A chave para uma música com som profissional é uma óptima mistura. Dá à música equilíbrio, dinâmica e torna o processo de masterização muito mais eficaz.

Mas misturar requer prática. Muita prática. Se estiveres a começar, vais ser mau nisso. Mas não faz mal - não vai melhorar enquanto não perceber o que precisa de melhorar.

Por isso, para começares a tua viagem ao longo da vida para melhorares as tuas capacidades de mistura, aqui está um guia inicial sobre como misturar música. Foi concebido para principiantes, mas acredito que até os misturadores intermédios podem aprender com ele.

Continue a ler enquanto explicamos os prós e contras de como misturar música.

O que é a mistura de áudio?

Misturar música é exatamente o que parece - misturar sons de uma forma que os torne agradáveis. Ao utilizar elementos como o equalizador, a compressão e os níveis, pode ajudar as diferentes faixas da sua música a misturarem-se, não se tapando umas às outras, mas ajudando-se mutuamente a fazer a sua parte.

A mistura faz parte do processo criativo. É aqui que damos forma aos sons que gravámos ou amostrámos de acordo com o que estamos a ouvir na nossa cabeça. É por isso que é tão importante aprender a misturar música por si próprio.

Quando terminar a mistura, transforma a gravação multipista num ficheiro WAV (chamado "a mistura") para que possa ser masterizado.

O que quero dizer é que a mistura é um dos aspectos mais importantes de uma boa gravação. Há pessoas que constroem as suas carreiras exclusivamente com base no conhecimento da mistura.

Por isso, para abordar corretamente este tópico, vamos entrar em pormenores (mantendo-o o mais simples possível).

Configure o seu estúdio caseiro para misturar música

Ter o seu estúdio caseiro corretamente mont ado é a primeira coisa que deve fazer como misturador principiante. O seu estúdio deve ser um local onde se sente mais criativo, mesmo que seja em casa, no seu quarto. É quase impossível obter misturas de qualidade sem certas peças de equipamento, como colunas de mistura (monitores de estúdio), um computador ou portátil decente para produzir música e um bom ambiente de audição.

Também é importante certificar-se de que o som no seu estúdio é de alta qualidade. Ao montar o estúdio, verifique se há ressonâncias na sala, reverberação ou qualquer outra coisa que possa afetar a mistura.

Recomendo vivamente o tratamento acústico do estúdio antes da mistura. Se começar a misturar sem tratar o seu estúdio, pode acabar por tomar as decisões erradas nas suas misturas mais tarde.

Alguns equipamentos de estúdio que recomendo vivamente incluem:

• Computador de secretária ou portátil
• Monitores de estúdio
• Discos rígidos externos (para guardar ficheiros áudio de grandes dimensões)
• Microfone
• Auscultadores
  

Mistura de áudio no seu DAW‍

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Para criar a mistura certa, tem de utilizar uma estação de trabalho de áudio digital (DAW) que possa fazer o que precisa de fazer (EQ, compressão, reverberação, crossfading, etc.). E depois tem de saber como utilizar a sua DAW muito bem, para a utilizar para fazer essas coisas e tomar decisões de mistura rápidas.

Intimidade - é a palavra que me vem à cabeça. Saiba onde está tudo na sua DAW antes mesmo de carregar no botão de gravação.

Eis os principais aspectos do seu software de gravação com que deve estar familiar izado - recomendo vivamente que conheça os atalhos de teclado para estes aspectos:

- Onde está o botão de gravação

- Onde se define o BPM

- Como expandir as faixas e aumentar o zoom

- Como adicionar uma nova faixa, tanto de áudio como de MIDI

- Anular a gravação

- Fatia/corte de item gravado

- Seleção de ligar/desligar Snap-To-Grid

- Copiar/colar, especificamente copiar e colar apenas determinadas secções de uma música

É preciso tempo para aprender estas coisas e tomar decisões de mistura rapidamente. Mas a única forma de se familiarizar é praticar.

Se ainda não escolheu totalmente uma DAW, consulte a nossa lista das melhores DAWs, tanto pagas como gratuitas, antes de misturar.

Planear antes de misturar

Antes de começar a misturar, todas as suas faixas devem ter um título correto. Algumas pessoas até gostam de fazer com que as faixas com instrumentos semelhantes tenham a mesma cor, outras (como eu) simplesmente colocam essas faixas ao lado umas das outras.

Por exemplo, todas as guitarras acústicas podem ser dispostas umas ao lado das outras. Todas as vozes podem ser agrupadas. E o baixo e a bateria são vizinhos. Isto permite que o seu fluxo de trabalho seja mais suave. Quando misturar as vo zes, pode começar com um modelo para todas as faixas vocais - e se estiverem juntas, será muito mais fácil saltar entre elas.

A questão é tentar manter-se o mais organizado possível, da forma que preferir.

Também pode ajudar imaginar como quer que a faixa soe antes de a misturar. Quer que soe espacial, ou mais direto e humano? Que instrumento quer que apareça?

