Nøglen til en professionelt klingende sang er et godt mix. Det giver sangen balance og dynamik og gør masteringprocessen så meget mere effektiv.

Men det kræver øvelse at mikse. Masser af øvelse. Hvis du lige er begyndt, vil du være dårlig til det. Men det er okay - du bliver ikke bedre, før du indser, hvad du skal arbejde med.

Så for at få dig i gang med din livslange rejse med at forbedre dine mixefærdigheder er her en startguide til, hvordan man mixer musik. Den er skræddersyet til nybegyndere, men jeg tror, at selv øvede mixere kan lære noget af den.

Læs videre, når vi forklarer, hvordan man mixer musik.

Hvad er lydmixning?

At mixe musik er præcis, hvad det lyder som - at blande lyde sammen på en måde, der får dem til at lyde behageligt. Ved at bruge ting som EQ, kompression og niveauer kan du hjælpe de forskellige spor i din sang med at smelte sammen, så de ikke dækker over hinanden, men hjælper hinanden med at gøre deres del.

Mixning er en del af den kreative proces. Det er her, du former de lyde, du har optaget eller samplet, til det, du hører i dit hoved. Derfor er det så vigtigt, at du lærer at mixe musik på egen hånd.

Når du er færdig med mixet, laver du flersporsoptagelsen om til en WAV-fil (kaldet "mixdown"), så den kan blive masteret.

Min pointe er, at mixning er et af de vigtigste aspekter af en god indspilning. Folk bygger deres karriere udelukkende på at vide, hvordan man mixer.

Så for at kunne tackle dette emne ordentligt, vil vi gå i detaljer (mens vi stadig holder det så enkelt som muligt).

Sæt dit hjemmestudie op til at mixe musik

At få dit hjemmestudie sat ordentligt op er det første, du skal gøre som begyndermikser. Dit studie skal være et sted, hvor du føler dig mest kreativ, selv om det er hjemme i dit soveværelse. Det er næsten umuligt at lave kvalitetsmix uden bestemt udstyr, som f.eks. mixerhøjttalere (studiemonitorer), en god computer eller laptop til at producere musik og et godt lyttemiljø.

Du skal også sørge for, at lyden i dit studie er af høj kvalitet. Når du sætter dit studie sammen, skal du tjekke, om der er rumresonans, rumklang eller andet, der kan påvirke din mixning.

Jeg anbefaler på det kraftigste, at du akustikbehandler dit studie, før du begynder at mixe. Hvis du begynder at mixe uden at behandle dit studie, kan du ende med at træffe de forkerte beslutninger i dine mix senere hen.

Noget af det studieudstyr, jeg varmt anbefaler, er

• Stationær eller bærbar computer
• Studiomonitorer
• Eksterne harddiske (til at gemme store lydfiler)
• Mikrofon
• Hovedtelefoner
  

Lydmixning i din DAW‍

‍

For at lave det rigtige mix skal du bruge en digital audio workstation (DAW), der kan gøre det, du har brug for (EQ, kompression, rumklang, crossfading osv.). Og så skal du vide, hvordan du bruger din DAW rigtig godt, så du kan bruge den til at gøre de ting og træffe hurtige beslutninger om mixning.

Intimitet - det er det ord, jeg kommer til at tænke på. Lær, hvor alting er i din DAW, før du overhovedet trykker på indspilning.

Her er de vigtigste ting i din indspilningssoftware, som du bør være fortrolig med - jeg anbefaler kraftigt, at du lærer tastaturgenvejene til disse at kende:

- Hvor optageknappen er

- Hvor du indstiller BPM

- Sådan udvider du sporene og zoomer ind

- Sådan tilføjer du et nyt spor, både lyd og MIDI

- Fortryd optagelse

- Skære/klippe optaget element

- Snap-To-Grid On/Off-valg

- Copy/paste, specifikt kopiering og indsættelse af bestemte dele af en sang

Det vil tage tid at lære disse ting og træffe hurtige blandingsbeslutninger. Men den eneste måde at blive fortrolig med det på er ved at øve sig.

Hvis du ikke er helt fast besluttet på en DAW endnu, så tjek vores liste over de bedste DAW' er, både betalte og gratis DAW' er, før du mixer.

Planlæg, før du blander

Før du begynder at mixe, skal alle dine spor have de rigtige titler. Nogle mennesker kan endda lide at give numre med lignende instrumenter samme farve, andre (som jeg) sætter simpelthen disse numre ved siden af hinanden.

For eksempel kan alle de akustiske guitarer arrangeres ved siden af hinanden. Alle vokalerne kunne være grupperet. Og bassen og trommerne er naboer. Det gør dit workflow mere smidigt. Når du mikser vok alerne, kan du starte med én skabelon for alle vokalsporene - og hvis de ligger sammen, er det meget nemmere at hoppe mellem dem.

Pointen er, at du skal forsøge at holde dig så organiseret som muligt, uanset hvilken måde du foretrækker.

Det kan også hjælpe at forestille sig, hvordan du ønsker, at nummeret skal lyde, før du mixer det. Skal det lyde rumagtigt eller mere direkte og menneskeligt? Hvilket instrument vil du have med?

