Se siete alle prime armi con la musica elettronica, avete un vasto mondo da esplorare. Con innumerevoli plugin, sintetizzatori e una gamma di stili di produzione in continua evoluzione, le possibilità della musica elettronica sono praticamente infinite.

Naturalmente, proprio l'abbondanza di risorse che rende la musica elettronica così varia può anche renderla un po' scoraggiante per i principianti. Da dove cominciare quando c'è un universo di video su YouTube, articoli e corsi online che circondano l'argomento?

È proprio per questo che siamo qui. In questa guida, analizzeremo gli elementi essenziali della produzione di musica elettronica, dalle basi della sintesi al labirinto del software e dell'hardware di produzione. Sia che vogliate produrre techno pronta per la pista da ballo, paesaggi sonori ambientali o qualsiasi altra cosa nel mezzo, ho una serie di intuizioni e consigli che spero vi ispireranno a perfezionare le vostre abilità!

Che cos'è la musica elettronica?

La musica elettronica, nel suo senso più ampio, va ben oltre la portata di un genere tipico. È davvero un metodo che ha cambiato completamente il modo di creare e consumare musica.

A differenza della musica organica, che si basa sui suoni naturali di strumenti acustici come chitarre, archi, pianoforti, batteria e percussioni dal vivo, la musica elettronica è spesso composta da suoni e texture sintetizzati.

Il suo cuore è costituito dai sintetizzatori analogici e da altri strumenti elettronici, come gli organi elettrici e le drum machine, che hanno conosciuto una grande popolarità nel corso dei decenni.

Naturalmente, oggi la musica elettronica si è evoluta dall'utilizzo delle manopole tattili e dei sistemi elettronici di fili e circuiti presenti nel vecchio hardware analogico alle eleganti interfacce dei computer e degli strumenti software digitali.

La maggior parte dei produttori di musica elettronica si affida ai computer, sfruttando le DAW e la loro infinita tavolozza di suoni ed effetti. Mi piace pensare a questo cambiamento come alla democratizzazione della produzione musicale, in quanto l'ha resa accessibile a chiunque abbia un computer e un pizzico di creatività.

Sebbene in origine la musica elettronica fosse un movimento underground (si pensi alla nascita della musica house a Chicago alla fine degli anni '70 o all'introduzione del Krautrock in Germania alla fine degli anni '60, che era un sottogenere del rock sperimentale che coinvolgeva sintetizzatori, sequencer e tape loop), oggi ha permeato la cultura mainstream, influenzando tutto, dal pop all'hip-hop.

È piuttosto affascinante vedere quanti produttori di musica elettronica contemporanea intrecciano elementi acustici nei loro brani, come Bonobo, Tycho e Four Tet. Si tratta di una sorta di nuova fusione che crea un suono ricco e strutturato per rendere omaggio al passato, pur spingendo le linee dell'innovazione.

La produzione di musica elettronica è un ambito talmente vasto che è difficile ridurlo a una definizione (dovrei scrivere un libro intero se volessi evitare di tralasciare alcuni dei dettagli più importanti). Tuttavia, se volete diventare produttori di musica elettronica, credo che ci siano dei buoni punti di partenza per orientarsi.

Software e strumenti indispensabili

Quando vi avventurerete nella creazione di musica elettronica, ci sono alcuni strumenti che vorrete acquistare lungo il percorso. Ciascuna apparecchiatura di questo elenco svolge un ruolo unico nel processo di produzione, dalla DAW, che è il cuore del vostro studio digitale, ai sintetizzatori hardware e alle drum machine, che danno al vostro suono un'impronta unica.

Facciamo un piccolo approfondimento su come ognuno di questi strumenti può elevare la vostra produzione di musica elettronica.

Stazione audio digitale (DAW)

Il cuore di ogni produttore di musica elettronica è la Digital Audio Workstation (DAW).

La DAW sarà il vostro strumento principale. È l'hub centrale dove tutte le vostre idee creative prendono vita. Con una DAW è possibile registrare, modificare, mixare e masterizzare la musica. In sostanza, avete a disposizione un ambiente completo per creare musica elettronica a vostro piacimento.

Ora, mentre ogni produttore ha la sua DAW preferita, sono convinto che ce ne siano alcune che sono semplicemente migliori di altre per fare musica elettronica, tra cui:

• Ableton Live: Sono un grande fan di Ableton Live da ormai un decennio, soprattutto per la sua intuitiva visualizzazione delle sessioni. È anche uno dei preferiti da molti produttori di musica elettronica per le performance dal vivo e le capacità di sequenziamento MIDI.
• FL Studio: Con la sua interfaccia facile da usare e il potente sequenziamento basato su pattern, FL Studio è un altro dei più importanti per i produttori di musica elettronica che vogliono iniziare con una vasta gamma di sintetizzatori ed effetti integrati.
• Logic Pro: Logic Pro di Apple è un'altra delle suite di produzione più complete e, come la maggior parte dei prodotti Apple, è elegante e facile da usare. In più, è disponibile un'ampia libreria di suoni e loop per iniziare.
• Propellerhead Reason: Con il suo rack virtuale di qualità di sintetizzatori, campionatori ed effetti che possono essere interconnessi in modi infiniti, Reason offre quello che potrebbe essere l'approccio più unico e sperimentale alla produzione musicale.

