니켈백처럼 미니멀한 음악은 때때로 나쁜 평을 받기도 합니다. 쉽게 만들 수 있습니다. 저렴합니다. 아무데도 가지 않습니다. 미니멀리스트 작곡가들은 게으르다.

무슨 말인지 아시겠죠?

미니멀리즘 음악은 (다른 형태의 음악과 마찬가지로) 별 볼일 없는 음악일 가능성이 있지만, 실제로는 만들 때나 들을 때나 꽤나 멋진 음악이 될 수 있습니다.

모든 멋진 것들이 그러하듯, 이 장르는 서양 음악의 주류 관습에 대한 반작용으로 시작되었습니다. 뉴욕에서 시작된 이 장르는 초창기부터 여러 장르에 영향을 미치며 전 세계 작곡가들에게 영감을 주고 있습니다.

이 음악 스타일을 처음 접하신다면 제대로 찾아오셨습니다. 이 글에서는 미니멀 음악의 간략한 역사와 성장 과정, 저명한 미니멀리스트 작곡가, 스타일의 주요 특징, 나만의 미니멀 음악을 만드는 방법에 대해 살펴볼 것입니다.

편안하게 앉아 계세요? 시작하기....

역사적 맥락: 미니멀리즘 음악의 탄생

초기 영향

미니멀 음악은 1960년대 뉴욕의 열광적인 분위기에서 등장했지만, 클래식 음악의 역사를 조금 더 거슬러 올라가면 이 스타일이 발전할 수 있는 길을 닦은 실험적인 작곡가들을 발견할 수 있습니다.

19세기 말에서 20세기 초에 걸쳐 에릭 사티는 작곡에 대한 접근 방식으로 클래식 세계의 틀을 깨뜨렸습니다. 솔로 피아노를 위한 그의 초기 작품들은 다른 작곡가들이 모든 실린더를 불태우는 동안 아름다운 단순함을 전달했습니다.

예를 들어, 사티의 피아노 독주를 위한 ' 그노시엔느 '의 처음 세 곡은 자유 곡으로, 바코드나 박자표가 없습니다. 브라이언 에노의 팬이라면 별것 아닌 것처럼 보일 수도 있지만, 당시에는 꽤 급진적인 작곡 방식이었습니다.

시대를 뛰어넘어 존 케이지의 작품은 사람들이 음악의 구성 요소에 대해 다시 생각하게 만들었습니다. 그의 유명한 4'33'은 1952년에 처음 연주되었는데, 연주자 중 단 한 명도 음을 연주하지 않았다는 사실로 인해 곧바로 논란을 불러일으켰습니다. '의도된 소리의 부재'에 관한 것이었죠.

비서구 음악 전통의 영향은 미니멀 음악의 탄생 이전에도 있었습니다. 아프리카 리듬, 힌두스탄 클래식 음악, 가믈란과 같은 '에스닉' 악기는 미국 미니멀 음악이 등장하기 오래 전부터 존재해 왔습니다.

미니멀 음악의 부상

미니멀 뮤직이라는 용어의 기원은 명확하지 않지만, 오늘날 우리가 이해하는 음악 스타일은 1950년대 후반 서부 해안 아방가르드 음악계의 일부로 처음 등장하기 시작했습니다. 이후 뉴욕으로 확장되어 당시 실험 음악의 한 형태였던 뉴욕 최면 학교에서 비슷한 정신을 발견했습니다.

미니멀리즘의 개념에서 영감을 받은 것은 음악뿐만이 아니었습니다. 문학, 회화, 조각, 영화 등 거의 모든 형태의 예술이 미니멀리즘의 개념에 호응하여 미니멀한 예술을 창조하기 위한 지하 활동이 끝없이 이어졌습니다. 실제로 미니멀 음악의 초기 공연은 전통적인 공연장이 아닌 아트 갤러리와 로프트에서 많이 열렸습니다.