Er der et nummer fra en anden kunstner, som du gerne vil have til at lyde som? I så fald bør du prøve at mixe med et referencespor. Det er en ting, der har hjulpet mine mixefærdigheder såvel som mine produktionsevner drastisk. Tag et professionelt mixet og mastereret nummer fra en kunstner, du beundrer, og læg det ind i dit DAW-projekt. Så kan du nemt skifte mellem den sang og dit mix.

Du skal også beslutte dig for, hvad der skal være hovedelementerne i sangen. Når folk siger: "Jeg kan godt lide din ene sang, der går ...", hvad synger eller nynner de så? Er det beatet? Melodien? Et sejt guitar-lick? Det er hovedelementet, og det bør være dit fokus, når du mixer.

De 8 trin i mixning for begyndere

Her er de 8 trin i lydmixning for begyndere:

• Trin 1: Forbered dit mix (redigering, fading, Gain Staging)
• Trin 2: Få en god balance (Få den rigtige volumenbalance)
• Trin 3: Kompression (kontrol af dynamik)
• Trin 4: EQ (skab plads, fremhæv gode dele, skær dårlige dele væk)
• Trin 5: Skab dybde og bredde (panorer og brug rumklang/forsinkelse)
• Trin 6: Automatisering (automatiser volumen og anden behandling)
• Trin 7: Tilføj effekter (Chorus, Phaser, Flanger, Saturation, Distortion osv.)
• Trin 8: Færdiggørelse (finpudsning og forberedelse til mastering)
  

Det er nu, det bliver sjovt. Det er nu, du begynder at forme din lyd ved hjælp af niveauer, panorering, bussing, EQ, kompression, rumklang og delay.

Følg denne trin-for-trin guide til lydmixning nedenfor for at finde det rigtige mix til din sang.

Trin 1: Forberedelse

Noget af det bedste, du kan gøre, når du begynder at mixe musik, er at forberede dig. Hvis du kan få alle sporene i din session pænt organiseret, får du det meget lettere (og meget hurtigere), når det kommer til selve mixningen.

Sessioner kan være ret store nu om dage. Mange sessioner har hundredvis af spor, der skal håndteres. Det er let at føle sig overvældet, når man stirrer på hundredvis af lydspor uden retning. Næsten alle DAW'er har en farvekodefunktion. Du bør farvekode dine forskellige spor, så du nemt kan finde dem, når du scroller.

Det første, du skal gøre derefter, er at sende lignende spor til busser.

For dem, der ikke ved det, er en bus et enkelt output, som du kan bruge til at sende flere individuelle spor til for at gruppere dem og behandle dem som en enkelt enhed. Du kan tænke på en bus, som du ville tænke på en bybus. En bybus samler flere mennesker op og kører dem til den samme destination.

Du kan så bruge plugins til at påvirke alle disse individuelle spor, der går ind i din bus, sammen uden at skulle overbelaste din CPU med flere instanser af disse plugins.

Tænk på det på denne måde. I stedet for at bruge ti EQ'er og kompressorer til at mixe hvert af dine baggrundsvokalspor, kan du busse dem til en enkelt destination og EQ'e og komprimere dem sammen. Det er ikke kun nemmere for din CPU, men det hjælper også med at lime dine spor sammen, så de lyder, som om de var én enhed. Du kan busse alle slags spor sammen, men du kan overveje at starte med de mest oplagte:

• Trommer
• Slagtøj
• Bas
• Guitar
• Nøgler
• FX
• Ledende vokal
• Baggrundsvokal
  

Du bør også farvekode disse busser for at holde dem organiseret.

Hvad er crossfading i musik?

Det er utroligt vigtigt at lave fades og crossfades under forberedelsesprocessen, da det sikrer, at du ikke hører nogen klik eller knald i det endelige mix. Crossfading er at splejse to lydklip sammen, så de får en glidende overgang uden klik eller knald.

En fade er derimod en simpel volumenreduktion, der placeres i begyndelsen eller slutningen af et lydklip for hurtigt at introducere eller reducere lydstyrken på et signal, så det ikke starter pludseligt og skaber hårde, forbigående lyde som klik eller knald. Fades er typisk meget korte (omkring 10 ms), hvilket betyder, at du ikke engang bemærker, at de er der. Men de er en integreret del af mixningsprocessen.

Gain Staging - hvad er det?

Gain staging er den proces, hvor man sørger for, at ens spor har det optimale lydniveau, så de kommer ind i plugins i det såkaldte "sweet spot". Ideen går tilbage til tiden med analogt udstyr, hvor ingeniører var nødt til at optage signaler ved optimale niveauer, så de ikke introducerede for meget støj eller for meget forvrængning.

Fordi de fleste af de værktøjer, vi bruger på computeren i dag, er baseret på det gamle udstyr, er det vigtigt at sikre, at vores lyd er på det rette sted. Desuden ønsker vi ikke at påføre vores mix digital forvrængning, som er kendt som clipping.

Det bedste sted er 0 dB VU.

