Come per i Nickelback, la musica minimale a volte ha una cattiva reputazione. È facile da realizzare. È economica. Non va da nessuna parte. I compositori minimalisti sono pigri.

Avete capito bene.

Sebbene la musica minimalista (come qualsiasi altra forma di musica) abbia il potenziale per essere poco brillante, la realtà è che può essere dannatamente bella, sia che la si crei sia che la si ascolti.

È iniziato, come tutte le cose belle, come una reazione contro le convenzioni mainstream della musica occidentale. Dai suoi esordi a New York, il genere ha continuato a influenzare molti generi e a ispirare compositori in tutto il mondo.

Se siete nuovi a questo stile musicale, siete nel posto giusto. In questo articolo, esamineremo una breve storia e la crescita della musica minimalista, chi sono i compositori minimalisti più importanti, le caratteristiche principali dello stile e come iniziare a creare la propria musica minimalista.

Seduti comodamente? Cominciamo....

Contesto storico: La nascita della musica minimalista

Le prime influenze

La musica minimale è emersa dall'inebriante melting pot della New York degli anni Sessanta, ma se si va un po' più indietro nella storia della musica classica si trovano compositori sperimentali che hanno aperto la strada all'evoluzione di questo stile.

Tra la fine del XIX secolo e l'inizio del XX, Erik Satie ha rotto gli schemi del mondo classico con il suo approccio alla composizione. Le sue prime opere per pianoforte solo trasmettevano una bella semplicità, mentre altri compositori facevano il pieno di energia.

Ad esempio, i primi tre pezzi delle Gnossiennes di Satie per pianoforte solo sono in tempo libero; non hanno battute o segni di tempo. Se siete fan di Brian Eno, questo può non sembrare un problema, ma all'epoca si trattava di un approccio piuttosto radicale alla composizione.

Saltando in avanti nel tempo, l'opera di John Cage ha fatto riflettere su ciò che costituisce la musica. Il suo famoso 4'33'' fu eseguito per la prima volta nel 1952 e suscitò subito polemiche per il fatto che nessuno degli esecutori suonava una sola nota. Si trattava di "assenza di suoni previsti".

Anche le influenze delle tradizioni musicali non occidentali precedono la nascita della musica minimal. I ritmi africani, la musica classica indostana e gli strumenti "etnici" come il gamelan erano già in circolazione da molto tempo prima che la musica minimal americana irrompesse sulla scena.

L'ascesa della musica minimale

Non è chiaro da dove provenga il termine musica minimale, ma lo stile musicale così come lo intendiamo oggi iniziò a comparire come parte della scena musicale Avant Garde della West Coast alla fine degli anni Cinquanta. In seguito si espanse a New York, dove trovò uno spirito affine nella Scuola Ipnotica di New York, una forma di musica sperimentale dell'epoca.

Non fu solo la musica a ispirarsi al concetto di minimalismo. Quasi ogni forma d'arte rispondeva all'idea del "meno è meglio", con un'infinita attività sotterranea che si svolgeva nella letteratura, nella pittura, nella scultura e nel cinema per creare arte minimale. In effetti, molte delle prime esecuzioni di musica minimale si svolgevano in gallerie d'arte e loft piuttosto che nelle tradizionali sale da concerto.

I pionieri: I primi compositori minimalisti

Il movimento musicale minimalista coinvolgeva originariamente decine di compositori senza nome. Dalla fusione emersero quattro personaggi chiave, i più importanti compositori minimalisti dell'epoca. Tutti e quattro i compositori americani sono nati a pochi anni di distanza l'uno dall'altro e hanno studiato musica classica tradizionale occidentale.

E, come è generalmente tipico della storia della musica, tutti questi compositori sono anche bianchi e maschi. Sigh.

La Monte Young

La Monte Young è probabilmente il meno conosciuto di questo gruppo. Definito "il papà di tutti noi" da Brian Eno, è noto soprattutto per l'uso di lunghi toni sostenuti nel suo lavoro.

Infatti, mentre studiava a Berkeley come studente laureato, il suo tutor di composizione si rifiutò di valutare la sua composizione Trio for Strings perché consisteva di sole tre note molto lunghe. Non sapevano che questa inclinazione per i droni sarebbe diventata in seguito un lavoro pionieristico.