Ogni DAW offre qualcosa di unico, ma la scelta di quale sia la più adatta alle vostre esigenze è del tutto soggettiva. Vi consiglio di provarle tutte per vedere quale si integra meglio nel vostro flusso di lavoro.

Librerie di suoni e pacchetti di campioni

Poi ci sono le librerie di suoni e i pacchetti di campioni, che sono i mattoni della musica elettronica. Sia che siate alla ricerca di loop di batteria croccanti, di tracce di synth incandescenti o di una voce R&B della vecchia scuola da spezzettare e riproporre, avere accesso a queste risorse è importante.

Negli ultimi anni sono diventato un grande fan di Splice (come molti altri produttori di musica elettronica). Con il suo modello basato sull'abbonamento, si ottengono crediti che si possono scambiare con una vasta collezione di campioni e loop che spaziano tra i vari generi.

Se vi piace scaricare pacchetti completi, vi consiglio di dare un'occhiata a Loopmasters. Offrono un'ampia gamma di pacchetti di alta qualità di vari generi, dai campioni di drum machine vintage ai synth contemporanei.

Sarei negligente se non menzionassi anche Komplete di Native Instruments. Pur non essendo un pacchetto di campioni in sé, Komplete offre una libreria infinita di strumenti, effetti e suoni, che sono eccezionali per la produzione musicale in generale.

Se volete utilizzare le vostre librerie di suoni e i vostri pacchetti di campioni nella DAW, vi servirà una sorta di strumento che vi permetta di riprodurli o di manipolarli in modi diversi (time-stretching, pitch-shifting, ecc.) Fortunatamente, la maggior parte delle DAW è dotata di campionatori e drum machine integrati proprio a questo scopo.

Ad esempio, il Sampler e il Drum Rack di Ableton Live offrono entrambi potenti capacità di campionamento e di creazione di beat, oltre a disporre di ampie opzioni di modulazione e di editing.

Se siete in Logic Pro, potete usare il Quick Sampler, che è ottimo per importare e riprodurre una varietà di formati di campioni. Inoltre, è dotato di funzioni di editing e personalizzazione piuttosto dettagliate.

Naturalmente esistono anche opzioni di terze parti, come Kontakt di NI, che dispone di un campionatore profondamente personalizzabile, oltre che di un'enorme libreria di suoni e di espansioni di terze parti, o Serato Sample, che consente di campionare facilmente la musica da una varietà di sorgenti e di utilizzare strumenti rapidi di taglio, allungamento del tempo e pitch-shifting.

Plugin e strumenti virtuali

Ecco la parte più divertente.

I plugin e gli strumenti virtuali sono componenti fondamentali nel processo di produzione della musica elettronica. È un buco nero che si può esplorare all'infinito, perché ci sono migliaia di plug-in di effetti e VST diversi. Direi che la cosa migliore da fare in questo momento è mettere le mani su alcuni plug-in di diverse categorie e conoscerli al meglio.

Ecco alcuni tipi da tenere d'occhio:

• Plugin di sintesi: Generano suoni elettronici utilizzando la sintesi (come con un sintetizzatore analogico), ideali per creare lead, bassi, pad e così via.
• Plugin di effetti: Migliorate o modificate i suoni con effetti come EQ, compressione, riverbero, delay, distorsione, modulazione e altro ancora.
• Plugin per campionatori: Riproducono o manipolano registrazioni digitali o campioni.
• Plugin per drum machine: Emulano drum machine o campionatori, ideali per riprodurre o disegnare battiti e ritmi.
• Plugin per sequencer: Ottimi per l'arrangiamento e la creazione di sequenze musicali. Spesso sono dotati di funzionalità avanzate di creazione di pattern e loop.

Come ho detto, potreste passare decenni a esplorare plugin e strumenti virtuali di diversi sviluppatori, e quello che potrebbe essere un VST indispensabile per un produttore di musica elettronica potrebbe essere un flop per un altro. Sta a voi fare ricerche e trovare quelli più adatti a voi. Potete anche esplorare siti come Equipboard per scoprire cosa usano i vostri artisti preferiti.