Há alguma faixa de outro artista a que queira dar o mesmo som? Se sim, devias tentar misturar com uma faixa de referência. É uma coisa que tem ajudado drasticamente as minhas capacidades de mistura, bem como as minhas capacidades de produção. Pegue uma música mixada e masterizada profissionalmente de um artista que você admira e coloque-a no seu projeto DAW. Depois podes alternar facilmente entre essa música e a tua mistura.

Além disso, deve decidir quais serão os elementos principais da canção. Quando as pessoas dizem: "Gosto da tua canção que diz...", o que é que cantam ou cantarolam? É a batida? A melodia? Um lick de guitarra fixe? Esse é o elemento principal e deve ser o seu foco quando estiver a misturar.

Os 8 passos da mistura para principiantes

Aqui estão os 8 passos da mistura de áudio para principiantes:

• Passo 1: Preparar a sua mistura (edição, fading, Gain Staging)
• Passo 2: Obter um bom equilíbrio (obter o equilíbrio correto do volume)
• Etapa 3: Compressão (dinâmica de controlo)
• Etapa 4: EQ (criar espaço, acentuar as partes boas, cortar as partes más)
• Passo 5: Criar Profundidade e Largura (Pan e Usar Reverb/Delay)
• Etapa 6: Automatização (automatizar o volume e outro processamento)
• Passo 7: Adicionar efeitos (Chorus, Phaser, Flanger, Saturação, Distorção, etc.)
• Etapa 8: Finalização (ajustar e preparar para a masterização)
  

É aqui que as coisas se tornam divertidas. É aqui que começa a moldar o seu som usando níveis, panning, bussing, EQ, compressão, reverberação e delay.

Siga o guia de mistura de áudio passo-a-passo abaixo para obter a mistura certa para a sua música.

Etapa 1: Preparação

Uma das melhores coisas que se pode fazer ao iniciar o processo de mistura de música é a preparação. Se conseguir organizar bem todas as faixas da sua sessão, será muito mais fácil (e muito mais rápido) quando chegar a altura de misturar.

Atualmente, as sessões podem ser bastante grandes. Muitas sessões têm centenas de faixas para tratar. É fácil sentir-se sobrecarregado quando se olha para centenas de faixas de áudio sem direção. Quase todas as DAWs têm uma funcionalidade de código de cores. Deve codificar por cores as suas várias faixas para que as possa encontrar facilmente ao percorrer o ecrã.

A primeira coisa que deve fazer depois disso é enviar faixas semelhantes para busses.

Um bus, para quem não sabe, é uma saída única, que pode ser usada para enviar várias faixas individuais para as agrupar e processar como uma unidade singular. Pode pensar num autocarro como se fosse um autocarro urbano. Um autocarro urbano apanha várias pessoas e leva-as para o mesmo destino.

Pode então utilizar plugins para afetar todas estas faixas individuais que vão para o seu bus em conjunto, sem ter de sobrecarregar o seu CPU com várias instâncias destes plugins.

Pense nisso desta forma. Em vez de usar dez EQs e compressores para misturar cada uma das suas faixas vocais de fundo, pode enviá-las para um único destino e equalizá-las e comprimi-las em conjunto. Isto não só é mais fácil para a sua CPU, como também ajuda a unir as suas faixas, fazendo-as soar como se fossem uma unidade. É possível fazer bussings de todos os tipos de faixas em conjunto, embora seja melhor começar com as mais óbvias:

• Bateria
• Percussão
• Baixo
• Guitarra
• Chaves
• FX
• Vocais principais
• Vocais de fundo
  

Deve também codificar por cores estes autocarros para os manter organizados.

O que é o crossfading na música?

A criação de fades e crossfades é extremamente importante durante o processo de preparação, uma vez que garante que não ouvirá quaisquer cliques ou estalos na mistura final. O crossfading é o ato de juntar dois clips de áudio para que façam uma transição suave sem cliques ou estalos.

Um fade, por outro lado, é uma simples redução de volume colocada no início ou no fim de um clip de áudio para introduzir ou reduzir rapidamente o volume de um sinal, de modo a que este não comece subitamente e crie ruídos fortes e transitórios, como cliques ou estalos. Os fades são normalmente muito curtos (cerca de 10ms), o que significa que nem sequer se nota a sua presença. No entanto, são uma parte integrante do processo de mistura.

Ganho de palco - O que é?

Gain staging é o processo de garantir que as suas faixas estão no nível de volume ideal para que entrem nos plugins no chamado "sweet spot". A ideia remonta aos dias do equipamento analógico, em que os engenheiros tinham de gravar sinais a níveis óptimos para não introduzirem demasiado ruído ou demasiada distorção.

Uma vez que a maioria das ferramentas que utilizamos atualmente no computador se baseiam nesses equipamentos antigos, é crucial garantir que o nosso áudio está no ponto ideal. Além disso, não queremos transmitir distorção digital nas nossas misturas, o que é conhecido como clipping.

O ponto ideal é 0 dB VU.

