Avez-vous déjà entendu l'expression "ce n'est pas ce que vous dites, mais comment vous le dites" ? Nous pouvons appliquer ce principe à l'expression des instruments de musique : ce n'est pas ce que vous jouez, mais comment vous le jouez. Ce principe et la sélection délibérée des sons sont les principes de base du concept d'instrumentation.

L'instrumentation en musique apporte vie et émotion à une composition écrite, ce qui en fait un élément essentiel du métier de musicien, que vous soyez chanteur, producteur ou instrumentiste. Nous vous expliquons ci-dessous comment fonctionne l'instrumentation et comment vous pouvez utiliser ces techniques classiques pour améliorer l'expression de votre art et captiver vos auditeurs.

Définition de l'instrumentation en musique

L'instrumentation désigne la combinaison particulière de textures sonores et d'instruments dans un morceau de musique, destinée à soutenir l'idée principale de la chanson. Dans sa forme la plus simple, l'instrumentation fait référence au choix spécifique d'instruments d'un producteur ou d'un compositeur pour une composition.

Outre la sélection des sons et des instruments, l'instrumentation peut également porter sur la manière dont les différents éléments sont exprimés : Par exemple, une guitare électrique jouée avec un vibrato crée une sensation complètement différente de celle d'une guitare jouée proprement. Les différents instruments se situent également dans différentes gammes de fréquences, de sorte que l'instrumentation dépend fortement de l'équilibre spectral audio entre plusieurs éléments sonores.

Essentiellement, l'instrumentation consiste à sélectionner les instruments et à dicter l'intensité avec laquelle ils sont exprimés, l'objectif final étant de produire un mélange équilibré et cohérent qui soutienne la mélodie d'une chanson :

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Pourquoi l'instrumentation est-elle importante ?

Lorsque vous pensez à l'instrumentation, il se peut que vous pensiez immédiatement à la musique orchestrale. Pouvez-vous imaginer qu'un compositeur écrive un morceau dans lequel la voix de basse est cinq fois plus forte que la mélodie jouée par les premiers violons ? Vous pouvez probablement deviner que ce morceau serait déséquilibré et qu'il serait difficile de suivre la mélodie principale de la musique.

Les principes qui sous-tendent l'instrumentation nous donnent un cadre pour construire une musique équilibrée et cohérente qui respecte l'idée principale de la chanson. La plupart des chansons se résument à la batterie, à la ligne de basse et à la mélodie qui tire l'ensemble vers le haut. Si nous considérons l'instrumentation comme un choix destiné à soutenir la mélodie et non à la dominer, nous sommes en pleine forme.

Les ingrédients de l'instrumentation

Alors, comment crée-t-on une bonne instrumentation ? Voici les principales composantes de l'instrumentation que tout musicien doit prendre en compte :

Sélection des sons

L'élément le plus important de l'instrumentation est la sélection du son. Il ne s'agit pas seulement de choisir les composants individuels que vous aimez ; la sélection du son se résume à une connaissance préalable de la position de certains instruments dans le spectre des fréquences (ne vous inquiétez pas, nous en parlerons plus loin), et à l'utilisation de cette connaissance pour informer ce que vous apportez dans votre composition.

Vous devrez peut-être faire certains compromis, car ce n'est pas parce qu'un élément sonne bien tout seul qu'il sonnera bien avec le reste de votre musique. S'il ne soutient pas l'idée de la mélodie, il doit disparaître.

Texture

La texture fait référence à la sensation de douceur, de rugosité, d'ondulation ou de continuité d'un son. Bien qu'il s'agisse de termes plus subjectifs, l'essentiel est de considérer comment les différentes textures des divers instruments interagiront entre elles lorsqu'elles seront jouées dans une composition.

Dynamique

La dynamique est liée à l'intensité sonore ou à la douceur d'une chose, en particulier à la façon dont l'intensité sonore et la douceur évoluent au fil du temps dans une chanson.

Articulation

L'articulation désigne la manière dont les parties instrumentales ou vocales sont exprimées. Par exemple, une voix peut être chantée avec des consonnes dures ou douces, c'est juste une question d'articulation.

Timbre

Le timbre décrit la tonalité dans laquelle les parties instrumentales sont exprimées.

Gamme

La tessiture est la distance entre les éléments les plus bas du spectre des fréquences et les plus hauts. Votre instrumentation affectera la portée de votre morceau et, par conséquent, l'expérience d'écoute de vos fans.