For at forstærke scenen korrekt kan du bruge et standard forstærkningsplugin fra din DAW, placere det på hvert spor og skrue op eller ned for lydstyrken, indtil den er på 0 dB VU. Sørg for at gøre dette på både de enkelte instrumentspor og busserne. Selv om det virker banalt, kan det gøre en stor forskel.

Trin 2: Få en god balance

Volumen er langt det vigtigste at tage højde for i dit mix. Faktisk er en volumenfader det mest kraftfulde værktøj, når du begynder at mixe. Hvis du ikke kan finde den rigtige volumenbalance, får du aldrig den radioklare sang, du leder efter. Før du begynder at tilføje effekter som EQ og kompressorer, er du nødt til at lave en grov volumenbalance. Følg disse trin for at gøre det:

• Start med den mest højlydte sektion: Loop den mest højlydte del af dit spor. På den måde kan du gøre denne sektion så højlydt som muligt og til sidst bevæge dig hen til de mere stille sektioner for at skabe kontrast.
• Gør dig klar med referencer: Find et professionelt mixet og mastereret spor, som du kan bruge som reference. Lyt til det, før du begynder at mixe, for at forberede dine ører. Prøv at lytte til, hvor visse vigtige instrumenter sidder i mixet, herunder kick, snare, bas og vokal.
• Begynd at tage instrumenter ind: Start med din vigtigste kanal, og få den op på -5dB. Den bør ikke clippe masterkanalen. Din vigtigste kanal afhænger helt af sangen. I en EDM-sang er det måske stortrommen. Til en folk-sang kan det være en akustisk guitar.
• Fortsæt med at bringe instrumenterne ind: Følg rækkefølgen, og fortsæt med at sætte instrumenterne ind et efter et med volumenfaderne, indtil de alle har deres respektive lydstyrke.
• Få en grov balance: Når alle instrumenterne er på plads, skal du bruge mindst 10 minutter på at sikre, at din balance er korrekt. Hvis du har brug for det, så tag en pause og kom tilbage til det, så du ikke mister perspektivet.
  

Under denne proces er det en god idé at holde dine studiemonitorer eller hovedtelefoner på en lav lydstyrke. På den måde bliver dine bevægelser mere præcise. Tommelfingerreglen er at holde lyttesystemet på "samtaleniveau", hvilket betyder, at du stadig kan føre en samtale med alle i lokalet.

Husk også at tjekke dine referencespor for at sikre, at dine beslutninger giver mening, og at alle dine instrumenter sidder på det rigtige sted.

Trin 3: Komprimering

For at kontrollere din dynamik og forme den overordnede tonale karakter af dine mix, vil du gerne bruge kompression.

En kompressor er der for at udjævne lydstyrken i et signal‍ automatisk ved at skrue ned for det, når det er for højt, og op for det, når det er for lavt. På mange måder er en kompressor som en volumenfader. Men i modsætning til en volumenfader kan kompressorer også bruges til at tilføje spænding og lim til et mix.

For at forstå, hvordan man bruger en kompressor, skal man forstå brugerfladen. Her er nogle af de mest almindelige kontroller, du finder på en kompressor, og hvordan du bruger dem:

• Tærskelværdi: For at bestemme, hvornår kompressoren træder i kraft og begynder at arbejde, skal vi bruge Threshold. Tærsklen er en indstillet lydstyrkeparameter, der tænder kompressoren, når lydniveauet, der løber gennem den, overstiger den indstillede lydstyrkeparameter. Jo lavere du sætter din threshold, jo mere komprimeret bliver din lyd.
• Forholdet: Forholdet bestemmer, hvor meget kompressoren reducerer lydstyrken. En højere ratio skaber en mere aggressiv kompression. En ratio på 2:1 betyder f.eks., at for hver 2 dB lydstyrken på et signal stiger over tærsklen, kommer der 1 dB ud. 2:1 er et meget blødt forhold sammenlignet med 10:1.
• Attack: Hvor hurtigt en kompressor aktiveres og klemmer på signalet, bestemmes af Attack. En hurtig attack-tid vil klemme på den første transient og skabe en meget tykkere og kontrolleret lyd. En langsommere attack-tid giver derimod transienten mulighed for at springe igennem, hvilket gør lyden mere punchy og spændende.
• Frigivelse: Hvor lang tid det tager for kompressoren at koble fra og vende tilbage til normal lydstyrke, styres af release.
• Knee: Ligesom ratio bestemmer knee, hvor aggressiv kompressoren vil lyde. Til subtil kompression kan du bruge et blødt knee (1,0). Til meget mere aggressiv eller tydelig kompression kan du bruge et hårdt knee (0,0).
• Makeup Gain: Fordi kompressorer skruer ned for signalernes lydstyrke, skal vi bruge makeup gain til at skrue op igen for ikke at forstyrre vores oprindelige balance.
  

