Escribir una canción es un proceso placentero para todos los cantautores, pero es innegable que reconocerán la lucha que conlleva si se les pregunta. Tendemos a ver a los grandes compositores, como John Mayer, como artistas que dejan caer nuevas ideas sobre una gran línea melódica , y que milagrosamente suena bien sin ningún proceso creativo. Cuando en realidad todo gran compositor tiene un complejo proceso de composición que sigue meticulosamente para producir una buena canción.

En la acelerada industria musical actual, no tenemos ninguna oportunidad de ver el viaje musical que hay detrás de un tema. La escuchamos y seguimos adelante, sin saber cómo pasó de la idea inicial a la estructura completa de una canción. Nos conformamos con lo que nos hace sentir, pero nunca miramos más allá e intentamos comprender el proceso de composición.

La escritura de letras es, sin duda, uno de los aspectos más importantes a la hora de escribir canciones. Los productores musicales lo saben y prefieren contratar a un compositor que conozca su proceso, en lugar de limitarse a lanzar letras al azar sobre sus ideas musicales.

Incluso los grupos de éxito llegan a un punto en el que necesitan contratar a un compositor distinto del cantautor inicial. Esto les ayuda a mejorar la calidad de su proceso de producción musical y, en algunos casos, a superar el bloqueo del escritor . Esto demuestra cuánto trabajo hay detrás de las cortinas que no presenciamos.

Has empezado tu carrera musical, has soltado una bonita progresión de acordes sobre un ritmo pegadizo. Ahora necesitas escribir, pero las letras que pones en el papel no parecen satisfacerte. Lo más probable es que se trate de un problema de proceso de escritura, y en este artículo queremos mostrarte 10 técnicas procesables que te permitirán obtener resultados tangibles.

Estos consejos para escribir canciones se aplican a cualquier tipo de carrera como compositor, y al leerlos podrás reconocer todo tipo de bloqueos en tu proceso creativo. A continuación, podrás enfrentarte a ellos con uno de estos consejos prácticos que vamos a presentar.

Podrás escribir canciones más rápido, con autenticidad y sin perderte en reflexiones.

Vamos a sumergirnos.

1. Manténgalo simple.

Este es uno de esos consejos que son más fáciles de decir que de hacer. Es muy comprensible obsesionarse con escribir canciones que dejen boquiabierto al público, pero lo irónico es que la gran mayoría de las canciones de éxito del pop y el rock son principalmente sencillas. Las progresiones de acordes son fáciles de entender y de mover el cuerpo, y las letras son todo menos complejas.

Creemos que necesitamos algún tipo de contenido lírico revolucionario que haga que nuestro nombre resuene en todas partes, pero coge nuestras canciones favoritas a lo largo de la historia y te darás cuenta de que han perdurado en el tiempo porque eran sencillas de recordar.

Lo que importa es lo que tienes que decir a tu público. Cuando escribas una canción , piensa en tus oyentes y haz que les resulte sencillo entender tu mensaje y recordar tus melodías. Es lo que hace que muchos éxitos del pop sean pegadizos e inolvidables.

2. Grábate.

Es muy habitual que los compositores descarten una nueva canción antes incluso de grabar un borrador, sólo para ver que a los demás les encanta una vez que está grabada. Intenta acostumbrarte a grabarte de vez en cuando durante el proceso. Cada vez que añadas o cambies algo, saca el micrófono y grábalo . Esto te dará una idea de cómo suenas, de lo que funciona para tu estilo y de lo que no.

Aunque al final no te guste, te encontrarás con más ideas a las que podrás volver más tarde mientras creas música. Es una gran sensación volver a una vieja idea en tu grabadora de voz y darte cuenta de que tiene potencial. Además, tu yo del pasado ya ha sentado las bases.

Grabarte a ti mismo también es una buena forma de compartirlo con tus amigos y familiares para que te den su opinión, ya que un compositor necesita hacerse una idea de cómo reaccionará el público a su estilo.

3. Trabaja en tu línea melódica.

A veces la línea melódica no coincide con lo que querías transmitir en tu producción, lo que te hace sentirte frustrado contigo mismo. Te esfuerzas por añadir una línea de bajo o escribir una letra, pero no suena bien. Intenta trabajar en tu melodía o incluso cambiarla.

El cambio es inspirador, por eso a los creadores les encanta cambiar de escenario cuando experimentan el bloqueo del escritor. Si cambias uno o varios aspectos de tu melodía, crearás una nueva sensación en la canción, lo que te proporcionará un escenario mental musical diferente en el que podrás inspirarte. No dudes en probarlo.

