Wie Nickelback hat auch Minimal Music manchmal einen schlechten Ruf. Sie ist einfach zu machen. Sie ist billig. Sie führt nirgendwo hin. Minimalistische Komponisten sind faul.

Sie verstehen, worauf ich hinaus will.

Auch wenn minimalistische Musik (wie jede andere Form von Musik) das Potenzial hat, nicht so gut zu sein, kann sie in Wirklichkeit verdammt cool sein, egal ob man sie macht oder hört.

Es begann, wie alle coolen Dinge, als Reaktion auf die Mainstream-Konventionen der westlichen Musik. Seit seinen Anfängen in New York City hat das Genre viele Genres beeinflusst und Komponisten in aller Welt inspiriert.

Wenn dieser Musikstil für Sie neu ist, sind Sie hier genau richtig. In diesem Artikel geben wir einen kurzen Überblick über die Geschichte und die Entwicklung der Minimal Music, über die wichtigsten Komponisten der Minimal Music, die wichtigsten Merkmale des Stils und darüber, wie du deine eigene Minimal Music machen kannst.

Bequemes Sitzen? Lassen Sie uns beginnen....

Historischer Kontext: Die Geburt der minimalistischen Musik

Frühe Einflüsse

Minimal Music entstand im berauschenden Schmelztiegel der 1960er Jahre in New York City, aber wenn man in der Geschichte der klassischen Musik ein wenig weiter zurückgeht, findet man experimentelle Komponisten, die den Weg für die Entwicklung des Stils ebneten.

Zwischen dem Ende des 19. und dem Beginn des 20. Jahrhunderts sprengte Erik Satie mit seinem kompositorischen Ansatz den Rahmen der klassischen Welt. Seine frühen Werke für Soloklavier waren von schöner Schlichtheit, während andere Komponisten mit allen Wassern gewaschen waren.

Die ersten drei Stücke in Saties Gnossiennes für Klavier solo sind zum Beispiel in freier Zeit gehalten; sie haben keine Taktstriche oder Taktarten. Wenn man ein Fan von Brian Eno ist, mag das keine große Sache sein, aber damals war das ein ziemlich radikaler Ansatz für die Komposition.

Das Werk von John Cage brachte die Menschen dazu, zweimal darüber nachzudenken, was Musik ausmacht. Sein berühmtes Werk 4'33'' wurde 1952 uraufgeführt und löste schnell eine Kontroverse aus, da keiner der Interpreten auch nur eine einzige Note spielte. Es ging um die "Abwesenheit von beabsichtigten Klängen".

Einflüsse aus nicht-westlichen Musiktraditionen liegen ebenfalls vor der Entstehung der Minimal Music. Afrikanische Rhythmen, klassische Hindustani-Musik und "ethnische" Instrumente wie das Gamelan gab es schon lange, bevor die amerikanische Minimal Music auf den Plan trat.

Das Aufkommen der Minimal Music

Es ist nicht klar, woher der Begriff Minimal Music stammt, aber der Musikstil, wie wir ihn heute verstehen, tauchte erstmals in den späten 1950er Jahren als Teil der Avantgarde-Musikszene an der Westküste auf. Später breitete sie sich nach New York aus, wo sie in der New Yorker Hypnotic School - einer Form der experimentellen Musik jener Zeit - einen verwandten Geist fand.

Nicht nur die Musik wurde vom Konzept des Minimalismus inspiriert. Nahezu jede Kunstform reagierte auf die Idee, dass weniger mehr ist, und in der Literatur, der Malerei, der Bildhauerei und dem Film fanden endlose Untergrundaktivitäten statt, um Minimal Art zu schaffen. Tatsächlich fanden viele frühe Aufführungen von Minimal Music in Kunstgalerien und Lofts statt und nicht in traditionellen Konzertsälen.

Die Pioniere: Frühe Komponisten des Minimalismus

Die minimalistische Musikbewegung umfasste ursprünglich Dutzende von unbenannten Komponisten. Aus dieser Gruppe gingen vier Personen hervor, die zu den bedeutendsten minimalistischen Komponisten der damaligen Zeit wurden. Alle vier amerikanischen Komponisten wurden im Abstand von einigen Jahren geboren und haben alle traditionelle westliche klassische Musik studiert.