Tuttavia, visto che siete qui, vi darò alcuni dei miei consigli preferiti che utilizzo nella maggior parte dei miei brani, a partire dai plugin per gli effetti:

• FabFilter Pro-Q 3: Non c'è un solo mix senza questo equalizzatore incredibilmente versatile e facile da usare di FabFilter. È ottimo per l'equalizzazione chirurgica e dinamica e ha una bella interfaccia che fornisce una panoramica dello spettro di frequenze.
• Valhalla VintageVerb: probabilmente è il plugin di riverbero che uso più spesso, soprattutto quando desidero riverberi lussureggianti e di ispirazione vintage per aggiungere profondità e spazio a qualsiasi traccia.
• Soundtoys EchoBoy: non riesco a pensare a un plugin di delay più versatile. Si tratta di una suite di effetti di ritardo ricchi e dal suono analogico, abbastanza variegata da soddisfare tutti i generi di musica elettronica.
• iZotope Ozone: Per il mastering, Ozone include tutto ciò che serve per una finitura lucida e professionale, dall'equalizzazione alla compressione, dall'imaging stereo al limiting.
• LFOTool di Xfer Records: Se ho una traccia che ha bisogno di movimento, mi rivolgo spesso all'LFO Tool di Xfer Records, che offre un modo semplice per aggiungere effetti di tremolo, auto-pan, trance-gate, simulazione di compressore a catena laterale e wobble di tipo dubstep con il minimo sforzo.
• FabFilter Saturn 2: un altro dei miei plugin FabFilter preferiti, Saturn 2 ha una vasta gamma di effetti di distorsione, saturazione e modellazione di amplificatori, ideali per quando le vostre tracce hanno bisogno di calore o grinta.

Per quanto riguarda gli strumenti virtuali, ve ne consiglio alcuni, soprattutto se volete la versatilità prima di tutto:

• Xfer Records Serum: uno dei principali strumenti software per la produzione di musica elettronica, questo sintetizzatore wavetable offre un suono di altissima qualità e le capacità di progettazione sonora più flessibili del mercato.
• Native Instruments Massive X: il Massive è diventato un punto fermo nella produzione di musica elettronica quando il dubstep è arrivato sulla scena, e NI ha spinto il limite ancora più in là con Massive X. È un punto di riferimento quando ho bisogno di bassi e lead profondi e potenti.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 è forse uno degli strumenti software più versatili sul mercato, con la sua enorme libreria di suoni e gli infiniti stili di sintesi. Keyscape è altrettanto rivoluzionario per la modellazione di pianoforti e tastiere.
• Native Instruments Battery 4: Il mio campionatore di batteria e percussioni principale in questo periodo è Battery 4. Non solo ha un'enorme libreria di kit e campioni per tutti i generi di musica elettronica, ma offre anche profonde capacità di editing e di riproduzione quando si caricano i propri campioni.
• Arturia V Collection: sintetizzatori e tastiere vintage accuratamente modellati sono il nome del gioco con Arturia. Se non avete accesso all'hardware analogico, questa collezione è perfetta per aggiungere toni classici alle vostre tracce.
• Spitfire Audio LABS: Ho iniziato di recente a esplorare LABS e adoro ogni loro uscita. È una serie in continua crescita di strumenti gratuiti di alta qualità che vanno dagli archi alle voci ai suoni sperimentali, perfetti per aggiungere texture uniche alla vostra musica.

Continuando a creare musica elettronica, vi innamorerete di alcuni plugin e strumenti virtuali, ma vi invito a continuare a esplorare e a tenervi aggiornati sulle nuove uscite, perché c'è sempre qualcosa di eccitante all'orizzonte.

Tastiera o controller MIDI

Il MIDI, acronimo di "Musical Instrument Digital Interface", è il linguaggio della musica elettronica.

È uno standard tecnico che consente a strumenti musicali elettronici, computer e altre apparecchiature di comunicare, controllare e sincronizzarsi tra loro. Noi lo usiamo per far interagire tra loro diversi strumenti musicali digitali. Per maggiori informazioni sul suo funzionamento, consultate la nostra guida al MIDI.

Sebbene sia possibile inserire note MIDI nella DAW utilizzando il mouse o la tastiera del computer, la presenza di una tastiera o di un controller MIDI consente un'esperienza molto più tattile ed espressiva. Con una tastiera o un controller è possibile suonare melodie, ritmi di batteria e controllare sintetizzatori all'interno della DAW in tempo reale, ottenendo un feedback immediato e un modo più intuitivo di produrre musica elettronica.

Per me, avere un pezzo di hardware da usare per creare musica riporta il tocco umano nel processo digitale.

Ecco alcune tastiere e controller MIDI che vi consiglio di esaminare: rispondono a diverse esigenze e budget:

• Akai MPK Mini MkIII: se quello che cercate è un controller compatto e conveniente, questo è perfetto. Il prezzo è facile da sostenere per i principianti e l'interfaccia a 25 mini tasti è ottima per chi ha uno spazio limitato in studio. Inoltre, i pad e le manopole sono assegnabili per una maggiore versatilità!
• Serie Launchkey di Novation: Sebbene sia stata progettata per Ableton Live, la serie Launchkey può essere utilizzata con qualsiasi DAW. Offre tasti, pad, manopole e fader a grandezza naturale per controllare tutti gli aspetti della produzione di musica elettronica.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential raggiunge un buon equilibrio tra funzionalità e convenienza, ed è perfetto per l'integrazione con la collezione di strumenti software di Arturia. Il fondo dei tasti è ottimo e ci sono molti controlli DAW per un'esperienza più pratica.
• Native Instruments Komplete Kontrol Serie S: Se utilizzate spesso il software di Native Instruments, non c'è scelta migliore per l'integrazione. Le tastiere della serie S offrono tastiere di alta qualità con aftertouch e uno dei sistemi di navigazione e controllo dei parametri più intuitivi del mercato.
• ROLI Seaboard Block: questa tastiera è la pecora nera del mercato dei controller MIDI, ma se volete andare oltre la tastiera tradizionale, la superficie di riproduzione espressiva della Seaboard cattura le cinque dimensioni del tocco in un modo che nessun'altra tastiera ha eguagliato.

