Nøkkelen til en låt med profesjonell lyd er en god miks. Det gir sangen balanse og dynamikk, og gjør masteringsprosessen så mye mer effektiv.

Men miksing krever øvelse. Mye øvelse. Hvis du er nybegynner, kommer du til å være dårlig til det. Men det er greit - du blir ikke bedre før du først innser hva du trenger å jobbe med.

For å hjelpe deg i gang med å forbedre dine mikseferdigheter, har jeg laget en startguide til hvordan du mikser musikk. Den er skreddersydd for nybegynnere, men jeg tror at selv erfarne miksere kan lære av den.

Les videre når vi forklarer hvordan du mikser musikk.

Hva er lydmiksing?

Å mikse musikk er akkurat det det høres ut som - å mikse sammen lyder på en måte som får dem til å høres behagelige ut. Ved å bruke ting som EQ, kompresjon og nivåer kan du hjelpe de ulike sporene i sangen din til å smelte sammen, slik at de ikke dekker over hverandre, men hjelper hverandre med å gjøre sin del av jobben.

Miksing er en del av den kreative prosessen. Det er her du former lydene du har spilt inn eller samplet, til det du hører i hodet ditt. Derfor er det så viktig at du lærer deg å mikse musikk på egen hånd.

Når du er ferdig med miksen, renderer du flersporsopptaket til en WAV-fil (kalt "nedmiksingen") slik at det kan mastres.

Poenget mitt er at miksing er et av de viktigste aspektene ved en god innspilling. Folk bygger hele karrieren sin på å kunne mikse.

Så for å kunne ta tak i dette emnet på riktig måte, skal vi gå i detalj (samtidig som vi holder det så enkelt som mulig).

Sett opp hjemmestudioet ditt for å mikse musikk

Det første du bør gjøre som nybegynner er å sette opp hjemmestudioet ditt på riktig måte. Studioet ditt bør være et sted der du føler deg mest kreativ, selv om det er hjemme på soverommet. Det er nesten umulig å få til kvalitetsmikser uten visse typer utstyr, som for eksempel miksehøyttalere (studiomonitorer), en god datamaskin eller bærbar PC for å produsere musikk og et godt lyttemiljø.

Du bør også sørge for at lyden i studioet ditt er av høy kvalitet. Når du setter sammen studioet, bør du sjekke om det er romresonanser, romklang eller noe annet som kan påvirke miksingen.

Jeg anbefaler på det sterkeste at du akustikkbehandler studioet ditt før du begynner å mikse. Hvis du begynner å mikse uten å behandle studioet ditt, kan du ende opp med å ta feil avgjørelser i miksingen senere.

Noe studioutstyr jeg anbefaler på det sterkeste inkluderer:

• Stasjonær eller bærbar PC
• Studiomonitorer
• Eksterne harddisker (til lagring av store lydfiler)
• Mikrofon
• Hodetelefoner
  

Lydmiksing i DAW‍

‍

For å kunne lage den rette miksen må du bruke en digital lydarbeidsstasjon (DAW) som kan gjøre det du trenger (EQ, kompresjon, romklang, crossfading osv.). Og så må du vite hvordan du bruker DAW-en din på en god måte, slik at du kan bruke den til å gjøre disse tingene og ta raske miksebeslutninger.

Intimitet - det er ordet jeg kommer til å tenke på. Lær deg hvor alt er i DAW-en din før du i det hele tatt trykker på "Record".

Her er de viktigste tingene i innspillingsprogramvaren som du bør være kjent med - jeg anbefaler på det sterkeste at du gjør deg kjent med hurtigtastene for disse:

- Hvor opptaksknappen er

- Der du angir BPM

- Slik utvider du sporene og zoomer inn

- Slik legger du til et nytt spor, både lyd og MIDI

- Angre opptak

- Slice/kutt innspilt element

- Snap-To-Grid på/av-valg

- Kopier/lim inn, spesielt kopiering og liming av bare enkelte deler av en sang

Det vil ta tid å lære seg disse tingene og ta blandingsbeslutninger raskt. Men den eneste måten å bli kjent med det på, er å øve.

Hvis du ikke har bestemt deg helt for en DAW ennå, kan du sjekke ut listen vår over de beste DAW-ene, både betalte og gratis DAW-er, før du mikser.

Planlegg før du blander

Før du begynner å mikse, bør alle sporene dine ha riktig tittel. Noen liker til og med å gi spor med lignende instrumenter samme farge, mens andre (som meg) rett og slett legger disse sporene ved siden av hverandre.

For eksempel kan alle de akustiske gitarene arrangeres ved siden av hverandre. Alle vokalene kan være gruppert. Og bassen og trommene er naboer. Dette gjør arbeidsflyten jevnere. Når du mikser vok alene, kan du starte med én mal for alle vokalsporene - og hvis de ligger sammen, blir det mye enklere å hoppe mellom dem.

Poenget er at du bør prøve å holde deg så organisert som mulig, uansett hvilken måte du foretrekker.

Det kan også være nyttig å forestille seg hvordan du vil at sporet skal høres ut før du mikser det. Vil du at det skal låte spacey, eller mer direkte og menneskelig? Hvilket instrument vil du ha med?

