곡을 쓰는 일은 모든 싱어송라이터에게 즐거운 과정이지만, 그들에게 물어보면 곡을 쓰는 일이 얼마나 힘든지 부인할 수 없을 것입니다. 우리는 존 메이어와 같은 위대한 작곡가를 훌륭한 멜로디 라인 위에 새로운 아이디어를 얹는 아티스트로 생각하기 쉽지만, 창작 과정 없이도 신기하게도 좋은 곡이 만들어지기도 합니다. 하지만 실제로 모든 위대한 작곡가들은 좋은 곡을 만들기 위해 세심하게 따라야 하는 복잡한 작곡 과정을 거칩니다.

오늘날과 같이 빠르게 변화하는 음악 산업에서는 한 곡의 음악적 여정을 볼 기회가 없습니다. 우리는 곡을 듣고 나서 그 곡이 처음의 아이디어에서 전체 곡의 구조로 어떻게 발전했는지 알지 못한 채 넘어갑니다. 우리는 음악이 주는 느낌에 만족할 뿐, 그 너머를 들여다보거나 작곡 과정을 이해하려고 노력하지 않습니다.

가사 작사는 의심할 여지 없이 곡을 쓸 때 가장 중요한 부분 중 하나입니다. 음악 프로듀서들은 이 점을 잘 알고 있기 때문에 음악적 아이디어에 무작정 가사를 붙이는 것보다 자신의 프로세스를 잘 아는 작곡가를 고용하는 것을 선호합니다.

성공한 밴드도 초기 싱어송라이터 이외의 작곡가를 고용해야 하는 시점에 도달하게 됩니다. 이를 통해 음악 제작 과정의 질을 높이고 경우에 따라서는 작가 블록을 극복하는 데 도움이 됩니다. 이것은 우리가 보지 못하는 커튼 뒤에서 얼마나 많은 작업이 이루어지는지 보여줍니다.

음악 경력을 시작했고, 캐치한 비트 위에 아름다운 코드 진행을 떨어뜨렸습니다. 이제 가사를 써야 하는데 종이에 적은 가사가 만족스럽지 않은 것 같습니다. 이는 작사 과정의 문제일 가능성이 높으며, 이 글에서는 가시적인 결과를 보여줄 수 있는 10가지 실행 가능한 기법을 소개하고자 합니다.

이 작곡 팁은 모든 유형의 작곡 경력에 적용되며, 이를 읽어보면 창작 과정의 모든 유형의 블록을 인식할 수 있습니다. 그런 다음 지금부터 소개할 실행 가능한 팁 중 하나를 통해 그들과 소통할 수 있을 것입니다.

지나친 생각에 빠지지 않고 더 빠르고 진정성 있게 곡을 쓸 수 있습니다.

자세히 알아보겠습니다.

1. 단순하게 유지합니다.

이것은 말처럼 쉽지 않은 팁 중 하나입니다. 청중의 마음을 사로잡을 곡을 쓰는 데 집착하는 것은 매우 이해할 수 있지만, 아이러니하게도 대부분의 팝과 록 히트곡은 주로 단순합니다. 코드 진행은 이해하기 쉽고 몸을 움직이기 쉬우며, 가사는 복잡하지만 모든 것이 단순합니다.

우리는 우리의 이름을 사방에 울려 퍼지게 할 일종의 혁명적인 가사 콘텐츠가 필요하다고 생각하지만, 역사상 우리가 가장 좋아하는 노래들을 보면 기억하기 쉬워서 시간을 견뎌냈다는 것을 알 수 있습니다.

중요한 것은 청중에게 무엇을 말해야 하는가입니다. 곡을 쓸 때는 청중을 생각하고 그들이 메시지를 쉽게 이해하고 멜로디를 기억할 수 있도록 만들어야 합니다. 이것이 바로 많은 팝 히트곡이 눈길을 사로잡고 잊을 수 없게 만드는 이유입니다.

2. 자신을 기록합니다.

작곡가들은 초안을 녹음하기도 전에 신곡을 포기했다가 테이프에 녹음된 후 다른 사람들이 좋아하는 것을 확인하는 경우가 매우 흔합니다. 작업하는 동안 가끔씩 자신의 목소리를 녹음하는 습관을 들이는 것이 좋습니다. 무언가를 추가하거나 변경할 때마다 마이크를 꺼내서 녹음하세요. 이렇게 하면 자신의 소리가 어떻게 들리는지, 자신의 스타일에 맞는 것과 그렇지 않은 것이 무엇인지 알 수 있습니다.

