曲作りはシンガーソングライターにとって楽しい作業だが、彼らに聞けば、それに伴う苦労は否定できないだろう。私たちは、ジョン・メイヤーのような偉大なソングライターを、素晴らしいメロディ・ラインに新しいアイデアを乗せ、創造的なプロセスなしに奇跡的に良いサウンドを生み出すアーティストと見なしがちだ。しかし実際には、どんな偉大なソングライターも複雑な作曲プロセスを持っており、良い曲を生み出すために細心の注意を払っているのだ。
ペースの速い今日の音楽業界では、曲の背後にある音楽の旅を見る機会はない。曲の最初のアイデアから曲全体の構成に至るまでの過程を知ることなく、曲を聴いて次に進む。私たちは、その曲が私たちをどのように感じさせてくれるかに満足するが、その先を見たり、作曲過程を理解しようとしたりすることはない。
作詞作曲は、間違いなく曲作りの最も重要な側面の一つである。音楽プロデューサーはそのことを知っており、自分の音楽的アイデアの上に適当に歌詞を投げかけるのではなく、そのプロセスを知っているソングライターを雇うことを好む。
成功しているバンドでさえ、最初のシンガーソングライター以外のソングライターを起用する必要がある時がある。それは彼らの音楽制作プロセスの質を高め、場合によっては作家ブロックを克服するのに役立つ。これは、私たちが目撃していないカーテンの裏側でどれだけ多くの作業が行われているかを示している。
あなたは音楽キャリアをスタートさせ、キャッチーなビートに美しいコード進行を乗せた。今、あなたは書く必要があるが、紙に書いた歌詞はあなたを満足させることができないようだ。この記事では、具体的な成果を示す10の実践可能なテクニックを紹介したい。
これらのソングライティングのヒントは、どのようなタイプのソングライティング・キャリアにも当てはまり、これらを通読することで、あなたのクリエイティブ・プロセスにおけるあらゆるタイプのブロックを認識することができるだろう。そして、これから紹介する実行可能なヒントの一つを使って、そのブロックに取り組むことができるようになるでしょう。
より速く、より本物に近い形で、考えすぎて自分を見失うことなく曲を書くことができるようになる。
さあ、飛び込もう。
1.シンプルに。
これは「言うは易く行うは難し」である。聴衆の度肝を抜くような曲を書くことにこだわるのはとても理解できるが、皮肉なことに、ポップスや ロックのヒット曲の大半はシンプルなものが中心だ。コード進行は理解しやすく、体を動かしやすく、歌詞は複雑なものばかりだ。
私たちは、自分たちの名前があちこちに響き渡るような、ある種の革命的な歌詞の内容が必要だと考えている。しかし、歴史上の私たちのお気に入りの曲を聴いてみれば、それがシンプルで覚えやすかったからこそ、時を超えて歌い継がれてきたことに気づくはずだ。
大切なのは、聴き手に何を伝えるかだ。曲を作るときは、リスナーのことを考え、彼らがあなたのメッセージを理解し、メロディーを覚えられるようにシンプルにする。それが、多くのポップ・ヒット曲をキャッチーで忘れられないものにしているのだ。
2.自分を記録する。
ソングライターにとって、新曲の草稿をレコーディングする前に却下してしまうことはよくあることだ。曲作りの過程で、たまには自分自身を録音する習慣をつけよう。何かを付け加えたり、何かを変えたりするたびに、マイクを取り出して録音するのだ。そうすることで、自分がどのように聞こえるのか、何が自分のスタイルに合っていて、何が合っていないのかを知ることができる。
最終的に気に入らなかったとしても、音楽を創作している間に、後でまた戻ってくることができるアイデアが増えていることに気づくだろう。ボイスレコーダーで昔のアイデアに戻り、そのアイデアに可能性があることに気づくのは素晴らしい気分だ。その上、過去の自分がすでに基礎を作ってくれているのだ。
ソングライターは、自分のスタイルに聴衆がどう反応するかを垣間見る必要があるからだ。
3.メロディーラインに取り組む。
メロディ・ラインがプロダクションで伝えようとしたものと一致せず、自分自身に不満が残ることがある。ベースラインを追加したり、歌詞を書いたりしようと頑張ってみても、うまく聞こえない。メロディに手を加えてみたり、メロディを変えてみたりしてみよう。
