Si vous commencez à vous familiariser avec la musique électronique, vous avez un vaste monde à explorer. Avec d'innombrables plugins et synthés, ainsi qu'une gamme de styles de production en constante évolution, les possibilités offertes par la musique électronique sont quasiment infinies.

Bien entendu, l'abondance des ressources qui rend la musique électronique si variée peut également rendre son apprentissage difficile pour les débutants. Par où commencer alors qu'il existe un univers de vidéos YouTube, d'articles et de cours en ligne sur le sujet ?

C'est exactement pour cela que nous sommes ici. Dans ce guide, nous allons décomposer les éléments essentiels de la création de musique électronique, des bases de la synthèse au labyrinthe des logiciels et du matériel de production. Que vous cherchiez à produire de la techno prête à danser, des paysages sonores ambiants ou tout ce qui se trouve entre les deux, je vous propose une série d'idées et de conseils qui, je l'espère, vous inciteront à affiner vos compétences !

Qu'est-ce que la musique électronique ?

La musique électronique, dans son sens le plus large, dépasse largement le cadre d'un genre typique. Il s'agit véritablement d'une méthode qui a complètement changé la façon dont nous créons et consommons la musique.

Contrairement à la musique organique, qui repose sur les sons naturels d'instruments acoustiques tels que les guitares, les cordes, les pianos, les tambours et les percussions, la musique électronique est souvent composée de sons et de textures synthétisés.

Les synthétiseurs analogiques et d'autres instruments électroniques, tels que les orgues électriques et les boîtes à rythmes, qui ont connu une popularité croissante au cours des décennies, en constituent le cœur.

Bien sûr, la musique électronique d'aujourd'hui a évolué, passant des boutons tactiles et des systèmes électroniques de fils et de circuits que l'on trouvait dans les vieux appareils analogiques aux interfaces élégantes des ordinateurs et des instruments logiciels numériques.

La plupart des producteurs de musique électronique s'appuient fortement sur les ordinateurs, tirant parti des logiciels d'enregistrement et de leur palette infinie de sons et d'effets. J'aime à considérer cette évolution comme la démocratisation de la production musicale, car elle l'a rendue accessible à toute personne disposant d'un ordinateur et d'un esprit créatif.

Bien que la musique électronique ait été à l'origine un mouvement underground (pensez à la naissance de la house music à Chicago à la fin des années 70 ou à l'introduction du Krautrock en Allemagne à la fin des années 60, qui était un sous-genre du rock expérimental utilisant des synthétiseurs, des séquenceurs et des boucles de bande), elle a aujourd'hui pénétré la culture générale, influençant tout, de la musique pop au hip-hop.

Il est assez fascinant de voir combien de producteurs de musique électronique contemporaine intègrent à nouveau des éléments acoustiques dans leurs morceaux, comme Bonobo, Tycho et Four Tet. Il s'agit en quelque sorte d'une nouvelle fusion qui crée un son riche et texturé rendant hommage au passé tout en repoussant les limites de l'innovation.

La production de musique électronique est un domaine tellement vaste qu'il est difficile d'en donner une seule définition (il faudrait écrire un livre entier pour ne pas oublier les détails les plus importants). Néanmoins, si vous souhaitez devenir producteur de musique électronique, je pense qu'il existe de bons points de départ pour s'y retrouver.

Logiciels et outils indispensables

Lorsque vous vous aventurerez sur le chemin de la musique électronique, vous devrez vous équiper de quelques outils. Chaque équipement de cette liste joue un rôle unique dans le processus de production, depuis l'application numérique, qui est le cœur de votre studio numérique, jusqu'aux synthétiseurs matériels et aux boîtes à rythmes, qui donnent à votre son une empreinte unique.

Voyons un peu comment chacun de ces outils peut améliorer votre production de musique électronique.

Station de travail audio numérique (DAW)

La station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW) est au cœur de l'installation de tout producteur de musique électronique.

Votre logiciel d'enregistrement est votre principal outil. C'est le centre où toutes vos idées créatives prennent vie. Avec une DAW, vous pouvez enregistrer, éditer, mixer et masteriser votre musique. En fait, vous disposez d'un environnement complet pour créer de la musique électronique comme bon vous semble.

Bien que chaque producteur ait son DAW préféré, j'en suis venu à penser que certains sont tout simplement meilleurs que d'autres pour faire de la musique électronique, notamment :

• Ableton Live : Je suis un grand fan d'Ableton Live depuis une dizaine d'années, notamment en raison de sa vue intuitive des sessions. C'est également l'un des logiciels préférés de nombreux producteurs de musique électronique pour ses performances en direct et ses capacités de séquençage MIDI.
• FL Studio : Avec son interface conviviale et son puissant séquençage basé sur des motifs, FL Studio est un autre poids lourd pour les producteurs de musique électronique qui souhaitent démarrer avec un large éventail de synthétiseurs et d'effets intégrés.
• Logic Pro : Logic Pro d'Apple est l'une des suites de production les plus complètes et, comme la plupart des produits Apple, elle est élégante et facile à utiliser. De plus, vous disposez d'une vaste bibliothèque de sons et de boucles pour commencer.
• Propellerhead Reason : Avec son rack virtuel de synthétiseurs, d'échantillonneurs et d'effets de qualité pouvant être interconnectés à l'infini, Reason offre ce qui pourrait bien être l'approche la plus unique et la plus expérimentale de la production musicale.