Er det et spor fra en annen artist du vil at det skal høres ut som? I så fall bør du prøve å mikse med et referansespor. Det er en ting som har hjulpet både mikseferdighetene mine og produksjonsferdighetene mine drastisk. Ta en profesjonelt mikset og mastret låt fra en artist du beundrer, og legg den inn i DAW-prosjektet ditt. Da kan du enkelt veksle mellom den sangen og miksen din.

Du bør også bestemme deg for hva som skal være hovedelementene i sangen. Når folk sier: "Jeg liker den ene sangen din som går ...", hva er det de synger eller nynner? Er det rytmen? Melodien? Et kult gitarlick? Det er hovedelementet, og det bør være det du fokuserer på når du mikser.

De 8 trinnene i miksing for nybegynnere

Her er de 8 trinnene i lydmiksing for nybegynnere:

• Trinn 1: Forbered miksen (redigering, fading, forsterkning)
• Trinn 2: Få en god balanse (sørg for riktig volumbalanse)
• Trinn 3: Komprimering (kontrolldynamikk)
• Trinn 4: EQ (skape rom, fremheve gode deler, kutte ut dårlige deler)
• Trinn 5: Opprette dybde og bredde (panorere og bruke etterklang/forsinkelse)
• Trinn 6: Automatisering (automatiser volum og annen behandling)
• Trinn 7: Legg til effekter (Chorus, Phaser, Flanger, Saturation, Distortion osv.)
• Trinn 8: Finalisering (finjustere og forberede mastering)
  

Det er nå det begynner å bli gøy. Det er nå du begynner å forme lyden din ved hjelp av nivåer, panorering, bussing, EQ, kompresjon, romklang og delay.

Følg denne trinnvise lydmikseveiledningen nedenfor for å finne den rette miksen for sangen din.

Trinn 1: Forberedelse

Noe av det beste du kan gjøre når du skal begynne å mikse musikk, er å forberede deg. Hvis du får orden på alle sporene i økten din, blir det mye enklere (og mye raskere) når det kommer til selve miksingen.

Sesjoner kan være ganske store i disse dager. Mange økter har hundrevis av spor å forholde seg til. Det er lett å føle seg overveldet når man stirrer på hundrevis av lydspor uten å vite hva man skal gjøre. Nesten alle DAW-programmer har en fargekodefunksjon. Du bør fargekode de ulike sporene dine slik at du enkelt kan finne dem når du blar.

Det første du bør gjøre etter det, er å sende lignende spor til busser.

En buss, for de som ikke vet det, er en enkelt utgang som du kan bruke til å sende flere individuelle spor til for å gruppere dem og behandle dem som en enkelt enhet. Du kan tenke på en buss som på en bybuss. En bybuss plukker opp flere personer og frakter dem til samme destinasjon.

Deretter kan du bruke plugins til å påvirke alle disse individuelle sporene som går inn i bussen sammen, uten å måtte overbelaste CPU-en med flere instanser av disse pluginsene.

Tenk på det på denne måten. I stedet for å bruke ti EQ-er og kompressorer til å mikse hvert av vokalsporene dine, kan du sende dem til én enkelt destinasjon og EQ- og komprimere dem sammen. Dette er ikke bare mer skånsomt for CPU-en, men det bidrar også til å lime sporene sammen, slik at de høres ut som om de var én enhet. Du kan busse alle slags spor sammen, men det kan være lurt å begynne med de mest åpenbare:

• Trommer
• Slagverk
• Bass
• Gitar
• Nøkler
• FX
• Hovedvokal
• Bakgrunnsvokal
  

Du bør også fargekode disse bussene for å holde orden på dem.

Hva er crossfading i musikk?

Det er utrolig viktig å lage fades og crossfades under prep-prosessen, da det sikrer at du ikke hører noen klikk eller knall i den endelige miksen. Kryssfading er å skjøte sammen to lydklipp slik at de får en myk overgang uten klikk eller knall.

En fade, derimot, er en enkel volumreduksjon som plasseres helt i begynnelsen eller slutten av et lydklipp for raskt å introdusere eller redusere volumet på et signal, slik at det ikke starter brått og skaper skarpe, forbigående lyder som klikk eller knall. Fades er vanligvis svært korte (rundt 10 ms), noe som betyr at du ikke engang legger merke til at de er der. De er imidlertid en integrert del av mikseprosessen.

Gain Staging - hva er det?

Gain staging er prosessen med å sørge for at sporene dine har det optimale volumnivået, slik at de kommer inn i plugins på det såkalte "sweet spot". Ideen går tilbake til tiden med analogt utstyr, der ingeniører måtte ta opp signaler på optimale nivåer slik at de ikke introduserte for mye støy eller for mye forvrengning.

Fordi de fleste av de samme verktøyene som vi bruker på datamaskinen i dag, er basert på det gamle utstyret, er det avgjørende å sørge for at lyden er på det optimale punktet. I tillegg ønsker vi ikke å påføre miksene våre digital forvrengning, noe som kalles klipping.

Det beste punktet er 0 dB VU.