Para obter um estágio de ganho adequado, pode utilizar um plugin de ganho de stock da sua DAW, colocando-o em cada faixa e aumentando ou diminuindo o volume até estar a 0 dB VU. Certifique-se de que faz isto tanto nas faixas de instrumentos individuais como nos busses. Embora pareça mundano, pode fazer uma grande diferença.

Passo 2: Obter um bom equilíbrio

O volume é, de longe, o fator mais importante a ter em conta na sua mistura. De facto, um fader de volume é a ferramenta mais poderosa quando se começa a misturar. Se não conseguir equilibrar corretamente o volume, nunca terá a canção pronta para a rádio que procura. Antes de começar a adicionar efeitos como EQ e compressores, é necessário criar um balanço de volume aproximado. Siga estes passos para o fazer:

• Comece com a secção mais alta: Faça um loop na secção mais alta da sua faixa. Ao fazê-lo, pode tornar esta secção a mais ruidosa possível e, eventualmente, passar para as secções mais calmas para criar contraste.
• Prepare-se com referências: Encontre uma faixa profissionalmente misturada e masterizada que possa utilizar como referência. Ouça-a antes de começar a misturar para preparar os seus ouvidos. Tente ouvir onde se encontram certos instrumentos importantes na mistura, incluindo o kick, o snare, o baixo e as vozes.
• Comece a colocar os instrumentos: Comece com o seu canal mais importante e aumente-o para -5dB. Não deve estar a cortar o canal principal. O seu canal mais importante dependerá inteiramente da música. Para uma música EDM, pode ser o kick drum. Para uma canção folk, pode ser uma guitarra acústica.
• Continuar a introduzir os instrumentos: Seguindo a ordem de importância, continue a introduzir os instrumentos um a um com os faders de volume até estarem todos nos seus respectivos volumes.
• Obtenha o seu equilíbrio aproximado: Quando todos os instrumentos estiverem colocados, passe pelo menos 10 minutos a certificar-se de que o equilíbrio está correto. Se necessário, faça uma pausa e volte ao assunto para não perder a perspetiva.
  

Durante este processo, é uma boa ideia manter os monitores de estúdio ou os auscultadores num volume baixo. Ao fazê-lo, os seus movimentos terão mais precisão. A regra geral é manter o sistema de audição ao "nível de conversação", o que significa que ainda pode conversar com qualquer pessoa na sala.

Além disso, lembre-se de continuar a verificar as suas faixas de referência para se certificar de que as suas decisões fazem sentido e de que todos os seus instrumentos estão no sítio certo.

Etapa 3: Compressão

Para controlar a sua dinâmica e moldar o carácter tonal geral das suas misturas, vai querer utilizar a compressão.

Um compressor existe para nivelar o volume de um sinal‍ automaticamente, baixando-o quando está demasiado alto e aumentando-o quando está demasiado baixo. Em muitos aspectos, um compressor é como um fader de volume. No entanto, ao contrário de um fader de volume, os compressores também podem ser usados para adicionar emoção e cola a uma mistura.

Para entender como usar um compressor, é preciso entender a interface. Aqui estão alguns dos controlos mais comuns que encontrará num compressor e como utilizá-los:

• Threshold (Limiar): Para determinar quando o compressor entrará em ação e começará a funcionar, temos de utilizar o Threshold (Limiar). O limiar é um parâmetro de volume definido que liga o compressor quando o nível de áudio que passa por ele excede esse parâmetro de volume definido. Quanto mais baixo for o limiar, mais comprimido será o som.
• Rácio: A relação determina o quanto o compressor reduz o volume. Um rácio mais elevado criará uma compressão mais agressiva. Um rácio de 2:1, por exemplo, significa que por cada 2dB que o volume de um sinal sobe acima do limiar, 1 dB sairá. 2:1 é um rácio muito suave comparado com 10:1.
• Ataque: A rapidez com que um compressor é ativado e bloqueia o sinal é determinada pelo Ataque. Um tempo de ataque rápido irá fixar o transiente inicial, criando um som muito mais denso e controlado. Um tempo de ataque mais lento, por outro lado, permitirá que o transiente passe, tornando o som mais forte e excitante.
• Libertação: O tempo que o compressor demora a desengatar e a regressar ao volume normal é controlado pela libertação.
• Joelho: Semelhante ao rácio, o joelho determina a agressividade do som do compressor. Para uma compressão subtil, pode utilizar um joelho suave (1.0). Para uma compressão muito mais agressiva ou óbvia, pode utilizar um joelho duro (0,0).
• Ganho de maquiagem: Como os compressores baixam o volume dos sinais, temos de utilizar o ganho de maquilhagem para os aumentar de novo, de modo a não perturbar o nosso equilíbrio inicial.
  