Trabaja en tus progresiones de acordes, utiliza un instrumento diferente o incluso añade otros nuevos. Puede que así tu cerebro se ponga en marcha y reciba nuevas ideas. Por supuesto, se recomienda guardar un borrador de la melodía antes de empezar a trabajar en ella o cambiarla por completo.

4. Tómate descansos.

Cuando trabajamos en nuestras canciones, tendemos a hacerlas personales. Si alguna vez nos encontramos con un bloqueo de escritor cuando escribimos música, intentamos forzarnos a terminar la canción. Por desgracia, el cerebro creativo no funciona así, lo más probable es que tengas un avance al día siguiente mientras te duchas o tomas inocentemente un café al aire libre.

El cerebro creativo funciona mejor en entornos poco estresantes, donde puede relajarse y unir puntos para obtener más ideas. Así que si te sientes atascado con tu canción, tómate un descanso. Es muy importante que nuestro cerebro descanse de vez en cuando. Forzar el proceso de composición generalmente empeora su calidad.

Vivimos en una sociedad que fomenta una gran actividad cerebral desde que nos levantamos hasta que nos dormimos, pero no tiene por qué ser así. Si investigas un poco sobre las personas más creativas del planeta, descubrirás que no se toman el descanso del cerebro a la ligera. Para ellos es un proceso tan importante como su arte.

5. Practicar con borradores.

No todas las canciones tienen que estar hechas para ser publicadas, especialmente si eres un principiante. Necesitas borradores para desarrollar tus músculos de compositor. Es uno de los consejos más importantes para componer canciones . Dejamos caer algunas progresiones de acordes, añadimos una patada y una caja y decidimos que ésta será la próxima canción que se publique. No tiene por qué serlo. Piensa en ello de la misma manera que un culturista que necesita repetir los mismos movimientos durante años antes de exponerse en las competiciones, tu forma de componer necesita el mismo tipo de repetición para alcanzar cierta maestría.

No tengas miedo de tocar y experimentar en tu pista. Escucha y decide si suena bien, y luego practica haciendo más música. El tema adecuado llegará y sabrás cuándo estás listo para publicarlo. Reconocer que estás trabajando en un borrador dará permiso a tu cerebro para tener más libertad a la hora de trabajar en tu canción. Nunca se sabe cuándo un borrador puede convertirse en una buena canción.

6. Establezca algunas limitaciones.

La creatividad tiene un aspecto de inspiración espontánea que atrae a los artistas, y tiene sus ventajas. Sin embargo, poner algunas limitaciones a tu inspiración puede ayudarte a ser más eficiente en tu proceso de composición. Define unos personajes, una historia corta, un número limitado de acordes o cualquier cosa que te marque una dirección y te facilite las decisiones mientras compones.

Esta estructura hará que tu progreso sea tan natural que ni siquiera notarás que avanzas en tu canción. Crees que sólo te ciñes a los límites que te has marcado, pero en cambio, estás haciendo crecer tu canción en la misma dirección. De este modo, cada elemento de tu canción encajará en tu visión porque estaba definido antes de empezar.

Ni que decir tiene que la mayoría de las canciones de hoy en día siguen la misma estructura general con pequeños retoques para que sean diferentes. Especialmente las canciones pop.

7. Captura tus ideas.

Uno de los errores más comunes entre los compositores principiantes es dejar una idea sin revisar antes de estar en el estudio. La mayoría de nuestras ideas surgen cuando nos estamos duchando, comiendo o conduciendo por la autopista, y el reflejo más común que tenemos es dejarlo hasta que nos vamos a casa. Finalmente volvemos a casa y no encontramos nada, ya que ha quedado enterrada bajo las conversaciones en el trabajo o en otra cosa.

Por eso los compositores deben llevar una grabadora de voz para las melodías y los sonidos y un cuaderno para el contenido lírico. En cuanto tengas una idea, anótala en un papel y graba en la grabadora cómo crees que sonará. Así, tu idea está asegurada y lista para ser utilizada en el estudio.

Si te parece que es demasiado llevar un cuaderno y una grabadora de voz, tu teléfono puede hacerlo todo. Solo tienes que capturar tus ideas y ver cómo tu productividad se eleva por los cielos.