La dream music di La Monte Young, come veniva chiamata in origine, costituì la spina dorsale del collettivo musicale Theatre of Eternal Music e trova un cenno di apprezzamento nelle note dell'album Metal Machine Music di Lou Reed del 1975.

Si può dire che, sebbene La Monte Young non abbia pubblicato molto materiale registrato nel corso della sua vita, la sua influenza si è fatta sentire in tutto il mondo.

Terry Riley

Terry Riley è amico e collaboratore di Young, ma esplora il minimalismo attraverso la ripetizione, in particolare con l'uso di tape loop e delay.

L'uso della ripetizione da parte di Riley non era limitato all'ambito elettronico; una delle sue opere più note, In C, utilizza un processo simile per gli strumenti dal vivo. Un esecutore fornisce una base ritmica (in Do, naturalmente), mentre gli altri esecutori (che possono essere in numero qualsiasi, su qualsiasi strumento) si fanno strada attraverso 53 cellule melodiche, con solo alcuni suggerimenti di base a guidarli. Il risultato è affascinante e ipnotico.

Con la sua attenzione alla composizione modulare, si potrebbe dire che Terry Riley è l'Ableton originale. Che un critico musicale sia d'accordo è un'altra questione, ma in ogni caso Riley ha influenzato pesantemente non solo la musica sperimentale, ma anche il rock e la musica elettronica contemporanea.

(Nota a margine: date un'occhiata al suo Mescalin Mix per avere un assaggio inquietante di come suonava la prima musica di Riley).

Steve Reich

Questo approccio modulare alla creazione di musica era anche uno dei preferiti di Steve Reich. Nel caso di Reich, egli esplora una tecnica chiamata phase shifting (spostamento di fase), in cui lo stesso materiale viene eseguito ma ogni parte inizia in un momento leggermente diverso e può suonare a un tempo sottilmente diverso.

Steve Reich iniziò i suoi esperimenti di musica minimale utilizzando il nastro; tra le prime composizioni ricordiamo It's Gonna Rain (1965) e Come Out (1966). Entrambe le opere sono esempi classici di sfasamento in azione, e offrono un primo assaggio delle tecniche di campionamento che in seguito avrebbero definito la musica elettronica.

Come Riley, Steve Reich ha applicato la sua metodologia di musica minimale agli strumenti acustici. Piano Phase (1967) ricrea l'effetto loop su nastro utilizzando due pianoforti. Ogni pianoforte suona la stessa linea melodica all'unisono, ma uno dei due accelera gradualmente. Poiché è tutto dal vivo, non esistono due esecuzioni uguali (anche se è possibile ascoltare una registrazione).

Più tardi nella sua carriera Reich si interessò maggiormente all'uso di strumenti a percussione in schemi ritmici interconnessi, simili alle poliritmie presenti nelle percussioni africane.

Philip Glass

Forse uno dei più noti compositori americani di musica contemporanea è Philip Glass.

Come Young, Reich e Riley, Philip Glass si trovava a New York quando la musica minimale stava prendendo forma, studiando alla Juilliard. Solo nel 1967, al ritorno da soggiorni in Francia e in India, Glass iniziò a prestare attenzione e a essere influenzato dal lavoro di Steve Reich.

Come Reich, Glass ha tratto le prime sponsorizzazioni dalle gallerie d'arte e la sua musica è stata presentata insieme ai minimalisti dell'arte visiva in luoghi non convenzionali.

I suoi ensemble comprendono organi, pianoforti e strumenti a fiato, in particolare sassofoni, oltre a strumentazioni più idiosincratiche, come i tavoli amplificati. La musica di Glass è facilmente riconoscibile: mescola musica indiana, minimalismo e il suo stile personale, nato dalle lunghe ore passate ad ascoltare con il padre i dischi del negozio di musica di proprietà della famiglia.

Oltre a essere associata al primo minimalismo, la musica di Glass è stata ascoltata nei film, nei teatri d'opera e sul palcoscenico di Broadway. A ciò si aggiungono i numerosi brani da solista e da camera e le opere per quartetto d'archi e piccoli ensemble strumentali.

Un uomo piuttosto prolifico, per essere un minimalista.

Caratteristiche della musica minimalista

Sappiamo quindi come è nata la musica minimalista e chi è stato in prima linea nella scena. Diamo un'occhiata ai tratti minimalisti della musica.