Den måde, du bruger en kompressor på, afhænger helt af det instrument, du fodrer den med. Men for at give dig en generel fornemmelse af, hvordan du kan bruge en kompressor, er der her et par trin, du kan følge:

• Trin 1: Indstil din ratio. Et godt sted at starte er 3:1 eller 4:1 for de fleste instrumenter.
• Trin 2: Reducer din threshold, indtil kompressionen bliver meget tydelig. Typisk vil du gå efter mindst 10 dB forstærkningsreduktion. Vi justerer dette senere, men hvis du vælger en lavere tærskel, kan du bedre høre dine andre indstillinger.
• Trin 3: Vælg den langsomst mulige Attack-indstilling og den hurtigst mulige Release-indstilling.
• Trin 4: Sænk din Attack, indtil du hører, at kompressoren begynder at klemme på dine transienter. I det øjeblik lyden begynder at føles klemt eller livløs, skal du skrue ned for angrebet.
• Trin 5: Øg din Release, indtil kompressoren "ånder" med dit spor. Din kompressor vil højst sandsynligt have en VU-meternål. Ideen her er, at du vil have denne nål til at hoppe tilbage i takt med dit spor. Hvis den klemmer ned hele tiden eller hopper tilbage for hurtigt, kan du skade sporets groove.
• Trin 6: Begynd at øge din tærskel, indtil du får den mængde kompression, du leder efter. Husk at lytte til, hvad kompressoren gør. Brug ikke dine øjne til at afgøre, hvornår nok er nok. Om du har brug for 10 dB kompression på et enkelt spor for at få det til at sidde rigtigt i dit mix eller 3 dB, er ligegyldigt, så længe det lyder godt.
• Trin 7: Hvis du har brug for en mere aggressiv kompression, kan du overveje at justere din ratio til et højere tal.
• Trin 8: Brug Makeup Gain- eller Output Gain-knappen til at bringe det nyligt komprimerede signal tilbage til det normale niveau.
  

De første instrumenter, du bør bruge en kompressor på, er dem, der har brug for dynamisk kontrol. Typisk vil live-instrumenter som trommer, bas og vokal kræve kompressorer for at sidde pænt i et mix. Nogle genrer bruger kraftigere kompression, f.eks. rap, rock og pop. Andre bruger meget lidt eller slet ingen kompression. Disse genrer omfatter klassisk musik og jazz.

Det er en af de sværeste ting ved mixning at vænne sig til, og det vil helt sikkert tage noget tid, før du er i stand til at høre dine bevægelser tydeligt. Bliv ved med at øve dig, og vær ikke bange for at være dristig med dine indstillinger for at få den lyd, du leder efter.

Trin 4: EQ

EQ er en forkortelse for "equalizer". Som et af de vigtigste værktøjer i dit mix-værktøjsbælte kan du bruge en equalizer til at forme frekvensindholdet i dine instrumenter, så de passer sammen som et puslespil.

Vi bruger en equalizer til at manipulere visse dele af frekvensspektret. Spektret i den menneskelige hørelse går fra 20Hz til 20kHz (20.000Hz). Lave instrumenter ligger lavere i spektret, som f.eks. kick og bas, mens høje instrumenter ligger højere i spektret, som f.eks. bækkener eller shakers.

Nogle instrumenter optager meget større dele af spektret, f.eks. klaverer, vokaler og synthesizere.

Lad os dele spektret op i sektioner og definere hver af dem.

• Subbas (20-60Hz): For at høre subbasfrekvenser skal du sandsynligvis bruge en subwoofer eller et par virkelig stærke hovedtelefoner. Mennesker føler for det meste disse subfrekvenser i stedet for at høre dem. Dumpet fra en dyb stortromme eller den jordskælvende bas i en klub er et resultat af subfrekvenser.
• Bas (60-200Hz): Lave instrumenter ligger ofte i dette frekvensområde, f.eks. kick, bas og toms. Men den lave ende af mandlige vokaler og guitarer kan også ligge her.
• Lave mellemtoner (200-500Hz): De lave mellemtoner giver dit mix BEEF. Men for meget information i de lave mellemtoner kan føre til det, vi kalder et " mudret " mix. Dette område kræver ofte særlig opmærksomhed for at sikre, at der ikke er for meget frekvensopbygning med forskellige instrumenter.
• Mellemtoner (500Hz-2kHz): Mennesker har et dybt forhold til mellemtonerne, da det er det område af spektret, vi hører mest. Når du taler med nogen i telefonen, er det dette område af frekvensspektret, du hører. Sporets hovedfokus bør ligge her (vokal, guitarsolo osv.) For mange mellemtoner, og dit mix kan begynde at lyde hårdt eller aggressivt.
• Høje mellemtoner (2kHz-8kHz): Når det gælder klarhed, er de høje mellemtoner afgørende. Du kan tilføje nærvær til instrumenter med de høje mellemtoner, men de kan også gøre dit mix hårdt, hvis de er anmassende.
• Høje toner (8kHz-20kHz): Sød, sød luft. Gnisten og glimmeret i et dyrt klingende mix lever i de høje toner.
  

Sådan bruger du EQ

Så nu, hvor du forstår frekvensspektret, undrer du dig måske,

Hvordan får jeg det til at fungere i mine mix?

Med EQ'er kan man skrue op eller ned for lydstyrken i de forskellige dele af frekvensspektret. På den måde kan vi ændre tonen i et instrument og hjælpe det med at passe sammen med andre instrumenter.