For å forsterke scenen på riktig måte kan du bruke en standard forsterkningsplugin fra DAW-en din, plassere den på hvert spor og skru opp eller ned volumet til det er på 0 dB VU. Sørg for å gjøre dette på både enkeltinstrumentsporene og bussene. Selv om det virker banalt, kan det utgjøre en stor forskjell.

Trinn 2: Finn en god balanse

Volum er det desidert viktigste å ta hensyn til i miksen. Faktisk er en volumfader det kraftigste verktøyet du har når du begynner å mikse. Hvis du ikke får volumbalansen til å stemme, vil du aldri få den radioklare låten du er ute etter. Før du begynner å legge til effekter som EQ og kompressorer, må du lage en grov volumbalanse. Følg disse trinnene for å gjøre det:

• Begynn med den høyeste delen: Loop den mest høylytte delen av sporet ditt. På den måten kan du gjøre denne delen så høylytt som mulig, og etter hvert gå videre til de roligere delene for å skape kontrast.
• Gjør deg klar med referanser: Finn et profesjonelt mikset og mastret spor som du kan bruke som referanse. Lytt til det før du begynner å mikse, så du er klar. Prøv å lytte til hvor visse viktige instrumenter sitter i miksen, for eksempel kick, snare, bass og vokal.
• Begynn å ta inn instrumenter: Begynn med den viktigste kanalen og få den opp til -5 dB. Den skal ikke klippe masterkanalen. Hvilken kanal som er viktigst, avhenger helt og holdent av sangen. For en EDM-låt kan det være kick-trommen. For en folk-låt kan det være en akustisk gitar.
• Fortsett å hente inn instrumenter: Følg rekkefølgen, og fortsett å legge inn instrumentene ett etter ett med volumfaderne til alle har nådd sitt respektive volum.
• Få en grov balanse: Når alle instrumentene er på plass, bruker du minst 10 minutter på å sjekke at balansen er riktig. Ta eventuelt en pause og kom tilbake til det, slik at du ikke mister perspektivet.
  

Under denne prosessen er det en god idé å ha lav lydstyrke på studiomonitorene eller hodetelefonene. På den måten blir bevegelsene dine mer nøyaktige. En tommelfingerregel er å holde lyttesystemet på "samtalenivå", noe som betyr at du fortsatt kan føre en samtale med alle i rommet.

Husk også å sjekke referansesporene dine for å forsikre deg om at avgjørelsene dine er fornuftige og at alle instrumentene sitter på riktig sted.

Trinn 3: Komprimering

For å kontrollere dynamikken og forme den generelle tonale karakteren i miksene dine, vil du bruke kompresjon.

En kompressor er der for å jevne ut volumet på et signal‍ automatisk, ved å skru det ned når det er for høyt og opp når det er for lavt. På mange måter er en kompressor som en volumfader. Men i motsetning til en volumfader kan kompressorer også brukes til å tilføre spenning og lim til en miks.

For å forstå hvordan du bruker en kompressor, må du forstå grensesnittet. Her er noen av de vanligste kontrollene du finner på en kompressor, og hvordan du bruker dem:

• Terskelverdi: For å avgjøre når kompressoren skal slå inn og begynne å arbeide, må vi bruke Threshold. Terskelen er en innstilt volumparameter som slår på kompressoren når lydnivået som går gjennom den, overskrider den innstilte volumparameteren. Jo lavere du setter terskelen, desto mer komprimert blir lyden.
• Forhold: Forholdstallet bestemmer hvor mye kompressoren reduserer volumet. En høyere ratio vil gi en mer aggressiv komprimering. En ratio på 2:1 betyr for eksempel at for hver 2 dB volumet på et signal stiger over terskelen, vil 1 dB komme ut. 2:1 er et veldig mykt forhold sammenlignet med 10:1.
• Attack: Hvor raskt en kompressor kobles inn og klemmer på signalet, bestemmes av Attack. En rask attack-tid vil klemme ned den første transienten, noe som skaper en mye tykkere og mer kontrollert lyd. En langsommere attack-tid vil derimot la transienten springe gjennom, noe som gjør lyden kraftigere og mer spennende.
• Frigjøring: Hvor lang tid det tar før kompressoren kobler ut og går tilbake til normalt volum, styres av utløseren.
• Knee: På samme måte som ratio bestemmer kneet hvor aggressiv kompressoren skal høres ut. For subtil kompresjon kan du bruke et mykt knee (1,0). For mye mer aggressiv eller tydelig kompresjon kan du bruke et hardt knee (0,0).
• Makeup Gain: Fordi kompressorer senker volumet på signalene, må vi bruke makeup gain for å skru dem opp igjen, slik at vi ikke forstyrrer den opprinnelige balansen.
  