変化はインスピレーションを与えるものであり、だからこそクリエイターは、作家のブロックを経験したときに景色を変えるのが好きなのだ。メロディーの1つ、または多くの面を変えることで、曲に新しい感触が生まれ、インスピレーションを受けるかもしれない別の音楽的な心象風景を得ることができます。ためらわずに試してみてほしい。
コード進行に手を加えたり、別の楽器を使ったり、新しい楽器を加えたり。そうすることで、脳が活性化し、新しいアイディアが生まれるかもしれません。もちろん、メロディに取り掛かったり、完全に変えたりする前に、メロディの下書きを保存しておくことをお勧めします。
4.休憩を取る。
曲に取り組むとき、私たちはそれを個人的なものにする傾向がある。曲を書くときに作家のブロックがあると、無理に曲を仕上げようとする。残念なことに、それはクリエイティブな脳が働く方法ではなく、シャワーを浴びているときや、外で無邪気にコーヒーを飲んでいるときに、翌日ブレークスルーを起こす可能性が高い。
クリエイティブな脳は、ストレスの少ない環境でよりよく働き、リラックスして点と点をつなげることで、より多くのアイデアを生み出すことができる。だから、もし曲に行き詰まりを感じたら、一休みしよう。脳を休ませることはとても大切なのだ。曲作りのプロセスを無理に進めると、一般的に質が落ちる。
私たちは、起きてから寝るまで脳の活動が活発になるような社会に生きているが、そうである必要はない。地球上で最もクリエイティブな人々について調べてみると、彼らは脳を休めることを軽視していないことがわかるだろう。彼らにとって、それは芸術と同じくらい重要なプロセスなのだ。
5.下書きの練習
特に初心者の場合、すべての曲が出版用に作られる必要はない。曲作りの筋肉をつけるためには、下書きが必要だ。これは、曲作りの最も重要なコツのひとつだ。私たちはコード進行をいくつか落とし、キックとスネアを加えて、これが次の曲になると決める。そうする必要はない。ボディビルダーが大会で自分をさらけ出す前に何年も同じ動きを繰り返すのと同じように、あなたの曲作りも、ある種の熟練を得るために同じような繰り返しが必要なのだ。
自分のトラックで演奏したり実験したりすることを恐れないでほしい。聴いてみて、良さそうだと判断したら、もっと曲を作る練習をしよう。適切なトラックが現れ、発表する準備ができたときにわかるだろう。ラフ案で作業していることを認識することで、曲作りの際、脳により自由を与えることができる。下書きがいつ良い曲に変わるかわからないのだから。
6.制限を設ける。
クリエイティビティには、アーティストを惹きつける自発的なひらめきという側面があり、それには特典がある。しかし、インスピレーションに何らかの制限を加えることで、曲作りのプロセスがより効率的になるかもしれない。登場人物の定義、短いストーリー、限られた数のコードなど、方向性を定め、作曲中の決断を後々容易にするものなら何でもいい。
このような構成にすることで、自然に上達が育まれ、曲作りが進んでいることに気づかなくなる。自分で決めた限界にこだわっているつもりでも、そうではなく、同じ方向に向かって曲作りを成長させているのだ。こうして、曲のあらゆる要素があなたのビジョンにフィットするようになる。
言うまでもないが、最近のほとんどの曲は、全体的に同じような構成になっており、少し手を加えることで違った印象を与えるようになっている。特にポップ・ソングはそうだ。
7.あなたのアイデアを捉える。
ソングライター初心者にありがちな過ちのひとつは、スタジオに入る前にアイデアをチェックせずに放置してしまうことだ。私たちのアイデアのほとんどは、シャワーを浴びているとき、食事をしているとき、高速道路を運転しているときに思いつく。家に帰っても、仕事中の会話や他のことに埋もれてしまい、何も見つからない。
だからソングライターは、メロディーやサウンドを録音するボイスレコーダーと、歌詞を書くためのノートを持ち歩かなければならない。アイデアを思いついた瞬間にそれを紙に書き出し、ボイスレコーダーでどう聞こえるかを録音する。そうすることで、あなたのアイデアはスタジオに戻って活用できるようになる。
ノートとボイスレコーダーを持ち歩くのは大変だと感じるなら、スマホがすべてやってくれる。あなたのアイデアを取り込むだけで、生産性が飛躍的に向上するのを実感できるはずだ。