Lyder dit kick svagt i dit mix?

Hvis det er tilfældet, kan du overveje at forstærke subbasen eller basfrekvenserne.

Lyder de savtakkede synthesizere lidt hårde?

Hvis det er tilfældet, kan du overveje at skrue ned for de høje mellemtoner.

Ethvert EQ-plugin vil typisk have de samme parametre som det næste. Her er nogle af de mest typiske EQ-parametre, som du har brug for at kende:

• Filtre: EQ'er kommer ofte med både højpasfiltre (HPF) og lavpasfiltre (LPF). Et high-pass-filter fjerner den lave ende og lader den høje ende passere, mens et low-pass-filter fjerner den høje ende og lader den lave ende passere.
• Q: "Q" repræsenterer, hvor bredt netop dit filter er. En bredere Q vil påvirke et bredere område i frekvensspektret.
• Frekvens: Du bestemmer, hvilket område af frekvensspektret du påvirker med parameteren Frequency.
  

Der er mange måder at bruge EQ på, når man mixer, men vi vil gerne fokusere på tre specifikke anvendelser.

Vedligeholdelsesarbejde

Vedligeholdelsesarbejde kan nogle gange være en del af forberedelsesfasen. Ideen her er at fjerne alle "dårlige" dele af et bestemt stykke lyd. Disse "dårlige" dele er typisk resonanser, tilstande eller støj. Du kan bruge "sweep and destroy"-teknikken til at slippe af med disse resonanser i dine mix. Start med en ekstremt smal Q og boost den ønskede frekvens hele vejen op.

Fej gennem spektret og lyt omhyggeligt efter resonanser, der springer ud af din optagelse. Hvis du bemærker en resonans, der er til stede gennem hele sangen, kan det være rummet, den er optaget i, eller selve instrumentet. Hvis du bemærker, at denne resonans står i vejen for lyden, skal du skære den væk ved at trække frekvenspunktet ned.

Ellers kan du overveje at lade den være i fred for at bevare den naturlige optagelse. Der er ikke noget galt i at lade grimme resonanser springe igennem.

Under dette vedligeholdelsesarbejde vil vi typisk bruge højpasfiltre og lavpasfiltre for at slippe af med unødvendig støj eller fnidder.

Skift tone

Vi kan også bruge EQ til at ændre tonen i et instrument. Typisk vil du bruge bredere boosts og cuts under toneændringsprocesserne for at få en mere "musikalsk" lyd.

Lad os tage en vokal som eksempel.

Det kan være en god idé at fjerne enhver form for boxiness eller muddiness i de lave mellemtoner og booste de høje mellemtoner og høje toner en smule for at give mere luft og nærvær.

På en basguitar vil vi måske booste de lave toner eller mellemtonerne for at få lidt mere kød på, mens vi skærer ned på mellemtonerne eller de høje toner for at slippe af med en hæslig fingerlyd.

At pusle med blandingen sammen

Lydmixning er et puslespil med mange forskellige brikker, der skal passe sammen. Vi kan skære visse punkter af spektret ud i visse instrumenter for at få dem til at passe bedre sammen med andre.

Vi kan f.eks. klippe bunden af en elektrisk guitar for at få den til at ligge bedre oven på en bas, som allerede har kontrol over bunden. På samme måde kan vi skære i de høje mellemtoner på en akustisk guitar for at hjælpe vokalen med at dominere det område.

Før du nogensinde foretager dig noget med EQ, skal du spørge dig selv,

Hvad er mit endelige mål?

Bare fordi nogen på nettet har fortalt dig, at du skal booste en vokal ved 3 kHz, betyder det ikke, at DIN vokal vil have gavn af et 3 kHz-boost.

Hvis din vokal lyder, som om den har brug for mere nærvær i dit mix, kan du overveje at booste omkring 3 kHz. Men det kan også være, at din vokal bare lyder, som om den har brug for nærvær, fordi du har et andet instrument, der dækker den, og som måske kunne have gavn af en reduktion på 3 kHz.

Du kan også overveje at fjerne nogle af de lave mellemtoner i din vokal for at skabe nærvær, da færre lave toner og mindre mudder vil hjælpe "nærværsfrekvenserne" med at træde mere frem.

Det er vigtigt at bemærke, at du endda kan bruge EQ under optagelsesprocessen for at få den lyd, du leder efter, lige fra starten.

Trin 5: Dybde og bredde

For at skabe dybde og bredde i et mix skal du bruge en kombination af rumlige effekter og panorering.

Lad os starte med at gøre vores mix tredimensionelt ved hjælp af et af dine DAW'ers mest grundlæggende værktøjer: panners.

Hvad er panorering?

Panorering er processen med at placere et instrument på bestemte steder i stereofeltet i enten venstre eller højre højttaler. Ved at bruge panoreringsknapperne i din DAW kan du skabe et lydbillede, hvor hvert enkelt instrument sidder.

Nogle teknikere bruger LCR-metoden, hvor alle instrumenterne panoreres enten 100 % til venstre, 100 % til højre eller helt i midten. Det er en gammeldags metode, som fungerer for mange mennesker. Andre bruger en meget detaljeret tilgang og giver hvert instrument i deres mix en helt bestemt plads i stereospektret.

