Las voces son un ingrediente esencial en cualquier canción. Sin ellos, no es más que una pista de acompañamiento.

Como productor musical o ingeniero de mezclas, es fundamental que las voces se integren bien en la mezcla. ¿De qué sirve crear un arreglo impresionante si las voces no están presentes y claras? ¿O peor aún, si eclipsan el delicado cencerro que ha tocado tu hija adolescente?

Conseguir que las voces encajen en una mezcla estéreo es un reto al que se enfrentan todos los productores e ingenieros musicales. Y eMastered está aquí para ayudarte.

En esta guía, vamos a ver consejos y técnicas para conseguir ese sonido vocal perfecto y una mezcla que suene profesional. Tanto si eres un novato en esto de las mezclas como si quieres perfeccionar tu enfoque, estos pasos te llevarán desde la preparación y limpieza básicas hasta las técnicas avanzadas que utilizan los profesionales de las mezclas de todo el mundo. Cubriremos todos los aspectos, desde la ecualización y la compresión hasta los efectos creativos, y te proporcionaremos todas las herramientas necesarias para que las voces se integren perfectamente en una mezcla.

Siga leyendo y haga oír su voz.

Comprender el papel de las voces en una mezcla

Elige una canción. Cualquier canción. Ahora bien, dependiendo del género o estilo de la pieza, las voces pueden ser el acontecimiento principal de la pista, o pueden ser la decoración de otro elemento que ocupe el centro del escenario. Comprender el papel de las voces en la mezcla concreta en la que estás trabajando te permitirá entender mejor cómo enfocar el proceso de mezcla.

Por ejemplo, un tema clásico como Rolling in the Deep. La potente voz de Adele lleva la voz cantante durante toda la canción, transmitiendo energía y creando ambiente. El resto de los instrumentos, aunque importantes, están principalmente al servicio de la voz principal.

Cuando trabajas en un tema como éste, es importante que las voces sean prominentes y claras para conseguir un sonido pulido y profesional. Lo mismo ocurre con la mayoría de temas de música pop, rock o de cantautor.

Otros géneros pueden requerir un enfoque diferente. La música electrónica, por ejemplo, suele incluir voces como parte de la textura que sostiene el ritmo general. Levels, de Avicii, tiene una bonita voz en el breakdown, pero básicamente la canción gira en torno a la caída. La energía procede de la sección rítmica y la atención se centra en el gancho de sintetizador.

El hip-hop, el R&B y otros géneros afines también requieren un enfoque propio para mezclar las voces. Al igual que el pop y el rock, las voces son la fuerza dominante, pero exigen un tratamiento más cercano y frontal para dar una vibración cruda y directa.

Comprender el papel que deben desempeñar las voces en la mezcla dependerá del ambiente que busques, la historia que intentes contar y el género musical. Saber todo esto antes de empezar a mezclar te ayudará a tomar mejores decisiones en cuanto a ecualización, reverberación y otros procesamientos que pueden (o no) mejorar su papel.

Empezar con el fin en mente: Preparación de la pista vocal

Una buena mezcla de voces empieza con una grabación limpia, y esto es especialmente importante si grabas voces en un estudio casero. Aunque muchos de los programas de software disponibles en la actualidad son capaces de realizar una cantidad asombrosa de tareas de limpieza cuando se trata de audio de mala calidad, no hay nada mejor que hacerlo bien desde el principio. Aquí tienes algunos aspectos básicos que debes tener en cuenta:

Calidad de grabación

Invierte en un micrófono de calidad adecuado para la voz. Un micro de condensador suele ser una buena opción para captar todos los detalles de la voz, pero puede que un micro dinámico funcione mejor con algunos cantantes o estilos de canto.

Asegúrate de tener un buen ruido de fondo para la grabación y mantente alerta ante cualquier zumbido de bucle de masa que pueda producirse.

Por último, asegúrate de que sólo captas la voz y no los reflejos de la sala o el ruido ambiente. Los reflejos de la sala pueden controlarse con paneles acústicos o colgando mantas. Apaga todos los aparatos ruidosos, como el aire acondicionado (o el teléfono).