8.トラックを研究する
曲作りをするとき、頭の片隅に曲のリファレンスを置いておくととても便利です。あなたの曲作りの方向性を鼓舞するような曲を使いましょう。ビートを研究し、ベースラインを分解し、コード進行を分析する。そうすることで、音質や全体的な完成度において、自分の曲と比較する材料が得られる。
音楽プロデューサーの間ではよくあることだ。彼らと仕事をするとき、彼らは通常リファレンス・トラックを要求する。そうすることで、曲がどのように発展していくかを知ることができ、一般的に彼らの作業が容易になる。
このヒントは、作曲中でなくても、作業のどの瞬間にも使える。お気に入りの曲をタイトルからアウトロまで分解してみよう。何がその曲を素晴らしいものにしているのかを少しずつ学んでいけば、次に曲を書くときにその情報をすぐに見つけることができるだろう。
9.音楽理論を学ぶ。
音楽理論は、あなたの音楽に対する理解を広げ、その結果、あなたの脳により多くの要素をもたらし、音楽的なアイデアに合成することができるようになる。一般的なコード進行を違った角度から見るようになり、シンプルなアイデアを論理的に高めることができるようになる。
一度にすべてを学ぶ必要はなく、素材の質を高め、音楽的に自分のやっていることを知るための基本的な理解でいい。例えば、メジャーコードやマイナーコード進行の理論から始めて、それらを演奏するための様々な形を学ぶことができる。
音楽理論とは、私たちが音楽で行うすべてのことの背後にある意味なのです。あなたの曲作りはその恩恵を受けるだけで、もう同じ4つのコードから抜け出せなくなることはない。
あなたの曲作りにすぐに役立つと思われるものをリストアップしてみました：
- リズム：拍子記号、オフビートのリズムなど。
- 楽譜の読み方：音部記号、音符の長さ、リズムなど
- コード進行一般的なコード進行、カデンツ、コードシェイプなど
- スケールメジャースケールとマイナースケール、キー
10.楽器から離れて書く。
歌詞を書くときにピアノを弾き続けるのはとても理にかなっているように思えるかもしれないが、最も革新的な方法ではない。うまくいくかもしれないが、見慣れた作詞パターンに陥る危険性がある。
楽器の技術には限りがあるが、想像力には限りがない。だから楽器を始めるよりも、散歩をしながらメロディーを口ずさむ方がいい。
トップラインと構成が決まったら、家に帰ってそれを支えるコード進行を組む。楽器や道具を自分のビジョンに近づけることであって、その逆ではない。
かの有名なトム・ウェイツは、非常にユニークな作曲法を持っていた。彼は4、5台のラジオを囲んで座り、それぞれ違うチャンネルをつける。重なり合う曲の嵐を聴いて、次の曲のインスピレーションを得るのだ。これは、時には楽器から離れて、インスピレーションを得るためにユニークな方法を試す必要があることを示している。
初心者にありがちな失敗のひとつは、歌詞なしで曲全体を制作し、歌詞を入れるのに苦労することです。歌詞は曲の構成において重要な要素であるため、あなたのプロジェクトは歌詞を中心に成長すべきです。
11.曲の構造を学ぶ。
ジグソーパズルの最終的な完成形を知らずに始めると、ほとんどの場合、どのピースがどこに入るか、やみくもにギャンブルをすることになる。曲作りも同じだ。創造的なプロセスにはキャンバスが必要であり、それは個人的なものでなければならない。それぞれの曲に、その曲の構造がある。
世の中には多くの曲の構成があり、目指す曲のジャンルによって異なる。最も有名なのはポップスの構成（ヴァース、プレ・コーラス、コーラス）で、これはとてもうまくいったので、定型句になった。成功のレシピだ。
もちろん、それ以外のものを目指すのであれば、他の曲の構成もあるので、それを試してみて、自分に合うかどうかを確認することもできる。ここで最も重要なのは、自分の曲を構成するためにそれらがどのように使えるかを学び、選んだ構成を羅針盤としてプロジェクトを発展させる手助けをすることだ。
12.曲作りのアプローチを多様化する。