결국 마음에 들지 않더라도 나중에 음악을 만들면서 다시 떠올릴 수 있는 아이디어가 더 많아지는 것을 느낄 수 있습니다. 보이스 레코더의 오래된 아이디어로 돌아와서 그 아이디어에 잠재력이 있다는 것을 깨닫는 것은 멋진 느낌입니다. 게다가 과거의 자신에 의해 이미 토대가 마련되었으니까요.

작곡가는 자신의 스타일에 대해 청중이 어떻게 반응할지 엿볼 필요가 있으므로 직접 녹음하는 것은 친구 및 가족과 공유하여 피드백을 받을 수 있는 좋은 방법이기도 합니다.

3. 멜로디 라인 작업하기.

때로는 멜로디 라인이 프로덕션에서 전달하려는 내용과 일치하지 않아서 스스로에게 좌절감을 안겨줄 때가 있습니다. 베이스라인을 추가하거나 가사를 써보려고 최선을 다해 보지만 제대로 들리지 않아요. 멜로디를 다시 작업하거나 변경해 보세요.

변화는 영감을 불러일으키기 때문에 창작자들은 작가적 블록에 빠졌을 때 풍경을 바꾸는 것을 좋아합니다. 멜로디의 한 가지 또는 여러 측면을 바꾸면 곡에 새로운 느낌이 생기고, 영감을 얻을 수 있는 다른 음악적 정신적 풍경을 만들 수 있습니다. 주저하지 말고 시도해 보세요.

코드 진행을 연습하거나 다른 악기를 사용하거나 새로운 악기를 추가해 보세요. 새로운 아이디어가 떠오를 수도 있습니다. 물론 멜로디 작업을 시작하거나 완전히 바꾸기 전에 초안을 저장해 두는 것이 좋습니다.

4. 휴식 취하기.

곡을 작업할 때 저희는 곡을 개인적인 것으로 만드는 경향이 있습니다. 곡을 쓸 때 작가적 블록에 부딪히면 억지로 곡을 완성하려고 노력합니다. 안타깝게도 창의적인 두뇌는 그런 식으로 작동하지 않으며, 다음 날 샤워를 하거나 밖에서 커피를 마시다가 돌파구를 찾을 가능성이 높습니다.

창의적인 두뇌는 스트레스가 적은 환경에서 긴장을 풀고 점을 연결하여 더 많은 아이디어를 낼 수 있을 때 더 잘 작동합니다. 그러니 곡이 막히는 느낌이 든다면 잠시 휴식을 취하세요. 우리 뇌는 때때로 휴식을 취하는 것이 매우 중요합니다. 작곡 과정을 무리하게 진행하면 일반적으로 곡의 질이 떨어집니다.

우리는 깨어난 순간부터 잠들 때까지 활발한 두뇌 활동을 장려하는 사회에서 살고 있지만, 꼭 그럴 필요는 없습니다. 지구상에서 가장 창의적인 사람들에 대한 연구를 해보면 그들은 두뇌의 휴식을 가볍게 여기지 않는다는 것을 알 수 있습니다. 그들에게 휴식은 예술만큼이나 중요한 과정입니다.

5. 초안에서 연습하기.

특히 초보자의 경우 모든 곡을 출판용으로 만들어야 하는 것은 아닙니다. 작곡 근육을 키우려면 대략적인 초안이 필요합니다. 이것은 가장 중요한 작곡 팁 중 하나입니다 . 코드 진행을 몇 개 떨어뜨리고, 킥과 스네어를 추가하고, 이것이 다음 곡이 될 것이라고 결정합니다. 꼭 그럴 필요는 없습니다. 보디빌더가 대회에서 자신을 드러내기 전에 몇 년 동안 같은 동작을 반복해야 하는 것과 마찬가지로 작곡도 특정 숙달을 달성하기 위해 같은 유형의 반복이 필요하다고 생각하세요.

트랙에서 연주하고 실험하는 것을 두려워하지 마세요. 들어보고 소리가 좋은지 판단한 다음 더 많은 음악을 만드는 연습을 하세요. 올바른 트랙이 나오면 언제 발표할 준비가 되었는지 알 수 있을 것입니다. 초안을 작업하고 있다는 사실을 인정하면 곡을 작업할 때 두뇌에 더 많은 자유를 줄 수 있습니다. 초안이 언제 좋은 곡으로 바뀔지 아무도 모릅니다.

6. 몇 가지 제한 설정하기.