Chaque logiciel d'enregistrement apporte quelque chose d'unique, mais le choix de celui qui répond le mieux à vos besoins est totalement subjectif. Je vous recommande de les essayer toutes pour voir laquelle s'intègre le plus naturellement à votre flux de travail.

Bibliothèques de sons et packs d'échantillons

Viennent ensuite les bibliothèques de sons et les packs d'échantillons, qui sont les éléments constitutifs de la musique électronique. Que vous soyez à la recherche de boucles de batterie croustillantes, de pistes de synthétiseur brûlantes ou d'une voix R&B old school que vous pouvez découper et replacer, il est important d'avoir accès à ces ressources.

Ces dernières années, je suis devenu un grand fan de Splice (comme beaucoup d'autres producteurs de musique électronique). Grâce à son modèle d'abonnement, vous obtenez des crédits que vous pouvez échanger contre une vaste collection d'échantillons et de boucles couvrant tous les genres.

Si vous aimez télécharger des packs complets, je vous recommande Loopmasters. Ils proposent également un large éventail de packs de haute qualité dans différents genres, des échantillons de boîtes à rythmes vintage aux synthés contemporains.

Je m'en voudrais de ne pas mentionner Native Instruments Komplete. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un pack d'échantillons à proprement parler, Komplete offre une bibliothèque infinie d'instruments, d'effets et de sons, qui sont indispensables à la production musicale en général.

Si vous souhaitez utiliser vos bibliothèques de sons et vos packs d'échantillons dans votre DAW, vous aurez besoin d'une sorte d'outil vous permettant de les lire ou de les manipuler de différentes manières (time-stretching, pitch-shifting, etc.) Heureusement, la plupart des DAW sont dotés d'échantillonneurs et de boîtes à rythmes intégrés à cet effet.

Par exemple, le Sampler et le Drum Rack d ' Ableton Live offrent tous deux de puissantes capacités d'échantillonnage et de création de rythmes, et chacun dispose d'options de modulation et d'édition étendues.

Si vous êtes dans Logic Pro, vous pouvez utiliser le Quick Sampler, qui permet d'importer et de lire divers formats d'échantillons. Il offre également des possibilités d'édition et de personnalisation assez détaillées.

Bien entendu, il existe également des options tierces, telles que Kontakt de NI, qui dispose d'un échantillonneur profondément personnalisable, ainsi que d'une bibliothèque sonore massive et d'extensions tierces, ou Serato Sample, qui permet d'échantillonner facilement de la musique à partir d'une variété de sources et d'utiliser des outils rapides de découpage, d'étirement du temps et de décalage de la hauteur.

Plugins et instruments virtuels

Voici la partie la plus amusante.

Les plugins et les instruments virtuels sont des éléments clés du processus de production de musique électronique. C'est un trou noir que l'on peut vraiment passer son temps à explorer, car il existe des milliers de plugins d'effets et de VST différents. Je dirais que la meilleure chose à faire maintenant est de mettre la main sur quelques plugins de différentes catégories et d'apprendre à les connaître le mieux possible.

En voici quelques exemples :

• Plugins de synthèse : Générer des sons électroniques par synthèse (comme avec un synthétiseur analogique), idéal pour créer des pistes, des basses, des pads, etc. uniques.
• Plugins d'effets : Améliorez ou modifiez les sons avec des effets tels que l'égalisation, la compression, la réverbération, le retard, la distorsion, la modulation, etc.
• Plugins d'échantillonnage : Lire ou manipuler des enregistrements numériques ou des échantillons.
• Plugins pour boîtes à rythmes : Emulation de boîtes à rythmes ou d'échantillonneurs, idéale pour jouer ou dessiner des rythmes.
• Plugins de séquenceur : Idéal pour l'arrangement et le séquençage de la musique. Ils sont souvent dotés de fonctions avancées de création de motifs et de boucles.

Comme je l'ai dit, vous pourriez passer des dizaines d'années à explorer les plugins et les instruments virtuels de différents développeurs, et ce qui pourrait être un VST indispensable pour un producteur de musique électronique pourrait être un flop pour un autre. C'est à vous de faire des recherches et de trouver ceux qui vous conviennent le mieux. Vous pouvez même explorer des sites comme Equipboard pour découvrir ce qu'utilisent vos artistes préférés.

