A chave para uma canção de som profissional é uma grande mistura. Proporciona equilíbrio, dinâmica e torna o processo de masterização muito mais eficaz.

Mas a mistura requer prática. Muita prática. Se estás apenas a começar, vais ser mau nisso. Mas não faz mal - não vai melhorar até se aperceber primeiro do que precisa de trabalhar.

Assim, para começar a sua jornada de vida para melhorar as suas capacidades de mistura, aqui está um guia inicial sobre como misturar música. É adaptado a novatos, mas acredito que até os misturadores intermediários podem aprender com ela.

Continuar a ler enquanto explicamos as entradas e saídas de como misturar música.

O que é a mistura de áudio?

Misturar música é exactamente o que soa - misturar sons juntos de uma forma que os faça soar agradável. Ao usar coisas como EQ, compressão, e níveis, pode ajudar as diferentes faixas da sua música a misturarem-se, para não se cobrirem umas às outras, mas ajudarem-se mutuamente a fazer a sua parte.

A mistura é parte do processo criativo. É aqui que se moldam os sons que se gravam ou provam o que se está a ouvir na cabeça. É por isso que é tão importante aprender a misturar música por si próprio.

Quando termina a mistura, transforma-se a gravação multi-pistas num ficheiro WAV (chamado "a mistura") para que possa ser dominada.

O meu ponto: a mistura é um dos aspectos mais importantes de uma grande gravação . As pessoas constroem as suas carreiras inteiramente em saber como misturar.

Assim, para abordar correctamente este tópico, vamos ser pormenorizados (mantendo-o o mais simples possível).

Configure o seu estúdio em casa para misturar música

Ter o seu estúdio em casa devidamente instalado é a primeira coisa que quer fazer como um misturador para principiantes. O seu estúdio deve ser um local onde se sinta mais criativo, mesmo que seja em casa, no seu quarto. É quase impossível obter misturas de qualidade sem certas peças de equipamento, tais como colunas de mistura (monitores de estúdio), um computador ou portátil decente para produzir música , e um bom ambiente de audição.

Também quer certificar-se de que o som no seu estúdio é de alta qualidade. Ao montar o seu estúdio, verifique as ressonâncias do quarto, reverberar, ou qualquer outra coisa que possa afectar a sua mistura.

Recomendo vivamente o tratamento acústico do vosso estúdio antes da mistura . Se começar a misturar sem tratar o seu estúdio, pode acabar por tomar as decisões erradas nas suas misturas mais tarde.

Alguns equipamentos de estúdio que eu recomendo vivamente incluem:

• Desktop ou Laptop
• Monitores de estúdio
• Discos rígidos externos (Para armazenar grandes ficheiros áudio)
• Microfone
• Auscultadores
  

Mistura de áudio no seu DAW

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Para criar a mistura certa, é necessário utilizar uma estação de trabalho de áudio digital (DAW) que possa fazer o que precisa (EQ, compressão, reverberação, crossfading, etc.). E depois tem de saber como usar a sua DAW muito bem, usá-la para fazer essas coisas e tomar decisões rápidas de mistura.

Intimidade - essa é a palavra que me vem à mente. Aprenda onde está tudo no seu DAW antes mesmo de bater o recorde.

Aqui estão as principais coisas no seu software de gravação com as quais deve estar familiarizado - recomendo vivamente que conheça os atalhos do teclado para estes:

- Onde está o botão de gravação

- Onde se estabelece o BPM

- Como expandir as pistas e aumentar o zoom

- Como adicionar uma nova faixa, tanto áudio como MIDI

- Desfazer gravação

- Fatia/corte de item gravado

- Selecção de Snap-To-Grid On/Off

- Copiar/colar, especificamente copiar e colar apenas certas secções de uma canção

Levará tempo a aprender estas coisas e a tomar decisões de mistura rapidamente. Mas a única forma de se familiarizar é praticar.

Se ainda não está totalmente definido num DAW, consulte a nossa lista dos melhores DAWs , tanto pagos como gratuitos , antes de misturar .