Hvordan du bruker en kompressor, avhenger helt og holdent av hvilket instrument du mater inn i den. Men for å gi deg en generell pekepinn på hvordan du kan bruke en kompressor, kan du følge noen få trinn her:

• Trinn 1: Still inn forholdet ditt. Et godt sted å starte er 3:1 eller 4:1 for de fleste instrumenter.
• Trinn 2: Reduser terskelen til kompresjonen blir veldig tydelig. Vanligvis vil du ønske å redusere forsterkningen med minst 10 dB. Vi kommer til å justere dette senere, men ved å velge en lavere terskel vil du kunne høre de andre innstillingene bedre.
• Trinn 3: Still inn den tregeste Attack-innstillingen og den raskeste Release-innstillingen.
• Trinn 4: Reduser angrepet til du hører at kompressoren begynner å klemme på transientene. I det øyeblikket lyden begynner å føles klemt eller livløs, reduserer du angrepet.
• Trinn 5: Øk Release til kompressoren "puster" med sporet ditt. Kompressoren din vil mest sannsynlig ha en VU-meternål. Tanken her er at du vil at denne nålen skal sprette tilbake i takt med sporet ditt. Hvis den klemmer ned hele tiden eller spretter tilbake for raskt, kan du skade sporets groove.
• Trinn 6: Begynn å øke terskelen til du får den kompresjonsgraden du er ute etter. Husk å lytte til hva kompressoren gjør. Ikke bruk øynene dine til å bestemme når nok er nok. Om du trenger 10 dB kompresjon på et enkelt spor for å få det til å passe inn i miksen eller 3 dB, spiller ingen rolle så lenge det høres bra ut.
• Trinn 7: Hvis du trenger mer aggressiv kompresjon, bør du vurdere å justere forholdet til et høyere tall.
• Trinn 8: Bruk Makeup Gain- eller Output Gain-knappen til å bringe det nylig komprimerte signalet tilbake til normalt nivå.
  

De første instrumentene du bør bruke en kompressor på, er de som trenger dynamisk kontroll. Live-instrumenter som trommer, bass og vokal vil vanligvis kreve kompressorer for å sitte pent i en miks. Noen sjangre bruker kraftigere kompresjon, for eksempel rap, rock og pop. Andre bruker svært lite kompresjon, om noen i det hele tatt. Disse sjangrene inkluderer klassisk og jazz.

Dette er noe av det vanskeligste å venne seg til når det gjelder miksing, og det vil definitivt ta litt tid før du er i stand til å høre bevegelsene dine tydelig. Fortsett å øve, og ikke vær redd for å være dristig med innstillingene for å få den lyden du er ute etter.

Trinn 4: EQ

EQ er en forkortelse for "equalizer". Som et av de viktigste verktøyene i mikseverktøybeltet kan du bruke en equalizer til å forme frekvensinnholdet i instrumentene dine slik at de passer sammen som et puslespill.

Vi bruker en equalizer til å manipulere visse deler av frekvensspekteret. Spekteret i den menneskelige hørselen går fra 20 Hz til 20 kHz (20 000 Hz). Instrumenter med lavere frekvenser ligger lavere i spekteret, for eksempel kick og bass, mens instrumenter med høyere frekvenser ligger høyere i spekteret, for eksempel cymbaler eller shakere.

Noen instrumenter tar opp mye større deler av spekteret, for eksempel piano, vokal og synthesizere.

La oss dele opp spekteret i seksjoner og definere hver av dem.

• Subbass (20-60 Hz): For å høre subbassfrekvenser trenger du sannsynligvis en subwoofer eller et par virkelig sterke hodetelefoner. Mennesker føler disse subfrekvensene mer enn de hører dem. Dunkingen fra en dyp tromme eller den jordskjelvende bassen i en klubb er et resultat av subfrekvenser.
• Bass (60-200 Hz): Lave instrumenter ligger ofte i dette frekvensområdet, for eksempel kick, bass og toms. Men også den lave delen av mannsstemmer og gitarer kan ligge her.
• Lave mellomtoner (200-500 Hz): De lave mellomtonene gir miksen din BEEF. For mye informasjon i de lave mellomtonene kan imidlertid føre til det vi kaller en " gjørmete " miks. Dette området trenger ofte spesiell oppmerksomhet for å sikre at det ikke er for mye frekvensoppbygging med forskjellige instrumenter.
• Mellomtoner (500 Hz-2 kHz): Mennesker har et nært forhold til mellomtonene, siden det er den delen av spekteret vi hører mest. Når du snakker med noen i telefonen, er det dette området av frekvensspekteret du hører. Hovedfokuset i sporet bør ligge her (vokal, gitarsolo osv.). For mange mellomtoner kan føre til at miksen din begynner å høres hard eller aggressiv ut.
• Høye mellomtoner (2 kHz-8 kHz): Når det gjelder klarhet, er de høye mellomtonene avgjørende. Du kan gi nærvær til instrumenter med de høye mellomtonene, men de kan også gjøre miksen hard hvis de er anmassende.
• Høye toner (8 kHz-20 kHz): Søt, søt luft. Gnisten og glitringen i en kostbar lydmiks ligger i de høye tonene.
  

Slik bruker du EQ

Nå som du forstår frekvensspekteret, lurer du kanskje på noe,

Hvordan kan jeg bruke den i miksene mine?

Med EQ-er kan du skru opp eller ned volumet på disse ulike delene av frekvensspekteret. På den måten kan vi endre klangen til et instrument og få det til å passe bedre sammen med andre instrumenter.

Høres kicket svakt ut i miksen?