Anche in questo caso, questi sono solo alcuni dei miei preferiti, anche se ci sono molte altre tastiere e controller MIDI che offrono qualcosa di unico, sia che si dia la priorità alla portabilità e all'economicità, sia alla versatilità e alla profonda integrazione del software.

Se possibile, provatene diversi e vedete quale si adatta meglio al vostro flusso di lavoro.

Drum Machines e campionatori

Anche se non credo che le drum machine e i campionatori siano dei "must" per la produzione di musica elettronica al giorno d'oggi, sono strumenti importanti da riconoscere, in quanto sono stati la spina dorsale della produzione di musica elettronica fin dalla loro nascita.

La storia di questi strumenti è profonda e molti dei modelli iconici hanno plasmato il suono di interi generi. Per esempio, la Roland TR-808, uscita nei primi anni '80, è diventata sinonimo di hip-hop. Ascoltando "Planet Rock" di Afrika Bambaataa si può sentire uno dei primi esempi dell'ascesa di questa drum machine alla ribalta.

Allo stesso modo, l'Akai MPC, che era un campionatore e un sequencer combinato, ha rivoluzionato il modo in cui i produttori realizzano i beat. J Dilla è uno dei migliori esempi di beatmaker leggendario che ha cambiato il modo di fare musica elettronica utilizzando l'MPC.

Il bello di usare drum machine e campionatori hardware rispetto alle loro controparti virtuali è che si ottiene un'esperienza tattile e un suono analogico. Io, come molti altri produttori, trovo che l'interazione fisica con manopole, pad e fader sia molto più stimolante.

Inoltre, le caratteristiche sonore uniche e le limitazioni dell'hardware possono stimolare la creatività del momento. Naturalmente, c'è anche l'aspetto delle performance dal vivo, e non c'è dubbio che l'hardware renda un set più affidabile e visivamente coinvolgente.

Sebbene dobbiate assolutamente guardare cosa usano i vostri artisti e produttori preferiti per iniziare a costruire la vostra collezione, ecco alcune delle mie drum machine e campionatori preferiti che spesso mi trovo a consigliare ad altri:

• Roland TR-8S: Se siete come la maggior parte dei produttori e non avete migliaia di dollari da spendere per una TR-08 originale, vi consiglio di prendere in considerazione la TR-8S. Questa versione relativamente recente di Roland offre i classici suoni di batteria della serie TR con funzionalità di riproduzione di campioni, rendendola uno strumento versatile per le performance dal vivo e il lavoro in studio.
• Elektron Digitakt: per i produttori sempre in movimento, questa drum machine e campionatore compatto è una delle mie scelte preferite. Ha capacità di sequenziamento incredibilmente potenti e tonnellate di strumenti di sound design integrati.
• Akai MPC Live II: Per il leggendario flusso di lavoro MPC e la flessibilità standalone, grazie agli altoparlanti integrati e alla batteria ricaricabile, MPC Live II è l'ideale per la produzione in movimento.
• Korg Volca Sample: questo sequenziatore di campioni compatto e conveniente è perfetto per i principianti, in quanto fornisce tonnellate di potenza per le prestazioni epatiche e dispone di numerose funzioni e opzioni di connettività per la creazione di groove in tempo reale.
• Dave Smith Instruments Tempest: sebbene abbia avuto la sua parte di controversie nel corso degli anni, questa drum machine collaborativa di Dave Smith e Roger Linn è una delle mie opzioni preferite per ottenere il potente suono della drum machine analogica.

L'hardware sta tornando in auge, ed è per questo che chi sta imparando a produrre musica elettronica dovrebbe esplorare anche questo lato della baracca degli attrezzi. Anche se non avete un budget enorme, ci sono ancora molte opzioni!

Interfaccia audio

È certamente possibile imparare la produzione di musica elettronica con il solo computer portatile, ma se volete fare sul serio con la vostra configurazione di produzione di musica elettronica e creare un ponte tra gli strumenti, i microfoni e il computer, avrete bisogno di un'interfaccia audio.

In breve, un'interfaccia audio converte i segnali analogici in dati audio digitali che la DAW può elaborare e viceversa. Oltre alla conversione, un'interfaccia audio può anche migliorare significativamente la qualità del suono delle registrazioni rispetto agli ingressi e alle uscite audio integrati della maggior parte dei computer, oltre a fornire funzioni essenziali come i preamplificatori microfonici, il monitoraggio diretto per una registrazione senza latenza e più ingressi e uscite per collegare varie sorgenti audio e apparecchiature esterne.

