Precis som Nickelback får minimal musik ibland dåligt rykte. Den är lätt att göra. Den är billig. Den leder ingenstans. Minimalistiska kompositörer är lata.

Du förstår vad jag menar.

Även om minimalistisk musik (som all annan musik) har potential att vara mindre än fantastisk, är verkligheten den att den kan vara ganska cool, oavsett om du gör den eller lyssnar på den.

Det började, som alla coola saker gör, som en reaktion mot de vanliga konventionerna inom västerländsk musik. Sedan starten i New York City har genren påverkat många genrer och inspirerat kompositörer över hela världen.

Om du är nybörjare inom denna musikstil har du kommit till rätt ställe. I den här artikeln kommer vi att titta på en kort historik och tillväxten av minimal musik, vilka de framstående minimalistiska kompositörerna är, viktiga egenskaper hos stilen och hur man börjar skapa din egen minimalistiska musik.

Sitter du bekvämt? Låt oss börja....

Historisk kontext: Den minimalistiska musikens födelse

Tidiga influenser

Minimalmusiken uppstod i den berusande smältdegeln i 1960-talets New York, men om man går lite längre tillbaka i den klassiska musikhistorien hittar man experimentella kompositörer som banade väg för stilens utveckling.

Mellan slutet av 1800-talet och början av 1900-talet bröt Erik Satie den klassiska världens form med sitt sätt att komponera. Hans tidiga verk för solopiano förmedlade en vacker enkelhet medan andra kompositörer gick på högvarv.

Till exempel är de tre första styckena i Saties Gnossiennes för solopiano i fri tid; de har inga taktstreck eller taktsignaturer. Det kanske inte verkar så märkvärdigt om man gillar Brian Eno, men på den tiden var detta ett ganska radikalt sätt att komponera.

Om vi hoppar framåt i tiden fick John Cages verk människor att fundera två gånger på vad som utgjorde musik. Hans berömda 4'33'' framfördes första gången 1952 och väckte snabbt kontroverser eftersom ingen av de medverkande spelade en enda ton. Allt handlade om "frånvaron av avsedda ljud".

Influenser från icke-västerländska musiktraditioner föregår också minimalmusikens födelse. Afrikanska rytmer, klassisk musik från Hindustani och "etniska" instrument som gamelan hade funnits länge innan den amerikanska minimalmusiken dök upp på scenen.

Uppkomsten av minimal musik

Det är inte helt klart varifrån termen minimal music kommer, men den musikstil som vi förstår idag började först dyka upp som en del av Avant Garde-musikscenen på västkusten i slutet av 1950-talet. Den spred sig senare till New York, där den fann en själsfrände i New York Hypnotic School - en form av experimentell musik på den tiden.

Det var inte bara musiken som inspirerades av minimalismen. Nästan alla konstformer svarade på idén om att mindre är mer, och det pågick en oändlig undergroundverksamhet inom litteratur, måleri, skulptur och film för att skapa minimal konst. Faktum är att många tidiga framträdanden med minimal musik ägde rum i konstgallerier och loft snarare än i traditionella konsertlokaler.

Pionjärerna: Tidiga minimalistiska kompositörer

Den minimalistiska musikrörelsen omfattade ursprungligen dussintals icke namngivna kompositörer. Ur denna melée framträdde fyra nyckelpersoner som den tidens mest framträdande minimalistiska tonsättare. Alla fyra amerikanska tonsättare var födda med ett par års mellanrum och studerade traditionell västerländsk klassisk musik.

Och, vilket är typiskt för musikhistorien, alla dessa kompositörer är också vita och manliga. Suck.

La Monte Young

La Monte Young är förmodligen den minst kända i den här gruppen. Han kallas "the daddy of us all" av Brian Eno och är mest känd för sin användning av långa ihållande toner i sitt arbete.

Faktum är att när han studerade på Berkeley vägrade hans kompositionslärare att betygsätta hans komposition Trio for Strings eftersom den bara bestod av tre mycket långa noter. Föga anade de att denna förkärlek för drönare senare skulle bli ett banbrytande arbete.

