Como Nickelback, la música minimalista a veces tiene mala fama. Es fácil de hacer. Es barata. No va a ninguna parte. Los compositores minimalistas son perezosos.

Ya me entiendes.

Aunque la música minimalista (como cualquier otra forma de música) tiene el potencial de ser menos que estelar, la realidad es que puede ser genial, tanto si la creas como si la escuchas.

Empezó, como todo lo guay, como una reacción contra las convenciones dominantes en la música occidental. Desde sus inicios en Nueva York, el género ha influido en muchos otros e inspirado a compositores de todo el mundo.

Si eres nuevo en este estilo musical, has llegado al lugar adecuado. En este artículo, veremos una breve historia y el crecimiento de la música minimalista, quiénes son los compositores minimalistas más destacados, las características clave del estilo y cómo empezar a crear tu propia música minimalista.

¿Sentarse cómodamente? Comencemos....

Contexto histórico: El nacimiento de la música minimalista

Primeras influencias

La música minimalista surgió en el embriagador crisol de culturas de la Nueva York de los años sesenta, pero si nos remontamos un poco más atrás en la historia de la música clásica, encontraremos compositores experimentales que allanaron el camino para la evolución de este estilo.

Entre finales del siglo XIX y principios del XX, Erik Satie rompió los moldes del mundo clásico con su enfoque de la composición. Sus primeras obras para piano solo transmitían una hermosa simplicidad, mientras que otros compositores disparaban todos los cilindros.

Por ejemplo, las tres primeras piezas de las Gnossiennes de Satie para piano solo están en tiempo libre; no tienen líneas de compás ni compases. Si eres fan de Brian Eno, puede que no te parezca gran cosa, pero en aquella época era un enfoque bastante radical de la composición.

Saltando en el tiempo, la obra de John Cage hizo que la gente se pensara dos veces lo que constituía música. Su famosa obra 4'33'' se estrenó en 1952 y no tardó en suscitar polémica por el hecho de que ninguno de los intérpretes tocaba una sola nota. Se trataba de "la ausencia de sonidos intencionados".

Las influencias de las tradiciones musicales no occidentales también son anteriores al nacimiento de la música minimalista. Los ritmos africanos, la música clásica hindustaní y los instrumentos "étnicos" como el gamelán existían desde mucho antes de que la música minimalista estadounidense irrumpiera en escena.

El auge de la música minimalista

No está claro de dónde procede el término música minimalista, pero el estilo musical tal y como lo entendemos hoy empezó a aparecer como parte de la escena musical Avant Garde de la Costa Oeste a finales de la década de 1950. Más tarde se expandió a Nueva York, donde encontró un espíritu afín en la Escuela Hipnótica de Nueva York, una forma de música experimental de la época.

No sólo la música se inspiró en el concepto del minimalismo. Casi todas las formas de arte respondían a la idea de "menos es más", con un sinfín de actividades clandestinas en la literatura, la pintura, la escultura y el cine para crear arte minimalista. De hecho, muchas de las primeras actuaciones de música minimalista tuvieron lugar en galerías de arte y lofts, en lugar de en salas de conciertos tradicionales.

Los pioneros: Primeros compositores minimalistas

En el movimiento de la música minimalista participaron originalmente docenas de compositores anónimos. De la melée surgieron cuatro personas clave como los compositores minimalistas más destacados de la época. Los cuatro compositores estadounidenses nacieron con un par de años de diferencia y todos estudiaron música clásica occidental tradicional.

Y, como suele ser típico en la historia de la música, todos estos compositores son también blancos y varones. Suspiro.

La Monte Young

La Monte Young es probablemente el menos conocido de este grupo. Brian Eno se refiere a él como "el padre de todos nosotros" y se le conoce sobre todo por el uso que hace en su obra de tonos largos y sostenidos.

De hecho, mientras estudiaba en Berkeley como estudiante de posgrado, su tutor de composición se negó a calificar su composición Trío para cuerdas porque constaba de sólo tres notas muy largas. Poco se imaginaba que esta afición por los bordones se convertiría más tarde en una obra pionera.