I så fall kan du vurdere å forsterke subbassen eller bassfrekvensene.

Høres de sagtannsynthene litt harde ut?

I så fall bør du vurdere å skru ned de høye mellomtonene.

Alle EQ-plugin-moduler vil vanligvis ha de samme parameterne. Her er noen av de mest typiske EQ-parametrene du trenger å kjenne til:

• Filtre: EQ-er leveres ofte med både høypassfilter (HPF) og lavpassfilter (LPF). Et høypassfilter kutter ut de lave tonene og lar de høye tonene slippe gjennom, mens et lavpassfilter kutter ut de høye tonene og lar de lave tonene slippe gjennom.
• Q: "Q" representerer hvor bredt det aktuelle filteret er. En bredere Q vil påvirke et større område i frekvensspekteret.
• Frekvens: Med Frequency-parameteren bestemmer du hvilket område av frekvensspekteret du vil påvirke.
  

Det er mange måter å bruke EQ på når du mikser, men vi liker å fokusere på tre spesifikke bruksområder.

Vedlikeholdsarbeid

Vedlikeholdsarbeid kan noen ganger være en del av prep-fasen. Her handler det om å fjerne eventuelle "dårlige" deler av et bestemt lydstykke. Disse "dårlige" delene er vanligvis resonanser, moduser eller støy. Du kan bruke "sweep and destroy"-teknikken for å bli kvitt disse resonansene i miksene dine. Begynn med en ekstremt smal Q og øk ønsket frekvens hele veien opp.

Sveip gjennom spekteret og lytt nøye etter resonanser som springer ut av innspillingen. Hvis du legger merke til en resonans som er til stede gjennom hele sangen, kan det være rommet den ble spilt inn i eller selve instrumentet. Hvis du merker at denne resonansen kommer i veien for lyden, kan du kutte den ved å trekke frekvenspunktet ned.

Ellers kan du vurdere å la den være i fred for å opprettholde den naturlige innspillingen. Det er ikke noe galt i å la ekle resonanser slippe gjennom.

Under dette vedlikeholdsarbeidet bruker vi vanligvis høypassfiltre og lavpassfiltre for å bli kvitt unødvendig støy eller fizz.

Endre tonen

Vi kan også bruke EQ til å endre tonen i et instrument. Vanligvis bruker du bredere boosts og cuts under toneendringsprosessene for å få en mer "musikalsk" lyd.

La oss ta en vokal som eksempel.

Det kan være lurt å fjerne boksaktigheten i de lave mellomtonene og forsterke de høye mellomtonene og diskanten litt for å gi mer luft og tilstedeværelse.

For en bassgitar kan det være lurt å forsterke de lave tonene for å få litt mer kjøtt, mens man kutter de høye tonene for å bli kvitt hakk eller fingerlyd.

Puzzling the Mix Together

Lydmiksing er et puslespill med mange forskjellige brikker som må passe sammen. Vi kan skjære ut visse punkter i spekteret i enkelte instrumenter for å få dem til å passe bedre sammen med andre.

Vi kan for eksempel kutte bassen på en elektrisk gitar for å få den til å sitte bedre oppå en bass, som allerede har kontroll over bassen. På samme måte kan vi kutte de høye mellomtonene på en akustisk gitar for å hjelpe vokalen til å dominere dette området.

Før du gjør noe som helst med EQ, bør du spørre deg selv,

Hva er målet mitt?

Bare fordi noen på nettet har fortalt deg at du skal booste en vokal ved 3 kHz, betyr ikke det at DIN vokal vil dra nytte av en 3 kHz-boost.

Hvis vokalen din høres ut som om den trenger mer tilstedeværelse i miksen, kan du vurdere å forsterke rundt 3 kHz. Det kan imidlertid hende at vokalen din bare høres ut som om den trenger tilstedeværelse fordi du har et annet instrument som dekker den, og som kanskje kan dra nytte av en reduksjon på 3 kHz.

Du kan også vurdere å ta ut noen av de lave mellomtonene i vokalen for å skape nærvær, ettersom færre lave toner og gjørme vil bidra til at "nærværsfrekvensene" kommer tydeligere frem.

Det er viktig å merke seg at du til og med kan bruke EQ under innspillingsprosessen for å få den lyden du er ute etter med en gang.

Trinn 5: Dybde og bredde

For å skape dybde og bredde i en miks må du bruke en kombinasjon av romlige effekter og panorering.

La oss begynne med å gjøre miksen tredimensjonal ved hjelp av et av DAW-ens mest grunnleggende verktøy: panoreringene.

Hva er panorering?

Panorering er prosessen med å plassere et instrument på bestemte steder i stereofeltet i enten venstre eller høyre høyttaler. Ved å bruke panoreringsknappene i DAW-en kan du skape et lydbilde der hvert enkelt instrument sitter.

Noen ingeniører bruker LCR-metoden, der alle instrumentene panoreres enten 100 % til venstre, 100 % til høyre eller helt i midten. Dette er en gammeldags metode som fungerer for mange. Andre bruker en veldig detaljert tilnærming, og gir hvert instrument i miksen en helt bestemt plass i stereospekteret.