La Monte Youngs drömmusik, som den ursprungligen kallades, utgjorde stommen i musikkollektivet Theatre of Eternal Music och får en uppskattande nick i noterna till Lou Reeds album Metal Machine Music från 1975.

Man kan lugnt säga att även om La Monte Young inte har gett ut särskilt mycket inspelat material under sin livstid, så har hans inflytande känts av över hela världen.

Terry Riley

Terry Riley är både vän och samarbetspartner till Young, men utforskar minimalism genom repetition, särskilt med hjälp av bandloopar och delay.

Rileys användning av repetition var inte begränsad till den elektroniska sfären; ett av hans mest kända verk, In C, använder en liknande process för levande instrument. En artist står för den rytmiska grunden (på C, naturligtvis), medan de andra artisterna (som kan vara hur många som helst, på vilket instrument som helst) spelar sig igenom 53 melodiska celler, med endast ett fåtal grundläggande förslag som vägledning. Resultatet är fascinerande och hypnotiskt.

Med sitt fokus på modulär komposition skulle man kunna säga att Terry Riley är den ursprungliga Ableton. Om en musikkritiker skulle hålla med är en annan sak, men oavsett vilket har Riley haft stort inflytande inte bara på experimentell musik utan även på rock och modern elektronisk musik.

(En sidoanteckning: kolla in hans Mescalin Mix för att få en läskig smak av hur Rileys tidiga musik lät).

Steve Reich

Detta modulära sätt att skapa musik var också en favorit hos Steve Reich. I Reichs fall utforskar han en teknik som kallas fasförskjutning, där samma material framförs men varje del börjar vid en något annorlunda tidpunkt och kan spela i ett subtilt annorlunda tempo.

Steve Reich började sina experiment med minimal musik med hjälp av band; tidiga kompositioner inkluderar It's Gonna Rain (1965) och Come Out (1966). Båda verken är klassiska exempel på fasförskjutning och ger en tidig inblick i de samplingstekniker som senare skulle komma att prägla den elektroniska musiken.

Precis som Riley använde Steve Reich sin metodik för minimal musik på akustiska instrument. Piano Phase (1967) återskapar bandloop-effekten med hjälp av två pianon. Varje piano spelar samma melodiska linje unisont, men det ena pianot ökar gradvis hastigheten. Eftersom allt sker live är inget framförande det andra likt (även om man naturligtvis kan lyssna på en inspelning).

Senare i sin karriär blev Reich mer intresserad av att använda slagverk i sammankopplade rytmiska mönster, liknande de polyrytmer som finns i afrikanska trummor.

Philip Glass

En av de kanske mest kända amerikanska kompositörerna av nutida musik är Philip Glass.

Precis som Young, Reich och Riley befann sig Philip Glass i New York när den tidiga minimalmusiken började ta form och studerade vid Juilliard. Det var först 1967, när han återvände från vistelser i Frankrike och Indien, som Glass började uppmärksamma och influeras av Steve Reichs verk.

I likhet med Reich fick Glass tidigt stöd från konstgallerier, och hans musik presenterades tillsammans med minimalister inom bildkonsten på okonventionella platser.

Hans ensembler består av orglar, pianon och blåsinstrument, särskilt saxofoner, samt mer idiosynkratiska instrument, som förstärkta bordsskivor. Glass musik är lätt att känna igen och blandar indisk musik, minimalism och hans egen personliga stil, som föddes ur långa timmar då han tillsammans med sin far lyssnade på skivor från den familjeägda musikaffären.

Förutom att Glass musik förknippas med den tidiga minimalismen har den hörts i filmer, på operahus och på Broadways scener. Till detta kommer ett stort antal solo- och kammarmusikstycken samt verk för stråkkvartett och mindre instrumentalensembler.

En ganska produktiv kille, för att vara minimalist.

Funktioner i Minimalist Music

Så vi vet hur minimalistisk musik uppstod och vilka som var i framkant på scenen. Låt oss ta en titt på minimalistiska drag i musiken.