Und wie es für die Musikgeschichte allgemein typisch ist, sind auch alle diese Komponisten weiß und männlich. Seufz.

La Monte Young

La Monte Young ist wahrscheinlich der am wenigsten bekannte Vertreter dieser Gruppe. Von Brian Eno als "the daddy of us all" bezeichnet, ist er vor allem für die Verwendung von lang anhaltenden Tönen in seinem Werk bekannt.

Während seines Studiums in Berkeley weigerte sich sein Tutor, seine Komposition Trio for Strings zu benoten, da sie nur aus drei sehr langen Noten bestand. Sie ahnten nicht, dass diese Vorliebe für Drones später zu einem bahnbrechenden Werk werden würde.

La Monte Youngs Traummusik, wie sie ursprünglich genannt wurde, bildete das Rückgrat des Musikkollektivs Theatre of Eternal Music und wird in den Noten von Lou Reeds 1975 erschienenem Album Metal Machine Music gewürdigt.

Man kann mit Sicherheit sagen, dass La Monte Young zu seinen Lebzeiten zwar nicht viele Tonträger veröffentlicht hat, sein Einfluss aber weltweit zu spüren ist.

Terry Riley

Terry Riley, der mit Young befreundet ist und mit ihm zusammenarbeitet, erforscht den Minimalismus durch Wiederholung, insbesondere durch den Einsatz von Tonbandschleifen und Delay.

Rileys Einsatz von Wiederholungen war nicht auf den elektronischen Bereich beschränkt; eines seiner bekanntesten Werke, In C, verwendet einen ähnlichen Prozess für Live-Instrumente. Ein Interpret gibt die rhythmische Grundlage vor (natürlich auf C), während die anderen Interpreten (beliebig viele, auf jedem Instrument) sich ihren Weg durch 53 melodische Zellen bahnen, wobei sie nur von ein paar grundlegenden Anregungen geleitet werden. Das Ergebnis ist faszinierend und hypnotisch.

Mit seinem Schwerpunkt auf modularer Komposition könnte man Terry Riley als das Original von Ableton bezeichnen. Ob ein Musikkritiker dem zustimmen würde, steht auf einem anderen Blatt, aber so oder so hat Riley nicht nur die experimentelle Musik, sondern auch den Rock und die zeitgenössische elektronische Musik stark beeinflusst.

(Nebenbei bemerkt: sein Mescalin Mix gibt einen gruseligen Eindruck davon, wie Rileys frühe Musik klang).

Steve Reich

Dieser modulare Ansatz zur Schaffung von Musik war auch ein Favorit von Steve Reich. In Reichs Fall erforscht er eine Technik namens Phasenverschiebung, bei der dasselbe Material gespielt wird, aber jeder Teil zu einer leicht anderen Zeit beginnt und in einem subtil anderen Tempo gespielt werden kann.

Steve Reich begann seine Experimente in der Minimal Music mit Tonbändern; zu seinen frühen Kompositionen gehören It's Gonna Rain (1965) und Come Out (1966). Beide Werke sind klassische Beispiele für Phasenverschiebung in Aktion und bieten einen frühen Einblick in die Sampling-Techniken, die später die elektronische Musik bestimmen sollten.

Wie Riley wandte auch Steve Reich seine Methodik der Minimal Music auf akustische Instrumente an. Piano Phase (1967) stellt den Tonbandschleifen-Effekt mit zwei Klavieren nach. Beide Klaviere spielen unisono dieselbe melodische Linie, aber ein Klavier wird allmählich schneller. Da alles live gespielt wird, gleicht keine Aufführung der anderen (obwohl man sich natürlich auch eine Aufnahme anhören kann).

Später in seiner Karriere interessierte sich Reich mehr für den Einsatz von Schlaginstrumenten in ineinandergreifenden rhythmischen Mustern, ähnlich den Polyrhythmen des afrikanischen Trommelns.

Philip Glass

Einer der vielleicht bekanntesten amerikanischen Komponisten zeitgenössischer Musik ist Philip Glass.