Det beste er å forestille seg instrumentene dine på en scene og panorere dem deretter. Du kan for eksempel velge å panorere vokal, kick, snare og bass i midten for å holde fundamentet nede. Deretter kan du panorere de elektriske stereogitarene 100 % til venstre og 100 % til høyre. Keyboards, perkusjon og eventuelle andre instrumenter kan da passe midt mellom venstre eller høyre og midten.

Bruk av romklang for å skape dybde

Nå som miksen din har fått bredde takket være panoreringen, kan du bruke romklang til å skape tredimensjonal dybde fra front til bakside.

Tenk på det på denne måten: Musikere står vanligvis ikke på en todimensjonal linje rett over scenen. Sangeren står vanligvis foran og i midten, gitarene, bassen og tangentene står litt lenger bak, og trommene står enda lenger bak enn disse instrumentene.

For å skape dybde begynner vi med å bruke romklang.

Romklang er et utrolig omfattende tema. Hvis du vil ha mer informasjon, kan du lese vår grundige guide om romklang her.

I sin mest grunnleggende form brukes etterklang til å sette visse instrumenter i et "rom".

Du kan bruke romklang til å skyve instrumenter bakover i miksen, slik at de høres fjernere ut, eller du kan bruke romklang til å kontrollere den generelle tonen i miksen.

Større romklang, som haller eller katedraler, skaper en mer storslått lyd. Disse romklangene er ypperlige for klassiske strykere, balladevokaler eller stadionaktige trommer.

Mindre romklang, som rom eller kamre, er ypperlige for en mer intim lyd. Tenk akustiske gitarer i folk-stil eller romslige pianoer.

Selv om det er enkelt å skape dybde med romklang, kan det noen ganger føles som om denne effekten skyver en lyd altfor langt bak i miksen. En vokal kan for eksempel trenge litt plass uten at det føles som om den ligger bak de andre sporene.

I dette tilfellet kan det være lurt å bruke delay i stedet for romklang.

Hva er forsinkelse?

Selv om Delay på mange måter kan virke veldig likt romklang, er det et langt mer presist verktøy. I stedet for å høre et virvar av ekko som flyr frem og tilbake i et rom og skaper en enkelt, enhetlig etterklang, skaper delay tonerepetisjon, slik at du kan høre individuelle ekko. Hvis du roper "Hallo" inn i en hule, vil du sannsynligvis høre "Hallo" som et ekko flere ganger før det forsvinner.

Det finnes uendelig mange måter å bruke Delay på, men la oss snakke om den enkleste teknikken: slapback delay.

Slapback delay har blitt brukt siden 50-tallet for å skape dybde uten å skyve instrumenter for langt bak i miksen. Lytt til Elvis Presleys plater fra 50-tallet, og du vil sannsynligvis høre slapback-delay på stemmen hans. Du finner vanligvis forhåndsinnstillinger for slapback-forsinkelse i plugins i DAW-en din. Begynn der, og juster parameterne etter eget ønske.

Trinn 6: Automatisering

På dette tidspunktet høres den høyeste delen av sangen din som du har loopet, sannsynligvis ganske bra ut.

Selvfølgelig høres ikke alle delene av sangen din like ut, noe som betyr at parameterne du stiller inn for denne delen, kanskje ikke høres riktig ut for de andre.

Det er her automatisering kommer til nytte.

I miksing bruker vi volumautomatisering for å skape en følelse av konsistens gjennom hele sangen. Alle DAW-er har volumautomatiseringskanaler, som du kan bruke til å skru opp eller ned volumet på et bestemt instrument eller en bestemt buss under bestemte deler av sangen.

For eksempel kan kicket være rocka i refrenget, men det høres alt for høyt ut i versene. I dette tilfellet kan du vurdere å skru den ned ved hjelp av volumautomatisering.

Du kan også bruke automatisering på plugins.

For eksempel kan det hende at de 10 dB kompresjonen du brukte på vokalen din hørtes bra ut under refrenget, men at den er overkomprimert under verset. I så fall kan du automatisere terskelen på kompressoren slik at den ikke komprimerer like mye under verset.

I et annet eksempel kunne den akustiske gitaren din ha hatt godt av å bli kuttet i de lave mellomtonene under refrenget, siden den forstyrret andre spor. Versene er imidlertid mye mer sparsomme og føles litt svake uten de lave mellomtonene.

I så fall kan du kanskje automatisere EQ-en slik at den bare kutter ut de lave mellomtonene under refrengene og lar dem være inne under versene.

Du kan også bruke automatisering for å øke interessen og fange lytterens oppmerksomhet. Du kan vurdere å skru opp viktige ord i en vokallinje for å fremheve dem, eller skru ned bassen under pre-chorus, slik at du kan ta den hardt opp igjen i refrenget.

På mange måter er volumautomatisering en like stor del av fremføringen som instrumentene i miksen. Som miksingeniør kan du tilføre dynamikk til en miks ved hjelp av volumautomatisering som ellers ville føles flat og livløs.

Trinn 7: Legg til effekter

Det er her du kan begynne å bli kreativ.