Materiali limitati o minimi

Per sua stessa definizione, la musica minimale può includere qualsiasi cosa creata con strumenti molto limitati. Può trattarsi di un semplice rimbombo elettronico sotto un suono di sassofono in loop, o di un gruppo di eclettici strumenti "found sound", come una pentola e una cintura di sicurezza.

Anche i pezzi che utilizzano solo poche parole di testo (come il già citato It's Gonna Rain di Steve Reich ) sono minimalisti, così come i pezzi che utilizzano solo poche note durante l'intero brano (non voi Nickelback).

Ripetizione e cicli

La musica che include brevi schemi o cellule musicali ripetute per lunghi periodi può essere considerata minimalista. Terry Riley e Steve Reich hanno entrambi abbracciato l'idea della ripetizione nel loro lavoro, e Philip Glass è ben noto per l'uso di strutture ripetitive mentre la sua musica si muove in cerchi senza fine.

Evoluzione graduale

Ripetere semplicemente una frase in continuazione diventa presto vecchio, quindi l'idea di introdurre sottili variazioni o aggiunte nel corso del tempo è una delle caratteristiche principali del minimalismo. Steve Reich ne è stato un maestro con la sua tecnica del phase shifting.

Ritmi pulsati

Anche i ritmi semplici e pulsati, che emanano una qualità ipnotica, sono una caratteristica della musica minimal. Philip Glass è noto per le qualità ritmiche della sua musica, qualità che hanno influenzato stili musicali contemporanei come il rock e l'EDM.

Percezione del pubblico

Cercare di definire un particolare stile o genere musicale è sempre difficile. Non c'è nulla che possa rientrare comodamente in un buco a forma di "minimalista" o di "musica pop". Allo stesso modo, non è necessario che tutte le caratteristiche sopra elencate siano presenti perché una musica sia minimale, né che queste caratteristiche siano presenti in misura maggiore o minore per rendere un brano minimalista.

Forse l'aspetto più importante della musica minimale è il modo in cui permette al pubblico (o lo costringe, a seconda di come lo si guarda) di concentrarsi su ciò che sta accadendo nella musica.

A differenza dell'intrattenimento musicale presentato come una storia o un viaggio, l'esperienza di ascolto della musica minimale implica l'attenzione a ciò che accade nella musica stessa.

Un brano musicale che consiste di sole due o tre note suonate per, ad esempio, quindici minuti, costringe l'ascoltatore a concentrarsi realmente sull'esecuzione e fa sì che l'ascolto abbia un ruolo attivo nella musica.

Direi che questo è ciò che rende la musica minimalista.

Come creare musica minimalista

Se volete diventare il prossimo Philip Glass o John Adams, dovete iniziare a scrivere musica minimale! Ecco alcune idee per iniziare.

Scegliete il vostro obiettivo

Decidete l'elemento fondamentale del vostro pezzo. Questo potrebbe essere:

• un ritmo
• un'armonia, come una quinta aperta o una terza maggiore
• una melodia
• un frammento di discorso (assicuratevi di avere i diritti per farlo se avete intenzione di pubblicare il vostro lavoro ).

I compositori minimalisti spesso costruiscono le loro intere composizioni a partire da un'unica idea, quindi scegliete un elemento di base come pietra angolare del vostro pezzo.

Qualsiasi cosa scegliate, assicuratevi che sia breve. Se scegliete la strada di La Monte Young, con lunghe note sostenute, va bene lo stesso: l'idea iniziale sarà comunque breve!

Creare un modello ripetitivo

Una volta scelta la base, usatela per creare un motivo ripetitivo.

Se si utilizza un ritmo, programmarlo o registrarlo utilizzando strumenti a percussione non accordati - si possono sempre aggiungere strumenti accordati in un secondo momento.

Se si tratta di una melodia, registratela e mettetela in loop.

Se si tratta di un'armonia, utilizzate un suono sostenuto come un synth pad per programmare l'armonia, sostenendola per un certo periodo di tempo. (Suggerimento: fate rimbalzare questo suono come audio piuttosto che usare il MIDI, in modo da sentire il suono ovunque si avvii la riproduzione).

L'effetto ipnotico del minimalismo deriva dalla costante ripetizione, che crea una sensazione meditativa.