Begränsat eller minimalt med material

Minimalmusik kan enligt sin definition innefatta allt som skapats för mycket begränsade instrument. Det kan vara ett grundläggande elektroniskt muller under ett loopande saxofonljud, eller en grupp eklektiska "found sound"-instrument, som en kastrull och ett säkerhetsbälte.

Stycken som bara använder några få ord i texten (som Steve Reichs tidigare nämnda It's Gonna Rain ) är också minimalistiska, liksom stycken som bara använder några få toner genom hela stycket (inte du Nickelback).

Repetition och cykler

Musik som innehåller korta musikaliska mönster eller celler som upprepas under längre perioder kan betraktas som minimalistisk. Terry Riley och Steve Reich anammade båda idén om upprepning i sina verk, och Philip Glass är välkänd för sin användning av repetitiva strukturer när hans musik rör sig i ändlösa cirklar.

Gradvis utveckling

Att bara upprepa en fras om och om igen blir snabbt uttjatat, så idén att införa subtila variationer eller tillägg över tid är ett av minimalismens framträdande drag. Steve Reich var en mästare på detta med sin fasförskjutningsteknik.

Pulsdrivna rytmer

Enkla, pulsdrivna rytmer som ger en hypnotisk känsla är också ett kännetecken för minimal musik. Philip Glass är välkänd för de rytmiska kvaliteterna i sin musik, en kvalitet som fortsatte att påverka samtida musikstilar som rock och EDM.

Publikens uppfattning

Att försöka ringa in en viss musikstil eller -genre är alltid knepigt. Ingenting kommer någonsin att passa in i ett "minimalistiskt" eller "popmusik"-format hål. På samma sätt behöver inte alla ovanstående egenskaper vara närvarande för att musik ska vara minimalistisk, och inte heller att ha dessa egenskaper i större eller mindre grad gör ett musikstycke minimalistiskt.

Den kanske viktigaste aspekten av minimal musik är hur den tillåter publiken (eller tvingar den, beroende på hur man ser på saken) att fokusera på vad som händer i musiken.

Till skillnad från musikalisk underhållning som presenteras som en berättelse eller en resa, innebär upplevelsen av att lyssna på minimal musik att man måste vara uppmärksam på vad som händer i själva musiken.

Ett musikstycke som består av endast två eller tre toner som spelas under, säg, femton minuter tvingar lyssnaren att verkligen koncentrera sig på framförandet och gör att lyssnandet spelar en aktiv roll i musiken.

Jag skulle vilja påstå att det är det som gör musik minimalistisk.

Hur man skapar minimalistisk musik

Om du har siktet inställt på att bli nästa Philip Glass eller John Adams måste du börja skriva lite minimal musik! Här är några idéer som hjälper dig att komma igång.

Välj ditt fokus

Bestäm dig för det grundläggande elementet i ditt verk. Detta kan vara:

• en rytm
• en harmoni, t.ex. en öppen kvint eller en stor terts
• en melodi
• ett utdrag ur ett tal (se till att du har rätt att göra detta om du planerar att publicera ditt arbete!)

Minimalistiska kompositörer bygger ofta hela sina kompositioner på en enda idé, så välj ett grundläggande element som hörnsten för ditt stycke.

Vad du än väljer, se till att det är kort. Om du går La Monte Young-vägen med långa ihållande noter är det bra - den ursprungliga idén kommer fortfarande att vara kort!

Skapa ett repetitivt mönster

När du har valt din grund använder du den för att skapa ett repetitivt mönster.

Om du använder en rytm, programmera den eller spela in den med ostämda slagverksinstrument - du kan alltid lägga till mer stämda instrument senare.

Om det är en melodi, spela in den och loopa den.

Om det är en harmoni, använd ett ihållande ljud som en synthpad för att programmera harmonin, och håll kvar det under en tidsperiod. (Proffstips: Bounca ut detta som ljud istället för att använda MIDI, så att du hör ljudet var du än startar uppspelningen från ) .

Den hypnotiska effekten av minimalism kommer från konstant upprepning, vilket skapar en meditativ känsla.

Begränsa din palett

Nu när du har kartlagt grunden är det dags att börja fundera på hur saker och ting ska utvecklas över tid. Till att börja med måste du bygga upp din ljudpalett.

