À l'instar de Nickelback, la musique minimale a parfois mauvaise presse. C'est facile à faire. Elle est bon marché. Elle ne va nulle part. Les compositeurs minimalistes sont paresseux.

Vous voyez ce que je veux dire.

Si la musique minimaliste (comme toute forme de musique) a le potentiel d'être loin d'être excellente, la réalité est qu'elle peut être sacrément cool, que vous la fassiez ou que vous l'écoutiez.

Il a commencé, comme toutes les choses cool, comme une réaction contre les conventions de la musique occidentale. Depuis ses débuts à New York, le genre a influencé de nombreux genres et inspiré des compositeurs du monde entier.

Si vous ne connaissez pas encore ce style musical, vous êtes au bon endroit. Dans cet article, nous examinerons un bref historique et le développement de la musique minimale, qui sont les principaux compositeurs minimalistes, les principales caractéristiques du style et comment commencer à créer votre propre musique minimaliste.

Assis confortablement ? Commençons par ....

Contexte historique : La naissance de la musique minimaliste

Premières influences

La musique minimale est née du melting-pot enivrant de la ville de New York dans les années 1960, mais si l'on remonte un peu plus loin dans l'histoire de la musique classique, on trouve des compositeurs expérimentaux qui ont ouvert la voie à l'évolution de ce style.

Entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle, Erik Satie a brisé le moule du monde classique par son approche de la composition. Ses premières œuvres pour piano seul sont d'une grande simplicité, alors que d'autres compositeurs font feu de tout bois.

Par exemple, les trois premières pièces des Gnossiennes de Satie pour piano solo sont en temps libre ; elles n'ont pas de barres de mesure ni de signature temporelle. Cela peut sembler anodin si vous êtes un fan de Brian Eno, mais à l'époque, il s'agissait d'une approche assez radicale de la composition.

En avançant dans le temps, l'œuvre de John Cage a fait réfléchir les gens sur ce qu'est la musique. Sa célèbre pièce 4'33'' a été jouée pour la première fois en 1952 et a rapidement suscité la controverse en raison du fait qu'aucun des interprètes n'a joué une seule note. Il s'agissait de "l'absence de sons intentionnels".

Les influences des traditions musicales non occidentales sont également antérieures à la naissance de la musique minimale. Les rythmes africains, la musique classique hindoustanie et les instruments "ethniques" comme le gamelan existaient depuis longtemps avant que la musique minimale américaine ne fasse irruption sur la scène.

L'essor de la musique minimale

L'origine du terme "musique minimale" n'est pas claire, mais le style musical tel que nous le comprenons aujourd'hui a commencé à apparaître dans le cadre de la scène musicale avant-gardiste de la côte ouest à la fin des années 1950. Il s'est ensuite étendu à New York, où il a trouvé une âme sœur dans l'école hypnotique new-yorkaise, une forme de musique expérimentale de l'époque.

La musique n'était pas la seule à s'inspirer du concept de minimalisme. Presque toutes les formes d'art répondaient à l'idée de "moins, c'est plus", avec une activité souterraine sans fin dans la littérature, la peinture, la sculpture et le cinéma pour créer de l'art minimal. En fait, les premières représentations de musique minimale ont souvent eu lieu dans des galeries d'art et des lofts plutôt que dans des salles de concert traditionnelles.

Les pionniers : Les premiers compositeurs minimalistes

Le mouvement de la musique minimaliste comptait à l'origine des dizaines de compositeurs anonymes. De cette mêlée, quatre personnes clés se sont imposées comme les compositeurs minimalistes les plus en vue de l'époque. Les quatre compositeurs américains sont nés à quelques années d'intervalle et ont tous étudié la musique classique occidentale traditionnelle.

Et, comme c'est généralement le cas dans l'histoire de la musique, tous ces compositeurs sont également blancs et de sexe masculin. Soupir.

La Monte Young

La Monte Young est probablement le moins connu de ce groupe. Qualifié de "daddy of us all" par Brian Eno, il est surtout connu pour son utilisation de longues tonalités soutenues dans son travail.

En fait, alors qu'il étudiait à Berkeley en tant qu'étudiant diplômé, son tuteur de composition a refusé de noter sa composition Trio for Strings car elle ne comportait que trois notes très longues. Ils étaient loin de se douter que ce penchant pour les drones deviendrait plus tard un travail de pionnier.