A forma como se usa um compressor depende completamente do instrumento que se está a alimentar. No entanto, para lhe dar uma noção geral de como pode usar um compressor, aqui estão alguns passos a seguir:

• Passo 1: Defina a sua proporção. Um bom ponto de partida é 3:1 ou 4:1 para a maioria dos instrumentos.
• Passo 2: Reduza o seu limiar até que a compressão se torne muito óbvia. Tipicamente, você vai querer pelo menos 10dB de redução de ganho. Ajustaremos isso mais tarde, mas marcar um limite mais baixo permitirá que você ouça melhor suas outras configurações.
• Passo 3: Marque a definição de Ataque mais lenta possível e a definição de Libertação mais rápida possível.
• Passo 4: Diminua o seu Attack até ouvir o compressor começar a apertar os seus transientes. No momento em que o som começa a parecer esmagado ou sem vida, diminua o ataque.
• Passo 5: Aumente o Release até que o compressor "respire" com a sua faixa. Seu compressor provavelmente terá uma agulha de medidor de VU. A idéia aqui é que você quer que essa agulha volte no tempo com sua faixa. Se ele estiver sempre apertando ou voltando muito rápido, você pode prejudicar o groove da sua faixa.
• Passo 6: Comece a aumentar o seu limiar até obter a quantidade de compressão que procura. Lembre-se de ouvir o que o compressor está a fazer. Não use seus olhos para decidir quando é o suficiente. Se você precisa de 10dB de compressão para uma única faixa para que ela fique bem na sua mixagem ou 3dB, não importa, desde que soe bem.
• Passo 7: Se necessitar de uma compressão mais agressiva, considere ajustar a sua relação para um número mais elevado.
• Passo 8: Use o botão Makeup Gain ou Output Gain para trazer o sinal recém-comprimido de volta ao nível normal.
  

Os primeiros instrumentos em que deve utilizar um compressor são aqueles que necessitam de controlo dinâmico. Normalmente, os instrumentos ao vivo, como a bateria, o baixo e as vozes, necessitam de compressores para se adaptarem bem a uma mistura. Alguns géneros utilizam estilos de compressão mais pesados, como o rap, o rock e o pop. Outros usam muito pouca compressão, se é que usam alguma. Estes géneros incluem o clássico e o jazz.

Esta é uma das coisas mais difíceis de se habituar na mistura e levará definitivamente algum tempo até conseguir ouvir claramente os seus movimentos. Continue a praticar e não tenha medo de ser ousado com as suas definições para obter o som que procura.

Passo 4: EQ

EQ é a abreviatura de "equalizador". Como uma das ferramentas mais essenciais no seu cinto de ferramentas de mistura, pode utilizar um equalizador para moldar o conteúdo de frequência dos seus instrumentos para que se encaixem como um puzzle.

Utilizamos um equalizador para manipular determinadas partes do espetro de frequências. O espetro na audição humana vai de 20Hz a 20kHz (20.000Hz). Os instrumentos mais baixos situam-se mais abaixo no espetro, como o kick e o baixo, enquanto os instrumentos mais altos situam-se mais acima no espetro, como os pratos ou os shakers.

Alguns instrumentos ocupam porções muito maiores do espetro, como pianos, vozes e sintetizadores.

Vamos dividir o espetro em secções e definir cada uma delas.

• Subgraves (20-60Hz): Para ouvir as frequências subgraves, é provável que seja necessário um subwoofer ou um par de auscultadores muito potentes. Os seres humanos sentem mais estas subfrequências do que as ouvem. O baque de um kick drum profundo ou os graves sísmicos de uma discoteca são o resultado das subfrequências.
• Baixo (60-200Hz): Os instrumentos graves situam-se frequentemente nesta gama de frequências, como o kick, o baixo e os toms. No entanto, os sons graves dos vocais masculinos e das guitarras também podem situar-se aqui.
• Médios baixos (200-500Hz): Os médios baixos dão à sua mistura BEEF. No entanto, demasiada informação nos médios baixos pode levar ao que chamamos uma mistura " lamacenta ". Esta área necessita frequentemente de uma atenção especial para garantir que não existe demasiada acumulação de frequências com diferentes instrumentos.
• Médios (500Hz-2kHz): Os seres humanos têm uma relação profunda com os médios, uma vez que é a área do espetro que mais ouvimos. Quando se fala com alguém ao telefone, esta é a área do espetro de frequências que se ouve. O foco principal da faixa deve residir aqui (vocais, solo de guitarra, etc.) Demasiados médios e a sua mistura pode começar a soar áspera ou agressiva.
• Médios Altos (2kHz-8kHz): Quando se trata de clareza, os médios altos são cruciais. Pode adicionar presença aos instrumentos com os médios altos, embora estes também possam tornar a sua mistura áspera se forem excessivos.
• Altos (8kHz-20kHz): Ar doce, doce. O brilho e a cintilação de uma mistura de som caro vivem nos agudos.
  

Como utilizar o EQ

Agora que já sabe o que é o espetro de frequência, pode estar a perguntar-se,

Como é que o ponho a funcionar nas minhas misturas?

Os equalizadores permitem-lhe aumentar ou diminuir o volume destas diferentes partes do espetro de frequência. Ao fazer isso, podemos alterar o tom de um instrumento e ajudá-lo a encaixar noutros instrumentos.

O kick soa fraco na mistura?

Se for o caso, pode considerar aumentar as frequências subgraves ou graves.