Cependant, puisque vous êtes ici, je vais vous donner quelques-unes de mes recommandations favorites que j'utilise dans la plupart de mes morceaux, en commençant par les plugins d'effets :

• FabFilter Pro-Q 3: Aucun mixage ne se fait sans cet égaliseur incroyablement polyvalent et convivial de FabFilter. Il est idéal pour l'égalisation chirurgicale et dynamique et dispose d'une belle interface qui offre une vue d'ensemble du spectre de fréquences.
• Valhalla VintageVerb : Probablement le plugin de réverbération que j'utilise le plus souvent, en particulier lorsque je veux des réverbérations luxuriantes d'inspiration vintage pour ajouter de la profondeur et de l'espace à n'importe quel morceau.
• Soundtoys EchoBoy : Je ne peux pas imaginer un plugin de délai plus polyvalent. Vous disposez d'une suite d'effets de delay riches et analogiques suffisamment diversifiés pour répondre à tous les genres de musique électronique.
• iZotope Ozone : Pour le mastering, Ozone comprend tout ce dont vous avez besoin pour une finition soignée et professionnelle, de l'égalisation et de la compression à l'imagerie stéréo et à la limitation.
• Xfer Records LFOTool : Si j'ai un morceau qui a besoin de mouvement, je me tourne souvent vers l'outil LFO de Xfer Records, qui permet d'ajouter facilement des effets de trémolo, d'auto-pan, de trance-gate, de simulation de compresseur à chaîne latérale et d'oscillation de type dubstep avec un minimum d'effort.
• FabFilter Saturn 2 : Un autre de mes plugins FabFilter préférés, Saturn 2 dispose d'une gamme massive d'effets de distorsion, de saturation et de modélisation d'ampli, idéal lorsque vos pistes ont besoin de chaleur ou de grit.

En termes d'instruments virtuels, en voici quelques-uns que je vous recommande de découvrir, surtout si vous recherchez avant tout la polyvalence :

• Xfer Records Serum: Ce synthétiseur à table d'ondes, l'un des meilleurs instruments logiciels pour la production de musique électronique, offre une qualité sonore et des capacités de conception sonore parmi les plus élevées et les plus flexibles du marché.
• Native Instruments Massive X: Massive est devenu un élément essentiel de la production de musique électronique lorsque le dubstep est apparu sur la scène, et NI a poussé l'enveloppe encore plus loin avec Massive X. C'est un go-to lorsque j'ai besoin de basses et de leads profonds et puissants.
• Spectrasonics Omnisphere 2 : Omnisphere 2 pourrait bien être l'un des instruments logiciels les plus polyvalents du marché, avec son énorme bibliothèque de sons et ses styles de synthèse infinis. Keyscape change également la donne pour les pianos et claviers modélisés.
• Native Instruments Battery 4: Mon principal échantillonneur de batterie et de percussion est Battery 4. Non seulement il dispose d'une énorme bibliothèque de kits et d'échantillons pour tous les genres de musique électronique, mais il offre également des capacités d'édition approfondies et de lecture facile lorsque vous téléchargez vos propres échantillons.
• Arturia V Collection: Les synthétiseurs et claviers vintage modélisés avec précision sont la marque de fabrique d'Arturia. Si vous n'avez pas accès à du matériel analogique, cette collection est parfaite pour ajouter des sonorités classiques à vos morceaux.
• Spitfire Audio LABS: J'ai récemment commencé à explorer LABS et j'adore chacune de leurs sorties. Il s'agit d'une série croissante d'instruments gratuits de haute qualité, allant des cordes aux voix en passant par les sons expérimentaux, parfaits pour ajouter des textures uniques à votre musique.

Au fur et à mesure que vous créerez de la musique électronique, vous tomberez amoureux de certains plugins et instruments virtuels, mais je vous conseille vivement de continuer à explorer et à vous tenir au courant des nouvelles versions, car il y a toujours quelque chose d'excitant à l'horizon.

Clavier ou contrôleur MIDI

MIDI, qui signifie "Musical Instrument Digital Interface", est le langage de la musique électronique.

Il s'agit d'une norme technique qui permet aux instruments de musique électroniques, aux ordinateurs et à d'autres équipements de communiquer, de contrôler et de se synchroniser les uns avec les autres. Nous l'utilisons pour permettre à différents équipements de musique numérique d'interagir les uns avec les autres. Consultez notre guide MIDI pour en savoir plus sur son fonctionnement.

Bien que vous puissiez saisir des notes MIDI dans votre logiciel audionumérique à l'aide de votre souris ou du clavier de votre ordinateur, l'utilisation d'un clavier ou d'un contrôleur MIDI offre une expérience beaucoup plus tactile et expressive. Avec un clavier ou un contrôleur, vous pouvez jouer des mélodies, des rythmes de batterie et contrôler des synthétiseurs dans votre logiciel d'enregistrement en temps réel, ce qui vous donne un retour d'information immédiat et vous permet de produire de la musique électronique de manière plus intuitive.

Pour moi, le fait de disposer d'un appareil que je peux utiliser pour créer de la musique ramène la touche humaine dans le processus numérique.

Voici quelques claviers et contrôleurs MIDI que je vous recommande d'étudier : ils répondent à des besoins et à des budgets variés :

• Akai MPK Mini MkIII: Si vous recherchez un contrôleur compact et abordable, ce contrôleur est parfait. Le prix est facile à avaler pour les débutants et l'interface à 25 mini-clavier est idéale pour ceux qui disposent d'un espace studio limité. De plus, vous disposez de pads et de boutons assignables pour une plus grande polyvalence !
• Novation Launchkey Series: Bien qu'elle ait été conçue pour Ableton Live, la série Launchkey peut être utilisée avec n'importe quelle station de travail audionumérique. Il offre des touches, des pads, des boutons et des faders de taille normale pour contrôler tous les aspects de la production de musique électronique.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential est un bon équilibre entre les fonctionnalités et le prix, et il est parfait pour l'intégration avec la collection d'instruments logiciels d'Arturia. Le clavier est très agréable et il y a beaucoup de commandes DAW pour une expérience plus pratique.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Si vous utilisez souvent les logiciels de Native Instruments, il n'y a pas de meilleur choix pour l'intégration. Les claviers de la série S offrent des claviers de haute qualité avec aftertouch, ainsi que l'un des systèmes de navigation et de contrôle des paramètres les plus intuitifs du marché.
• ROLI Seaboard Block: Ce clavier est le mouton noir du marché des contrôleurs MIDI, mais si vous cherchez à aller au-delà du jeu traditionnel au clavier, la surface de jeu expressive du Seaboard capture les cinq dimensions du toucher d'une manière qu'aucun autre clavier n'a égalée.