La musique de rêve de La Monte Young, comme on l'appelait à l'origine, a constitué l'épine dorsale du collectif musical Theatre of Eternal Music, et fait l'objet d'un clin d'œil dans les notes de l'album Metal Machine Music de Lou Reed, sorti en 1975.

On peut dire que si La Monte Young n'a pas publié beaucoup d'enregistrements de son vivant, son influence s'est fait sentir dans le monde entier.

Terry Riley

Terry Riley est à la fois un ami et un collaborateur de Young, mais il explore le minimalisme par la répétition, en particulier par l'utilisation de boucles de bande et de délais.

L'utilisation de la répétition par Riley ne s'est pas limitée au domaine électronique ; l'une de ses œuvres les plus connues, In C, utilise un processus similaire pour des instruments en direct. Un interprète fournit une base rythmique (en do, naturellement), tandis que les autres interprètes (dont le nombre peut être illimité, sur n'importe quel instrument) se frayent un chemin à travers 53 cellules mélodiques, avec seulement quelques suggestions de base pour les guider. Le résultat est fascinant et hypnotique.

En mettant l'accent sur la composition modulaire, on pourrait dire que Terry Riley est le premier Ableton. La question de savoir si un critique musical serait d'accord est différente, mais quoi qu'il en soit, Riley a fortement influencé non seulement la musique expérimentale, mais aussi le rock et la musique électronique contemporaine.

(Note complémentaire : consultez son Mescalin Mix pour avoir un aperçu effrayant de ce à quoi ressemblait la musique de Riley à ses débuts).

Steve Reich

Cette approche modulaire de la création musicale était également l'une des favorites de Steve Reich. Dans le cas de Reich, il explore une technique appelée déphasage, où le même matériel est joué mais où chaque partie commence à un moment légèrement différent et peut jouer à un tempo subtilement différent.

Steve Reich a commencé ses expériences dans le domaine de la musique minimale en utilisant des bandes magnétiques ; ses premières compositions comprennent It's Gonna Rain (1965) et Come Out (1966). Ces deux œuvres sont des exemples classiques de déphasage en action, offrant un premier aperçu des techniques d'échantillonnage qui définiront plus tard la musique électronique.

Comme Riley, Steve Reich a appliqué sa méthodologie de la musique minimale aux instruments acoustiques. Piano Phase (1967) recrée l'effet de boucle de bande magnétique à l'aide de deux pianos. Chaque piano joue la même ligne mélodique à l'unisson, mais l'un des pianos accélère progressivement. Comme l'œuvre est jouée en direct, il n'y a pas deux interprétations identiques (bien qu'il soit possible d'écouter un enregistrement).

Plus tard dans sa carrière, Reich s'intéresse davantage à l'utilisation des instruments à percussion dans des schémas rythmiques imbriqués, semblables aux polyrythmies des tambours africains.

Philip Glass

Philip Glass est peut-être l'un des compositeurs américains de musique contemporaine les plus connus.

Comme Young, Reich et Riley, Philip Glass était à New York au moment où la musique minimale prenait forme, étudiant à Juilliard. Ce n'est qu'en 1967, à son retour d'un séjour en France et en Inde, qu'il commence à s'intéresser à l'œuvre de Steve Reich et à en subir l'influence.

Comme Reich, Glass a été très tôt parrainé par des galeries d'art, sa musique étant présentée avec des minimalistes de l'art visuel dans des lieux non conventionnels.

Ses ensembles comprennent des orgues, des pianos et des instruments à vent, en particulier des saxophones, ainsi que des instruments plus idiosyncrasiques, tels que des tables amplifiées. La musique de Glass est facilement reconnaissable, mêlant la musique indienne, le minimalisme et son style personnel, né des longues heures passées à écouter avec son père les disques du magasin de musique familial.

Associée au premier minimalisme, la musique de Glass a été entendue dans des films, à l'opéra et sur la scène de Broadway. À cela s'ajoutent de nombreuses pièces en solo et en musique de chambre, ainsi que des œuvres pour quatuor à cordes et petits ensembles instrumentaux.

Un homme très prolifique pour un minimaliste.

Caractéristiques de la musique minimaliste

Nous savons donc comment la musique minimaliste a vu le jour et qui était à l'avant-garde de cette scène. Jetons un coup d'œil sur les caractéristiques de la musique minimaliste.