Le interfacce audio sono disponibili in tutte le forme e dimensioni, ma se non sapete da dove cominciare, ecco alcune opzioni per diversi budget:

• A misura di budget :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3a generazione): Una delle migliori raccomandazioni per i principianti che desiderano un'interfaccia con preamplificatori di alta qualità e una struttura resistente.
  • Behringer U-PHORIA UM2: un'opzione estremamente conveniente che fornisce tutte le basi necessarie per iniziare a registrare in casa.
• Media gamma :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: qualità audio impeccabile ed elaborazione UAD in tempo reale, perfetta per chi vuole migliorare la propria produzione.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: offre un buon equilibrio tra caratteristiche e prezzo, con ingressi/uscite multiple e bassa latenza.
• Alta gamma :
  • RME Fireface UCX: nota per la sua affidabilità, l'eccezionale qualità audio e la bassa latenza, è adatta a piccoli studi professionali.
  • Apollo x4 di Universal Audio: con quattro preamplificatori Unison, l'elaborazione UAD-2 Quad Core e una conversione superiore, si ottiene il meglio dell'hardware UAD.

L'interfaccia audio giusta per voi dipende dalle vostre esigenze specifiche.

Se si registrano più microfoni contemporaneamente, ad esempio, è necessario disporre di numerosi ingressi e uscite. Se invece siete spesso in viaggio, la portabilità potrebbe essere il punto di forza. In ogni caso, investire in un'interfaccia audio è d'obbligo se si vuole migliorare la qualità della propria musica.

Cuffie o monitor da studio

Quando inizierete a creare la vostra musica, avrete bisogno di qualcosa per riascoltarla.

Una delle prime cose da decidere è se investire in cuffie o monitor da studio. Ognuno di essi ha una funzione unica nel processo di produzione musicale e, in realtà, avere entrambi è l'opzione migliore.

I monitor da studio forniscono una rappresentazione più accurata del suono all'interno di una stanza, permettendovi di capire come la vostra musica si tradurrà in ambienti reali. Offrono inoltre una prospettiva spaziale e dimensionale del mix, aiutandovi a prendere decisioni informate su panning, profondità e immagine stereo.

Le cuffie, invece, offrono dettaglio e isolamento. Sono ideali per identificare le sfumature più sottili in un mix che potrebbero essere trascurate dai diffusori, come il rumore di basso livello o i click e i pop. Le cuffie sono fondamentali anche per le sessioni notturne o se si lavora in spazi non trattati dove non è possibile effettuare un monitoraggio accurato attraverso i diffusori.

Avere a disposizione entrambi gli strumenti è estremamente vantaggioso, in quanto può aiutarvi a vedere come suona il vostro mix in diversi ambienti di ascolto, in modo da sapere che la vostra musica suona bene su un'ampia gamma di sistemi di riproduzione.

Ecco alcuni dei miei consigli per ciascuno di essi:

Raccomandazioni per le cuffie:

• Budget: Audio-Technica ATH-M40x - Eccellente qualità sonora e durata a un prezzo accessibile.
• Mid-Range: Beyerdynamic DT 770 PRO - Conosciute per il loro suono dettagliato e bilanciato e per il loro comfort. Mi piace usarle per le lunghe sessioni di missaggio.
• Alta gamma: Sennheiser HD 650 - Cuffie da studio aperte di alto livello per un'eccezionale fedeltà del suono naturale e un'accurata risposta dei bassi.

Raccomandazioni per i monitor da studio:

• Budget: Presonus Eris E3.5 - Super compatto ed economico, ma in grado di offrire un profilo sonoro chiaro e preciso per i piccoli studi domestici.
• Mid-Range: Yamaha HS5 - Perfetto per una risposta piatta e un'eccellente riproduzione del suono, soprattutto quando si mixa in ambienti non trattati.
• Di fascia alta: Adam Audio A7X - Ideale per produttori musicali e ingegneri professionisti che desiderano una risposta precisa dei bassi e frequenze superiori dettagliate.

Quando ho iniziato a produrre musica elettronica, ho lavorato in cuffia per circa un anno prima di aggiornare la mia configurazione di studio, quindi se i monitor da studio non rientrano nel vostro budget per la produzione audio, non mi preoccuperei troppo. Assicuratevi solo di fare pause frequenti se ascoltate solo in cuffia per mantenere la prospettiva e non affaticare le orecchie.

Come fare musica elettronica

La produzione di musica elettronica è molto vasta. Non posso certo promettervi che leggendo questo articolo sarete in grado di padroneggiare quest'arte, ma posso sperare di fornirvi una visione della mia esperienza di produzione di musica elettronica negli ultimi dieci anni e che possiate usarla come ispirazione per il vostro viaggio.