Encore une fois, il ne s'agit là que de mes favoris, mais il existe de nombreux autres claviers et contrôleurs MIDI qui apportent quelque chose d'unique, que vous privilégiiez la portabilité et le prix ou la polyvalence et l'intégration logicielle poussée.

Essayez-en plusieurs si possible et voyez ce qui s'accorde le mieux avec votre flux de travail.

Boîtes à rythmes et échantillonneurs

Bien que je ne pense pas que les boîtes à rythmes et les échantillonneurs soient des outils indispensables pour produire de la musique électronique de nos jours, il est important de les reconnaître, car ils ont été l'épine dorsale de la production de musique électronique depuis leur création.

L'histoire de ces instruments est profonde, et de nombreux modèles emblématiques ont façonné le son de genres entiers. Par exemple, le Roland TR-808, sorti au début des années 80, est devenu synonyme de hip-hop. Écoutez "Planet Rock" d'Afrika Bambaataa et vous entendrez l'un des premiers exemples de l'ascension de cette boîte à rythmes vers la célébrité.

De même, le MPC d'Akai, qui était un échantillonneur et un séquenceur, a révolutionné la façon dont les producteurs produisaient des rythmes. J Dilla est l'un des meilleurs exemples de beatmaker légendaire qui a changé la façon dont nous faisons de la musique électronique en utilisant le MPC.

La beauté de l'utilisation de boîtes à rythmes et d'échantillonneurs matériels par rapport à leurs équivalents virtuels réside dans le fait que vous bénéficiez d'une expérience tactile et d'un son analogique. Comme beaucoup d'autres producteurs, je trouve l'interaction physique avec les boutons, les pads et les faders bien plus inspirante.

De plus, les caractéristiques sonores uniques et les limites du matériel peuvent stimuler la créativité sur le moment. Bien sûr, il y a aussi l'aspect de la performance en direct, et il ne fait aucun doute que le matériel permet d'obtenir un set plus fiable et plus attrayant sur le plan visuel.

Bien que vous deviez absolument regarder ce que certains de vos artistes et producteurs préférés utilisent pour commencer à construire votre collection, voici quelques-unes de mes boîtes à rythmes et échantillonneurs préférés que je me retrouve souvent à recommander aux autres :

• Roland TR-8S: Si vous êtes comme la plupart des producteurs et que vous n'avez pas des milliers d'euros à dépenser pour une TR-08 originale, je vous recommande de vous tourner vers la TR-8S. Cette version relativement récente de Roland offre des sons de batterie classiques de la série TR avec des capacités de lecture d'échantillons, ce qui en fait un outil polyvalent pour les concerts et le travail en studio.
• Elektron Digitakt: Pour le producteur nomade, cette boîte à rythmes et cet échantillonneur compact sont l'un de mes choix préférés. Il possède des capacités de séquençage extrêmement puissantes et des tonnes d'outils de conception sonore embarqués.
• Akai MPC Live II : Pour un workflow MPC légendaire et une flexibilité autonome, grâce à ses haut-parleurs intégrés et sa batterie rechargeable, la MPC Live II est idéale pour la production en déplacement.
• Korg Volca Sample: Ce séquenceur d'échantillons compact et abordable est parfait pour les débutants, car il offre une grande puissance de performance et dispose de nombreuses fonctionnalités et options de connectivité pour la création de grooves en temps réel.
• Dave Smith Instruments Tempest: Bien qu'elle ait eu sa part de controverse au fil des ans, cette boîte à rythmes collaborative de Dave Smith et Roger Linn est l'une de mes options préférées pour obtenir le son puissant d'une boîte à rythmes analogique.

Le matériel fait son grand retour, c'est pourquoi toute personne qui apprend à produire de la musique électronique devrait également explorer ce côté de la cabane à outils. Même si vous ne disposez pas d'un budget important, il existe de nombreuses options !

Interface audio

Vous pouvez certainement apprendre à produire de la musique électronique sur votre seul ordinateur portable, mais si vous souhaitez vous lancer sérieusement dans la production de musique électronique et établir un lien entre vos instruments, vos microphones et votre ordinateur, vous aurez besoin d'une interface audio.

En bref, une interface audio convertit les signaux analogiques en données audio numériques que votre logiciel d'enregistrement peut traiter, et vice versa. Au-delà de la conversion, une interface audio peut également améliorer de manière significative la qualité sonore de vos enregistrements par rapport aux entrées et sorties audio intégrées de la plupart des ordinateurs, et offrir des fonctions essentielles telles que des préamplis micro, un monitoring direct pour un enregistrement sans latence, et plusieurs entrées et sorties pour connecter diverses sources audio et équipements externes.