Oavsett om du använder elektroniska instrument eller spelar in akustiskt ska du begränsa antalet instrument du använder i stycket till bara en handfull. Detta hjälper dig att komma in i det minimalistiska tänkesättet och förhindra att saker och ting blir för röriga. Det tvingar dig att tänka djupare på hur saker och ting kan förändras över tid.

Även om du planerar att bygga en växande vägg av ljud kring en harmoni är det en bra idé att använda flera versioner av bara en handfull olika instrument.

Inför små variationer

Välj ett element och ändra det gradvis.

Om du har börjat med ett instrument som spelar en enkel melodi ostinato, kan du prova att gradvis föra in ett andra instrument och sedan ett tredje.

Alternativt kan du experimentera med att lägga till eller ta bort en ton i mönstret, eller om du har två instrument som spelar samma motiv kan du justera timingen på det ena instrumentet så att det hamnar ur fas.

Dynamik är ett annat bra sätt att introducera subtila variationer till en repetitiv idé samtidigt som musikens kärnidentitet bibehålls.

Experimentera med skiktning

Om du har börjat med ett instrument som spelar en enkel melodi ostinato kan du gradvis föra in ett andra instrument och sedan ett tredje.

Kombinera detta steg med det föregående genom att införa variationer i dessa nya lager.

Omfamna tekniken

Elektroniska verktyg som DAW, hårdvarusequencers och looperpedaler gör det möjligt för alla att skapa minimal musik, så använd dem. Det finns gott om gratisverktyg som kan hjälpa dig med detta!

Förutom de samplings- och loopingfunktioner som finns i praktiskt taget alla DAW kan digitala effekter användas för att skapa en känsla av rymd. Utforska hur du genom att ändra parametrar i en delay- eller reverb-plugin med hjälp av automatisering kan skapa vild och underbar minimal musik från bara en idé.

Utmana dig själv

Sätt till exempel upp gränser för varje projekt du arbetar med:

• spela in med endast din röst
• spela in 30 minuters musik utan redigering
• använd bara ett ljud och flera effekter
• använda flera ljud och bara en effekt
• ändra taktarten i varje takt

Om du aldrig har försökt skriva i minimalistisk stil tidigare kanske du blir förvånad över hur svårt det kan vara att skala bort saker och ting. Nyckeln till minimalism är enkelhet och det reducerade antalet instrument som används. För att göra experimentell musik måste man fortsätta att experimentera!

Arvet från den minimalistiska musiken

Minimalistisk musik har kommit en lång väg från olika namnlösa kompositörer och oidentifierade performancekonstverk i New York på 1960-talet. Minimalismen har gjort ett bestående intryck på klassisk musik, EDM, rock och till och med filmmusik.

Kompositörer som Max Richter och Jóhann Jóhannsson blandar minimalistisk repetition med frodig orkestrering för att skapa känsloladdade verk som har nått en bred publik. Richters Sleep är en uppvisning i minimalismens uttrycksfulla flyt och meditativa kvaliteter.

Elektroniska musiker har också tagit stort intryck av minimalismen. Jon Hopkins, Nihls Frahm och naturligtvis Brian Eno har alla anammat minimalistiska processtekniker som repetition, loopmönster och gradvisa texturförändringar för att bygga uppslukande ljudlandskap.

Även den nuvarande kungen av filmmusik, Hans Zimmer, använder sig av minimalistiska tekniker. Kolla in hans musik till Interstellar för att höra långsamma harmoniska skiftningar som påminner om Steve Reichs fasningsexperiment.

Minimalismens betoning på upprepning, enkelhet och gradvis omvandling fortsätter att inspirera mer än ett fåtal kompositörer i många olika genrer, vilket visar att dess inverkan är lika bestående som den är expansiv.

Om du letar efter inspiration för att skriva ny musik i minimal stil, eller om du helt enkelt vill fördjupa dig i genren, rekommenderar jag starkt att du lyssnar på den här utmärkta introduktionsspellistan.

Gå nu ut och minimera musiken!