Esses sintetizadores sawtooth estão a soar um pouco duros?

Se for esse o caso, pode considerar baixar os médios altos.

Qualquer plugin de EQ terá normalmente os mesmos parâmetros que o próximo. Aqui estão alguns dos parâmetros de EQ mais típicos que precisa de conhecer:

• Filtros: Os equalizadores são frequentemente fornecidos com filtros passa-alto (HPF) e passa-baixo (LPF). Um filtro passa-alto corta os graves e permite a passagem dos agudos, enquanto um filtro passa-baixo corta os agudos e permite a passagem dos graves.
• Q: O "Q" representa a largura do seu filtro específico. Um Q mais amplo afectará uma gama mais ampla no espetro de frequências.
• Frequência: Determina a área do espetro de frequência que está a afetar com o parâmetro Frequência.
  

Existem muitas formas de utilizar a equalização durante a mistura, embora gostemos de nos concentrar em três utilizações específicas.

Trabalhos de manutenção

O trabalho de manutenção pode por vezes fazer parte da fase de preparação. A ideia aqui é remover quaisquer partes "más" de uma determinada peça de áudio. Normalmente, estas partes "más" são ressonâncias, modos ou ruído. Pode utilizar a técnica "sweep and destroy" para se livrar destas ressonâncias nas suas misturas. Comece com um Q extremamente estreito e aumente a frequência desejada até ao topo.

Percorra o espetro com cuidado, ouvindo as ressonâncias que sobressaem da sua gravação. Se notar uma ressonância que está presente durante toda a música, pode ser a sala onde foi gravada ou o próprio instrumento. Se notar que esta ressonância está a atrapalhar o som, corte-a puxando o ponto de frequência para baixo.

Caso contrário, pode considerar deixá-lo em paz para manter a gravação natural. Não há nada de errado em permitir que as ressonâncias desagradáveis apareçam.

Durante este trabalho de manutenção, utilizamos normalmente filtros passa-alto e passa-baixo para eliminar qualquer ruído ou ruído desnecessário.

Mudar o tom

Também podemos utilizar a EQ para alterar o tom de um instrumento. Normalmente, utiliza-se aumentos e cortes mais amplos durante os processos de alteração de tom para obter um som mais "musical".

Tomemos como exemplo uma voz.

Poderemos querer livrar-nos de qualquer caixa ou lama nos médios-baixos e aumentar um pouco os médios-altos e os agudos para adicionar ar e presença.

Para uma guitarra baixo, podemos querer aumentar os graves ou os médios-baixos para obter um pouco mais de carne, enquanto cortamos os médios ou os médios-altos para nos livrarmos do som de buzina ou dos dedos.

Misturar a mistura

A mistura de áudio é um puzzle com muitas peças diferentes que têm de encaixar umas nas outras. Podemos esculpir certos pontos do espetro em certos instrumentos para os ajudar a encaixar melhor com outros.

Por exemplo, podemos cortar os graves de uma guitarra eléctrica para a ajudar a assentar melhor sobre um baixo, que já tem o controlo dos graves. Da mesma forma, podemos cortar os médios-altos de uma guitarra acústica para ajudar os vocais a dominarem essa gama.

Antes de fazer qualquer movimento com a EQ, deve perguntar-se a si próprio,

Qual é o meu objetivo final?

Só porque alguém online lhe disse para aumentar uma voz a 3kHz não significa que a SUA voz beneficie de um aumento de 3kHz.

Se a tua voz soar como se precisasse de mais presença na tua mistura, podes considerar aumentar por volta dos 3kHz. No entanto, a sua voz pode apenas soar como se precisasse de presença porque tem outro instrumento a cobri-la que poderia talvez beneficiar de uma redução de 3kHz.

Também pode considerar retirar alguns médios-baixos do seu vocal para criar presença, uma vez que menos baixos e lama ajudarão a destacar mais as frequências de "presença".

É importante notar que pode até utilizar o EQ durante o processo de gravação para obter o som que procura logo à partida.

Etapa 5: Profundidade e largura

Para criar profundidade e largura numa mistura, terá de utilizar uma combinação de efeitos espaciais e panning.

Vamos começar por tornar a nossa mistura tridimensional utilizando uma das ferramentas mais básicas da DAW: os panners.

O que é o Panning?

O panning é o processo de colocar um instrumento em determinados locais ao longo do campo estéreo no altifalante esquerdo ou direito. Ao utilizar os botões de pan no seu DAW, pode criar um palco sonoro onde cada instrumento individual se encontra.

Alguns engenheiros usam o método LCR, mantendo todos os instrumentos 100% à esquerda, 100% à direita ou completamente ao centro. Este é um método da velha guarda que funciona para muitas pessoas. Há outros que usam uma abordagem muito detalhada, dando a cada instrumento na sua mistura um espaço muito particular no espetro estéreo.