선구자들: 초기 미니멀리즘 작곡가

미니멀리즘 음악 운동에는 원래 수십 명의 무명 작곡가들이 참여했습니다. 그 중 네 명의 핵심 인물이 당대의 가장 저명한 미니멀리즘 작곡가로 부상했습니다. 네 명의 미국 작곡가들은 모두 서로 몇 년 사이에 태어났으며, 모두 전통적인 서양 클래식 음악을 공부했습니다.

그리고 일반적으로 음악사에서 흔히 볼 수 있는 것처럼 이 작곡가들은 모두 백인이고 남성입니다. 한숨이 나옵니다.

라 몬테 영

라 몬테 영은 아마도 이 그룹 중 가장 덜 알려진 아티스트일 것입니다. 브라이언 에노가 '우리 모두의 아빠'라고 불렀던 그는 작품에서 오랫동안 지속되는 톤을 사용하는 것으로 가장 잘 알려져 있습니다.

실제로 버클리에서 대학원생으로 공부하던 시절, 그의 작곡 지도교수는 현을 위한 트리오가 매우 긴 세 개의 음으로만 구성되어 있다는 이유로 채점을 거부했습니다. 드론에 대한 그의 이러한 성향이 훗날 선구적인 작품이 될 줄은 미처 몰랐던 것입니다.

라 몬테 영의 꿈의 음악은 원래 음악 집단인 영원한 음악 극장의 중추를 형성했으며, 루 리드의 1975년 앨범 메탈 머신 뮤직의 노트에서 고개를 끄덕이게 합니다.

라 몬테 영은 생전에 많은 음반을 발표하지는 않았지만, 그의 영향력은 전 세계에 미쳤다고 해도 과언이 아닙니다.

테리 라일리

테리 라일리는 영의 친구이자 공동 작업자인데, 특히 테이프 루프와 딜레이를 사용하여 반복을 통한 미니멀리즘을 탐구합니다.

라일리의 반복 사용은 전자음악 영역에만 국한되지 않았으며, 그의 가장 잘 알려진 작품 중 하나인 In C에서도 라이브 악기에도 비슷한 프로세스를 사용합니다. 한 명의 연주자가 리듬의 기초를 제공하는 동안(당연히 C로), 다른 연주자(그 수는 얼마든지, 어떤 악기로든 가능)는 몇 가지 기본적인 제안만 제시하면서 53개의 멜로디 셀을 통해 연주를 진행합니다. 그 결과는 매혹적이고 최면에 걸린 듯합니다.

모듈식 구성에 중점을 둔 테리 라일리는 원조 Ableton이라고 할 수 있습니다. 음악 평론가들이 동의할지는 다른 문제이지만, 어느 쪽이든 Riley는 실험적인 음악뿐만 아니라 록과 현대 일렉트로닉 음악에도 큰 영향을 미쳤습니다.

(참고: 라일리의 초기 음악이 어떤 사운드였는지 소름 돋게 들으려면 그의 메스칼린 믹스를 확인해 보세요.)

스티브 라이히

음악을 만드는 이 모듈식 접근 방식은 스티브 라이히가 즐겨 사용하던 방식이기도 합니다. 라이히의 경우 위상 시프트라는 기법을 사용하여 동일한 소재를 연주하지만 각 파트가 약간 다른 시간에 시작하여 미묘하게 다른 템포로 연주할 수 있는 기법을 탐구합니다.

스티브 라이히는 테이프를 사용하여 미니멀 음악 실험을 시작했으며, 초기 작품으로는 It's Gonna Rain (1965)과 Come Out (1966)이 있습니다. 두 작품 모두 위상 이동이 실제로 작동하는 고전적인 사례로, 나중에 일렉트로닉 음악을 정의하게 될 샘플링 기법을 조기에 엿볼 수 있습니다.

스티브 라이히도 라일리와 마찬가지로 미니멀 음악에 대한 자신의 방법론을 어쿠스틱 악기에 적용했습니다. Piano Phase (1967)는 두 대의 피아노를 사용해 테이프 루프 효과를 재현한 작품입니다. 각 피아노는 동일한 멜로디 라인을 연주하지만 한 대의 피아노는 점차 속도를 높입니다. 모두 라이브이기 때문에 두 연주가 모두 같지는 않습니다(물론 녹음된 연주를 들을 수는 있지만).