Il existe des interfaces audio de toutes formes et de toutes tailles. Si vous ne savez pas par où commencer, voici quelques options pour différents budgets :

• Budget raisonnable :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3rd Gen): L'une des meilleures recommandations pour les débutants qui veulent une interface avec des préamplis de haute qualité et une construction durable.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Une option extrêmement abordable qui fournit toutes les bases nécessaires pour débuter dans l'enregistrement à domicile.
• Milieu de gamme :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Qualité audio irréprochable et traitement UAD en temps réel, idéal si vous souhaitez améliorer votre production.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: offre un bon équilibre entre les fonctionnalités et le prix, avec de multiples entrées/sorties et une faible latence.
• Haut de gamme :
  • RME Fireface UCX: Connue pour sa fiabilité, sa qualité audio exceptionnelle et sa faible latence, elle convient aux petits studios professionnels.
  • Apollo x4 d'Universal Audio: Avec quatre préamplis Unison, le traitement UAD-2 Quad Core et une conversion supérieure, vous obtenez le meilleur du matériel UAD.

L'interface audio qui vous convient le mieux dépend de vos besoins spécifiques.

Si vous enregistrez plusieurs microphones à la fois, par exemple, il est nécessaire de disposer de nombreuses entrées et sorties. Si vous êtes souvent en déplacement, la portabilité peut être le principal argument de vente. Quoi qu'il en soit, investir dans une interface audio est indispensable si vous souhaitez améliorer la qualité de votre musique.

Casques ou moniteurs de studio

Lorsque vous commencerez à composer votre propre musique, vous aurez besoin d'un support pour l'écouter.

L'une des premières choses que vous devrez décider est d'investir dans un casque ou des moniteurs de studio. Chacun a sa place dans le processus de production musicale et, en réalité, il est préférable d'avoir les deux.

Les moniteurs de studio offrent une représentation plus précise du son dans une pièce, ce qui vous permet de comprendre comment votre musique se traduira dans des environnements réels. Ils offrent également une perspective spatiale et dimensionnelle de votre mixage, vous aidant à prendre des décisions éclairées sur le panoramique, la profondeur et l'image stéréo.

Les casques, en revanche, offrent détails et isolation. Il est idéal pour identifier les nuances subtiles d'un mixage qui pourraient être négligées par les haut-parleurs, comme les bruits de faible niveau ou les clics et les pops. Les casques sont également indispensables pour les sessions nocturnes ou si vous travaillez dans des espaces non traités où vous ne pouvez pas effectuer un monitoring précis à l'aide de haut-parleurs.

Disposer de ces deux outils est extrêmement bénéfique, car ils vous permettent de voir ce que votre mixage donne dans différents environnements d'écoute, afin que vous sachiez que votre musique s'accorde parfaitement avec un large éventail de systèmes de lecture.

Voici quelques-unes de mes recommandations pour chacun d'entre eux :

Recommandations pour les écouteurs :

• Budget : Audio-Technica ATH-M40x - Excellente qualité sonore et durabilité à un prix abordable.
• Milieu de gamme : Beyerdynamic DT 770 PRO - Connus pour leur son détaillé et équilibré et leur confort. J'adore les utiliser pour les longues sessions de mixage.
• Haut de gamme : Sennheiser HD 650 - Casque de studio ouvert haut de gamme pour un son naturel d'une fidélité exceptionnelle et une réponse précise dans les basses.

Recommandations pour les moniteurs de studio :

• Budget : Presonus Eris E3.5 - Super compact et abordable, il offre un profil sonore clair et précis pour les petits home studios.
• Médium : Yamaha HS5 - Parfait pour une réponse plate et une excellente reproduction sonore, en particulier lors du mixage dans des pièces non traitées.
• Haut de gamme : Adam Audio A7X - Idéal pour les producteurs et ingénieurs musicaux professionnels qui recherchent une réponse précise dans les basses et des fréquences supérieures détaillées.

Lorsque j'ai commencé à produire de la musique électronique, j'ai travaillé au casque pendant environ un an avant d'améliorer ma configuration de studio, donc si les moniteurs de studio ne font pas partie de votre budget de production audio pour le moment, je ne m'inquiéterais pas trop à ce sujet. Veillez simplement à faire des pauses fréquentes si vous n'écoutez qu'au casque, afin de garder une certaine perspective et d'éviter la fatigue de vos oreilles.

Comment faire de la musique électronique

La production de musique électronique est un domaine très vaste. Je ne peux certainement pas vous promettre qu'en lisant cet article vous maîtriserez cet art, mais j'espère pouvoir vous donner un aperçu de mon expérience de la production de musique électronique au cours de la dernière décennie et vous permettre de vous en inspirer pour votre propre parcours.

