDM, la section charleston soigneusement élaborée est souvent ce qui galvanise un morceau.

Utilisez une combinaison de sons de charleston fermés et ouverts qui rempliront la section rythmique d'éléments aigus, en veillant à ce que le charleston complète le rythme existant et améliore le groove.

Certaines pistes fonctionnent bien avec un charleston minimal, tandis que d'autres semblent plus complètes lorsque le charleston est une présence constante. Contrairement à la grosse caisse et à la caisse claire, vous pouvez faire preuve d'une créativité infinie avec le charleston.

Il n'existe pas de solution unique pour le charleston. La seule chose à garder à l'esprit est qu'il doit suivre le rythme de tous les autres éléments de votre chanson et ajouter de la variété à la batterie grâce à des accents et des effets groovy.

Pour cet exemple, j'ai utilisé une boucle de batterie que j'ai créée pour une piste précédente, mais vous devriez comprendre l'idée :

Mélodie et progression des accords

Maintenant que la base de votre morceau EDM est en place, il est temps de l'enrichir avec des accords et des mélodies.

Une fois encore, rien n'est figé, mais je recommande de se concentrer sur les aspects suivants, dans l'ordre indiqué ci-dessous :

1) La ligne de basse, dont nous avons déjà parlé

2) Les accords

3) Mélodie

4) Chant (le cas échéant)

De cette manière, vous créerez le paysage sonore de votre chanson à partir de zéro, et il est probable qu'il sera plus facile de créer un morceau cohérent.

Il va sans dire qu'une connaissance de base des progressions d'accords et des gammes musicales vous sera d'une grande utilité. Les morceaux EDM ne sont généralement pas complexes du point de vue de la composition, mais ils doivent tout de même présenter une certaine musicalité pour sonner correctement.

Vous pouvez donner vie à un morceau emblématique en jouant au hasard sur votre clavier MIDI, mais comprendre la relation entre les différentes touches peut vous aider à ajouter de la variété et de la profondeur à vos compositions, et à les faire sonner davantage comme les tubes planétaires que vous essayez d'imiter.

Pour mon morceau, j'ai ajouté quelques mélodies de synthé pour enrichir le son :

Structure de la chanson

Vous avez peut-être remarqué que de nombreux morceaux EDM suivent un schéma similaire en ce qui concerne la structure des chansons.

Cela s'explique en partie par le fait que les producteurs veulent attirer immédiatement l'attention de l'auditeur avec une présentation familière, mais il y a un autre facteur crucial à prendre en compte si vous voulez que votre chanson soit jouée dans les clubs : vous devez la rendre "compatible avec les DJ".

Lorsqu'ils mixent deux pistes, les DJ ont besoin de temps pour mélanger les chansons avant de passer à la suivante, ce qui signifie que les chansons doivent commencer lentement, ne serait-ce qu'avec le rythme, et introduire progressivement le reste de la texture sonore.

Il en va de même pour la fin de la chanson. En règle générale, une minute pour construire la chanson au début, et une autre minute pour tout enlever jusqu'à ce qu'il ne reste plus que le rythme, est une bonne pratique.

Vous pouvez toujours publier deux versions des chansons, comme le font de nombreux producteurs. C'est ce que signifient les termes "Radio Edit" ou "Extended Version" lorsqu'ils apparaissent dans le titre d'une chanson.

Il n'y a pas de règles d'or quant à ce qui doit se trouver entre l'intro et l'outro, mais il ne fait aucun doute que les build-ups et les drops jouent un rôle crucial dans tous les genres EDM.

Le build-up est un crescendo : un moment de la chanson où l'on prend de l'élan et où l'on prépare le public à ce qui va suivre, c'est-à-dire le drop. Généralement, le build-up comprend une partie de batterie sans le kick et quelques parties mélodiques, et dégage un sentiment d'attente commun à tous les genres EDM.

Le drop est la partie la plus énergique d'une chanson, où il y a un changement soudain dans la mélodie, la ligne de basse ou le rythme, et où les éléments percussifs et les sons graves galvanisent le public.

Pour rendre la chanson plus dynamique, il convient d'alterner les moments de grande énergie avec des parties plus calmes, également appelées "breaks" ou "breakbeats". Il s'agit de moments de la chanson où il se passe moins de choses, qu'il s'agisse de la mélodie ou de la section rythmique, afin d'ajouter un sentiment de mouvement à la chanson et de susciter l'intérêt de l'auditeur.