창의력에는 예술가들을 매료시키는 즉흥적인 영감의 측면이 있으며, 그 장점도 있습니다. 하지만 영감에 몇 가지 제한을 두면 작곡 과정에서 더 효율적으로 작업하는 데 도움이 될 수 있습니다. 캐릭터, 짧은 스토리, 제한된 코드 수 등 방향을 설정하고 나중에 작곡하는 동안 결정을 내릴 수 있는 모든 것을 정의해 두면 나중에 작곡하기가 더 쉬워집니다.

이 구조는 곡이 발전하는 것을 알아차리지 못할 정도로 자연스럽게 발전합니다. 스스로 설정한 한계만 고수하고 있다고 생각하지만, 오히려 같은 방향으로 작곡을 성장시키고 있는 셈이죠. 이렇게 하면 곡의 모든 요소가 시작하기 전에 정의되었기 때문에 비전에 맞출 수 있습니다.

말할 필요도 없이, 요즘 대부분의 노래는 전체적인 구조는 같지만 약간의 변화를 주어 색다른 느낌을 줍니다. 특히 팝송이 그렇습니다.

7. 아이디어 캡처하기.

초보 작곡가들이 가장 흔히 저지르는 실수 중 하나는 스튜디오에 들어가기 전에 아이디어를 확인하지 않고 방치하는 것입니다. 대부분의 아이디어는 샤워할 때, 밥을 먹을 때, 고속도로에서 운전할 때 떠오르는데, 집에 갈 때까지 그대로 두는 것이 가장 흔한 반사 작용입니다. 결국 집에 가서도 직장에서의 대화나 다른 일에 묻혀서 아무것도 찾지 못합니다.

작곡가가 멜로디와 사운드를 위한 보이스 레코더와 서정적인 내용을 위한 노트를 가지고 다니는 이유가 바로 여기에 있습니다. 아이디어가 떠오르는 순간 종이에 적고 보이스 레코더에 어떻게 들릴지 녹음합니다. 그러면 아이디어가 안전하게 보관되어 스튜디오에서 바로 활용할 수 있습니다.

노트북과 음성 녹음기를 들고 다니기 부담스럽다면 휴대폰 하나로 모든 것을 해결할 수 있습니다. 아이디어를 캡처하기만 하면 생산성이 하늘을 찌를 듯이 높아집니다.

8. 트랙 레퍼런스를 공부하세요.

곡을 쓸 때 트랙 레퍼런스를 마음 한구석에 두고 있으면 매우 유용합니다. 작곡의 방향에 영감을 주는 곡을 사용하세요. 비트를 연구하고, 베이스라인을 분석하고, 코드 진행을 분석하세요. 이렇게 하면 음질과 전반적인 완성도 측면에서 곡을 비교할 수 있습니다.

이는 음악 프로듀서들 사이에서 흔히 볼 수 있는 관행입니다. 함께 작업할 때 보통 레퍼런스 트랙을 요청합니다. 이를 통해 곡이 어떻게 발전할 것인지에 대한 아이디어를 얻을 수 있고 일반적으로 작업 과정이 더 쉬워집니다.

이 팁은 음악을 작곡하지 않을 때에도 작업 과정의 어느 순간에나 사용할 수 있습니다. 좋아하는 곡을 가지고 제목부터 아웃트로까지 해체해 보세요. 무엇이 훌륭한 곡이 되는지 조금씩 알아가다 보면 다음에 곡을 쓸 때 유용하게 활용할 수 있을 것입니다.

9. 음악 이론 배우기.

음악 이론은 음악에 대한 이해의 폭을 넓혀주므로 음악적 아이디어로 종합할 수 있는 더 많은 요소를 머릿속에 떠올리게 해줍니다. 일반적인 코드 진행을 다르게 바라보게 되고, 단순한 아이디어를 논리적으로 발전시킬 수 있게 됩니다.

한 번에 모든 것을 배울 필요는 없으며, 자료의 품질을 높이고 음악적 이해도를 높이기 위한 기본적인 이해만 있으면 됩니다. 예를 들어 장조 코드나 단조 코드 진행의 이론부터 시작해서 다양한 모양을 익혀서 연주할 수 있습니다.

거창한 단어처럼 들릴지 모르지만 음악 이론은 우리가 음악에서 하는 모든 일의 바탕이 되는 의미일 뿐입니다. 작곡에 도움이 될 뿐 아니라 더 이상 같은 네 개의 코드에 갇혀 있지 않을 것입니다.