Wie Young, Reich und Riley war auch Philip Glass in New York, als die frühe Minimal Music Gestalt annahm, und studierte an der Juilliard School. Erst 1967, als er von Aufenthalten in Frankreich und Indien zurückkehrte, begann Glass, dem Werk von Steve Reich Aufmerksamkeit zu schenken und sich von ihm beeinflussen zu lassen.

Wie Reich wurde auch Glass schon früh von Kunstgalerien gefördert, die seine Musik zusammen mit Minimalisten der bildenden Kunst an unkonventionellen Orten präsentierten.

Seine Ensembles bestehen aus Orgeln, Klavieren und Blasinstrumenten, insbesondere Saxophonen, sowie aus eigenwilligen Instrumenten wie verstärkten Tischplatten. Glass' Musik ist leicht wiederzuerkennen. Sie vermischt indische Musik, Minimalismus und seinen eigenen Stil, der aus dem stundenlangen Hören von Schallplatten aus dem familieneigenen Musikladen mit seinem Vater entstanden ist.

Glass' Musik wird nicht nur mit dem frühen Minimalismus in Verbindung gebracht, sondern ist auch in Filmen, in Opernhäusern und auf der Broadway-Bühne zu hören. Hinzu kommen zahlreiche Solo- und Kammermusikstücke sowie Werke für Streichquartett und kleine Instrumentalensembles.

Für einen Minimalisten ist er ein ziemlich produktiver Mann.

Eigenschaften von Minimalistischer Musik

Wir wissen also, wie die minimalistische Musik entstanden ist und wer an der Spitze der Szene stand. Werfen wir einen Blick auf minimalistische Züge in der Musik.

Begrenzte oder minimale Materialien

Der Definition nach kann Minimal Music alles umfassen, was für sehr begrenzte Instrumente geschaffen wurde. Das kann ein einfaches elektronisches Rumpeln unter einem geloopten Saxophon-Sound sein oder eine Gruppe von eklektischen "gefundenen" Instrumenten, wie ein Kochtopf und ein Sicherheitsgurt.

Minimalistisch sind auch Stücke, die nur wenige Worte Text verwenden (wie das bereits erwähnte It's Gonna Rain von Steve Reich ), sowie Stücke, die nur wenige Noten im gesamten Stück verwenden (nicht Nickelback).

Wiederholung & Zyklen

Musik, die kurze musikalische Muster oder Zellen enthält, die über längere Zeiträume wiederholt werden, kann als minimalistisch bezeichnet werden. Terry Riley und Steve Reich haben beide die Idee der Wiederholung in ihrem Werk aufgegriffen, und Philip Glass ist bekannt für seine Verwendung von sich wiederholenden Strukturen, während sich seine Musik in endlosen Kreisen bewegt.

Allmähliche Entwicklung

Eine Phrase einfach immer wieder zu wiederholen, wird schnell langweilig. Deshalb ist die Idee, im Laufe der Zeit subtile Variationen oder Ergänzungen einzuführen, eines der herausragenden Merkmale des Minimalismus. Steve Reich war mit seiner Technik der Phasenverschiebung ein Meister auf diesem Gebiet.

Pulsgesteuerte Rhythmen

Einfache, pulsierende Rhythmen, die eine hypnotische Qualität ausstrahlen, sind ebenfalls ein Merkmal der Minimal Music. Philip Glass ist für die rhythmischen Qualitäten seiner Musik bekannt, eine Qualität, die auch zeitgenössische Musikstile wie Rock und EDM beeinflusst hat.

Wahrnehmung des Publikums

Der Versuch, einen bestimmten Musikstil oder ein bestimmtes Genre festzulegen, ist immer schwierig. Nichts lässt sich ohne weiteres in ein "minimalistisches" oder "Popmusik"-Loch stecken. Ebenso müssen nicht alle der oben genannten Merkmale vorhanden sein, damit Musik minimalistisch ist, und auch das Vorhandensein dieser Merkmale in mehr oder weniger starkem Maße macht ein Musikstück nicht minimalistisch.

Der vielleicht wichtigste Aspekt der Minimal Music ist, dass sie dem Publikum erlaubt (oder es zwingt, je nachdem, wie man es betrachtet), sich auf das zu konzentrieren, was in der Musik passiert.