Distancia y colocación del micrófono

Colocar bien el micrófono es crucial para conseguir una buena toma vocal. Si está demasiado cerca, la interpretación se resentirá; si está demasiado lejos, la voz sonará débil. Colocar al vocalista a 15 cm del micro es una buena regla general, e invertir en un protector antipop (entre 7 y 15 €) es una decisión inteligente para evitar el sonido de las "p" y las "b".

Del mismo modo, asegúrate de que el vocalista tiene una buena técnica de micro. Mantente a una distancia constante del micro y evita cambios drásticos en la calidad del sonido.

Preparados, listos, a ganar

Al grabar, asegúrate de ajustar los niveles de entrada de forma que la parte más alta de la voz no se distorsione ni se sature. Lo ideal es que los picos de las partes más altas ronden los -6dB, para dejar margen de maniobra en la mezcla.

Organízate

Una vez que hayas terminado de grabar la voz principal, es hora de revisar y combinar las mejores tomas para crear la interpretación vocal definitiva. Si reúnes ahora las mejores interpretaciones, podrás centrarte al 100% en la mezcla cuando llegues a esa fase.

Este es un paso esencial si vas a enviar tu sesión a un ingeniero para que la mezcle. No tienen forma de saber qué tomas prefieres, así que ponte las pilas de antemano.

Por supuesto, si eres el ingeniero de mezclas de un proyecto externo, puede que no tengas nada que decir sobre el proceso de grabación vocal. En ese caso, tendrás que echar mano de tus herramientas de mezcla vocal.

Herramientas y técnicas básicas para mezclar voces

Ahora que ya tienes una grabación vocal sólida lista para mezclar, es el momento de echar un vistazo a algunas herramientas básicas y trucos del oficio que ayudarán a que una voz encaje en la mezcla.

En esta sección trataremos cuatro áreas principales: EQ, compresión, panoramización y reverberación. Estas herramientas pueden hacer mucho trabajo y, si se aplican con cuidado, resaltarán las mejores cualidades de una voz, controlarán la dinámica y la ayudarán a encontrar su lugar en la mezcla.

EQ

Con un uso cuidadoso de la ecualización puedes dar forma al tono de un sonido, reducir (o eliminar) frecuencias problemáticas y dejar espacio para otros instrumentos en la mezcla. Aquí tienes algunos ajustes básicos con los que puedes empezar a mezclar voces.

Eliminar el ruido de los bajos

La voz humana no produce nada útil por debajo de 100 Hz, pero una pista vocal a menudo tendrá algo de ruido de baja frecuencia debido al ruido de la sala o a la manipulación del micro. Aunque este ruido no sea tan audible como tu trabajo, ocupa espacio en el espectro de frecuencias y puede afectar negativamente a la mezcla. Un filtro de paso alto ajustado a 80-100 Hz es un buen punto de partida para eliminar el ruido de graves.

Encontrar el cuerpo

El cuerpo principal de una voz se encuentra entre los 100 y los 400 Hz. Hacer pequeños realces en este rango puede ayudar a engordar una voz delgada, pero demasiado puede enturbiarla, así que ve con cuidado.

Mejorar la claridad y la presencia

Nuestros oídos son más sensibles a la gama de frecuencias de 2 kHz a 5 kHz, que es también donde el habla es más inteligible.

Hacer pequeños realces en esta zona puede ayudar a añadir claridad a una voz, pero manténgalos en torno a 1 ó 2 dB. Demasiada presencia en esta zona provocará un sonido áspero.

Añadir aire

La voz principal de las canciones pop y acústicas suele beneficiarse de algunos destellos añadidos. Un aumento suave en torno a 10-12 kHz ayudará a que la voz suene abierta y brillante.

De-Essing

La sibilancia puede distraer mucho en una mezcla, las "s" ásperas de una voz hacen que la experiencia auditiva sea desagradable para todos.

A veces se puede suavizar con un ecualizador, pero a menudo es mejor utilizar un plug-in De-Esser específico para controlar el ruido. La mayoría de las DAW incluyen su propio De-Esser nativo, así que no hace falta gastarse mucho dinero en software adicional.

La gama de frecuencias de la sibilancia varía de un cantante a otro, y suele ser más alta en las voces femeninas y más baja en las masculinas.

Pruebe a apilar dos De-Essers en serie, cada uno dirigido a frecuencias diferentes, para obtener un sonido aún más suave.