É melhor imaginar os seus instrumentos num palco e fazer o pan de acordo com eles. Por exemplo, pode optar por manter a voz, o kick, a caixa e o baixo no centro para manter a base. Pode então colocar as suas guitarras eléctricas estéreo 100% para a esquerda e 100% para a direita. Os seus teclados, percussão ou quaisquer instrumentos adicionais podem então encaixar no ponto intermédio entre a esquerda ou a direita e o centro.

Utilizar a reverberação para criar profundidade

Agora que a sua mistura tem largura graças ao panning, irá utilizar o reverb para criar profundidade tridimensional, da frente para trás.

Pense da seguinte forma: os músicos não costumam estar numa linha bidimensional a direito sobre o palco. O cantor está normalmente à frente e ao centro, as guitarras, o baixo e as teclas estão um pouco mais atrás e a bateria está ainda mais atrás do que esses instrumentos.

Para criar profundidade, começaremos por utilizar a reverberação.

Reverberação é um tópico incrivelmente denso. Se quiser mais detalhes, aqui está o nosso guia detalhado sobre reverberação.

Na sua forma mais básica, o reverb é utilizado para colocar determinados instrumentos numa "sala".

Pode utilizar o reverb para empurrar os instrumentos para trás numa mistura, fazendo-os soar mais longe, ou utilizar o reverb para controlar o tom geral da sua mistura.

Os reverbs maiores, como salas ou catedrais, criam um som mais grandioso. Estes reverbs são óptimos para secções de cordas clássicas, vocais de balada ou baterias de estilo de estádio.

Os reverbs mais pequenos, como salas ou câmaras, são óptimos para um som mais íntimo. Pense em guitarras acústicas de estilo folk ou pianos espaçosos.

Embora seja fácil criar profundidade com reverberação, por vezes pode parecer que este efeito empurra um som demasiado para trás na mistura. Um vocal, por exemplo, pode precisar de algum espaço sem parecer que está a ficar atrás das outras faixas.

Neste caso, podemos querer usar delay em vez de reverb.

O que é o atraso?

Embora o Delay possa parecer muito semelhante ao reverb em muitos aspectos, é uma ferramenta muito mais precisa. Em vez de ouvir um amontoado de ecos a voar para trás e para a frente numa sala, criando uma reverberação única e unificada, o delay cria uma repetição de notas, permitindo-lhe ouvir ecos individuais. Se gritássemos "Olá" numa gruta, provavelmente ouviríamos esse "Olá" como um eco várias vezes antes de se dissipar.

Embora existam infinitas maneiras de usar o Delay, vamos falar sobre a técnica mais simples: slapback delay.

O slapback delay tem sido utilizado desde os anos 50 para criar profundidade sem empurrar os instrumentos demasiado para trás na mistura. Ouça os discos de Elvis Presley dos anos 50 e provavelmente ouvirá o slapback delay na sua voz. Normalmente, é possível encontrar predefinições de slapback delay nos plugins da sua DAW. Comece por aí e ajuste os parâmetros como achar melhor.

Etapa 6: Automatização

Nesta altura, a secção mais alta da sua música que tem estado a repetir provavelmente soa muito bem.

É claro que nem todas as secções da sua música soam da mesma forma, o que significa que os parâmetros que definiu para esta secção podem não soar bem para as outras.

É aqui que a automatização se torna útil.

Na mistura, utilizamos a automatização do volume para criar uma sensação de consistência ao longo de uma música. Todas as DAWs incluem canais de automatização de volume, que podem ser utilizados para aumentar ou diminuir o volume de um determinado instrumento ou bus durante partes específicas da música.

Por exemplo, o kick pode estar a ser muito bom no refrão, mas soa demasiado alto nos versos. Neste caso, pode considerar reduzi-lo utilizando a automatização do volume.

Também pode utilizar a automatização nos seus plug-ins.

Por exemplo, os 10dB de compressão que estava a utilizar nos vocais podem ter soado bem durante o refrão, embora soem demasiado comprimidos durante o verso. Se for esse o caso, pode automatizar o limiar do seu compressor para que não comprima tanto durante o verso.

Noutro exemplo, a sua guitarra acústica poderia ter beneficiado de cortes nos médios baixos durante o refrão, uma vez que estava a interferir com outras faixas. No entanto, os versos são muito mais esparsos e parecem um pouco fracos sem esses médios baixos.

Nesse caso, pode automatizar o seu equalizador de modo a cortar apenas os médios-baixos durante os refrões e deixá-los nos versos.

Também pode utilizar a automatização para acrescentar interesse e captar a atenção do ouvinte. Pode considerar aumentar o volume de palavras importantes numa linha vocal para as acentuar ou diminuir o volume do baixo durante o pré-refrão para que possa voltar a aumentá-lo no refrão.

De muitas formas, a automatização do volume é tão parte da atuação como os instrumentos na mistura. Como engenheiro de mistura, pode adicionar dinâmica a uma mistura utilizando a automatização de volume que, de outra forma, pareceria plana e sem vida.

Passo 7: Adicionar efeitos

É aqui que se pode começar a ser criativo.