Im Gegensatz zur musikalischen Unterhaltung, die als Geschichte oder Reise präsentiert wird, geht es beim Hören von Minimal Music darum, auf das zu achten, was in der Musik selbst geschieht.

Ein Musikstück, das nur aus zwei oder drei Noten besteht, die über einen Zeitraum von etwa fünfzehn Minuten gespielt werden, zwingt den Zuhörer, sich wirklich auf die Darbietung zu konzentrieren, und lässt das Zuhören eine aktive Rolle in der Musik spielen.

Ich würde sagen, das ist es, was Musik minimalistisch macht.

Wie man minimalistische Musik macht

Wenn Sie der nächste Philip Glass oder John Adams werden wollen, müssen Sie anfangen, Minimal Music zu schreiben! Hier sind ein paar Ideen für den Anfang.

Wählen Sie Ihren Schwerpunkt

Entscheiden Sie sich für ein grundlegendes Element Ihrer Arbeit. Das könnte sein:

• ein Rhythmus
• eine Harmonie, z. B. eine offene Quinte oder eine große Terz
• eine Melodie
• einen Ausschnitt aus einer Rede (vergewissern Sie sich, dass Sie die Rechte dazu haben, wenn Sie Ihre Arbeit veröffentlichen wollen!)

Minimalistische Komponisten bauen ihre gesamte Komposition oft aus einer einzigen Idee auf, also wählen Sie ein Grundelement als Eckpfeiler für Ihr Stück.

Wie auch immer Sie sich entscheiden, achten Sie darauf, dass es kurz ist. Wenn Sie die La Monte Young-Route mit langen, anhaltenden Noten wählen, ist das in Ordnung - die ursprüngliche Idee wird trotzdem kurz sein!

Ein sich wiederholendes Muster erstellen

Wenn Sie sich für eine Grundlage entschieden haben, verwenden Sie diese, um ein sich wiederholendes Muster zu erstellen.

Wenn Sie einen Rhythmus verwenden, programmieren Sie ihn oder nehmen Sie ihn mit ungestimmten Perkussionsinstrumenten auf - Sie können später immer noch gestimmte Instrumente hinzufügen.

Wenn es eine Melodie ist, nehmen Sie diese auf und loopen Sie sie.

Wenn es sich um eine Harmonie handelt, verwenden Sie einen anhaltenden Sound wie ein Synthesizer-Pad, um die Harmonie zu programmieren, indem Sie sie über einen bestimmten Zeitraum hinweg anhalten. (Profi-Tipp: Geben Sie dies als Audio aus, anstatt MIDI zu verwenden, damit Sie den Sound überall dort hören, wo Sie die Wiedergabe starten).

Die hypnotische Wirkung des Minimalismus entsteht durch ständige Wiederholungen, die ein meditatives Gefühl erzeugen.

Begrenzen Sie Ihre Palette

Jetzt, wo Sie das Fundament gelegt haben, ist es an der Zeit, sich Gedanken darüber zu machen, wie sich die Dinge im Laufe der Zeit entwickeln werden. Für den Anfang müssen Sie Ihre Klangpalette aufbauen.

Egal, ob Sie elektronische Instrumente verwenden oder akustische Aufnahmen machen, beschränken Sie die Anzahl der Instrumente, die Sie in einem Stück verwenden, auf eine Handvoll. Das hilft Ihnen, sich auf den Minimalismus einzulassen, und verhindert, dass die Dinge zu überladen werden. Es zwingt Sie dazu, genauer darüber nachzudenken, wie sich die Dinge im Laufe der Zeit verändern können.

Selbst wenn Sie vorhaben, eine wachsende Klangwand um eine Harmonie herum aufzubauen, ist es eine gute Idee, mehrere Versionen von nur einer Handvoll verschiedener Instrumente zu verwenden.

Kleine Variationen einführen

Wählen Sie ein Element aus und ändern Sie es schrittweise.

Wenn Sie mit einem Instrument begonnen haben, das ein einfaches Melodie-Ostinato spielt, versuchen Sie, nach und nach ein zweites und dann ein drittes Instrument hinzuzufügen.