Y sé sutil: demasiada reducción puede hacer que tu cantante cecee.

Recuerda que todos estos ajustes son una guía general. Cada cantante y estilo necesitarán sus propios ajustes específicos, así que tómate tu tiempo para afinar y experimentar al aplicar la ecualización. Si te apetece profundizar más en el modelado tonal, consulta nuestra práctica tabla de rangos de frecuencia y cómo afectan a las cualidades tonales de la voz humana:

Consejo profesional: Si trabajas habitualmente con un vocalista, es una buena idea guardar los ajustes de ecualización como preajustes a partir de los cuales trabajar: ¡te ahorrará mucho tiempo en cada mezcla!

Compresión

La compresión es una forma de reducir el rango dinámico de un instrumento, igualando las partes más altas y más bajas para que las voces suenen más consistentes. Los compresores son una herramienta esencial para que las voces se sientan cómodas en una mezcla.

La compresión vocal es un tema que merece su propio artículo, pero aquí tienes algunos ajustes que te ayudarán a empezar a domar tus niveles vocales.

Umbral: Ajusta el umbral para que capte los picos más altos sin aplastar las partes más bajas.

Proporción: Empieza con una proporción de 3:1 o 4:1 para tener cierto control sin ser demasiado agresivo.

Ataque y Liberación: Estos dos controles pueden marcar una gran diferencia en el sonido de la voz. Empieza con un tiempo de ataque de unos 10 ms y un tiempo de liberación de unos 40 ms, y experimenta a partir de ahí.

Un tiempo de ataque más rápido hará que las voces suenen más consistentes, mientras que un tiempo de ataque más lento dará a las voces un toque más punzante. Los tiempos de liberación más lentos suavizarán las cosas; una liberación más rápida dará más distinción.

Ajusta la configuración hasta que alcances unos 2-3 dB de reducción de ganancia. Ajusta la ganancia de compensación para que los niveles de salida y entrada coincidan, y no olvides escuchar la voz en el contexto de toda la mezcla.

Para obtener un resultado aún más suave, prueba a utilizar la compresión en serie. La compresión en serie consiste en utilizar varios compresores apilados unos encima de otros, a menudo con distintos modelos para crear una mezcla de control dinámico y modelado tonal.

Este proceso puede descontrolarse fácilmente, así que asegúrate de saber lo que haces con cada compresor.

Panorámica

A veces, las cosas sencillas son las que más efecto pueden tener a la hora de conseguir que las voces se integren bien en la mezcla. Si la mezcla suena abarrotada, prueba a panoramizar algunos instrumentos en la imagen estéreo, dejando en el centro los instrumentos clave, como el bajo, la batería y, por supuesto, la voz principal.

Esto es especialmente eficaz si hay muchas voces de fondo. Si las panoramizas con fuerza a izquierda y derecha, no estorbarán a la voz principal.

Las armonías vocales más pequeñas, como la del vocalista principal que canta una línea de armonía bajo la línea principal, pueden tratarse con panoramizaciones menos drásticas.

Reverberación y retardo

Efectos como la reverberación y el retardo pueden crear espacio y profundidad en una voz, y ayudar a que parezca que está en la misma habitación que las demás pistas grabadas en la mezcla.

Es una práctica común configurarlos en canales auxiliares separados que se alimentan de un plug-in de reverberación o retardo, lo que te permite controlar la cantidad de cada instrumento que se envía al efecto.

Reverberación:

En lugar de tener una reverberación "universal" para instrumentos y voces, configura una pequeña reverberación de sala o de placas para las voces principales, y una pequeña reverberación de sala o pasillo para el resto de instrumentos.

Utilice un tiempo de decaimiento corto para mantener la claridad de la voz sin dejar de añadir una sensación de espacio. Añada un pequeño retardo previo (30-100 ms) para separar el inicio de la voz de la reverberación.

Retraso:

El retardo puede utilizarse como efecto creativo o en pequeñas cantidades para añadir profundidad y calidez a las pistas vocales. Prueba a añadir un pequeño retardo de unos 80-120 ms a una voz principal y comprueba si suena bien.