J'aime penser que le processus de création musicale se déroule en trois étapes :

1. Idées : Au cours de la première phase, vous esquissez vos idées initiales, vous expérimentez des sons et des motifs et vous recueillez des idées ou de l'inspiration auprès d'autres artistes que vous appréciez.
2. Arrangement : Une fois que vous avez noté vos idées, vous pouvez les structurer en un flux cohérent, créant ainsi un morceau qui emmènera l'auditeur dans un voyage du début à la fin.
3. Raffinement : Il s'agit de la phase de mixage et de masterisation, au cours de laquelle vous peaufinerez votre piste et vous assurerez que tous les éléments s'intègrent parfaitement.

Il est important de noter que chaque producteur suit son propre chemin à travers ces étapes.

Certains commenceront par une mélodie accrocheuse et construiront autour d'elle, tandis que d'autres hacheront quelques échantillons et créeront une séquence sympa sur une MPC. D'autres peuvent adopter une approche traditionnelle et utiliser la structure d'arrangement pop standard pour construire une chanson à partir de zéro, en commençant par la batterie, puis la basse, la guitare et ainsi de suite.

La beauté de la production de musique électronique réside dans cette diversité d'approches.

Bien que je m'apprête à partager la méthode qui fonctionne le mieux pour moi, n'oubliez pas qu'il n'existe pas de processus unique. Il s'agit de trouver le flux de travail qui stimule votre créativité et permet à vos idées de circuler librement.

Trouver son son

Lorsque vous apprenez à faire de la musique électronique, la partie la plus difficile peut être de trouver votre son.

Il existe de nombreux sous-genres sous le terme générique de "musique électronique", et chacun possède sa propre palette de sons, de rythmes et de structures. Voici quelques-uns des sous-genres les plus populaires, pour n'en citer que quelques-uns :

• Maison
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (Electronic Dance Music)
• Trance
• Drum and Bass
• Future Bass

En tant que nouveau producteur, je pense que la clé pour découvrir votre son au milieu de cette diversité est l'exploration et l'expérimentation.

Plongez dans différents sous-genres, non seulement en tant qu'auditeur, mais aussi en tant qu'étudiant. Créez de courts morceaux ou des rythmes inspirés par différents styles pour voir ce qui résonne en vous et fait jaillir votre créativité. Vous pouvez également essayer de collaborer avec d'autres producteurs qui peuvent vous offrir de nouvelles perspectives et vous inspirer des directions que vous n'auriez peut-être pas envisagées seul.

Cette approche nécessite une écoute active. C'est l'un des outils les plus puissants pour comprendre les nuances de chaque sous-genre. Lorsque vous écoutez un morceau, essayez de le disséquer : identifiez les éléments essentiels qui définissent son son, du tempo et des motifs de batterie aux choix de synthétiseurs et à la structure de l'arrangement. Prêtez attention à la façon dont la tension et le relâchement sont élaborés, à la façon dont le morceau évolue dans le temps et aux émotions ou atmosphères évoquées.

Aujourd'hui encore, l'approche analytique de l'écoute est l'une de mes méthodes préférées pour en apprendre davantage sur une chanson.

S'initier aux principes de base

Au cœur de la musique électronique se trouve le groove, que l'on obtient souvent grâce aux tambours et aux percussions.

Le BPM (battements par minute) joue un rôle essentiel dans la définition du sous-genre et, bien qu'il soit toujours possible d'expérimenter, la plupart des auditeurs ont des attentes lorsqu'ils écoutent certains types de musique électronique.

Par exemple, la techno oscille généralement entre 120 et 135 BP M et présente un schéma de batterie à quatre pattes, tandis que la musique house traditionnelle est souvent plus soulful et élévatrice, oscillant entre 120 et 130 BPM, avec un schéma de batterie légèrement plus funky et groovy.

Le dubstep, connu pour ses basses lourdes et ses grooves syncopés, tourne généralement autour de 140 BPM, ce qui laisse un peu d'espace pour ces motifs de batterie emblématiques et lourds à mi-temps.

La drum and bass va encore plus loin, à près de 160-180 BPM, en utilisant des rythmes breakbeat accélérés qui délivrent une énergie plus intense et chaotique.

Bien sûr, il y a aussi la musique électronique ambiante qui délaisse les rythmes de batterie traditionnels au profit d'une texture plus fluide et évolutive. Parfois, il n'y a pas de batterie du tout. Elle se concentre plutôt sur la création d'un paysage atmosphérique.

Connaître les tempos et les rythmes de batterie typiques de ces sous-genres peut vous aider à aligner vos morceaux sur les conventions du genre. Bien sûr, comme je l'ai dit, n'ayez pas peur d'expérimenter avec le tempo et le rythme pour trouver votre son unique !

L'ébauche de votre rythme

J'ai toujours pensé que commencer par la batterie était une stratégie solide pour la production de musique électronique.

La section rythmique peut jeter les bases du tempo et de l'énergie d'un morceau et établir un groove dans lequel les autres éléments peuvent s'insérer. Pensez-y comme si vous posiez d'abord la colonne vertébrale de votre morceau.

Bien que les morceaux électroniques puissent changer assez radicalement d'un morceau à l'autre, les éléments clés de la plupart des grooves de batterie comprennent le kick, la caisse claire ou clap, les charlestons et des percussions supplémentaires, qui peuvent ajouter un peu de saveur et de texture.