Mélange

Le mélange ou l'équilibre désigne le rapport entre une voix sonore et une autre dans votre composition. Une bonne instrumentation produit un mélange cohérent entre les différents éléments d'un morceau.

Quelle est la différence entre l'instrumentation et l'orchestration ?

L'instrumentation et la musique d'orchestre sont très similaires, les deux faisant référence au son spécifique et à la sélection des instruments dans le contexte d'une composition. Cependant, l'orchestration est un terme légèrement plus spécifique, qui désigne la sélection des sons lors de la création d'une musique orchestrale, généralement en direct.

En revanche, l'instrumentation est un terme plus large qui englobe un plus grand nombre de méthodes de production et de composition.

Par exemple, on pourrait dire que la sélection de certains synthétiseurs et de certaines parties de batterie dans votre station de travail audio numérique est un type d'instrumentation. Dans le cas de l'orchestration, vous travaillez également avec plusieurs instruments, mais dans un contexte de concert, par exemple en déterminant l'équilibre sonore d'un quatuor à cordes.

Où se situent les différents sons dans le spectre des fréquences ?

Pour créer une pièce musicale équilibrée, vous devez avoir une connaissance de base de la position des instruments et des sons sur le spectre des fréquences.

Pourquoi ?

Si ce n'est pas le cas, il est facile d'exagérer dans certaines sections, ce qui se traduit par une instrumentation médiocre. Voici, à titre de référence, où se situent les instruments dans le spectre des fréquences :

Batterie

La batterie est étonnamment polyvalente en termes de spectre de fréquences. Les grosses caisses sont les plus basses, avec un son sourd qui se situe entre 60 et 80 Hz. Les caisses claires et les toms se situent principalement au milieu du spectre de fréquences, la brillance des charlestons et des cymbales s'étendant jusqu'à l'extrémité supérieure du spectre de fréquences, à plus de 5 kHz.

Cordes

Les cordes couvrent la gamme moyenne du spectre de fréquences, mais certains instruments à cordes ont des éléments qui s'étendent plus bas ou plus haut. Les guitares basses et les basses droites couvrent une partie de l'effet boomerang de l'extrémité inférieure du spectre de fréquences, tandis que les violons et les mandolines s'étendent dans la gamme de fréquences supérieures, couvrant certaines fréquences entre la gamme moyenne supérieure de 2,5 kHz et 5 kHz.

La basse électrique peut prendre en charge une partie des fréquences du bas du spectre, tout en occupant une place importante dans le milieu du spectre.

Voix

L'étendue de la voix varie d'une personne à l'autre, mais elle se situe généralement entre 200 Hz et 15 Hz, selon qu'il s'agit d'un homme ou d'une femme. Les voix masculines peuvent couvrir une gamme de fréquences allant de 100 Hz à 8 kHz. Les voix féminines peuvent couvrir une plage beaucoup plus large, bien qu'elles commencent plus près du milieu du spectre de fréquences, entre 350 Hz et 17 kHz.

Piano, claviers et synthétiseurs

Ces instruments sont tous incroyablement polyvalents en termes de portée, ce qui leur permet de couvrir la majeure partie du spectre des fréquences. Ils ne couvrent pas toutes les sous-fréquences ultra-basses ni les fréquences extra-hautes commençant aux alentours de 5 kHz.

La gamme des pianos originaux est toutefois plus limitée que celle des instruments électroniques tels que les claviers ou les synthétiseurs. N'oubliez pas que ces sons sont très variés et qu'il convient donc de les utiliser avec précaution.

Où se situent les instruments d'orchestre dans le spectre des fréquences ?

Si vous rêvez de devenir chef d'orchestre, l'orchestration commence par la compréhension de la position des différents instruments sur le spectre des fréquences. Familiarisez-vous avec la position des instruments suivants afin de créer un excellent équilibre dans un contexte de musique en direct :

Contrebasse

C'est à la contrebasse que l'on doit le grondement et la richesse des basses fréquences de l'orchestre. De 40 à 300 Hz, ces instruments constituent la base du bas de gamme.

Violoncelle

Le violoncelle se situe au-dessus de la contrebasse et ajoute des fréquences moyennes basses à basses jusqu'à 1 kHz. Il peut soutenir la mélodie en soulignant les tons toniques de divers accords.

Flûte

La flûte, connue pour son son brillant, parfois strident, se situe dans les fréquences moyennes, mais peut s'étendre dans les fréquences moyennes supérieures jusqu'à environ 4 kHz.