Planear antes de misturar

Antes de começar a misturar, todas as suas faixas devem ser devidamente tituladas . Algumas pessoas até gostam de fazer faixas com instrumentos semelhantes da mesma cor, outras (como eu) simplesmente colocam essas faixas umas ao lado das outras.

Por exemplo, todas as guitarras acústicas podem estar dispostas umas ao lado das outras. Todas as vozes poderiam ser agrupadas. E o baixo e a bateria são vizinhos. Isto permite que o seu fluxo de trabalho seja mais suave. Quando mistura os vocais , pode começar com um modelo para todas as faixas vocais - e se estiverem juntos, será muito mais fácil saltar entre eles.

A questão é, tente manter-se o mais organizado possível , da forma que preferir.

Também pode ajudar a imaginar como quer que a faixa soe antes da mistura. Quer que soe espaçosa, ou mais na sua cara e humana? Que instrumento quer que a faixa tenha?

Há alguma faixa de outro artista que queira que soe como? Se sim, deve tentar misturar com uma faixa de referência . É uma coisa que tem ajudado drasticamente a minha capacidade de mistura, assim como a minha capacidade de produção. Pegue numa canção misturada profissionalmente e dominada por um artista que admire e deixe-a cair no seu projecto DAW. Depois pode facilmente alternar entre essa canção e a sua mistura.

Além disso, deverá decidir quais serão os principais elementos da canção . Quando as pessoas dizem: "Gosto da tua única canção que vai...", o que é que cantam ou cantarolam? Será a batida? A melodia? Uma lambida de guitarra fixe? Esse é o elemento principal e deve ser o seu foco ao misturar.

Os 8 Passos da Mistura para Principiantes

Aqui estão os 8 passos de mistura de áudio para principiantes:

• Passo 1: Prepare a sua mistura (Edição, Fading, Gain Staging)
• Passo 2: Obter um bom equilíbrio (Obter o equilíbrio de volume certo)
• Passo 3: Compressão (Dinâmica de controlo)
• Passo 4: EQ (Criar Espaço, Acentuar Peças Boas, Cortar Peças Más)
• Passo 5: Criar profundidade e largura (Panear e usar Reverb/Delay)
• Passo 6: Automatização (Automatizar volume e outros processamentos)
• Passo 7: Adicionar efeitos (Refrão, Phaser, Flanger, Saturação, Distorção, etc.)
• Passo 8: Finalização (Tweak e Preparar para o Domínio)
  

Isto é quando as coisas se tornam divertidas. Isto é quando se começa a moldar o som usando níveis, panning, bussing, EQ, compressão, reverberação, e atraso.

Siga este guia passo-a-passo de mistura áudio abaixo para marcar a mistura certa para a sua canção.

Passo 1: Preparação

Uma das melhores coisas que se pode fazer quando se inicia o processo de mistura de música é a preparação. Se conseguir organizar bem todas as faixas na sua sessão, terá um tempo muito mais fácil (e muito mais rápido) quando se trata de misturar de facto.

As sessões podem ser bastante grandes hoje em dia. Muitas sessões têm centenas de pistas para tratar. É fácil sentir-se sobrecarregado quando se olha para centenas de faixas de áudio sem direcção. Quase todos os DAW têm uma característica de código de cores. Deve codificar a cor das suas várias faixas para que as possa encontrar facilmente ao rolar.

A primeira coisa que deve fazer depois disso é enviar faixas semelhantes para os autocarros .

Um autocarro, para aqueles que não sabem, é uma saída única, que pode ser utilizada para enviar múltiplas pistas individuais para agrupá-las e processá-las como uma unidade singular. Pode-se pensar num autocarro como se fosse um autocarro urbano. Um autocarro da cidade apanha várias pessoas e transporta-as para o mesmo destino.

Pode então utilizar plugins para afectar todas estas faixas individuais que entram no seu autocarro juntas sem ter de sobrecarregar a sua CPU com múltiplas instâncias destes plugins.