Alternativ können Sie auch experimentieren, indem Sie eine Note zu Ihrem Pattern hinzufügen oder entfernen, oder wenn Sie zwei Instrumente haben, die dasselbe Motiv spielen, das Timing des einen Instruments so anpassen, dass es sich aus der Phase verschiebt.

Die Dynamik ist eine weitere gute Möglichkeit, subtile Variationen einer sich wiederholenden Idee einzuführen und gleichzeitig die Kernidentität der Musik zu erhalten.

Experimentieren Sie mit Schichtungen

Wenn Sie mit einem Instrument begonnen haben, das ein einfaches Melodie-Ostinato spielt, fügen Sie nach und nach ein zweites und dann ein drittes Instrument hinzu.

Kombinieren Sie diesen Schritt mit dem vorherigen, indem Sie Variationen in diese neuen Ebenen einfügen.

Die Technologie annehmen

Elektronische Tools wie DAWs, Hardware-Sequenzer und Looper-Pedale machen das Erstellen von Minimal Music für alle zugänglich, also nutzen Sie sie. Es gibt viele kostenlose Tools, die dir dabei helfen!

Zusätzlich zu den Sampling- und Loop-Funktionen, die praktisch jede DAW bietet, können digitale Effekte verwendet werden, um ein Gefühl von Raum zu erzeugen. Erforschen Sie, wie das Ändern von Parametern in einem Delay- oder Reverb-Plugin mit Hilfe von Automation wilde und wunderbare Minimal Music aus nur einer Idee erzeugen kann.

Fordere dich selbst heraus

Setzen Sie sich z. B. für jedes Projekt, an dem Sie arbeiten, Grenzen:

• Aufnahme nur mit Ihrer Stimme
• 30 Minuten Musik ohne Bearbeitung aufnehmen
• nur einen Ton und mehrere Effekte verwenden
• mehrere Sounds und nur einen Effekt verwenden
• die Taktart bei jedem Takt zu ändern

Wenn Sie noch nie versucht haben, im minimalistischen Stil zu schreiben, werden Sie vielleicht überrascht sein, wie schwierig es sein kann, die Dinge zu reduzieren. Der Schlüssel zum Minimalismus ist die Einfachheit und die reduzierte Anzahl der beteiligten Instrumente. Um experimentelle Musik zu machen, muss man ständig experimentieren!

Das Erbe der minimalistischen Musik

Minimalistische Musik hat einen langen Weg hinter sich, der von verschiedenen namenlosen Komponisten und nicht identifizierten Performance-Kunstwerken im New York der 1960er Jahre begann. Der Minimalismus hat einen bleibenden Eindruck auf klassische Musik, EDM, Rock und sogar Filmmusik hinterlassen.

Komponisten wie Max Richter und Jóhann Jóhannsson verbinden minimalistische Wiederholungen mit üppiger Orchestrierung und schaffen so emotional ansprechende Werke, die ein breites Publikum erreicht haben. Richters Sleep ist ein Paradebeispiel für die ausdrucksstarke Fluidität und die meditativen Qualitäten des Minimalismus.

Auch elektronische Musiker wurden vom Minimalismus tiefgreifend beeinflusst. Jon Hopkins, Nils Frahm und natürlich Brian Eno haben sich minimalistische Techniken wie Wiederholungen, Schleifenmuster und allmähliche Strukturverschiebungen zu eigen gemacht, um eindringliche Klangwelten zu schaffen.

Selbst der derzeitige König der Filmmusik, Hans Zimmer, bedient sich minimalistischer Techniken. In seiner Filmmusik zu Interstellar sind langsame harmonische Verschiebungen zu hören, die an die Phasing-Experimente von Steve Reich erinnern.

Die Betonung des Minimalismus auf Wiederholung, Einfachheit und allmählicher Veränderung inspiriert nach wie vor mehr als nur ein paar Komponisten in vielen Genres und beweist, dass sein Einfluss ebenso beständig wie weitreichend ist.

Wenn Sie auf der Suche nach Inspirationen für neue Musik im Minimal-Stil sind oder einfach nur in das Genre eintauchen wollen, empfehle ich Ihnen, sich diese hervorragende Einführungs-Playlist anzuhören.

Jetzt geh und minimiere die Musik!