Couches

Vous avez vu comment j'ai créé une structure de base pour une chanson dans les sections précédentes. Cette chanson est loin d'être complète, même s'il y a un rythme, une ligne de basse, une mélodie de base, etc. Pourquoi ?

Une fois votre chanson esquissée, il est temps de l'affiner en ajoutant des éléments percussifs et mélodiques, de mélanger tous les éléments ensemble, d'ajouter de la profondeur et de la texture à chaque son que vous utilisez.

C'est là que réside le caractère unique d'un producteur : dans sa capacité à créer une signature sonore unique, en mélangeant différents éléments comme aucun autre producteur de musique ne le fait.

Il est fondamental de peaufiner vos chansons avant de les publier, ce qui vous permettra sans aucun doute d'améliorer votre musique et de paraître plus professionnel et plus créatif.

Les ajustements de volume et les panoramiques jouent un rôle crucial à cet égard. Chaque élément de votre chanson doit être entendu clairement et avoir un espace spécifique dans la scène sonore. Des instruments qui s'entrechoquent ne font que semer la confusion et rendent la chanson désagréable.

Écoutez votre chanson avec différents casques ou haut-parleurs pour vous assurer qu'elle sonnera bien sur le plus grand nombre de systèmes de lecture possible. Ce processus vous aidera également à simplifier le processus de post-production, dont nous parlerons dans un instant.

Plugins, Effets, Bibliothèques de sons

La plupart des logiciels d'enregistrement sont livrés avec une bibliothèque de sons et d'effets que vous pouvez utiliser pour débuter dans le monde de la production musicale. S'assurer que vous disposez de ceux qui correspondent à vos besoins et apprendre à utiliser ces sons et effets de la meilleure façon possible sera une partie importante de votre parcours en tant qu'artiste.

Ma recommandation est de commencer avec ce que vous avez dans votre DAW. Ne remplissez pas votre bibliothèque de plugins et d'effets que vous n'utiliserez jamais, mais concentrez-vous plutôt sur la maîtrise des quelques outils dont vous disposez, et ne procédez à une mise à niveau que lorsque vous en ressentez le besoin.

Il peut être tentant de télécharger toutes les bibliothèques gratuites que vous pouvez trouver en ligne, mais croyez-moi, cela aura un impact négatif sur votre flux de travail. Si vous avez des centaines de grosses caisses, vous finirez par remettre en question chaque décision que vous prendrez pendant que vous construisez votre rythme.

Jusqu'au début des années 2000, les grands producteurs de musique n'avaient accès qu'à une fraction de ce qui est disponible aujourd'hui en termes d'effets et de sons, ce qui ne les empêchait pas de donner vie à des morceaux intemporels. Je ne dis pas que vous devez acheter une bande magnétique et passer à l'analogique pour votre production musicale, mais je vous recommande de réduire votre bibliothèque au minimum afin d'optimiser votre flux de travail créatif.

Finaliser votre piste

Le mixage et le mastering d'une piste EDM peuvent être intimidants au début, mais lorsqu'ils sont bien faits, ces deux processus de post-production rehausseront la beauté de votre chanson et vous aideront à vous connecter avec votre public de la meilleure façon possible.

Je n'entrerai pas dans les détails des concepts de mixage et de masterisation de la musique, mais j'expliquerai ces processus et ce que vous devez attendre de chacun d'entre eux.

Le mixage consiste à mélanger tous les éléments d'une chanson de manière à ce que la chanson dans son ensemble soit cohérente et homogène, que tous les instruments aient leur place dans la scène sonore et que le résultat soit une expérience d'écoute agréable.

Le mastering vous permet d'atteindre la norme industrielle en termes de volume sonore, tout en améliorant certains éléments de votre morceau pour le rendre plus conforme au genre musical de référence. Il s'agit de l'étape finale de la production musicale, où vous apportez les dernières touches à votre chanson avant sa publication.

À moins que vous ne produisiez de la musique juste pour le plaisir, ces deux processus sont fondamentaux si vous voulez que vos chansons soient appréciées et partagées par votre public. Bien que vous puissiez faire vos propres montages et gérer le processus de postproduction vous-même, il existe des ingénieurs du son professionnels qui peuvent faire briller votre morceau.

Réflexions finales

Et c'est tout ce que je sais de la musique électronique de danse.

J'espère que ce guide vous aidera à comprendre et à explorer le genre plus en profondeur, et si ce sont vos premiers pas dans le monde de la production de musique EDM, je vous souhaite bonne chance, et j'espère entendre vos morceaux à l'Ultra Music Festival !