Pense desta forma. Em vez de usar dez EQs e compressores para misturar cada uma das suas faixas vocais de fundo, poderia levá-los a um único destino e EQ e comprimi-los juntos. Isto não só é mais fácil na sua CPU, como também ajuda a colar as suas faixas, fazendo-as soar como se fossem uma só unidade. Pode transportar todos os tipos de faixas em conjunto, embora possa considerar começar pelas óbvias:

• Tambores
• Percussão
• Baixo
• Guitarra
• Chaves
• FX
• Vozes de chumbo
• Vozes de fundo
  

Também se deve codificar a cor destes autocarros para os manter organizados.

O que é o Crossfading In Music?

A criação de fades e crossfades é incrivelmente importante durante o processo de preparação, uma vez que assegura que não ouvirá quaisquer cliques ou estalidos na mistura final. O crossfading é o acto de unir dois clipes de áudio para que estes transitem suavemente sem estalidos ou estalidos.

Por outro lado, uma redução de volume simples é colocada no início ou no fim de um clip de áudio para introduzir ou reduzir rapidamente o volume de um sinal de modo a não começar de repente e criar ruídos duros e transitórios como estalidos ou estalidos. Os desvanecimentos são tipicamente muito curtos (cerca de 10ms), o que significa que nem sequer se nota que eles estão lá. Contudo, são uma parte integrante do processo de mistura.

Ganho de encenação - O que é isso?

Gain staging é o processo de assegurar que as suas pistas estão ao nível do volume ideal para que entrem nos chamados "pontos doces". A ideia remonta aos tempos das engrenagens analógicas, em que os engenheiros tinham de registar sinais a níveis óptimos para não introduzirem demasiado ruído ou demasiada distorção.

Como a maioria das mesmas ferramentas que usamos hoje no computador se baseiam nessas peças antigas, é crucial garantir que o nosso áudio está no ponto ideal. Além disso, não pretendemos transmitir distorção digital nas nossas misturas, o que é conhecido como clipping .

O ponto doce é 0 dB VU .

Para ganhar a fase adequada, pode utilizar um plugin de ganho de stock do seu DAW, colocando-o em cada pista e virando para cima ou para baixo o volume até estar a 0 dB VU. Certifique-se de fazer isto tanto nas pistas de um único instrumento como nos autocarros. Embora pareça mundano, pode fazer uma grande diferença.

Passo 2: Obter um bom equilíbrio

O volume é de longe a coisa mais importante a considerar na sua mistura. De facto, um fader de volume é a ferramenta mais poderosa quando se começa a misturar. Se não conseguir obter o equilíbrio de volume certo, nunca terá a canção pronta para rádio que procura. Antes de começar a adicionar efeitos como EQ e compressores, precisa de criar o seu balanço de volume aproximado. Siga estes passos para o fazer:

• Comece com a secção mais barulhenta: Faça loop na secção mais barulhenta da sua faixa. Ao fazê-lo, pode fazer com que esta secção seja a mais barulhenta possível e eventualmente deslocar-se para as secções mais silenciosas para criar contraste.
• Prepare-se com as Referências: Encontre uma pista profissionalmente mista e dominada que possa utilizar como referência. Ouça-a antes de começar a misturá-la para preparar os seus ouvidos. Tente ouvir onde certos instrumentos importantes estão sentados na mistura, incluindo pontapé, laço, baixo, e vozes.
• Comece a Trazer Instrumentos: Comece com o seu canal mais importante e traga-o até -5dB. Não deve estar a cortar o canal principal. O seu canal mais importante dependerá inteiramente da canção. Para uma canção EDM, pode ser o tambor do pontapé. Para uma canção popular , pode ser uma guitarra acústica.
• Continuar a Trazer Instrumentos: Seguindo a ordem de importância, continuar a trazer instrumentos um a um com os faders de volume até que todos eles estejam sentados nos seus respectivos volumes.
• Obtenha o seu Equilíbrio Áspero: Assim que todos os instrumentos estiverem dentro, passe pelo menos 10 minutos a certificar-se de que o seu equilíbrio está correcto. Se for necessário, faça uma pausa e volte ao assunto para não perder a perspectiva.
  

Durante este processo, é uma boa ideia manter os seus monitores de estúdio ou auscultadores a um volume baixo. Ao fazê-lo, os seus movimentos terão mais precisão. A regra geral é manter o seu sistema de audição ao "nível de conversação", o que significa que ainda poderá ter uma conversa com qualquer pessoa na sala.