EQ:

Volvamos a nuestro viejo amigo, el ecualizador. Es una decisión inteligente añadir EQ a los canales de reverb y delay. Esto evitará que las frecuencias bajas turbias o las frecuencias altas o medias desagradables entren en el efecto. Demasiados graves en una reverb se ensucian más rápido que un niño de 3 años con un helado.

Muchos plugins de reverberación tienen su propio ecualizador incorporado, pero creo que se obtiene un mayor control utilizando un plugin de ecualizador independiente como inserción antes del efecto.

Técnicas avanzadas de mezcla vocal

Todas las técnicas anteriores te ayudarán a que tus mezclas vocales suenen bien. Pero hay muchos más trucos cuando se trata de mezclas vocales estelares. ¿Quieres llevar tu mezcla final al siguiente nivel? Vamos allá.

Ranura de frecuencia

La ecualización no consiste sólo en reducir las frecuencias desagradables o potenciar las agradables. Un ingeniero inteligente utilizará la distribución de frecuencias para crear espacio en cada pista y que las voces grabadas brillen.

Aplicar el ecualizador de esta forma es especialmente útil si la mezcla en la que estás trabajando contiene instrumentos que comparten la misma gama de frecuencias principales que las voces. Prueba a cortar guitarras o teclas en torno a 300hZ, y quizá un ligero corte entre 1-5kHz.

Este método de ecualización permite hacer sitio en otras pistas para que las voces se integren mejor en la mezcla. El truco está en comprender los rangos de frecuencia que ocupan los instrumentos y saber qué hay que mantener y qué hay que recortar.

Compresión paralela

La compresión paralela es una forma estupenda de conseguir que las voces ocupen un lugar destacado en la mezcla y aporten energía extra al sonido. En lugar de aplicar una compresión extrema como inserción en la pista vocal, la señal original se mezcla con una versión muy comprimida.

Cualquier compresor sirve. Para configurar la compresión en paralelo, duplica la voz o envíala a una pista auxiliar dedicada. En esta pista, inserta un compresor con una relación alta y busca una reducción de ganancia de entre 10 y 20 dB. A continuación, sube el nivel de la pista afectada hasta que consigas un buen equilibrio con la señal original.

Como la compresión se produce en su propia pista, puedes ajustar la mezcla a medida que avanza la canción. Prueba a subir el volumen de la pista comprimida durante el estribillo para darle más fuerza.

Consejo profesional: Coloca un ecualizador antes de la compresión paralela para no realzar frecuencias no deseadas.

Automatización de volumen y ganancia de clip

Confiar únicamente en un compresor para controlar la dinámica de una voz puede dar lugar a un sonido excesivamente comprimido.

La automatización del volumen puede ser una forma muy eficaz de conseguir que las voces se asienten en la mezcla, y es especialmente útil para subir el nivel de una señal en palabras concretas, sobre todo si el cantante tiene tendencia a "tragarse" los finales de las frases.

La automatización del volumen también se puede utilizar para subir sutilmente el nivel general de una pista cuando sea necesario; por ejemplo, subiendo los coros al principio del estribillo para que se note la entrada, antes de volver a bajarlos.

Consejo profesional: Prueba a automatizar los controles de efectos, como la compresión paralela que acabas de configurar.

La ganancia de clip es una forma de automatización, y también puede ayudar a igualar las cosas. Es una herramienta muy utilizada en Pro Tools, y muchos ingenieros utilizan la ganancia de clip para igualar manualmente la dinámica de una señal antes de enviarla a un compresor.

La diferencia entre esto y la automatización del volumen es que la ganancia de clip cambia el nivel de la voz antes de que se haya realizado ningún procesamiento, incluso antes de que llegue al fader, mientras que la automatización del volumen ajusta la señal después de que se haya realizado todo el procesamiento.

Consejo profesional: Utiliza la ganancia de clip para suavizar la señal inicial; utiliza la automatización para controlar cuándo una voz se siente fuera de lugar.

Compresión Sidechain

La compresión sidechain se utiliza a menudo para apartar el bajo del bombo, pero también puede ayudar a que las voces se integren en la mezcla sin luchar con los demás elementos de la pista.

Para configurarlo, envía todos los instrumentos de la canción a su propio bus, e inserta un compresor con la voz principal alimentándose a la entrada sidechain. Mantén los niveles de compresión muy sutiles, con unos pocos dB de reducción de ganancia. Ahora, cada vez que entre la voz, las otras pistas se reducirán ligeramente.