작곡에 바로 도움이 될 만한 목록은 다음과 같습니다:

• 리듬: 박자표, 오프 비트 리듬 등
• 악보 읽기: 음정, 음표 지속 시간 리듬 등
• 코드 진행: 일반적인 코드 진행, 케이던스, 코드 모양 등
• 음계: 장조 및 단조 음계, 키.
  

10. 악기에서 멀리 떨어져 쓰기.

가사를 쓸 때 피아노를 계속 치는 것이 매우 논리적으로 보일 수 있지만, 가장 혁신적인 방법은 아닙니다. 효과는 좋지만 익숙한 작곡 패턴에 빠질 위험이 있습니다.

악기에 대한 실력은 제한되어 있지만 상상력은 그렇지 않습니다. 따라서 악기로 시작하는 대신 산책을 하며 멜로디를 흥얼거려 보세요.

탑라인과 구조가 정해지면 집으로 돌아가서 이를 뒷받침하는 코드 진행을 설정하세요. 악기와 도구를 비전으로 가져오는 것이지, 그 반대가 아닙니다.

유명한 톰 웨이츠는 작곡하는 방식이 매우 독특했습니다. 그는 라디오 네다섯 대를 둘러앉아 각기 다른 채널을 틀어놓곤 했습니다. 겹쳐서 흘러나오는 노래들을 들으며 다음 곡에 대한 영감을 얻곤 했습니다. 이는 때때로 영감을 얻기 위해 악기에서 벗어나 독특한 방법을 시도해야 한다는 것을 보여줍니다.

초보자들이 흔히 저지르는 실수 중 하나는 가사 없이 곡 전체를 만든 다음 가사를 끼워 맞추려고 애쓰는 것입니다. 가사는 노래 구조의 핵심 요소이므로 가사를 중심으로 프로젝트를 발전시켜야 합니다.

11. 노래 구조 배우기.

최종 결과가 어떻게 될지 모르는 상태에서 직소 퍼즐을 시작하면 어떤 조각이 어디로 갈지 무작정 도박을 하게 될 가능성이 높습니다. 작곡도 마찬가지입니다. 창작 과정을 위한 캔버스가 필요하고, 그 캔버스는 개인화되어야 합니다. 각 곡마다 곡의 구조가 다릅니다.

시중에는 많은 노래 구조가 있으며, 목표로 하는 노래 장르에 따라 다릅니다. 가장 유명한 것은 팝 구조( 절, 전렴구, 후렴구 )인데, 이는 매우 잘 작동하여 하나의 공식이 되었습니다. 성공의 비결.

물론 다른 것을 목표로 하고 있다면 다른 노래 구조를 시도해보고 자신에게 맞는지 확인해 볼 수 있습니다. 여기서 가장 중요한 것은 이러한 구조를 사용하여 노래를 구성하는 방법을 배우고, 선택한 구조를 나침반 삼아 프로젝트를 개발하는 것입니다.

12. 작곡에 대한 접근 방식을 다양화하세요.

이전 곡에서는 효과가 있었던 방법이 현재 곡에서는 효과가 없을 수도 있습니다. 그렇기 때문에 이전 작업과 동일한 접근 방식을 사용했음에도 불구하고 때때로 곡에 어려움을 겪을 수 있습니다. 이는 지극히 정상적인 현상이며, 이런 식으로 곡에 어려움을 겪는 것은 좋은 현상입니다. 이는 노래에 참신함이 있다는 뜻이며, 참신함을 이전 프로젝트와 같은 방식으로 다룰 수 없다는 뜻입니다. 새로운 접근 방식이 필요합니다.

새로운 접근 방식이란 적어도 무언가 효과가 있을 때까지 어떤 식으로든 프로세스를 바꿔야 한다는 뜻입니다. 가사를 쓰기 전에 음악을 쓰는 데 익숙하다면 그 반대의 방법을 시도해 보세요. 항상 기타로 곡을 썼다면 이번에는 키보드로 해보세요. 노래 앞에 제목을 쓰는 경우에는 반대로 해보세요. 무엇이든 사용하여 기존 방식이 아니라는 것을 두뇌에 알려주면 도움이 되는 아이디어가 더 많이 떠오를 것입니다.

13. 개인적인 경험을 되돌아봅니다.

최고의 노래는 우리가 공감할 수 있는 노래입니다. 아름다운 멜로디 라인과 복잡한 드럼 패턴도 좋지만, 익숙한 상황이나 자신이 겪은 일을 노래로 표현할 때는 다르게 다가옵니다. 그렇기 때문에 개인적인 경험을 노래의 소재로 사용하는 것을 추천합니다.