8. Estudie sus referencias de pista.

A la hora de escribir una canción, es muy útil tener la referencia de la canción en el fondo de tu mente. Utiliza una canción que te inspire hacia la dirección que quieres que tome tu composición. Estudia el ritmo, disecciona la línea de bajo y analiza las progresiones de los acordes. Así tendrás algo con lo que comparar tu canción en cuanto a calidad de sonido y terminación general.

Es una práctica habitual entre los productores musicales. Cuando trabajas con ellos, suelen pedir una pista de referencia. Les da una idea de cómo va a evolucionar la canción y, en general, les facilita el proceso.

Puedes utilizar este consejo en cualquier momento de tu proceso, incluso si no estás escribiendo música. Toma tus canciones favoritas y deconstrúyelas desde el título hasta el final. Aprende lo que hace que sean grandes canciones poco a poco, y encontrarás esta información lista la próxima vez que escribas una canción.

9. Aprender la teoría de la música.

La teoría musical ampliará tu comprensión de la música y, por tanto, aportará más elementos a tu cerebro para sintetizarlos en ideas musicales. Te hará ver las progresiones de acordes comunes de forma diferente, y serás capaz de potenciar ideas sencillas de forma lógica.

No es necesario que lo aprendas todo de una vez, sólo unos conocimientos básicos para mejorar la calidad de tus materiales y saber musicalmente lo que estás haciendo. Podrías empezar con la teoría que hay detrás de un acorde mayor o una progresión de acordes menores, y aprender diferentes formas de tocarlos, por ejemplo.

Puede parecer una palabra rebuscada, pero la teoría musical no es más que el significado que hay detrás de todo lo que hacemos en la música. Tu forma de componer sólo se beneficiará de ella, y ya no te quedarás estancado en los mismos cuatro acordes.

Aquí tienes una lista de lo que creemos que te ayudará a la hora de componer:

• El ritmo: Compases, ritmos fuera de compás, etc.
• Lectura de partituras: Claves, duración de las notas, ritmos, etc.
• Progresiones de acordes: Progresiones de acordes comunes, cadencias, formas de acordes, etc.
• Escalas: Escalas mayores y menores, claves.
  

10. Escriba lejos de sus instrumentos.

Puede parecer muy lógico quedarse en el piano a la hora de escribir las letras, pero no es la forma más innovadora. Puede funcionar muy bien, pero se corre el riesgo de caer en patrones de escritura de canciones conocidos.

Tus habilidades con un instrumento son limitadas, pero tu imaginación no. Por lo tanto, en lugar de empezar con un instrumento, ve a dar un paseo y tararea algunas melodías.

Una vez que tengas una línea superior y una estructura, vete a casa y prepara una progresión de acordes que la apoye. Se trata de llevar tus instrumentos y herramientas a tu visión, no lo contrario.

El famoso Tom Waits tenía una forma muy singular de componer canciones. Se sentaba alrededor de cuatro o cinco radios y encendía un canal diferente en cada una de ellas. Escuchaba la tormenta de canciones superpuestas y se inspiraba para su siguiente canción. Esto demuestra que a veces hay que alejarse de los instrumentos y probar formas únicas de encontrar la inspiración.

Un error muy común de los principiantes es producir una canción entera sin letra, y luego luchar por incluirla. Tu proyecto debe crecer en torno a la letra, ya que es un componente clave en la estructura de la canción.

11. Aprender las estructuras de las canciones.

Si empiezas un rompecabezas sin saber cómo es el resultado final, lo más probable es que apuestes a ciegas por qué pieza va en cada sitio. Lo mismo ocurre con la composición de canciones. Necesitas un lienzo para tu proceso creativo, y necesitas que esté personalizado. A cada canción su estructura.

Existen muchas estructuras de canciones, que difieren según el género al que se dirijan. La más famosa es la estructura pop (verso , preestribillo, estribillo ), que funcionó tan bien que se convirtió en una fórmula. Una receta para el éxito.

Por supuesto, si tu objetivo es otro, hay otras estructuras de canción que puedes probar y ver si te funcionan. Lo más importante es que aprendas a utilizarlas para construir tu canción, y que te ayuden a desarrollar tu proyecto utilizando la estructura elegida como brújula.

12. Diversifica tus enfoques para escribir canciones.

Lo que puede haber funcionado en tu anterior canción puede no hacerlo en la actual. Por eso, a veces tendrás problemas con una canción, aunque utilices el mismo enfoque que en tu trabajo anterior. Es completamente normal, y es bueno que tengas dificultades con una canción de esta manera. Esto significa que tu canción es novedosa, y no puedes tratar la novedad de la misma manera que los proyectos anteriores. Necesitas un nuevo enfoque.