Det er bedst at forestille sig dine instrumenter på en scene og panorere dem i overensstemmelse hermed. For eksempel kan du vælge at holde din vokal, kick, snare og bas panoreret i midten for at holde fundamentet nede. Derefter kan du panorere dine elektriske stereoguitarer 100 % til venstre og 100 % til højre. Dine keyboards, din percussion eller andre instrumenter kan så placeres midt imellem venstre eller højre og midten.

Brug rumklang til at skabe dybde

Nu hvor dit mix har fået bredde takket være panorering, skal du bruge rumklang til at skabe tredimensionel dybde forfra og bagfra.

Tænk over det på denne måde: Musikere står typisk ikke på en todimensionel linje lige over scenen. Sangeren er normalt forrest og i midten, guitarer, bas og tangenter er skubbet lidt længere tilbage, og trommerne er endnu længere tilbage end disse instrumenter.

For at skabe dybde starter vi med at bruge rumklang.

Rumklang er et utroligt omfattende emne. Hvis du vil have flere detaljer, kan du læse vores dybdegående guide om rumklang her.

I sin mest basale form bruges rumklang til at sætte visse instrumenter i et "rum".

Du kan bruge rumklang til at skubbe instrumenter tilbage i et mix, så de lyder længere væk, eller du kan bruge rumklang til at styre den overordnede tone i dit mix.

Større rumklange som haller eller katedraler skaber en mere storslået lyd. Disse reverbs er gode til klassiske strygersektioner, balladevokaler eller trommer i stadionstil.

Mindre rumklang, som f.eks. rum eller kamre, er gode til en mere intim lyd. Tænk på akustiske guitarer i folk-stil eller rummelige klaverer.

Selv om det er nemt at skabe dybde med rumklang, kan det nogle gange føles, som om denne effekt skubber en lyd alt for langt tilbage i mixet. En vokal kan f.eks. have brug for lidt plads, uden at det føles, som om den sidder bag de andre spor.

I dette tilfælde vil vi måske bruge delay i stedet for rumklang.

Hvad er forsinkelse?

Selv om Delay på mange måder minder om rumklang, er det et langt mere præcist værktøj. I stedet for at høre et virvar af ekkoer, der flyver frem og tilbage i et rum og skaber en enkelt, samlet efterklang, skaber delay tonerepetition, så du kan høre individuelle ekkoer. Hvis du råber "Hej" ind i en hule, vil du sandsynligvis høre det "Hej" som et ekko flere gange, før det forsvinder.

Der er uendeligt mange måder at bruge Delay på, men lad os tale om den mest enkle teknik: slapback delay.

Slapback delay har været brugt siden 50'erne til at skabe dybde uden at skubbe instrumenterne for langt tilbage i mixet. Lyt til Elvis Presleys plader fra 50'erne, og du vil sandsynligvis høre slapback delay på hans stemme. Du kan typisk finde forudindstillinger for slapback delay i plugins i din DAW. Start der, og juster parametrene, som du finder det passende.

Trin 6: Automatisering

På dette tidspunkt lyder den mest højlydte del af din sang, som du har loopet, sandsynligvis ret godt.

Selvfølgelig lyder ikke alle dele af din sang ens, hvilket betyder, at de parametre, du indstiller for denne del, måske ikke lyder rigtigt for de andre.

Det er her, automatisering er praktisk.

I mixning bruger vi volumenautomatisering til at skabe en følelse af konsistens i hele sangen. Alle DAW'er har kanaler til automatisering af lydstyrken, som du kan bruge til at skrue op eller ned for lydstyrken på et bestemt instrument eller en bus under bestemte dele af sangen.

For eksempel kan kicket være rockende i omkvædet, men det lyder alt for højt i versene. I dette tilfælde kan du overveje at skrue ned ved hjælp af volume automation.

Du kan også bruge automatisering på dine plugins.

For eksempel kan de 10 dB kompression, som du brugte på din vokal, have lydt godt under omkvædet, selvom det lyder overkomprimeret under verset. I så fald kan du automatisere tærsklen på din kompressor, så den ikke komprimerer så meget under verset.

I et andet eksempel kunne din akustiske guitar måske have haft godt af at blive skåret i de lave mellemtoner under omkvædet, da den forstyrrede andre spor. Men versene er meget mere sparsomme og føles lidt svage uden de lave mellemtoner.

I så fald kan du måske automatisere din EQ, så den kun klipper de lave mellemtoner ud under omkvædene og lader dem være inde under versene.

Du kan også bruge automatisering til at skabe interesse og fange lytterens opmærksomhed. Du kan overveje at skrue op for vigtige ord i en vokallinje for at fremhæve dem eller skrue ned for bassen i foromkvædet, så du kan få den hårdt tilbage i omkvædet.

På mange måder er volumenautomatisering lige så meget en del af forestillingen som instrumenterne i mixet. Som mixtekniker kan du tilføje dynamik til et mix ved hjælp af volumenautomatisering, som ellers ville føles fladt og livløst.

Trin 7: Tilføj effekter

Det er her, du kan begynde at blive kreativ.