Lorsque vous commencez à créer vos propres rythmes de batterie, vous pouvez adopter plusieurs approches :

• Utilisation d'échantillonneurs de batterie : Je suis un grand fan de Battery 4 de Native Instruments, car vous pouvez charger vos propres échantillons de batterie et créer des grooves MIDI à partir de zéro.
• Flipping Breaks, Loops, and Samples: Pouvoir découper des breakbeats et des boucles est une approche de la vieille école, mais c'est toujours un élément clé de la création de musique électronique et une source d'inspiration pour de nouvelles idées.
• Écouter des morceaux de référence : Je recommande de passer du temps à analyser les rythmes de batterie des morceaux que vous aimez et d'essayer de les reproduire. Faites attention aux différentes couches, au swing ou à la synchronisation, et à la façon dont le rythme complète l'ambiance générale du morceau.

Voyons comment vous pouvez créer un rythme de maison simple :

1. Commencez par une grosse caisse: trouvez une grosse caisse de style house idéale et placez-la sur chaque temps de la mesure (1, 2, 3, 4) pour obtenir ce rythme emblématique de quatre sur le plancher.
2. Ajoutez un clap ou une caisse claire : Ajoutez un clap ou une caisse claire sur les 2e et 4e temps pour commencer à construire le groove.
3. Introduire les char lestons : Ajoutez des charlestons fermés entre chaque coup de pied et de caisse claire pour obtenir un rythme régulier et entraînant. Si vous voulez une sensation plus fluide, vous pouvez utiliser des croches.
4. Incorporer des percussions: pour pimenter vos grooves, vous pouvez ajouter des éléments de percussion, comme des shakers ou des tambourins.
5. Expérimenter avec des boucles: si je veux ajouter de la texture à mes grooves, je superpose souvent une percussion en boucle ou une boucle supérieure pour les compléter.

La création d'un rythme est autant une question d'expérimentation que de respect d'une formule, alors jouez avec tous les éléments ci-dessus et modifiez-les à votre guise.

Poser une ligne de basse

C'est en posant une ligne de basse que votre morceau commence vraiment à prendre de l'ampleur. La basse doit compléter le groove de la batterie et faire le lien entre les éléments rythmiques et harmoniques de votre musique, que nous aborderons plus en détail dans un instant.

Voici une approche simplifiée pour créer une ligne de basse intéressante :

1. Sélectionnez votre son: Commencez par choisir un son de basse qui correspond à votre genre. Les basses synthétiques sont polyvalentes et peuvent être modelées en profondeur, tandis que les basses échantillonnées peuvent ajouter une texture réelle à votre morceau. A
2. Créez un groove: Commencez par un motif de base qui suit le groove de votre batterie, puis expérimentez avec des syncopes ou des notes supplémentaires pour créer du rythme et de l'intérêt. Je vous recommande d'écouter les lignes de basse d'autres morceaux électroniques que vous aimez et de voir quels types de techniques ils utilisent.
3. Variez vos notes: N'ayez pas peur de vous écarter de la note de base. Vous pouvez explorer la gamme pour trouver différentes options de notes. Vous ne savez pas comment mettre en œuvre des gammes basées sur la théorie musicale ? Consultez certains de nos blogs sur le sujet.
4. Superposer une sous-basse: si votre basse a besoin d'un peu plus d'énergie dans les graves, vous pouvez ajouter une sous-basse propre à base d'ondes sinusoïdales en dessous d'elle. Veillez simplement à ce qu'elle soit accordée et alignée rythmiquement avec votre basse principale.

Quelle que soit votre approche, sachez que la ligne de basse est un élément fondamental de tout morceau de musique électronique. Prenez donc le temps de l'affiner et n'ayez pas peur de faire des changements jusqu'à ce que vous trouviez le groove parfait.

Arrangement des accords

Ensuite, vous devez commencer à développer une progression d'accords pour votre morceau. Vos accords sont là pour poser les bases émotionnelles sur lesquelles vous construirez votre mélodie et d'autres textures. Ils ont le pouvoir d'évoquer certaines ambiances, de créer une tension et un relâchement, et de guider l'auditeur à travers une narration.

Bien entendu, la manière d'aborder les accords peut varier considérablement d'un genre à l'autre. Par exemple, dans la musique électronique ambiante, des progressions d'accords luxuriantes et étendues peuvent être utiles pour créer un sentiment de profondeur, alors que dans la house ou la techno, des accords plus simples sans beaucoup de mouvement harmonique peuvent être un meilleur choix.

Bien qu'il ne soit pas nécessaire d'être un expert en théorie musicale, de solides connaissances théoriques peuvent vous aider à prendre des décisions plus éclairées sur les voicings et les progressions d'accords. La beauté de la théorie musicale réside dans le fait qu'il s'agit de connaître les règles afin de pouvoir les transgresser. De plus, elle vous permet de communiquer certaines émotions et idées à travers votre musique,

Si vous souhaitez en savoir plus sur la théorie musicale, consultez notre guide sur la création de progressions d'accords.

Écrire une mélodie

Qu'est-ce qu'une mélodie ?

Au départ, il s'agit d'une séquence de notes qui sert de thème principal ou de point focal à un morceau de musique.

C'est la partie du morceau dont les auditeurs se souviennent le plus, ce qui signifie qu'une bonne mélodie doit être mémorable. Du point de vue de la théorie musicale, elle doit également s'inscrire dans le contexte harmonique de votre morceau.