La compresión multibanda es aún mejor para este trabajo, ya que puede centrarse en frecuencias específicas donde se encuentra la voz.

Consejo profesional: deja la batería fuera de este proceso para conservar la energía de la canción.

Toques finales y mezcla en contexto

Aplicar ecualizador, utilizar compresión sidechain y automatizar el volumen son buenos procesos para ayudar a las voces a encajar en la mezcla, pero hay algunas cosas más que te ayudarán a que tu mezcla suene aún mejor cuando la envíes al mundo.

Escuchar en distintos sistemas de reproducción:

Que una mezcla suene muy bien en los monitores del estudio (o en los auriculares, si es tu caso) no significa necesariamente que el tema suene bien en todos los sistemas. Como mínimo, comprueba cómo suena tu mezcla a través del altavoz de tu teléfono y en un coche. Puede que el sonido de unos altavoces distintos haga que la voz destaque más de lo previsto, o viceversa.

Escuchar en mono:

Del mismo modo, consulta de vez en cuando tu mezcla en mono. El equilibrio de los instrumentos y las discrepancias de ecualización pueden quedar en evidencia cuando se mezclan en mono.

Una forma sencilla de hacerlo es insertar un plug in en el bus maestro: la mayoría de los DAW tienen un plug in nativo que sumará la señal a mono.

Mantener bajos los niveles de vigilancia:

Nuestros oídos son más sensibles a los agudos y graves del espectro de frecuencias a volúmenes más altos. Para obtener una imagen real y equilibrada de tu mezcla, mantén el volumen bajo mientras la mezclas. También es una forma inteligente de proteger tu oído.

Tómate descansos:

Para evitar la fatiga del oído y perderte en ajustes interminables, asegúrate de hacer descansos frecuentes. Cuando vuelvas, tus oídos se habrán refrescado y te resultará mucho más fácil conseguir que las cosas encajen bien en la mezcla.

Utilizar pistas de referencia:

Siempre es buena idea utilizar una pista de referencia al mezclar. Busca una que tenga la misma vibración vocal que quieres conseguir y compara a menudo tu mezcla con la pista de referencia.

Errores comunes y cómo evitarlos

Sangrado de otras fuentes:

Si todos los miembros del grupo están grabando en la misma sala, una buena toma de voz puede verse arruinada por el ruido de otros coros o instrumentos.

Si esta es la configuración de grabación que piensas utilizar, asegúrate de aislar el micro vocal todo lo posible. Lo ideal es que el vocalista esté en una habitación y el resto de la banda en otra.

Procesamiento excesivo:

Teniendo en cuenta todos los consejos anteriores sobre ecualización, compresión y efectos, es fácil pasarse con el procesamiento. Inclínate siempre por un enfoque sutil, aplicando el efecto hasta que puedas oír que marca la diferencia, y luego redúcelo un poco por seguridad.

Si tienes una mezcla con muchos efectos, considera usar un compresor en la cadena de efectos y encadénalo a la voz principal para que no estorbe.

Recuerde, en caso de duda, ¡no lo incluya!

Descuidar la automatización:

La automatización, no sólo de los niveles de volumen, sino también de los parámetros de los efectos, es un aspecto que se pasa por alto con facilidad y en el que un poco de trabajo extra puede resultar muy útil.

Tómate tu tiempo para repasar la mezcla un par de veces y controlar los faders vocales. A continuación, considera la posibilidad de automatizar otros aspectos de la pista vocal, como aumentar la compresión paralela durante el estribillo.

Ignorar el contexto:

Una voz puede sonar fantástica en solitario, pero no en el contexto completo de la mezcla. Escucha siempre cómo suenan las voces con las demás pistas.

Otro error contextual es no entender la relación entre el vocalista y la canción. Se trata de un aspecto más subjetivo, pero hasta cierto punto dependerá del género musical y de las preferencias del artista.

Conclusión

Mezclar es una habilidad que lleva tiempo dominar. Toma las ideas anteriores y experimenta con ellas para ver qué funciona mejor para tu sonido particular. Sobre todo, ¡confía en tus oídos!

¡Ahora ve y mezcla la música!