La música de ensueño de La Monte Young, como se llamaba originalmente, formó la columna vertebral del colectivo musical Theatre of Eternal Music, y recibe un guiño de reconocimiento en las notas del álbum de Lou Reed Metal Machine Music, de 1975.

Se puede afirmar que, aunque La Monte Young no ha publicado mucho material discográfico a lo largo de su vida, su influencia se ha dejado sentir en todo el mundo.

Terry Riley

Terry Riley es amigo y colaborador de Young, pero explora el minimalismo a través de la repetición, sobre todo mediante el uso de bucles de cinta y delay.

El uso de la repetición por parte de Riley no se limitaba al ámbito electrónico; una de sus obras más conocidas, In C, utiliza un proceso similar para instrumentos en directo. Un intérprete proporciona una base rítmica (en Do, naturalmente), mientras que los demás intérpretes (que pueden ser tantos como se quiera, con cualquier instrumento) se abren camino a través de 53 células melódicas, con sólo unas pocas sugerencias básicas para guiarles. El resultado es fascinante e hipnótico.

Con su enfoque en la composición modular, se podría decir que Terry Riley es el Ableton original. Otra cosa es si un crítico musical estaría de acuerdo, pero en cualquier caso Riley ha influido mucho no sólo en la música experimental, sino también en el rock y la música electrónica contemporánea.

(Nota al margen: echa un vistazo a su Mescalin Mix para hacerte una idea espeluznante de cómo sonaba la primera música de Riley).

Steve Reich

Este enfoque modular de la creación musical también era uno de los favoritos de Steve Reich. En el caso de Reich, explora una técnica llamada desplazamiento de fase, en la que se interpreta el mismo material pero cada parte empieza en un momento ligeramente distinto y puede tocar a un tempo sutilmente diferente.

Steve Reich comenzó sus experimentos en la música minimalista utilizando cinta; entre sus primeras composiciones se encuentran It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966). Ambas obras son ejemplos clásicos de cambio de fase en acción, y ofrecen una visión temprana de las técnicas de muestreo que más tarde definirían la música electrónica.

Al igual que Riley, Steve Reich aplicó su metodología de la música minimalista a los instrumentos acústicos. Piano Phase (1967) recrea el efecto de bucle de cinta utilizando dos pianos. Cada piano toca la misma línea melódica al unísono, pero uno de ellos acelera gradualmente. Al ser en directo, no hay dos interpretaciones iguales (aunque, por supuesto, se puede escuchar una grabación).

Más adelante en su carrera, Reich se interesó más por el uso de instrumentos de percusión en patrones rítmicos entrelazados, similares a los polirritmos de los tambores africanos.

Philip Glass

Quizá uno de los compositores estadounidenses de música contemporánea más conocidos sea Philip Glass.

Al igual que Young, Reich y Riley, Philip Glass estudiaba en la Juilliard de Nueva York cuando la música minimalista empezaba a tomar forma. No fue hasta 1967, cuando regresó de sus estancias en Francia y la India, que Glass empezó a prestar atención a la obra de Steve Reich y a dejarse influir por ella.

Al igual que Reich, Glass obtuvo pronto el patrocinio de galerías de arte, presentando su música con minimalistas de las artes visuales en lugares poco convencionales.

Sus conjuntos incluyen órganos, pianos e instrumentos de viento, sobre todo saxofones, así como instrumentación más idiosincrásica, como sobremesas amplificadas. La música de Glass es fácilmente reconocible, pues mezcla música india, minimalismo y su propio estilo personal, nacido de largas horas escuchando con su padre discos de la tienda de música familiar.

Además de asociarse con el primer minimalismo, la música de Glass se ha escuchado en películas, óperas y escenarios de Broadway. A ello se suman sus numerosas piezas para solista y música de cámara, así como obras para cuarteto de cuerda y pequeños conjuntos instrumentales.

Un tipo bastante prolífico, para ser minimalista.

Características de la música minimalista

Así que ya sabemos cómo surgió la música minimalista y quién estaba a la vanguardia de la escena. Echemos un vistazo a los rasgos minimalistas en la música.