前の曲ではうまくいったことが、今の曲ではうまくいかないかもしれない。前作と同じアプローチを使っているにもかかわらず、曲で苦労することがあるのはこのためだ。それはまったく普通のことで、このように曲で苦労するのは良いことだ。これは、あなたの曲に新規性があるということであり、新規性を古いプロジェクトと同じように扱うことはできない。新しいアプローチが必要だ。
新しいアプローチというのは、少なくとも何かがうまくいくまで、自分のプロセスを一方的に変えるべきだという意味だ。歌詞を書く前に譜面を書くことに慣れているなら、その逆をやってみる。いつもギターで譜面を書いているなら、今度はキーボードで書いてみる。曲の前にタイトルを書くなら、その逆をやってみる。今までのやり方ではダメだということを脳に知らせるために、何でも使ってみてください。そうすることで、より多くのアイデアが浮かんでくるはずです。
13.個人的な経験を振り返る。
最高の歌とは、私たちが共感できる歌である。美しいメロディラインや複雑なドラムパターンも楽しいが、自分の身近な状況や経験したことを歌った曲は、また違った感動を与えてくれる。そのため、あなたの個人的な経験を曲のアンカーにすることをお勧めします。
聴衆と共有したい経験を明確にし、書きたい雰囲気を設定してみよう。そうすることで、曲のあらゆる要素が、あなたが伝えようとしているストーリーと同じものになる。そうすることで、あなたの人生はより楽になり、聴衆にとっても意味のある曲になる。特に、あなたが何を話しているのか知っている場合は。
だからこそ、「イマジン」や「ウィ・アー・ザ・ワールド」のような曲は、永遠に国際的な影響を与え続けたのだ。誰もが語られるストーリーに共感し、誰もがその同質的な要素をすべて理解した。
14.どこか別の場所へ。
創造性と日常は水と油のようなもので、まったく合わない。脳は刺激を受けたほうが創造的になる可能性が高くなる。いつもアトリエで仕事をしているなら、景色を変えて公園に行ってみよう。いつも同じ人と一緒にいるなら、旧友に電話したり、新しい人に会ったりする。日常のパターンを壊し、脳を発見モードにするようなことは何でも試してみよう。
シンガーやソングライターの間では、日々の活動から自分を切り離し、しばらくして歌詞を完成させて戻ってくるというのはよくあることだ。もちろん、社会生活に支障をきたさない程度に行うことをお勧めする。
15.助けを求める。
この記事は最後まで残しておいたかもしれないが、最も必要な曲作りのヒントの一つである。特に音楽業界では、一人で成功したアーティストはいない。ある場所に行くにはチーム全体が必要であり、ソングライターは援助を求める必要がある。
友達に相談したり、業界の知り合いに聞いたり、詩の教授にメールを送るのもいい。自分の音楽キャリアを向上させる方法について答えを得ることができるのは、手を差し伸べることなのだから。
最大のアイデアはコラボレーションによって生まれる。それが「フィーチャリング」が音楽業界の大きな側面となっている主な理由だ。あなたは「すべて一人で成し遂げる」という姿勢をもっと信じているかもしれないが、それは長い目で見るとあなたの役には立たない。いつか助けを求めるときが来るから、今そうした方がいい。
16.サンプルを使用する。
サンプリングは、音楽プロデューサーの間ではメジャーな手法だ。すぐに使える素材（メロディ・ループやドラム・パターンなど）を曲作りのパーツとして使う作業だ。そうすることで、作曲の流れがスムーズになると同時に、誰かの素材を使うことで、助けを求めているようなものだ。誰かが、あなたのプロダクションを向上させるパートを提供することで、あなたの曲を手助けしてくれているようなものだ。
多くの批評家たちによって、このやり方は本物ではないとみなされ、ある種のジレンマに陥っている。しかし、アーティストがサンプルを使って制作した素晴らしい作品もあり、何も問題はない。音楽は、同じ12の鍵盤が異なる方法やパターンで繰り返されることに変わりはない。
結論意志あるところに道は開ける。
曲作りを上達させるのに役立つ実行可能な方法は他にもたくさんありますが、これらは私たちが最も実用的だと判断したものにすぎません。これらの中には、あなたにとってより魅力的なものもあるかもしれませんが、すべて頭の片隅に置いておいてください。きっと役に立つはずだ。曲作りは何よりもまず楽しむものだということを忘れずに、本物の場所から書くようにしてください。あとは後からついてくる。