Toda a gente adora fazer experiências com efeitos. Não há melhor maneira de dar à sua música um toque criativo do que com efeitos diferentes e fixes. Como existem tantos efeitos por aí, seria impossível abordá-los num único artigo. No entanto, aqui está uma pequena lista de efeitos que pode considerar usar em certas partes da sua mistura:

• Coro
• Flanger
• Phaser
• Saturação
• Distorção
• Atrasos no lançamento
• Vibrato
• Mudança de tom
  

Se pretender uma explicação aprofundada de cada um destes efeitos criativos e outros, consulte o nosso artigo:

Efeitos de áudio explicados

Etapa 8: Finalização

Estás tão perto, não pares agora!

Nesta altura, a sua mistura está a soar bastante bem. É altura de a rever cuidadosamente algumas vezes e certificar-se de que tudo está bem assente para que esteja pronta para a fase de masterização.

Durante o processo de finalização, pode considerar fazer ajustes de última hora no equalizador ou na compressão. Também pode considerar reequilibrar os seus sons ou alterar o volume dos seus efeitos.

Para tirar o máximo partido do processo de finalização, recomendamos que faça primeiro uma pausa. Se possível, tente voltar a este passo no dia seguinte, para ter um novo par de ouvidos para trabalhar.

Pegue num lápis e num bloco de notas e ouça a sua mistura da frente para trás algumas vezes. Tome nota de tudo o que ouve e que gostaria de alterar.

Durante este processo, consulte as suas faixas de referência para se certificar de que está a ir na direção certa. Embora não queira copiar a sua faixa de referência, pode ser útil certificar-se de que os seus equilíbrios de frequência e volume estão no ponto certo.

Um dos meus plugins favoritos para referenciar faixas profissionais é o Reference da Mastering the Mix.

Quando sentir que a sua mistura está pronta para ser tocada, pode fazer um bounce out ou exportá-la em formato WAV para a ouvir em diferentes ambientes, como o seu carro, o seu portátil, os seus AirPods, etc.

Quando sentir que está pronta para a masterização, pode considerar enviar a sua música para o eMastered para uma masterização profissional.

Perguntas frequentes

Qual é a melhor aplicação para misturar músicas?

Quando se trata de misturar músicas, o Djay Pro é uma das minhas aplicações favoritas. Este aplicativo pode ser usado no Android, iOS, Mac e Windows. E ainda tem integração com o Spotify!

Devo misturar a minha própria música?

Se não tiveres dinheiro para contratar um grande engenheiro de mistura ou se não acreditares que outra pessoa possa misturar a tua música melhor do que tu, então não há nada de errado em tentares misturar a tua própria música! No entanto, também tens de ser capaz de te afastar dos aspectos emocionais da música para tomares decisões técnicas claras.

Misturar uma música é difícil?

Aprender a misturar uma música não é necessariamente difícil, mas leva muito tempo a habituar-se. Recomendamos que passe algum tempo a ver vídeos no YouTube, a ler blogues e a juntar-se a grupos online para aprender mais antes de começar. Tenha um plano em mente e compreenda as ferramentas que tem à sua frente para que possa tornar o processo o mais fácil possível.

Como melhorar a mistura de música?

Tal como acontece com a melhoria de qualquer coisa, praticar é a melhor forma de melhorar a mistura de música. Implemente as técnicas que aprendeu até que se tornem uma segunda natureza. Misture diferentes tipos de música, oferecendo-se para misturar canções gratuitamente. Faça tudo o que puder para praticar a mistura tanto quanto possível e ficará melhor a cada mistura.

O Garageband é bom para misturar música?

Embora o Garageband não seja necessariamente um DAW profissional, tem funcionalidades de mistura bastante incríveis, tendo em conta o facto de ser gratuito. Se está a iniciar-se no mundo da mistura, o Garageband é um excelente ponto de partida.

A masterização pode corrigir uma má mistura de áudio?

A masterização não pode corrigir uma má mistura. A masterização é o passo final antes do lançamento e serve apenas para polir e melhorar uma boa mistura. Um engenheiro de masterização só lida com as músicas a um nível macro, o que significa que não pode analisar a música inteira e manipular más escolhas de equilíbrio de volume, demasiada compressão em determinadas faixas ou efeitos de reverberação mal feitos.

Para obter os melhores resultados, é necessário obter um bom equilíbrio, panning, EQ e todos os outros processamentos correctos durante a fase de mistura.

O que não se deve fazer quando se mistura?

Embora haja muitas coisas que nunca se devem fazer durante o processo de mistura, aqui estão as cinco coisas mais importantes que vemos os principiantes a fazer com demasiada frequência:

• Misturar instrumentos a solo ou não no contexto da mistura
• Não utilização de pistas de referência
• Mistura a níveis muito altos
• Sobreprocessamento de faixas
• Não ter intenções com o processamento de movimentos
  

Como fazer com que a sua mistura soe profissional?