Por nuevo enfoque, queremos decir que debes cambiar tu proceso de una forma u otra, al menos hasta que algo funcione. Si estás acostumbrado a escribir la música antes que la letra , prueba lo contrario. Si siempre escribes la música con la guitarra, esta vez prueba con el teclado. Si escribes el título antes de la canción, prueba lo contrario. Utiliza cualquier cosa para que tu cerebro sepa que no lo estás haciendo a la vieja usanza, y así conseguirás más ideas que te ayuden a ello.

13. Reflexiona sobre tu experiencia personal.

Las mejores canciones son aquellas con las que nos identificamos. Disfrutamos de las bellas líneas melódicas y de los complejos patrones de batería, pero el impacto es diferente cuando la canción habla de una situación con la que estás familiarizado o por la que has pasado. Por eso te recomendamos que utilices tu experiencia personal como ancla para tu canción.

Intenta definir qué experiencia quieres compartir con tu público y establece el ambiente en el que quieres escribir. Esto marcará el tono y facilitará tus decisiones en el proceso, simplemente llevando cada elemento de tu canción a esa misma historia que estás tratando de contar. Te hará la vida más fácil y le dará a tu público una canción que tenga sentido para ellos también. Sobre todo si saben de qué estás hablando.

Por eso, canciones como "Imagine" o "We are the world" tuvieron un eterno impacto internacional. Todo el mundo podía relacionarse con las historias contadas y todo el mundo entendía la canción en todos sus elementos homogéneos.

14. Ir a otro lugar.

La creatividad y la rutina son como el agua y el aceite, no se mezclan en absoluto. Tu cerebro tiene muchas más posibilidades de ser creativo si se le estimula, y ¿qué mejor estímulo que una novedad? Si siempre trabajas en tu estudio, cambia el escenario y vete a un parque. Si siempre estás rodeado de la misma gente, llama a un viejo amigo o queda con alguien nuevo. Prueba cualquier cosa que rompa el patrón de la rutina y ponga a tu cerebro en modo de descubrimiento.

Es muy común entre los cantantes y compositores aislarse de las actividades cotidianas y volver al cabo de un tiempo con las letras listas para ser utilizadas en sus canciones. No se trata de magia, sino de la excitante comida para nuestro cerebro que es la novedad. Por supuesto, esto es recomendable hasta un cierto punto en el que tu vida social no se resienta.

15. Pedir ayuda.

Puede que nos hayamos guardado éste para el final de este artículo, pero es uno de los consejos más necesarios para componer canciones. Ningún artista ha llegado solo, especialmente en la industria musical. Se necesita todo un equipo para llegar a los sitios, y un compositor necesita pedir ayuda.

Acude a tus amigos, pregunta a tus conocidos del sector o incluso envía un correo electrónico a un profesor de poesía. No seas tímido a la hora de aprender y crecer, ya que es tendiendo la mano que podrás obtener respuestas sobre cómo mejorar tu carrera musical.

Las mejores ideas surgen de la colaboración, y los artistas lo saben. Es la razón principal por la que los "featurings" son un aspecto importante de la industria musical. Puede que creas más en una actitud de "hazlo todo solo", pero eso no te servirá a largo plazo. Llegará un momento en el que pedirás ayuda, más vale que lo hagas ahora.

16. Utilizar muestras.

El sampling es una técnica muy utilizada por los productores musicales. Se trata de un proceso en el que trabajas con materiales listos para usar (bucles de melodía , patrones de batería, etc.) como partes de la canción que estás escribiendo. Esto facilita el proceso de composición y, al mismo tiempo, te ayuda a utilizar el material de otra persona. Es como si alguien te ayudara con tu canción aportando una parte que mejorará tu producción.

Ha habido una especie de dilema en torno a esta práctica, que muchos críticos han considerado poco auténtica. Sin embargo, algunos artistas han producido grandes piezas utilizando samples, y no hay nada malo en ello. La música sigue siendo las mismas 12 teclas repetidas de diferentes maneras y patrones.

Conclusión: Donde hay voluntad, hay un camino.

Hay muchas otras formas de actuar que pueden ayudarte a mejorar tu forma de componer, éstas son sólo las que consideramos más prácticas. Puede que algunas te gusten más que otras, pero asegúrate de tenerlas todas en mente. Te serán muy útiles. No olvides que componer una canción debe ser divertido antes que nada, y asegúrate de escribir desde un lugar auténtico. Lo demás vendrá por añadidura.