청중과 어떤 경험을 공유하고 싶은지 정의하고 어떤 분위기로 글을 쓸지 설정해 보세요. 이렇게 하면 노래의 모든 요소를 전달하고자 하는 스토리에 맞춰 분위기를 설정하고 작업 과정에서 결정을 내리기 쉬워집니다. 여러분의 삶이 더 쉬워지고 청중에게도 의미 있는 노래를 선사할 수 있습니다. 특히 청중이 여러분이 무슨 말을 하는지 알고 있다면 더욱 그렇습니다.

이것이 바로 "Imagine"이나 "We are the world"와 같은 노래가 전 세계적으로 영원한 영향을 미친 이유입니다. 누구나 노래에 담긴 이야기에 공감할 수 있었고, 모든 사람이 동질적인 요소로 노래를 이해할 수 있었기 때문입니다.

14. 다른 곳으로 이동.

창의성과 일상은 물과 기름과 같아서 전혀 섞이지 않습니다. 뇌는 자극을 받으면 창의력을 발휘할 가능성이 훨씬 더 높아지는데, 참신함만큼 좋은 자극이 있을까요? 항상 스튜디오에서 일한다면 풍경을 바꾸고 공원에 가보세요. 항상 같은 사람들과만 어울린다면 오랜 친구에게 전화를 걸거나 새로운 사람을 만나보세요. 일상적인 패턴을 깨고 두뇌를 발견 모드로 전환할 수 있는 무엇이든 시도해 보세요.

가수와 작곡가들 사이에서 일상적인 활동에서 벗어나 고립되어 있다가 얼마 후 노래에 사용할 가사를 준비해 돌아오는 것은 매우 흔한 일입니다. 물론 사회생활에 지장을 주지 않는 범위에서 어느 정도는 권장할 수 있지만, 이는 마술이 아니라 뇌를 자극하는 신기한 음식일 뿐입니다.

15. 도움 요청하기.

이 글의 마지막까지 이 팁을 간직하고 있을지도 모르지만, 가장 필요한 작곡 팁 중 하나입니다. 특히 음악 산업에서 혼자서 성공하는 아티스트는 없습니다. 팀 전체가 힘을 합쳐야 하고 작곡가는 도움을 요청해야 합니다.

친구에게 물어보거나 업계에 아는 사람에게 물어보거나 시학 교수에게 이메일을 보내보세요. 음악 경력을 향상시키는 방법에 대한 해답을 얻을 수 있으니 부끄러워하지 말고 배우고 성장하는 데 있어 주저하지 마세요.

최고의 아이디어는 협업을 통해 나온다는 것을 아티스트들은 잘 알고 있습니다. 이것이 바로 '피처링'이 음악 산업에서 큰 비중을 차지하는 주된 이유입니다. '혼자서 모든 것을 해내야 한다'는 태도를 더 믿으실 수도 있지만, 장기적으로는 도움이 되지 않습니다. 언젠가는 도움을 요청해야 할 때가 올 것이므로 지금 도움을 요청하는 것이 좋습니다.

16. 샘플 사용.

샘플링은 음악 프로듀서들 사이에서 주요한 기법입니다. 샘플링은 바로 사용할 수 있는 자료( 멜로디 루프, 드럼 패턴 등)를 작곡 중인 곡의 일부로 작업하는 과정입니다. 다른 사람의 자료를 사용하기 때문에 작곡 과정이 더 쉬워지는 동시에 도움을 받을 수 있습니다. 마치 누군가가 곡의 완성도를 높일 수 있는 부분을 제공함으로써 내 곡을 도와주는 것과 같습니다.

이 관행은 많은 비평가들에 의해 진정성이 없는 것으로 간주되는 일종의 딜레마가 있었습니다. 하지만 아티스트들이 샘플을 사용해 만든 훌륭한 작품도 있고, 이 방식이 잘못된 것은 아닙니다. 음악은 여전히 동일한 12개의 건반이 다른 방식과 패턴으로 반복되는 것입니다.

결론: 뜻이 있는 곳에 길이 있습니다.

작곡 실력을 향상하는 데 도움이 되는 다른 실행 가능한 방법은 많이 있지만, 가장 실용적이라고 생각되는 방법만 소개합니다. 어떤 방법은 다른 방법보다 더 마음에 들 수도 있지만, 모두 기억해 두세요. 유용하게 쓰일 것입니다. 작곡은 무엇보다도 재미있어야 한다는 것을 잊지 마시고, 진정성 있는 곳에서 글을 써야 한다는 것을 잊지 마세요. 나머지는 저절로 따라올 것입니다.