Alle elsker å eksperimentere med effekter. Det finnes ingen bedre måte å gi låten din en kreativ kant på enn med kule og annerledes effekter. Det finnes så mange effekter der ute at det ville være umulig å gå inn på dem i en enkelt artikkel. Her er imidlertid en liten liste over effekter som du kan vurdere å bruke i visse deler av miksen din:

• Kor
• Flanger
• Phaser
• Metning
• Forvrengning
• Kastforsinkelser
• Vibrato
• Pitchskifting
  

Hvis du vil ha en grundig forklaring på hver av disse kreative effektene og mer, kan du gå til artikkelen vår:

Lydeffekter forklart

Trinn 8: Ferdigstilling

Du er så nær, ikke stopp nå!

På dette tidspunktet høres miksen din ganske bra ut. Det er på tide å gå nøye gjennom den et par ganger og sørge for at alt sitter som det skal, slik at den er klar for mastering.

I løpet av finpussingsprosessen kan du vurdere å gjøre noen siste justeringer med EQ eller kompresjon. Du kan også vurdere å balansere lydene dine eller endre volumet på effektene dine.

For å få mest mulig ut av ferdigstillingsprosessen anbefaler vi at du tar en pause først. Hvis du kan, kan du prøve å komme tilbake til dette trinnet dagen etter, slik at du har et nytt sett med ører å jobbe med.

Ta frem en blyant og en notatblokk, og lytt til miksen din forfra og bakfra noen ganger. Noter alt du hører som du ønsker å endre.

I løpet av denne prosessen kan du se på referansesporene dine for å forsikre deg om at du er på vei i riktig retning. Selv om du ikke ønsker å kopiere referansesporet ditt, kan det være nyttig å sjekke at frekvens- og volumbalansen er riktig.

En av mine favoritt-plugins for å referere til profesjonelle spor er Reference fra Mastering the Mix.

Når du føler at miksen din er klar til å rocke, kan du bounce den ut eller eksportere den i WAV-format for å lytte til den i ulike miljøer, for eksempel i bilen, på den bærbare datamaskinen, med AirPods osv.

Når du føler at sangen er klar for mastering, kan du vurdere å laste den opp til eMastered for profesjonell mastering.

Vanlige spørsmål

Hva er den beste appen for å mikse sanger sammen?

Når det gjelder å mikse sanger sammen, er Djay Pro en av mine absolutte favorittapper. Denne appen kan brukes på Android, iOS, Mac og Windows. Den har til og med Spotify-integrasjon!

Bør jeg mikse min egen musikk?

Hvis du ikke har råd til å hyre en dyktig mikser, eller hvis du ikke tror at noen andre kan mikse musikken din bedre enn deg, er det ikke noe galt i å prøve å mikse musikken din selv! Men du må også være i stand til å frigjøre deg fra de følelsesmessige aspektene ved musikken for å kunne ta klare, tekniske avgjørelser.

Er det vanskelig å mikse en låt?

Det er ikke nødvendigvis vanskelig å lære seg å mikse en sang, men det tar litt tid å bli vant til det. Vi anbefaler at du bruker litt tid på å se YouTube-videoer, lese blogger og bli med i nettgrupper for å lære mer før du setter i gang. Ha en plan i bakhodet og forstå verktøyene du har foran deg, slik at du kan gjøre prosessen så enkel som mulig.

Hvordan blir du bedre til å mikse musikk?

Som med alt annet, er øvelse den beste måten å bli bedre til å mikse musikk på. Bruk teknikkene du lærer, til de sitter i ryggmargen. Miks forskjellige typer musikk ved å tilby deg å mikse sanger gratis. Gjør alt du kan for å øve deg på å mikse så mye som mulig, og du vil bli bedre for hver miks.

Er Garageband bra for miksing av musikk?

Selv om Garageband ikke nødvendigvis er en profesjonell DAW, har den ganske utrolige miksefunksjoner med tanke på at den er gratis. Hvis du nettopp har begynt å mikse, er Garageband et godt sted å starte.

Kan mastering fikse en dårlig lydmiks?

Mastering kan ikke fikse en dårlig miks. Mastering er det siste trinnet før utgivelse, og har kun til hensikt å polere og forbedre en god miks. En masteringstekniker håndterer bare låter på makronivå, noe som betyr at de ikke kan plukke fra hverandre hele låten og manipulere dårlige valg av volumbalanse, for mye kompresjon på enkelte spor eller skjeve romklangseffekter.

Du må få til en god balanse, panorering, EQ og all annen bearbeiding i miksefasen for å få best mulig resultat.

Hva bør du ikke gjøre når du blander?

Det er mange ting du aldri bør gjøre under mikseprosessen, men her er de fem viktigste tingene som vi ser at nybegynnere gjør altfor ofte:

• Miksing av instrumenter i solo eller ikke i sammenheng med miksen
• Ikke bruk av referansespor
• Miksing på svært høye nivåer
• Overprosessering av spor
• Har ikke intensjoner med å behandle trekk
  

Hvordan får du miksen din til å høres profesjonell ut?