커리어 후반에 라이히는 아프리카 드럼 연주에서 볼 수 있는 폴리리듬과 유사한 리듬 패턴을 맞물려 연주하는 타악기 사용에 더욱 관심을 갖게 되었습니다.

필립 글래스

현대 음악에서 가장 잘 알려진 미국 작곡가 중 한 명은 아마도 필립 글래스일 것입니다.

영, 라이히, 라일리와 마찬가지로 필립 글래스도 초기 미니멀 음악이 형성되던 시절 뉴욕에서 줄리어드에서 공부하고 있었습니다. 1967년 프랑스와 인도에서 근무하고 돌아온 후 글래스는 스티브 라이히의 작품에 관심을 기울이고 영향을 받기 시작했습니다.

라이히와 마찬가지로 글래스도 초기에 미술관의 후원을 받았으며, 그의 음악은 시각 예술 미니멀리스트들과 함께 색다른 장소에서 선보였습니다.

그의 앙상블은 오르간, 피아노, 관악기, 특히 색소폰뿐만 아니라 증폭된 테이블탑과 같은 독특한 악기로 구성됩니다. 글래스의 음악은 인도 음악과 미니멀리즘, 그리고 가족 소유의 음반 가게에서 아버지와 함께 오랜 시간 동안 음반을 들으면서 형성된 자신만의 스타일이 어우러져 쉽게 알아볼 수 있습니다.

글래스의 음악은 초기 미니멀리즘과 관련이 있을 뿐만 아니라 영화, 오페라 하우스, 브로드웨이 무대에서도 들을 수 있습니다. 이 외에도 수많은 독주곡과 실내악곡, 현악 4중주 및 소규모 악기 앙상블을 위한 작품이 있습니다.

미니멀리스트치고는 꽤나 다작을 많이 하네요.

미니멀리스트 음악의 특징

그래서 우리는 미니멀리즘 음악이 어떻게 생겨났고 누가 미니멀리즘 음악의 선두에 서게 되었는지 알고 있습니다. 음악에서 미니멀리즘의 특징을 살펴볼까요?

제한적 또는 최소한의 자료

미니멀 음악은 그 자체로 매우 제한된 악기를 위해 만들어진 모든 것을 포함할 수 있습니다. 여기에는 반복되는 색소폰 사운드 아래 깔리는 기본적인 일렉트로닉 럼블이 포함될 수도 있고, 냄비나 안전벨트와 같은 다양한 '발견된 소리'의 악기들이 포함될 수도 있습니다.

앞서 언급한 스티브 라이히의 ' 비가 올 거야 '와 같이 몇 단어의 텍스트만 사용하는 곡도 미니멀리즘이며, 전체 곡에 걸쳐 몇 개의 음만 사용하는 곡(니켈백의 곡이 아닙니다)도 미니멀리즘입니다.

반복 및 주기

짧은 음악 패턴이나 셀이 장시간에 걸쳐 반복되는 음악은 미니멀리즘으로 간주할 수 있습니다. 테리 라일리와 스티브 라이히 모두 작품에 반복이라는 개념을 도입했으며, 필립 글래스는 음악이 끝없이 원을 그리며 움직이는 반복적인 구조를 사용하는 것으로 잘 알려져 있습니다.

점진적 진화

단순히 한 문구를 계속 반복하는 것은 금방 질리기 때문에 시간이 지남에 따라 미묘한 변형이나 추가를 도입하는 아이디어는 미니멀리즘의 두드러진 특징 중 하나입니다. 스티브 라이히는 위상 전환 기법으로 이 기법의 대가였습니다.

펄스 기반 리듬

최면과 같은 느낌을 주는 단순한 맥박 중심의 리듬도 미니멀 음악의 특징입니다. 필립 글래스는 음악의 리드미컬한 특성으로 잘 알려져 있으며, 이러한 특성은 록과 EDM과 같은 현대 음악 스타일에 영향을 미쳤습니다.