Mi piace pensare al processo di creazione della musica in tre fasi:

1. Idee: Nella prima fase, si abbozzano le idee iniziali, si sperimentano suoni e modelli e si raccolgono idee o ispirazioni da altri artisti che ci piacciono.
2. Arrangiamento: Una volta raccolte le idee, è possibile strutturarle in un flusso coerente, creando un brano che accompagni l'ascoltatore in un viaggio dall'inizio alla fine.
3. Perfezionamento: Questa è la fase di mixaggio e masterizzazione, in cui si rifinisce la traccia e ci si assicura che tutti gli elementi siano ben integrati.

È importante notare che ogni produttore percorre un percorso unico attraverso queste fasi.

Alcuni possono iniziare con una melodia orecchiabile e costruirci intorno, mentre altri possono scegliere tra alcuni campioni e creare una bella sequenza su un MPC. Altri potrebbero adottare un approccio tradizionale e utilizzare la struttura standard degli arrangiamenti pop per costruire una canzone dalle fondamenta, iniziando con la batteria, il basso, la chitarra e così via.

La bellezza della produzione di musica elettronica risiede in questa diversità di approcci.

Mentre sto per condividere il metodo che funziona meglio per me, ricordate che non esiste un processo unico per tutti. Si tratta di trovare il flusso di lavoro che accende la vostra creatività e permette alle vostre idee di fluire liberamente.

Trovare il proprio suono

Quando si impara a fare musica elettronica, la parte più difficile può essere quella di trovare il proprio suono.

Esistono molti sottogeneri sotto il termine ombrello di "musica elettronica", e ognuno ha una tavolozza unica di suoni, ritmi e strutture. Ecco alcuni dei sottogeneri più popolari, per citarne alcuni:

• Casa
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (Electronic Dance Music)
• Trance
• Batteria e basso
• Basso futuro

Come nuovo produttore, credo che la chiave per scoprire il proprio suono in mezzo a questa diversità sia l'esplorazione e la sperimentazione.

Fate un'immersione profonda in diversi sottogeneri, non solo come ascoltatori, ma anche come studenti. Create brevi pezzi o beat ispirati a diversi stili per vedere cosa vi risuona e fa scorrere la vostra creatività. Potreste anche provare a collaborare con altri produttori che possono offrire nuove prospettive e ispirare direzioni che non avreste considerato da soli.

Questo approccio richiede un ascolto attivo. È uno degli strumenti più potenti per comprendere le sfumature di ogni sottogenere. Quando ascoltate un brano, cercate di sezionarlo: identificate gli elementi fondamentali che ne definiscono il suono, dal tempo e dai pattern di batteria alle scelte dei sintetizzatori e alla struttura dell'arrangiamento. Prestate attenzione al modo in cui vengono creati la tensione e il rilascio, a come il brano si evolve nel tempo e a quali emozioni o atmosfere vengono evocate.

Ancora oggi, adottare un approccio analitico all'ascolto è uno dei miei modi preferiti per imparare di più su una canzone.

Come ottenere il groove di base

Al centro della musica elettronica c'è il groove, che spesso si ottiene dalla batteria e dalle percussioni.

I BPM (Beats Per Minute) giocano un ruolo fondamentale nella definizione del sottogenere e, sebbene si possa sempre sperimentare, la maggior parte degli ascoltatori ha delle aspettative quando ascolta determinati tipi di musica elettronica.

Per esempio, la techno oscilla tipicamente tra i 120 e i 135 BPM e presenta un pattern di cassa a quattro sul pavimento, mentre la musica house tradizionale è spesso più soul e con vibrazioni edificanti, fluttuando tra i 120 e i 130 BPM, con un pattern di batteria leggermente più funky e groovier.

Il dubstep, noto per i suoi bassi pesanti e i groove sincopati, si aggira tipicamente intorno ai 140 BPM, il che crea un po' di spazio per quegli iconici e pesanti pattern di batteria a metà tempo.

La Drum and Bass si spinge ancora più in là, a quasi 160-180 BPM, utilizzando ritmi breakbeat accelerati che forniscono un'energia più intensa e caotica.

Naturalmente, c'è anche la musica elettronica d'ambiente che rifugge dai tradizionali ritmi di batteria per una trama più fluida ed evolutiva. A volte, non c'è affatto la batteria. Piuttosto, si concentra sulla creazione di un paesaggio più atmosferico.

Conoscere i tempi e i pattern di batteria tipici di questi sottogeneri può aiutarvi ad allineare i vostri brani alle convenzioni di genere. Naturalmente, come ho detto, non abbiate paura di sperimentare con il tempo e il ritmo per trovare il vostro suono unico!

Stesura della battuta

Ho sempre pensato che iniziare con la batteria sia una strategia solida per la produzione di musica elettronica.

La sezione ritmica può gettare le basi per il tempo e l'energia di un brano e stabilire un groove su cui il resto degli elementi può agganciarsi. Consideratela come la prima cosa da fare per creare la spina dorsale del brano.

Anche se le canzoni elettroniche possono cambiare drasticamente da una all'altra, i componenti chiave della maggior parte dei groove di batteria includono il kick, il rullante o il clap, gli hi-hat e le percussioni aggiuntive, che possono aggiungere un po' di sapore e consistenza.