Alle elsker at eksperimentere med effekter. Der er ingen bedre måde at give din sang en kreativ kant på end med seje og anderledes effekter. Der er så mange effekter derude, at det ville være umuligt at komme ind på dem i en enkelt artikel. Men her er en lille liste over effekter, som du kan overveje at bruge i visse dele af dit mix:

• Kor
• Flanger
• Phaser
• Mætning
• Forvrængning
• Forsinkelser af kast
• Vibrato
• Pitch-skift
  

Hvis du vil have en grundig forklaring på hver af disse kreative effekter og mere til, kan du læse vores artikel:

Lydeffekter forklaret

Trin 8: Færdiggørelse

Du er så tæt på, du må ikke stoppe nu!

På dette tidspunkt lyder dit mix ret godt. Det er tid til at gå det grundigt igennem et par gange og sikre, at alt sidder, som det skal, så det er klar til mastering-stadiet.

I løbet af færdiggørelsesprocessen kan du overveje at foretage de sidste justeringer af EQ eller kompression. Du kan også overveje at afbalancere dine lyde eller ændre lydstyrken på dine effekter.

For at få mest muligt ud af færdiggørelsesprocessen anbefaler vi, at du tager en pause først. Hvis du kan, så prøv at vende tilbage til dette trin næste dag, så du har et sæt friske ører at arbejde med.

Find en blyant og en notesblok frem, og lyt til dit mix forfra og bagfra et par gange. Tag noter om alt, hvad du hører, og som du gerne vil ændre.

Under denne proces kan du henvise til dine referencespor for at sikre, at du er på vej i den rigtige retning. Selv om du ikke ønsker at kopiere dit referencespor, kan det være nyttigt at sikre, at din frekvens- og volumenbalance er i orden.

Et af mine yndlingsplugins til at referere til professionelle spor er Reference fra Mastering the Mix.

Når du føler, at dit mix er klar til at rocke, kan du bounce det ud eller eksportere det i WAV-format, så du kan lytte til det i forskellige miljøer, f.eks. din bil, din bærbare computer, dine AirPods osv.

Når du føler, at den er klar til mastering, kan du overveje at uploade din sang til eMastered til professionel mastering.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er den bedste app til at mikse sange sammen?

Når det handler om at mikse sange sammen, er Djay Pro en af mine absolutte yndlingsapps. Denne app kan bruges på Android, iOS, Mac og Windows. Den har endda Spotify-integration!

Skal jeg mixe min egen musik?

Hvis du ikke har råd til at hyre en dygtig mikser, eller hvis du ikke tror på, at andre kan mikse din musik bedre end dig, så er der ikke noget galt i at prøve at mikse din egen musik! Men du skal også være i stand til at fjerne dig selv fra musikkens følelsesmæssige aspekter for at kunne træffe klare, tekniske beslutninger.

Er det svært at mixe en sang?

Det er ikke nødvendigvis svært at lære at mixe en sang, men det tager lang tid at vænne sig til. Vi anbefaler, at du bruger lidt tid på at se YouTube-videoer, læse blogs og deltage i onlinegrupper for at lære mere, før du kaster dig ud i det. Hav en plan i tankerne, og forstå de værktøjer, du har foran dig, så du kan gøre processen så let som muligt.

Hvordan bliver man bedre til at mixe musik?

Som når man bliver bedre til alt andet, er øvelse den bedste måde at blive bedre til at mixe musik på. Implementer de teknikker, du lærer, indtil de bliver helt naturlige. Mix forskellige typer musik ved at tilbyde at mixe sange gratis. Gør alt, hvad du kan, for at øve dig i at mixe så meget som muligt, og du vil blive bedre for hvert mix.

Er Garageband godt til at mixe musik?

Selv om Garageband ikke nødvendigvis er en professionel DAW, har den ret utrolige mixfunktioner, når man tænker på, at den er gratis. Hvis du lige er kommet i gang med at mixe, er Garageband et godt sted at starte.

Kan mastering rette op på et dårligt lydmix?

Mastering kan ikke rette op på et dårligt mix. Mastering er det sidste trin før udgivelsen, som kun er til for at polere og forbedre et godt mix. En mastering-ingeniør arbejder kun med sange på makroniveau, hvilket betyder, at de ikke kan pille hele sangen fra hinanden og manipulere med dårlige valg af volumenbalance, for meget kompression på visse spor eller skæve rumklangseffekter.

Du skal have en god balance, panorering, EQ og al anden behandling i mixfasen for at få det bedste resultat.

Hvad skal du ikke gøre, når du blander?

Der er masser af ting, du aldrig bør gøre under mixningsprocessen, men her er de fem vigtigste ting, som vi ser begyndere gøre alt for ofte:

• Mix af instrumenter i solo eller ikke i forbindelse med mixet
• Bruger ikke referencespor
• Mix ved meget høje niveauer
• Overbearbejdning af spor
• Har ikke intentioner med at behandle bevægelser
  

Hvordan får du dit mix til at lyde professionelt?