Materiales limitados o mínimos

Por su propia definición, la música minimalista puede incluir cualquier cosa creada para instrumentos muy limitados. Puede tratarse de un estruendo electrónico básico bajo un sonido de saxofón en bucle, o de un grupo de eclécticos instrumentos de "sonidos encontrados", como una cacerola y un cinturón de seguridad.

Las piezas que utilizan sólo unas pocas palabras de texto (como la mencionada It's Gonna Rain de Steve Reich) también son minimalistas, al igual que las piezas que utilizan sólo unas pocas notas a lo largo de toda la pieza (no tú Nickelback).

Repetición y ciclos

La música que incluye patrones musicales cortos o células repetidas durante largos periodos puede considerarse minimalista. Terry Riley y Steve Reich adoptaron la idea de la repetición en su obra, y Philip Glass es muy conocido por su uso de estructuras repetitivas a medida que su música se mueve en círculos interminables.

Evolución gradual

La simple repetición de una frase una y otra vez envejece rápidamente, por lo que la idea de introducir sutiles variaciones o añadidos a lo largo del tiempo es una de las características destacadas del minimalismo. Steve Reich fue un maestro en este sentido con su técnica de cambio de fase.

Ritmos impulsados por impulsos

La música minimalista también se caracteriza por sus ritmos sencillos e hipnóticos. Philip Glass es conocido por las cualidades rítmicas de su música, que han influido en estilos contemporáneos como el rock y la EDM.

Percepción del público

Intentar definir un estilo o género musical concreto siempre es complicado. Nunca nada encajará cómodamente en un agujero con forma de "minimalista" o "música pop". Del mismo modo, no es necesario que se den todas las características anteriores para que la música sea minimalista, ni tampoco el hecho de tenerlas en mayor o menor grado hace que una pieza musical sea minimalista.

Quizá el aspecto más importante de la música minimalista es cómo permite al público (o le obliga, según se mire) a centrarse en lo que ocurre en la música.

A diferencia del entretenimiento musical presentado como una historia o un viaje, la experiencia de escuchar música mínima implica prestar atención a lo que ocurre en la propia música.

Una pieza musical que sólo consta de dos o tres notas interpretadas a lo largo de, digamos, quince minutos, obliga al oyente a concentrarse realmente en la interpretación, y hace que la escucha desempeñe un papel activo en la música.

Yo diría que esto es lo que hace que la música sea minimalista.

Cómo crear música minimalista

Si quieres convertirte en el próximo Philip Glass o John Adams, tendrás que empezar a componer música minimalista. Aquí tienes algunas ideas para empezar.

Elija su enfoque

Decida el elemento fundamental de su pieza. Puede ser:

• un ritmo
• una armonía, como una quinta abierta o una tercera mayor
• una melodía
• un fragmento de discurso (asegúrate de que tienes los derechos para hacerlo si piensas publicar tu obra )

Los compositores minimalistas suelen construir sus composiciones a partir de una sola idea, así que elige un elemento básico como piedra angular de tu pieza.

Elijas lo que elijas, asegúrate de que sea corto. Si sigues el camino de La Monte Young, con notas largas y sostenidas, no pasa nada: la idea inicial seguirá siendo corta.

Crear un patrón repetitivo

Una vez elegida la base, utilízala para crear un patrón repetitivo.

Si utilizas un ritmo, prográmalo o grábalo con instrumentos de percusión sin afinar; siempre puedes añadir más instrumentos afinados más adelante.

Si es una melodía, grábala y ponla en bucle.

Si se trata de una armonía, utiliza un sonido sostenido como un pad de sintetizador para programar la armonía, sosteniéndola durante un periodo de tiempo. (Consejo profesional: Reprodúcelo como audio en lugar de utilizar MIDI, así oirás el sonido dondequiera que empieces la reproducción).

El efecto hipnótico del minimalismo procede de la repetición constante, que crea una sensación meditativa.