Quando si inizia a creare i propri ritmi di batteria, si possono adottare diversi approcci:

• Utilizzo di campionatori di batteria: Sono un grande fan di Battery 4 di Native Instruments, in quanto è possibile caricare i propri campioni di batteria e creare groove MIDI da zero.
• Flipping Breaks, Loops e Samples: Essere in grado di tagliare breakbeat e loop è un approccio della vecchia scuola, ma è ancora una componente fondamentale per fare musica elettronica e ispirare nuove idee.
• Ascoltare brani di riferimento: Vi consiglio di passare del tempo ad analizzare i groove di batteria dei brani che vi piacciono e di provare a replicarli. Prestate attenzione ai diversi strati, al tempo swing o dritto e al modo in cui il ritmo si integra con l'atmosfera generale del brano.

Vediamo come creare un semplice ritmo house:

1. Iniziare con una grancassa: trovare una grancassa ideale in stile house e posizionarla su ogni battuta della battuta (1, 2, 3, 4) per ottenere l'iconico ritmo four-on-the-floor.
2. Aggiungere un clap o un rullante: Inserite un clap o un rullante sulla seconda e quarta battuta per iniziare a costruire il groove.
3. Introdurre gli hi-hat: aggiungere hi-hat chiusi tra ogni colpo di kick e di rullante per ottenere un ritmo costante e trainante. Se si desidera una sensazione più fluida, è possibile utilizzare note in ottavo.
4. Incorporare le percussioni: per rendere più vivaci i vostri groove, potete aggiungere alcuni elementi di percussione, come shaker o tamburelli.
5. Sperimentare con i loop: se voglio una texture aggiuntiva nei miei groove, spesso sovrappongo una percussione in loop o un loop superiore per riempire il tutto.

Creare un beat significa sperimentare tanto quanto seguire una formula, quindi giocate con tutti questi elementi e modificateli a vostro piacimento.

Disporre una linea di basso

La stesura di una linea di basso è il momento in cui il brano inizia a prendere slancio. Il basso deve essere complementare al groove della batteria e fare da ponte tra gli elementi ritmici e armonici della musica, di cui parleremo più diffusamente tra poco.

Ecco un approccio semplificato per creare una linea di basso interessante:

1. Seleziona il tuo suono: inizia scegliendo un suono di basso adatto al tuo genere. I bassi sintetici sono versatili e possono essere modellati in modo estensivo, mentre i bassi campionati possono aggiungere una consistenza reale al brano. A
2. Creare un groove: iniziare con un pattern di base che segua il groove della batteria, quindi sperimentare con sincopi o note aggiuntive per creare ritmo e interesse. Vi consiglio di ascoltare le linee di basso di altri brani elettronici che vi piacciono e di vedere che tipo di tecniche utilizzano.
3. Variare le note: Non abbiate paura di discostarvi dalla nota principale. Potete esplorare la scala con diverse opzioni di note. Non siete sicuri di come applicare le scale basate sulla teoria musicale? Consultate alcuni dei nostri blog sull'argomento.
4. Stratificare un sub-basso: se il vostro basso ha bisogno di un po' più di "oomph" nelle basse frequenze, potete aggiungere un sub-basso pulito, basato su onde sinusoidali, al di sotto di esso. Assicuratevi che sia intonato e ritmicamente allineato al basso principale.

Qualunque sia il vostro approccio, sappiate che la linea di basso è un elemento fondamentale di qualsiasi brano di musica elettronica, quindi prendetevi del tempo per affinarla e non abbiate paura di apportare modifiche finché non trovate il groove perfetto.

Arrangiamento degli accordi

Successivamente, dovrete iniziare a sviluppare una progressione di accordi per il vostro brano. Gli accordi servono a gettare le basi emotive su cui costruire la melodia e le altre strutture. Hanno il potere di evocare determinati stati d'animo, di creare tensione e rilascio e di guidare l'ascoltatore attraverso una narrazione.

Naturalmente, il modo in cui ci avviciniamo agli accordi può cambiare significativamente da un genere all'altro. Nella musica elettronica ambient, ad esempio, progressioni di accordi estese e lussureggianti possono essere utili per creare un senso di profondità, mentre nella house o nella techno, gli accordi più semplici e privi di movimento armonico potrebbero essere una scelta migliore.

Anche se non è necessario essere un esperto di teoria musicale, avere una solida conoscenza della teoria può aiutare a prendere decisioni più informate sui voicings e sulle progressioni degli accordi. Il bello della teoria musicale è che si tratta di conoscere le regole per poterle infrangere. Inoltre, vi dà il potere di comunicare determinate emozioni e idee attraverso la vostra musica,

Se volete saperne di più sulla teoria musicale, consultate la nostra guida alla creazione di progressioni di accordi.

Scrivere una melodia

Che cos'è una melodia?

Nella sua forma più elementare, è una sequenza di note che funge da tema principale o punto focale di un brano musicale.