Matériaux limités ou minimaux

Par sa définition même, la musique minimale peut inclure tout ce qui est créé pour des instruments très limités. Il peut s'agir d'un grondement électronique basique sous un son de saxophone en boucle, ou d'un groupe d'instruments éclectiques "trouvés", comme une casserole et une ceinture de sécurité.

Les pièces qui n'utilisent que quelques mots de texte (comme It's Gonna Rain de Steve Reich, déjà mentionné ) sont également minimalistes, tout comme les pièces qui n'utilisent que quelques notes tout au long du morceau (pas toi Nickelback).

Répétition et cycles

La musique qui comprend de courts motifs musicaux ou des cellules répétées sur de longues périodes peut être considérée comme minimaliste. Terry Riley et Steve Reich ont tous deux adopté l'idée de la répétition dans leur travail, et Philip Glass est bien connu pour son utilisation de structures répétitives dans sa musique qui tourne en rond sans fin.

Evolution progressive

L'idée d'introduire des variations ou des ajouts subtils au fil du temps est donc l'une des principales caractéristiques du minimalisme. Steve Reich est passé maître en la matière avec sa technique de déphasage.

Rythmes à impulsions

La musique minimale se caractérise également par des rythmes simples et pulsés qui dégagent une qualité hypnotique. Philip Glass est bien connu pour les qualités rythmiques de sa musique, une qualité qui a influencé des styles de musique contemporains comme le rock et l'EDM.

Perception du public

Il est toujours difficile de définir un style ou un genre musical particulier. Rien ne rentrera jamais facilement dans un trou en forme de "musique minimaliste" ou de "musique pop". De même, il n'est pas nécessaire que toutes les caractéristiques susmentionnées soient présentes pour qu'une musique soit minimale, et ce n'est pas non plus parce que ces caractéristiques sont plus ou moins présentes qu'un morceau de musique est minimaliste.

L'aspect le plus important de la musique minimale est peut-être la façon dont elle permet au public (ou le force, selon la façon dont on l'envisage) de se concentrer sur ce qui se passe dans la musique.

Contrairement à un divertissement musical présenté comme une histoire ou un voyage, l'écoute de la musique minimale implique de prêter attention à ce qui se passe dans la musique elle-même.

Un morceau de musique qui ne consiste qu'en deux ou trois notes jouées pendant, disons, quinze minutes, oblige l'auditeur à se concentrer réellement sur l'interprétation et fait jouer à l'écoute un rôle actif dans la musique.

Je dirais que c 'est ce qui rend la musique minimaliste.

Comment créer de la musique minimaliste

Si vous souhaitez devenir le prochain Philip Glass ou John Adams, vous devez commencer à écrire de la musique minimale ! Voici quelques idées pour vous aider à démarrer.

Choisissez votre centre d'intérêt

Décidez de l'élément fondamental de votre pièce. Il peut s'agir de

• un rythme
• une harmonie, telle qu'une quinte ouverte ou une tierce majeure
• une mélodie
• un extrait de discours (assurez-vous d'en avoir les droits si vous envisagez de publier votre travail!)

Les compositeurs minimalistes construisent souvent leurs compositions entières à partir d'une seule idée ; choisissez donc un élément de base comme pierre angulaire de votre morceau.

Quel que soit votre choix, veillez à ce qu'il soit court. Si vous optez pour les longues notes soutenues de La Monte Young, ce n'est pas grave - l'idée initiale sera toujours courte !

Créer un motif répétitif

Une fois que vous avez choisi votre base, utilisez-la pour créer un motif répétitif.

Si vous utilisez un rythme, programmez-le ou enregistrez-le en utilisant des instruments de percussion non accordés - vous pourrez toujours ajouter des instruments accordés plus tard.

S'il s'agit d'une mélodie, enregistrez-la et mettez-la en boucle.

S'il s'agit d'une harmonie, utilisez un son soutenu comme un pad de synthé pour programmer l'harmonie, en la soutenant pendant un certain temps. (Conseil de pro : transmettez ce son sous forme d'audio plutôt que d'utiliser le MIDI, afin d'entendre le son quel que soit l'endroit d'où vous lancez la lecture).

L'effet hypnotique du minimalisme provient de la répétition constante, qui crée une sensation de méditation.

Limitez votre palette

Maintenant que les bases sont posées, il est temps de commencer à réfléchir à la manière dont les choses évolueront au fil du temps. Pour commencer, vous devez constituer votre palette sonore.