Limitare la tavolozza

Ora che le basi sono state tracciate, è il momento di iniziare a pensare a come le cose si evolveranno nel tempo. Per cominciare, dovrete costruire la vostra tavolozza sonora.

Sia che utilizziate strumenti elettronici o che registriate in acustico, limitate il numero di strumenti utilizzati nel brano a una manciata. Questo vi aiuterà a entrare nella mentalità minimalista e a evitare che le cose diventino troppo ingombranti. Vi costringerà a pensare più profondamente a come le cose possono cambiare nel tempo.

Anche se avete intenzione di costruire un muro di suono crescente intorno a un'armonia, è una buona idea utilizzare versioni multiple di pochi strumenti diversi.

Introdurre piccole variazioni

Scegliete un elemento e modificatelo gradualmente.

Se avete iniziato con uno strumento che suona una semplice melodia ostinata, provate a inserire gradualmente un secondo strumento, poi un terzo.

In alternativa, sperimentate l'aggiunta o la rimozione di una nota dal pattern, oppure, se avete due strumenti che suonano lo stesso motivo, regolate il tempo di uno di essi in modo che si sposti fuori fase.

Le dinamiche sono un altro buon modo per introdurre sottili variazioni a un'idea ripetitiva, pur mantenendo l'identità centrale della musica.

Sperimentare la stratificazione

Se avete iniziato con un solo strumento che suona una semplice melodia ostinata, inserite gradualmente un secondo strumento, poi un terzo.

Combinare questo passaggio con il precedente, introducendo variazioni in questi nuovi livelli.

Abbracciare la tecnologia

Strumenti elettronici come DAW, sequencer hardware e pedali looper rendono la creazione di musica minimale accessibile a tutti, quindi fatene uso. Ci sono molti strumenti gratuiti che possono aiutarvi in questo senso!

Oltre alle capacità di campionamento e looping offerte praticamente da ogni DAW, gli effetti digitali possono essere utilizzati per creare un senso di spazio. Scoprite come la modifica dei parametri di un delay o di un plugin di riverbero, utilizzando l'automazione, possa generare una musica minimale selvaggia e meravigliosa a partire da una sola idea.

Sfidare se stessi

Ad esempio, ponetevi dei limiti per ogni progetto a cui lavorate:

• registrare usando solo la voce
• registrare 30 minuti di musica senza editing
• utilizzare un solo suono e più effetti
• utilizzare più suoni e un solo effetto
• cambiare il tempo in ogni battuta

Se non avete mai provato a scrivere in stile minimalista, potreste rimanere sorpresi da quanto possa essere difficile ridurre le cose. La chiave del minimalismo è la semplicità e il numero ridotto di strumenti coinvolti. Per fare musica sperimentale bisogna continuare a sperimentare!

L'eredità della musica minimalista

La musica minimalista ha fatto molta strada da vari compositori senza nome e da opere d'arte performative non identificate nella New York degli anni Sessanta. Il minimalismo ha lasciato un segno duraturo nella musica classica, nell'EDM, nel rock e persino nella musica da film.

Compositori come Max Richter e Jóhann Jóhannsson fondono la ripetizione minimalista con un'orchestrazione lussureggiante per creare opere emotivamente risonanti che hanno raggiunto un vasto pubblico. Sleep di Richter è una vetrina della fluidità espressiva e delle qualità meditative del minimalismo.

Anche i musicisti elettronici sono stati profondamente influenzati dal minimalismo. Jon Hopkins, Nihls Frahm e, naturalmente, Brian Eno hanno tutti adottato tecniche di processo minimaliste come la ripetizione, i modelli di looping e i cambiamenti graduali della struttura per costruire paesaggi sonori coinvolgenti.

Anche l'attuale re delle colonne sonore, Hans Zimmer, utilizza tecniche minimaliste. Si guardi la sua colonna sonora per Interstellar per ascoltare i lenti spostamenti armonici che ricordano gli esperimenti di phasing di Steve Reich.

L'enfasi del minimalismo sulla ripetizione, la semplicità e la trasformazione graduale continua a ispirare non pochi compositori di diversi generi, dimostrando che il suo impatto è tanto duraturo quanto ampio.

Se state cercando l'ispirazione per scrivere nuova musica in stile minimal, o semplicemente volete immergervi nel genere, vi consiglio vivamente di ascoltare questa eccellente playlist introduttiva.

Ora andate avanti e minimizzate la musica!