L'un des principaux éléments à prendre en compte lors de la création d'une mélodie mémorable est le pouvoir de la répétition.

Un motif ou une phrase qui se répète est un excellent moyen d'ancrer votre morceau et de donner à votre auditeur un sentiment de cohérence, mais vous devez également vous abstenir d'utiliser trop de répétitions, car votre mélodie peut finir par paraître monotone.

Je recommande d'écouter activement de la musique avec des mélodies fortes pour trouver l'inspiration.

Analysez la façon dont ces mélodies sont construites, notez comment elles interagissent avec les accords et le rythme, et comment elles utilisent la répétition et la variation pour créer du mouvement et de l'émotion. Vous pouvez également vous inspirer de ces chansons sans les plagier, comme le font les artistes depuis la nuit des temps. Tout se construit à partir de quelque chose d'antérieur.

Lier le tout

Ensuite, vous devez commencer à trouver des moyens de relier tous les éléments de votre piste.

Bien que la musique électronique puisse varier en termes de structure, la plupart des morceaux électroniques de style pop suivent une structure standard qui comporte des hauts et des bas du début à la fin.

De l'intro, vous pouvez passer au couplet, où l'histoire commence à se dérouler. Ce couplet peut déboucher sur un pré-refrain ou une montée en puissance pour faire monter la tension jusqu'au refrain, à l'accroche ou à la chute, qui constitue le point culminant de la piste.

À partir de là, vous pouvez ajouter une section solo pour mettre en valeur un synthé ou une ligne vocale particulière, ou un pont pour un moment de contraste ou de réflexion avant le refrain final, la chute ou l'outro.

Mixage et mastering

Enfin, nous passons au mixage et au mastering, qui sont les étapes critiques du processus de post-production. À ce stade, l'accent doit être mis sur la transformation de votre collection de pistes individuelles en un morceau de musique cohérent et soigné, destiné à être publié.

Lors du mixage, l'objectif est d'équilibrer les niveaux, de placer les différents instruments dans le champ stéréo, d'appliquer un égaliseur pour éliminer les conflits de fréquences, de compresser pour équilibrer la dynamique et d'utiliser des effets tels que la réverbération et le retard pour créer une profondeur tridimensionnelle.

Le mastering est l'étape finale, au cours de laquelle la piste mixée est peaufinée et préparée pour la distribution. À ce stade, vous affinez le son global, vous vous assurez que les chansons sont cohérentes sur l'ensemble de l'album ou de l'EP si vous créez un projet, et vous vérifiez que le son de la musique est optimal sur différents systèmes de lecture.

Ces deux processus requièrent une oreille attentive et une compréhension approfondie du comportement du son. Bien que vous puissiez certainement développer suffisamment vos compétences pour mixer et masteriser vos propres pistes, il est généralement avantageux de confier ces tâches à quelqu'un d'autre lorsque vous débutez, car il est bon d'avoir quelqu'un qui dispose d'une nouvelle paire d'oreilles et d'un équipement spécialisé.

Meilleures ressources pour apprendre à faire de la musique électronique

Au-delà de cet article, la création de musique électronique est un processus d'apprentissage continu avec beaucoup d'essais, d'erreurs et d'expérimentations. Heureusement, il existe d'innombrables ressources qui s'adressent aux producteurs de tous niveaux :

Voici une liste de différentes ressources et les raisons pour lesquelles elles sont utiles pour développer vos connaissances et vos compétences :

• Tutoriels et cours en ligne: des plateformes telles que Skillshare, Udemy et Coursera proposent des cours sur la musique électronique dispensés par des professionnels du secteur, qui peuvent aller du niveau débutant au niveau avancé.
• Vidéos YouTube : Des chaînes comme Point Blank Music School et ADSR Music Production Tutorials proposent gratuitement une infinité de tutoriels, d'astuces et de techniques sur divers aspects du processus de création musicale, parfaits pour les apprenants visuels.
• Forums et communautés en ligne: Les communautés telles que Gearslutz, r/edmproduction sur Reddit et KVR Audio sont idéales pour entrer en contact avec d'autres producteurs, partager de la musique, obtenir des commentaires et discuter des techniques de production.
• Ressources spécifiques aux DAW: La plupart des DAW ont des forums officiels, des tutoriels et de la documentation. Je suis un grand fan du site Learning Music d'Ableton, qui propose une infinité de conseils, d'astuces et de guides spécifiques aux DAW.

Notre blog est également rempli de ressources utiles pour la création de musique électronique, qu'il s'agisse d'apprendre la théorie musicale, le fonctionnement de l'industrie musicale ou la manière d'aborder l'arrangement d'un morceau.

Réflexions finales

Apprendre à faire de la musique électronique ne se fait pas du jour au lendemain.

En fin de compte, le but ultime est de créer un morceau qui vous fait ressentir quelque chose - un morceau dont vous pouvez être fier. La musique est en constante évolution, il n'y a donc aucune raison de s'enfermer dans un ensemble de règles. Cependant, comprendre les outils ci-dessus et la manière de les utiliser peut vous aider à créer quelque chose d'à la fois beau et unique dans le vaste monde de la musique électronique.