Que vous utilisiez des instruments électroniques ou que vous enregistriez en acoustique, limitez le nombre d'instruments utilisés dans le morceau à une poignée seulement. Cela vous aidera à adopter un état d'esprit minimaliste et à éviter que les choses ne deviennent trop encombrées. Cela vous obligera à réfléchir plus profondément à la façon dont les choses peuvent évoluer au fil du temps.

Même si vous prévoyez de construire un mur sonore autour d'une seule harmonie, il est conseillé d'utiliser plusieurs versions d'une poignée d'instruments différents.

Introduire de petites variations

Choisissez un élément et modifiez-le progressivement.

Si vous avez commencé par un instrument jouant une mélodie simple en ostinato, essayez d'introduire progressivement un deuxième instrument, puis un troisième.

Vous pouvez aussi essayer d'ajouter ou de supprimer une note de votre motif ou, si vous avez deux instruments jouant le même motif, ajuster le timing de l'un d'entre eux pour qu'il soit déphasé.

La dynamique est un autre bon moyen d'introduire des variations subtiles dans une idée répétitive tout en conservant l'identité centrale de la musique.

Expérimenter la superposition

Si vous avez commencé par un instrument jouant une mélodie simple en ostinato, ajoutez progressivement un deuxième instrument, puis un troisième.

Combinez cette étape avec la précédente en introduisant des variations dans ces nouveaux calques.

Adopter la technologie

Les outils électroniques tels que les DAW, les séquenceurs matériels et les pédales de boucles rendent la création de musique minimale accessible à tous, alors utilisez-les. Il existe de nombreux outils gratuits pour vous aider !

Outre les capacités d'échantillonnage et de bouclage offertes par la quasi-totalité des logiciels d'enregistrement, les effets numériques peuvent être utilisés pour créer une impression d'espace. Découvrez comment la modification des paramètres d'un plugin de délai ou de réverbération à l'aide de l'automatisation peut générer une musique minimale sauvage et merveilleuse à partir d'une seule idée.

Se mettre au défi

Fixez-vous des limites pour chaque projet sur lequel vous travaillez, par exemple :

• enregistrer en utilisant uniquement votre voix
• enregistrer 30 minutes de musique sans montage
• n'utiliser qu'un seul son et plusieurs effets
• utiliser plusieurs sons et un seul effet
• changer la signature temporelle à chaque mesure

Si vous n'avez jamais essayé d'écrire dans un style minimaliste, vous serez peut-être surpris de constater à quel point il peut être difficile de se dépouiller. La clé du minimalisme est la simplicité et le nombre réduit d'instruments impliqués. Pour faire de la musique expérimentale, il faut continuer à expérimenter !

L'héritage de la musique minimaliste

La musique minimaliste a parcouru un long chemin depuis les compositeurs anonymes et les performances artistiques non identifiées des années 1960 à New York. Le minimalisme a laissé une impression durable sur la musique classique, l'EDM, le rock et même la musique de film.

Des compositeurs comme Max Richter et Jóhann Jóhannsson associent la répétition minimaliste à une orchestration luxuriante pour créer des œuvres à forte résonance émotionnelle qui ont touché un large public. Sleep de Richter est une vitrine de la fluidité expressive et des qualités méditatives du minimalisme.

Les musiciens électroniques ont également été profondément influencés par le minimalisme. Jon Hopkins, Nihls Frahm et, bien sûr, Brian Eno ont tous adopté des techniques minimalistes telles que la répétition, les motifs en boucle et les changements progressifs de texture pour créer des paysages sonores immersifs.

Même le roi actuel de la musique de film, Hans Zimmer, utilise des techniques minimalistes. Regardez sa musique pour Interstellar pour entendre de lents changements harmoniques qui rappellent les expériences de phasing de Steve Reich.

L'accent mis par le minimalisme sur la répétition, la simplicité et la transformation progressive continue d'inspirer plus d'un compositeur dans de nombreux genres, ce qui prouve que son impact est aussi durable qu'étendu.

Si vous êtes à la recherche d'inspiration pour écrire de la nouvelle musique dans le style minimal, ou si vous voulez simplement vous immerger dans le genre, je vous recommande vivement d'écouter cette excellente playlist d'introduction.

Maintenant, allez-y et minimisez la musique !