청중 인식

특정 스타일이나 음악 장르를 고정하는 것은 항상 까다로운 일입니다. '미니멀리즘' 또는 '팝 음악'이라는 틀에 딱 들어맞는 것은 없습니다. 마찬가지로 음악이 미니멀하다고 해서 위의 모든 기능이 있어야만 미니멀한 것은 아니며, 이러한 기능이 어느 정도 있다고 해서 미니멀한 음악이 되는 것도 아닙니다.

미니멀 음악의 가장 중요한 측면은 아마도 청중이 음악에서 일어나는 일에 집중할 수 있도록(또는 보는 관점에 따라서는 집중을 강요할 수 있도록) 하는 방법일 것입니다.

스토리나 여정으로 구성된 음악 엔터테인먼트와 달리 미니멀한 음악을 듣는 경험은 음악 자체에서 일어나는 일에 주의를 기울여야 합니다.

예를 들어 15분 동안 두세 개의 음으로만 구성된 음악이 연주되면 청취자는 연주에 집중하게 되고, 음악에서 청취가 능동적인 역할을 하게 됩니다.

저는 이것이 바로 음악을 미니멀하게 만드는 것이라고 주장하고 싶습니다.

미니멀리스트 음악을 만드는 방법

제2의 필립 글래스나 존 애덤스를 꿈꾸고 있다면 미니멀 음악을 작곡하기 시작해야 합니다! 시작을 위한 몇 가지 아이디어를 소개합니다.

초점 선택

작품의 기본 요소를 결정합니다. 예를 들면 다음과 같습니다:

• 리듬
• 오픈 5화음 또는 장조 3화음과 같은 화음
• 멜로디
• 연설문 한 줄( 작품을 공개할 계획이라면 이 작업을 수행할 수 있는 권한이 있는지 확인하세요!)

미니멀리스트 작곡가들은 하나의 아이디어로 전체 작곡을 하는 경우가 많으므로, 하나의 기본 요소를 작품의 초석으로 삼으세요.

무엇을 선택하든 짧아야 합니다. 라 몬테 영처럼 길게 지속되는 노트를 사용한다면 초기 아이디어는 여전히 짧아도 괜찮습니다!

반복 패턴 만들기

파운데이션을 선택한 후에는 이를 사용하여 반복적인 패턴을 만듭니다.

리듬을 사용하는 경우 프로그래밍하거나 조율되지 않은 타악기를 사용하여 녹음하고 나중에 언제든지 조율된 악기를 추가할 수 있습니다.

멜로디가 있다면 녹음하여 반복 재생하세요.

하모니인 경우 신디사이저 패드와 같은 지속 사운드를 사용해 일정 시간 동안 하모니를 유지하면서 프로그래밍하세요. (전문가 팁: 미디를 사용하지 않고 오디오로 바운스하면 어디서 재생을 시작하든 사운드를 들을 수 있습니다).

미니멀리즘의 최면 효과는 지속적인 반복을 통해 명상적인 느낌을 주는 데서 비롯됩니다.

팔레트 제한

이제 기초를 다듬었으니 시간이 지남에 따라 어떻게 발전할지 생각해 볼 차례입니다. 우선 사운드 팔레트를 구축해야 합니다.

전자 악기를 사용하든 어쿠스틱으로 녹음하든, 작품에 사용하는 악기의 수를 몇 개로 제한하세요. 이렇게 하면 미니멀한 사고방식에 익숙해지고 너무 어수선해지는 것을 방지할 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 어떻게 변할 수 있는지에 대해 더 깊이 생각하게 될 것입니다.

하나의 하모니를 중심으로 점점 커지는 소리의 벽을 만들 계획이더라도 소수의 다른 악기만 여러 버전으로 사용하는 것이 좋습니다.

작은 변형 소개

한 가지 요소를 골라 서서히 변경합니다.

간단한 멜로디 오스티나토를 연주하는 악기 한 개로 시작했다면 점차 두 번째 악기, 세 번째 악기를 도입해 보세요.