È la parte del brano che gli ascoltatori ricordano di più, quindi una buona melodia deve essere memorabile. Dal punto di vista della teoria musicale, deve anche inserirsi nel contesto armonico del brano.

Una delle cose principali da considerare quando si crea una melodia memorabile è il potere della ripetizione.

Un motivo o una frase che si ripete è un ottimo modo per ancorare il brano e dare all'ascoltatore un senso di coerenza, anche se bisogna astenersi dall'usare troppe ripetizioni, perché la melodia può finire per suonare monotona.

Consiglio di ascoltare attivamente musica con melodie forti per trarre ispirazione.

Analizzate come sono costruite queste melodie, notate come interagiscono con gli accordi e il ritmo e come usano la ripetizione e la variazione per creare movimento ed emozione. Potete trarre ispirazione da queste canzoni anche senza plagiarle, come fanno gli artisti da sempre. Tutto si basa su qualcosa di precedente.

Legare tutto insieme

Successivamente, si deve iniziare a trovare il modo di legare insieme tutti gli elementi del brano.

Sebbene la musica elettronica possa variare in termini di struttura, la maggior parte dei brani elettronici in stile pop segue una struttura standard che presenta alti e bassi dall'inizio alla fine.

Dall'introduzione si può passare alla strofa, dove la storia inizia a svolgersi. Questo può portare al pre-chorus o al build-up per aumentare la tensione fino al ritornello, al gancio o al drop, che funge da punto culminante del brano.

Da lì, si potrebbe aggiungere una sezione solista per mettere in mostra un particolare sintetizzatore o una linea vocale, oppure un ponte per un momento di contrasto o di riflessione prima del ritornello finale, del drop o dell'outro.

Missaggio e masterizzazione

Infine, arriviamo al processo di missaggio e masterizzazione, che sono le fasi critiche del processo di post-produzione. A questo punto, l'obiettivo dovrebbe essere quello di trasformare la vostra collezione di singoli brani in un pezzo musicale coeso e rifinito da pubblicare.

Nel mixaggio, l'obiettivo è bilanciare i livelli, eseguire il pan dei diversi strumenti nel campo stereo, applicare l'equalizzazione per eliminare gli scontri di frequenza, comprimere per uniformare la dinamica e utilizzare effetti come il riverbero e il delay per creare una profondità tridimensionale.

Il mastering è la fase finale, in cui la traccia mixata viene rifinita e preparata per la distribuzione. In questa fase si perfeziona il suono complessivo, ci si assicura che le canzoni siano coerenti nell'album o nell'EP, se si sta creando un progetto, e si controlla che la musica suoni al meglio su una varietà di sistemi di riproduzione.

Entrambi i processi richiedono un orecchio attento e una profonda comprensione del comportamento del suono e, sebbene sia possibile sviluppare le proprie capacità per mixare e masterizzare i propri brani, è generalmente vantaggioso affidare questi compiti a qualcun altro quando si è agli inizi, in quanto è bene avere qualcuno con un orecchio nuovo e attrezzature specializzate.

Le migliori risorse per imparare a fare musica elettronica

Al di là di questo articolo, fare musica elettronica è un processo di apprendimento continuo, fatto di tentativi, errori e sperimentazioni. Fortunatamente, sono disponibili innumerevoli risorse che si rivolgono a produttori di tutti i livelli, tra cui:

Ecco un elenco di diverse risorse e perché sono utili per ampliare le vostre conoscenze e competenze:

• Tutorial e corsi online: piattaforme come Skillshare, Udemy e Coursera offrono corsi di musica elettronica tenuti da professionisti del settore, che possono spaziare dai livelli principianti a quelli avanzati.
• Video su YouTube: Canali come Point Blank Music School e ADSR Music Production Tutorials forniscono gratuitamente un'infinità di tutorial, consigli e tecniche su vari aspetti del processo di produzione musicale, perfetti per gli studenti visivi.
• Forum e comunità online: Comunità come Gearslutz, r/edmproduction di Reddit e KVR Audio sono ottime per entrare in contatto con altri produttori, condividere musica, ricevere feedback e discutere di tecniche di produzione.
• Risorse specifiche per DAW: La maggior parte delle DAW dispone di forum, tutorial e documentazione ufficiali. Sono un grande fan del sito Learning Music di Ableton, che contiene un'infinità di suggerimenti, trucchi e guide specifiche per le DAW.

Il nostro blog è anche ricco di risorse utili per la realizzazione di musica elettronica, sia che si tratti di imparare la teoria musicale, sia che si tratti di capire come funziona l'industria musicale o come affrontare l'arrangiamento di una canzone.

Pensieri finali

Imparare a fare musica elettronica non è una cosa che si fa da un giorno all'altro.

Alla fine, l'obiettivo finale è creare un brano che faccia sentire qualcosa, un brano di cui si possa essere orgogliosi. La musica è in continua evoluzione, quindi non c'è motivo di legarsi a una serie di regole. Tuttavia, capire gli strumenti di cui sopra e come usarli può aiutarvi a creare qualcosa di bello e unico nel vasto mondo della musica elettronica.