Há muitas coisas que pode fazer para que a sua própria mistura soe profissional, mas no que diz respeito à música moderna, há 7 coisas que deve quase sempre fazer para obter um som mais profissional. Utilize-as na sua mistura e veja-a brilhar:

• Faseamento do ganho: Certifique-se de que tem espaço suficiente para a cabeça quando estiver a misturar.
• Reforços de topo de gama: A sua mistura tem um som monótono? Talvez apenas uma faixa pareça precisar de um pouco de amor? Experimente um reforço de alta frequência em torno de 10kHz.
• Remoção de ressonâncias: Elimine as ressonâncias da sala com a técnica de equalização "boost-and-sweep
• Livrar-se da sibilância: Utilize um de-esser para se livrar da sibilância áspera nos seus vocais
• Use a automação para controlar a dinâmica: A compressão não consegue lidar com a dinâmica sozinha. Para ter a certeza de que as suas faixas estão bem assentes e consistentes, vai querer usar a automação.
• Use a Saturação Para Dar Vida: Ao utilizar plugins de saturação, como máquinas de fita, pode adicionar uma vibração analógica única à sua mistura, ajudando a preencher a série harmónica e a dar carácter às suas faixas.
• Limpe os graves: Normalmente, é uma boa ideia passar por alto qualquer instrumento que não precise de muita energia nos graves para abrir espaço para os instrumentos que precisam dela, como o bumbo e o baixo.
  

Quanto custa a mistura de uma música?

Um engenheiro de mistura freelancer cobrará provavelmente entre 100 e 1.000 dólares por mistura, enquanto um estúdio profissional poderá cobrar até 1.500 dólares ou mais por mistura.

Os rappers misturam a sua própria música?

Embora não sejam muitos os rappers que misturam a sua própria música, há muitos rappers que produzem as suas próprias batidas. Alguns dos rappers mais populares que produzem as suas próprias batidas incluem:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, o Criador
• Eminem
• Lógica
• Chefe Keef
  

Como é que sabe se a sua mistura é boa?

Existem alguns sinais reveladores de que a mistura está boa e acabada, incluindo:

• Pode ouvir claramente cada instrumento na faixa
• As vozes soam consistentes
• A mistura soa colada e equilibrada
• Não existem problemas técnicos, como estalidos, cliques ou ruídos
• A mistura é dinâmica e interessante
• Soa ao mesmo nível de algumas das suas canções favoritas
• Soa bem em diferentes sistemas de som
  

Quanto tempo leva para mixar uma música?

Para uma música com várias faixas instrumentais e vocais que requerem edição, processamento e automatização complexos, uma mistura pode facilmente demorar até oito horas ou mais. Pode encurtar este tempo utilizando modelos de mistura e tendo uma faixa de referência para verificar continuamente a sua mistura.

Como faço para que a minha mistura soe mais clara?

Na minha experiência, existem algumas técnicas que podem ser utilizadas em praticamente qualquer mistura para a tornar mais limpa e clara. Estas técnicas incluem:

• Filtragem de passagem alta: Elimina os sons graves desnecessários em instrumentos que não precisam deles, como vozes, guitarras, teclados, etc.
• Usar Delays em vez de Reverb: Se o reverb estiver a ocupar demasiado espaço na sua mistura e a fazer com que soe a lavado, pode considerar trocá-lo por um delay.
• Sidechaining: O Sidechaining é uma excelente forma de criar espaço para certos instrumentos quando estão a tocar ao mesmo tempo.
• EQ de peças de puzzle: Decida onde cada uma das suas faixas gravadas se situará no espetro de EQ e aumente e corte as frequências em conformidade para que tudo tenha o seu próprio espaço sem se sobrepor. Os instrumentos com o mesmo conteúdo de frequência não devem parecer que se estão a sobrepor.
  

Mistura de música - Como fazer com que as suas próprias músicas soem bem

É fácil perder-se nos pormenores da mistura, por isso lembre-se disto: o que importa é a canção. Tente fazer zoom out e lembre-se do som global que pretende.

Para onde está a ir esta faixa? Parece-se com a sua faixa de referência? Está a obter os sons que está a ouvir na sua cabeça?

Mais uma vez, recomendo vivamente a utilização de uma faixa de referência durante a mistura. É uma espécie de mapa que se usa para ter a certeza de que se está no caminho certo para uma música com som profissional.

Além disso, a mistura não é uma coisa rápida. Pode acabar por dar por si a voltar à sua mistura inicial porque a nova mistura não soa bem. Vai dar por si a fazer pequenos ajustes, a ouvir, a fazer mais ajustes, a ouvir novamente e a fazer ainda mais ajustes. Tudo isso é normal! Faz parte do processo de mistura.

Saiba que não deve desanimar se este for o seu fluxo de trabalho - é um sinal de que está a caminhar para uma grande mistura.

Quando tiver aprendido todas estas "regras de mistura" e se sentir confortável com elas, quebre-as. Seja criativo e experimente. Confie nos seus ouvidos, mesmo que o que está a ver no ecrã não esteja na moda. Utilize outras ferramentas para criar misturas que sejam só suas.

O objetivo é obter uma mistura fantástica, que é a chave para uma excelente masterização e para uma música que possa ser comparada com qualquer outra.

Boa mistura!