Violons

Les violons tiennent souvent la mélodie et se distinguent dans un mixage grâce à leur texture claire et perçante. Ils peuvent s'étendre de 200 Hz à 10 kHz ou plus pour les sons aigus et brillants.

Piano

Comme dans la production moderne décrite ci-dessus, le piano a la particularité de pouvoir couvrir la quasi-totalité du spectre des fréquences.

Clarinette

Ces instruments en bois chaleureux se situent dans le registre moyen, aux alentours de 100 Hz - 2 kHz.

Hautbois

Le hautbois est connu pour sa sonorité nasale, ce qui lui confère une texture intéressante au sein de l'orchestre. Le hautbois se situe entre 250 Hz et 4 kHz, principalement dans les fréquences moyennes.

Cornes

Les cors ont tendance à avoir une gamme assez large, bien qu'ils occupent surtout la partie supérieure du spectre des fréquences. Les cors sont très expressifs et peuvent facilement dominer votre équilibre s'ils sont joués de manière trop exubérante ; il convient donc de procéder avec prudence.

Batterie

Comme les tambours de votre logiciel d'enregistrement, les éléments de la batterie orchestrale occupent tout le spectre lorsqu'ils sont joués ensemble, certains éléments occupant des plages plus hautes ou plus basses que d'autres. Les mêmes gammes s'appliquent à la grosse caisse, à la caisse claire et aux cymbales, comme décrit ci-dessus. La timbale a tendance à se situer dans les fréquences basses à moyennes, autour de 50 à 400 Hz.

Comment utiliser une instrumentation moderne dans vos chansons

Même si vous ne vous voyez pas diriger de la musique classique ou utiliser des instruments traditionnels, il est possible de transposer les leçons de l'instrumentation dans le paysage musical moderne. Voici comment vous pouvez intégrer les principes de l'instrumentation dans votre station de travail audionumérique :

Sélection et conception du son

Tout comme pour la musique orchestrale ou les instruments de musique en direct, les VST, les instruments et même les échantillons que vous sélectionnez ont un impact considérable sur votre composition finale. Donnez la priorité au son qui représente le mieux votre idée mélodique, puis construisez autour de lui. Tout son extérieur à votre idée principale doit être sélectionné pour mettre en valeur ce son initial, et non pour le supplanter.

La superposition des sons

Vous pouvez essayer d'empiler le même son ou de jouer avec des sons différents, en jouant des parties similaires sur plusieurs octaves. L'empilement de couches peut aider les parties individuelles à paraître plus larges et plus robustes et permettre à votre mixage d'être plus cohérent. Veillez toutefois à ne pas en faire trop : votre mélodie doit toujours rester la star du spectacle.

Automatisation

L'automatisation permet de créer une expérience plus dynamique pour l'auditeur, qui se rapproche davantage de l'expérience d'un instrument de musique en direct. Expérimentez l'automatisation de paramètres tels que le volume, le filtre et les composants individuels de votre instrument au fil du temps pour programmer une expression de performance plus réaliste dans vos morceaux.

Vitesse et autres paramètres d'expression

La difficulté de produire de la musique à l'aide d'un logiciel plutôt que de l'interpréter et de la capturer réside dans le fait que l'on peut perdre certains des aspects imparfaits d'une interprétation qui font que quelque chose sonne "humain".

Il peut s'agir, par exemple, de modifier la vélocité ou l'intensité avec laquelle les notes sont exprimées. Lorsqu'un instrumentiste joue une partie d'un morceau, il ne joue généralement pas chaque note de manière égale, même si c'est souvent la valeur par défaut intégrée dans les parties MIDI. Prenez le temps de randomiser et d'ajuster les paramètres d'expression afin de créer une sensation moins robotique.

L'instrumentation donne vie à la musique

L'instrumentation se résume à comprendre le caractère sonore des différents éléments de votre composition et à les sélectionner en conséquence, dans le but de créer un morceau équilibré où une voix ne domine pas totalement l'autre. L'expression qui se dégage des sons sélectionnés peut certainement modifier l'émotion générale de votre pièce, ce qui fait de l'instrumentation un outil puissant et dynamique.

Nous espérons que ce guide vous a permis de maîtriser plus facilement l'art de l'instrumentation. Prenez plaisir à créer des compositions équilibrées et bien exprimées à l'aide de l'instrumentation, que vous soyez compositeur, producteur ou instrumentiste.