또는 패턴에서 음표를 추가하거나 제거하는 실험을 하거나, 같은 주제를 연주하는 두 악기가 있는 경우 한 악기의 타이밍을 조정하여 위상이 바뀌도록 합니다.

다이나믹은 음악의 핵심 정체성을 유지하면서 반복적인 아이디어에 미묘한 변형을 도입할 수 있는 또 다른 좋은 방법입니다.

레이어링으로 실험하기

간단한 멜로디 오스티나토를 연주하는 악기 한 개로 시작했다면 점차 두 번째 악기, 세 번째 악기를 도입하세요.

이 새 레이어에 변형을 도입하여 이 단계를 이전 단계와 결합합니다.

기술 수용

DAW, 하드웨어 시퀀서, 루퍼 페달과 같은 전자 도구를 사용하면 누구나 쉽게 미니멀 음악을 만들 수 있으므로 이를 활용하세요. 이를 도와주는 무료 도구가 많이 있습니다!

거의 모든 DAW에서 제공하는 샘플링 및 루핑 기능 외에도 디지털 이펙트를 사용해 공간감을 연출할 수 있습니다. 자동화를 사용하여 딜레이 또는 리버브 플러그인의 파라미터를 변경하면 아이디어 하나만으로 거칠고 멋진 미니멀 음악을 만들 수 있는 방법을 살펴보세요.

스스로 도전하기

예를 들어, 작업하는 각 프로젝트에 대해 스스로 제한을 설정하세요:

• 음성만 사용하여 녹음
• 편집 없이 30분 분량의 음악 녹음
• 하나의 사운드와 여러 효과만 사용
• 여러 개의 사운드와 하나의 효과만 사용
• 모든 박자에서 박자표 변경

미니멀리즘 스타일로 글쓰기를 시도해 본 적이 없다면 군더더기를 없애는 것이 얼마나 어려운지 놀랄지도 모릅니다. 미니멀리즘의 핵심은 단순함과 관련된 악기의 수를 줄이는 것입니다. 실험적인 음악을 만들려면 계속 실험해야 합니다!

미니멀리즘 음악의 유산

미니멀리즘 음악은 1960년대 뉴욕의 다양한 무명 작곡가와 정체불명의 공연 예술 작품에서 시작되어 먼 길을 걸어왔습니다. 미니멀리즘은 클래식 음악, EDM, 록, 심지어 영화 음악에까지 깊은 인상을 남겼습니다.

맥스 리히터와 요한 요한손 같은 작곡가들은 미니멀한 반복과 풍성한 오케스트레이션을 결합하여 광범위한 청중에게 감정의 울림을 주는 작품을 만들어 냅니다. 리히터의 수면은 미니멀리즘의 표현적 유동성과 명상적 특성을 잘 보여주는 작품입니다.

일렉트로닉 뮤지션들도 미니멀리즘의 영향을 많이 받았습니다. 존 홉킨스, 닐스 프람, 브라이언 에노 등은 모두 반복, 반복 패턴, 점진적인 텍스처 변화와 같은 미니멀리즘 프로세스 기법을 채택하여 몰입감 있는 사운드스케이프를 구축했습니다.

현재 영화 음악의 왕으로 불리는 한스 짐머도 미니멀리즘 기법을 사용합니다. 스티브 라이히의 페이징 실험을 연상시키는 느린 하모닉스 변화를 들어보려면 그의 인터스텔라 스코어에서 확인해 보세요.

반복, 단순함, 점진적인 변화를 강조하는 미니멀리즘은 여러 장르의 작곡가들에게 영감을 주며 그 영향력이 광범위하면서도 오래 지속됨을 증명하고 있습니다.

미니멀 스타일로 새로운 음악을 작곡하기 위한 영감을 찾고 있거나 단순히 장르에 몰입하고 싶다면 이 훌륭한 입문용 재생 목록을 들어보시기를 적극 추천합니다.

이제 나가서 음악을 최소화하세요!