Det er mange ting du kan gjøre for å få din egen miks til å høres profesjonell ut, men når det gjelder moderne musikk, er det syv ting du nesten alltid bør gjøre for å få et mer profesjonelt lydbilde. Bruk disse i miksen din og se den skinne:

• Gain Staging: Sørg for at du har nok headroom når du mikser.
• Forsterkninger på toppen: Høres miksen din flat ut? Kanskje bare ett spor høres ut som om det kunne trenge litt kjærlighet? Prøv en boost på høyden rundt 10 kHz.
• Fjerning av resonans: Bli kvitt romresonanser med boost-and-sweep EQ-teknikken
• Bli kvitt sibilans: Bruk en de-esser for å bli kvitt sibilansen i vokalen din
• Bruk automatisering til å kontrollere dynamikken: Komprimering kan ikke håndtere dynamikk alene. For å sikre at sporene dine sitter riktig og føles konsistente, bør du bruke automatisering.
• Bruk metning for å tilføre liv: Ved å bruke metningsplugins, for eksempel båndmaskiner, kan du tilføre miksen din en unik, analog stemning som bidrar til å fylle ut de harmoniske seriene og gi sporene dine karakter.
• Rydd opp i den lave enden: Det er vanligvis en god idé å høypassere alle instrumenter som ikke trenger så mye energi i den lave enden, for å gi plass til de instrumentene som trenger det, for eksempel kick og bass.
  

Hvor mye koster det å mikse en låt?

En frilansmikser vil sannsynligvis ta alt fra 100 til 1000 dollar per miks, mens et profesjonelt studio kan ta opp til 1500 dollar eller mer per miks.

Mikser rappere sin egen musikk?

Selv om det ikke er mange rappere som mikser sin egen musikk, er det mange rappere som produserer sine egne beats. Noen av de mest populære rapperne som produserer sine egne beats inkluderer:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, the Creator
• Eminem
• Logikk
• Chief Keef
  

Hvordan vet du om miksen din er god?

Det er noen få tegn på at miksen din er god og ferdig, blant annet

• Du kan høre hvert instrument i sporet tydelig
• Vokalen høres konsekvent ut
• Miksen høres limt og balansert ut
• Det er ingen tekniske problemer, som knall, klikk eller støy
• Blandingen er dynamisk og interessant
• Det høres ut som noen av favorittsangene dine
• Det høres bra ut på forskjellige lydsystemer
  

Hvor lang tid tar det å mikse en låt?

For en låt med flere instrumental- og vokalspor som krever kompleks redigering, prosessering og automatisering, kan en miks lett ta opp til åtte timer eller mer. Du kan forkorte denne tiden ved å bruke miksemaler og ha et referansespor som du kontinuerlig kan kontrollere miksen din med.

Hvordan får jeg miksen min til å høres klarere ut?

Min erfaring er at det finnes noen få teknikker du kan bruke på nesten hvilken som helst miks for å få den til å høres renere og klarere ut. Disse teknikkene inkluderer:

• Høypassfiltrering: Bli kvitt unødvendige lave toner i instrumenter som ikke trenger det, for eksempel vokal, gitarer, keyboards osv.
• Bruk delay i stedet for romklang: Hvis romklang tar for mye plass i miksen din og får den til å høres ut som en vattpute, kan du vurdere å bytte den ut med en delay i stedet.
• Sidekjeding: Sidechaining er en utmerket måte å gi plass til enkelte instrumenter når de spiller samtidig.
• Puzzle Piece EQ: Bestem hvor hvert av de innspilte sporene skal ligge i EQ-spekteret, og øk og reduser frekvensene deretter, slik at alt får sin egen plass uten å overlappe hverandre. Instrumenter med samme frekvensinnhold skal ikke føles som om de overlapper hverandre.
  

Miksing av musikk - slik får du dine egne låter til å låte bra

Det er lett å gå seg vill i detaljene når man mikser, så husk dette: Alt handler om sangen. Prøv å zoome ut og minne deg selv på den overordnede lyden du ønsker.

Hvor er dette sporet på vei? Høres det ut som referansesporet ditt? Får du de lydene du hører i hodet ditt?

Igjen, jeg anbefaler på det sterkeste å bruke et referansespor når du mikser. Det er som et slags kart du bruker for å sikre at du er på rett vei mot en profesjonelt klingende låt.

Dessuten er ikke miksing noe som går fort. Etter hvert kan det hende at du må gå tilbake til grovmiksen din fordi den nye miksen ikke høres bra ut. Du kommer til å gjøre små justeringer, lytte, gjøre flere justeringer, lytte igjen og gjøre enda flere justeringer. Alt dette er helt i orden! Det er en del av mikseprosessen.

Bare vit at du ikke bør miste motet hvis dette er arbeidsflyten din - det er et tegn på at du er på vei mot en god miks.

Når du har lært deg alle disse "miksereglene" og er komfortabel med dem, kan du bryte dem. Vær kreativ og eksperimenter. Stol på ørene dine, selv om det du ser på skjermen er umoderne. Bruk andre verktøy for å lage mikser som er helt dine egne.

Hele poenget er å ende opp med en fantastisk miks, som er nøkkelen til en god master og en låt som kan måle seg med alle andre.

God miksing!