Der er mange ting, du kan gøre for at få dit eget mix til at lyde professionelt, men når det gælder moderne musik, er der 7 ting, du næsten altid bør gøre for at få en mere professionel lyd. Brug dem i dit mix, og se det skinne:

• Gain-staging: Sørg for at have nok headroom, når du mixer.
• Top-end-boosts: Lyder dit mix fladt? Måske lyder bare ét spor, som om det kunne bruge lidt kærlighed? Prøv et boost på den høje hylde omkring 10 kHz.
• Fjernelse af resonans: Slip af med rumresonanser med boost-and-sweep EQ-teknikken
• Slip af med sibilans: Brug en de-esser til at slippe af med hård sibilans i din vokal
• Brug automatisering til at kontrollere dynamikken: Kompression kan ikke håndtere dynamik alene. For at sikre, at dine spor sidder rigtigt og føles ensartede, skal du bruge automatisering.
• Brug mætning til at give liv: Ved at bruge mætningsplugins, som f.eks. båndmaskiner, kan du tilføje en unik, analog stemning til dit mix, der hjælper med at udfylde de harmoniske serier og give dine numre karakter.
• Ryd op i den lave ende: Det er typisk en god idé at high-passe ethvert instrument, der ikke har brug for en masse energi i den lave ende, for at give plads til de instrumenter, der har brug for det, som f.eks. kick og bas.
  

Hvor meget koster det at mixe en sang?

En freelance-mixer vil sandsynligvis tage et sted mellem 100 og 1.000 dollars pr. mix, mens et professionelt studie kan tage op til 1.500 dollars eller mere pr. mix.

Mixer rappere deres egen musik?

Der er ikke mange rappere, der selv mixer deres musik, men der er masser af rappere, der producerer deres egne beats. Nogle af de mest populære rappere, der producerer deres egne beats, er bl.a:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, skaberen
• Eminem
• Logik
• Chief Keef
  

Hvordan ved du, om dit mix er godt?

Der er et par tydelige tegn på, at dit mix er godt og færdigt, bl.a:

• Du kan høre hvert instrument i nummeret tydeligt
• Vokalen lyder konsekvent
• Mixet lyder limet og afbalanceret
• Der er ingen tekniske problemer, såsom knald, klik eller støj.
• Mixet er dynamisk og interessant
• Det lyder på niveau med nogle af dine yndlingssange
• Det lyder godt på forskellige lydsystemer
  

Hvor lang tid tager det at mixe en sang?

For en sang med flere instrumental- og vokalspor, der kræver kompleks redigering, bearbejdning og automatisering, kan et mix nemt tage op til otte timer eller mere. Du kan forkorte denne tid ved at bruge mixskabeloner og have et referencespor, som du løbende kan tjekke dit mix med.

Hvordan får jeg mit mix til at lyde klarere?

Min erfaring er, at der er nogle få teknikker, man kan bruge på næsten ethvert mix for at få det til at lyde renere og klarere. Disse teknikker omfatter:

• Højpasfiltrering: Slip af med unødvendig low-end i instrumenter, der ikke har brug for det, som f.eks. vokaler, guitarer, keyboards osv.
• Brug delays i stedet for rumklang: Hvis rumklang fylder for meget i dit mix og får det til at lyde uklart, kan du overveje at skifte det ud med et delay i stedet.
• Sidechaining: Sidechaining er en fremragende måde at skabe plads til bestemte instrumenter, når de spiller på samme tid.
• Puzzle Piece EQ: Bestem, hvor hvert af dine indspillede spor skal ligge i EQ-spektret, og skru op og ned for frekvenserne i overensstemmelse hermed, så alt har sin egen plads uden at overlappe. Instrumenter med samme frekvensindhold bør ikke føles, som om de overlapper hinanden.
  

Mix af musik - få dine egne sange til at lyde godt

Det er let at fortabe sig i detaljerne ved mixning, så husk dette: Det hele handler om sangen. Prøv at zoome ud og minde dig selv om den overordnede lyd, du vil have.

Hvor er dette spor på vej hen? Lyder det som dit referencespor? Får du de lyde, du hører i dit hoved?

Igen kan jeg varmt anbefale at bruge et referencespor, når man mixer. Det er en slags kort, som du bruger til at sikre, at du er på rette vej til en professionelt lydende sang.

Det er heller ikke en hurtig ting at mixe. I sidste ende vil du måske gå tilbage til dit råmix, fordi dit nye mix ikke lyder godt. Du vil opleve, at du laver små justeringer, lytter, laver flere justeringer, lytter igen og laver endnu flere justeringer. Alt det er okay! Det er en del af mixprocessen.

Du skal bare vide, at du ikke skal blive modløs, hvis dette er din arbejdsgang - det er et tegn på, at du er på vej mod et godt mix.

Når du har lært alle disse "blandingsregler", og du er tryg ved dem, så bryd dem. Vær kreativ og eksperimenter. Stol på dine ører, selv om det, du ser på skærmen, er umoderne. Brug andre værktøjer til at skabe mix, der er helt dine egne.

Hele pointen er at ende med et fantastisk mix, som er nøglen til en god master og en sang, der kan måle sig med alle andre.

God fornøjelse med at blande!