Limite su paleta

Ahora que ya tienes los cimientos trazados, es hora de empezar a pensar en cómo evolucionarán las cosas con el tiempo. Para empezar, tendrás que crear tu paleta de sonidos.

Tanto si utilizas instrumentos electrónicos como si grabas en acústico, limita el número de instrumentos a un puñado. Esto te ayudará a adoptar una mentalidad minimalista y evitará que las cosas queden demasiado recargadas. Te obligará a pensar más profundamente en cómo pueden cambiar las cosas con el tiempo.

Incluso si estás planeando construir un muro de sonido cada vez mayor en torno a una armonía, es una buena idea utilizar varias versiones de sólo un puñado de instrumentos diferentes.

Introducir pequeñas variaciones

Elija un elemento y cámbielo gradualmente.

Si has empezado con un instrumento tocando un ostinato melódico sencillo, prueba a introducir gradualmente un segundo instrumento y luego un tercero.

Alternativamente, experimenta añadiendo o eliminando una nota de tu patrón, o si tienes dos instrumentos tocando el mismo motivo, ajusta el tiempo de uno de ellos para que se desfase.

Las dinámicas son otra buena forma de introducir variaciones sutiles en una idea repetitiva manteniendo la identidad central de la música.

Experimente con las capas

Si has empezado con un instrumento tocando un ostinato melódico sencillo, ve incorporando gradualmente un segundo instrumento y luego un tercero.

Combine este paso con el anterior introduciendo variaciones en estas nuevas capas.

Adoptar la tecnología

Las herramientas electrónicas como las DAW, los secuenciadores de hardware y los pedales looper ponen la creación de música minimalista al alcance de todos, así que aprovéchalas. Hay un montón de herramientas gratuitas que te ayudarán.

Además de las funciones de muestreo y looping que ofrecen prácticamente todos los DAW, los efectos digitales pueden utilizarse para crear una sensación de espacio. Explora cómo cambiar los parámetros de un plugin de retardo o reverberación mediante la automatización puede generar música minimalista salvaje y maravillosa a partir de una sola idea.

Desafíate a ti mismo

Márcate límites para cada proyecto en el que trabajes, por ejemplo:

• graba sólo con tu voz
• grabar 30 minutos de música sin editar
• utilizar un solo sonido y múltiples efectos
• utilizar varios sonidos y un solo efecto
• cambiar el compás en cada compás

Si nunca has intentado componer en estilo minimalista, quizá te sorprenda lo difícil que puede resultar despojarse de todo. La clave del minimalismo es la simplicidad y el reducido número de instrumentos que intervienen. Para hacer música experimental hay que seguir experimentando.

El legado de la música minimalista

La música minimalista ha recorrido un largo camino desde varios compositores anónimos y obras de arte no identificadas en el Nueva York de los años sesenta. El minimalismo ha dejado su impronta en la música clásica, la EDM, el rock e incluso el cine.

Compositores como Max Richter y Jóhann Jóhannsson combinan la repetición minimalista con una orquestación exuberante para crear obras emocionalmente resonantes que han llegado a un público muy amplio. Sleep de Richter es una muestra de la fluidez expresiva y las cualidades meditativas del minimalismo.

Los músicos electrónicos también se han visto profundamente influidos por el minimalismo. Jon Hopkins, Nihls Frahm y, por supuesto, Brian Eno han adoptado técnicas minimalistas como la repetición, los bucles y los cambios graduales de textura para crear paisajes sonoros envolventes.

Incluso el actual rey de la música de cine, Hans Zimmer, emplea técnicas minimalistas. Echa un vistazo a su partitura de Interstellar para escuchar lentos cambios armónicos que recuerdan a los experimentos de fase de Steve Reich.

El énfasis del minimalismo en la repetición, la simplicidad y la transformación gradual sigue inspirando a no pocos compositores de muchos géneros, lo que demuestra que su impacto es tan duradero como expansivo.

Si buscas inspiración para componer nueva música en estilo minimalista, o simplemente quieres sumergirte en el género, te recomiendo encarecidamente que escuches esta excelente lista de reproducción introductoria.

¡Ahora ve y minimaliza la música!