Lembre-se também de continuar a verificar as suas pistas de referência para ter a certeza que as suas decisões fazem sentido e que todos os seus instrumentos estão sentados no lugar certo.

Passo 3: Compressão

A fim de controlar a sua dinâmica e moldar o carácter tonal global das suas misturas, vai querer utilizar a compressão .

Um compressor está lá para igualar o volume de um sinal automaticamente, baixando-o quando está demasiado alto e aumentando-o quando está demasiado silencioso. Em muitos aspectos, um compressor é como um fader de volume. No entanto, ao contrário de um fader de volume, os compressores também podem ser utilizados para adicionar excitação e cola a uma mistura.

Para compreender como utilizar um compressor, é necessário compreender a interface. Aqui estão alguns dos controlos mais comuns que encontrará num compressor e como utilizá-los:

• Limiar: Para determinar quando é que o compressor entrará em funcionamento e começará a funcionar, devemos utilizar o Limiar. O limiar é um parâmetro de volume definido que liga o compressor quando o nível de áudio que o atravessa excede o parâmetro de volume definido. Quanto mais baixo for o seu limiar, mais comprimido será o seu som.
• Relação: A razão determina o quanto o compressor reduz o volume. Uma relação mais elevada criará uma compressão mais agressiva. Uma relação de 2:1, por exemplo, significa que para cada 2dB o volume de um sinal sobe acima do limiar, 1 dB sairá. 2:1 é uma relação muito suave em comparação com 10:1.
• Ataque: A rapidez com que um compressor se engata e se prende ao sinal é determinada pelo Ataque. Um tempo de ataque rápido irá fixar no transiente inicial, criando um som muito mais espesso e controlado. Um tempo de ataque mais lento, por outro lado, permitirá a passagem do transiente, tornando o som mais agudo e mais excitante.
• Lançamento: Quanto tempo leva para o compressor se desengatar e voltar ao volume normal é controlado pela libertação.
• Joelho: Semelhante ao rácio, o joelho determina o quão agressivo o seu compressor irá soar. Para uma compressão subtil, pode usar um joelho macio (1,0). Para uma compressão muito mais agressiva ou óbvia, pode usar um joelho duro (0,0).
• Ganho de maquilhagem: Como os compressores reduzem o volume de sinais, devemos utilizar o ganho de maquilhagem para os voltar a aumentar, de modo a não perturbar o nosso equilíbrio inicial.
  

A forma como se utiliza um compressor depende completamente do instrumento em que se está a alimentar o mesmo. No entanto, para lhe dar uma ideia geral de como pode utilizar um compressor, aqui estão alguns passos a seguir:

• Passo 1: Defina a sua relação. Um bom lugar para começar é 3:1 ou 4:1 para a maioria dos instrumentos.
• Passo 2: Reduza o seu limiar até que a compressão se torne muito óbvia. Tipicamente, vai querer ir por pelo menos 10dB de redução de ganho. Ajustaremos isto mais tarde, mas a marcação num limiar mais baixo permitir-lhe-á ouvir melhor as suas outras definições.
• Passo 3: Marcar na configuração de Ataque mais lento possível e na configuração de Libertação mais rápida possível.
• Passo 4: Diminua o seu Ataque até ouvir o compressor começar a prender-se aos seus transientes. Assim que o som começar a sentir-se esmagado ou sem vida, recuar o ataque.
• Passo 5: Aumente a sua libertação até o compressor "respirar" com a sua pista. O seu compressor terá muito provavelmente uma agulha de medidor VU. A ideia aqui é que quer que esta agulha ressalte no tempo com o seu rasto. Se estiver sempre a apertar ou a saltar demasiado depressa, pode magoar a ranhura do seu rasto.
• Passo 6: Comece a aumentar o seu limiar até obter a quantidade de compressão que procura. Lembre-se de ouvir o que o compressor está a fazer. Não use os seus olhos para decidir quando é suficiente. Se precisa de 10dB de compressão para uma única faixa para a fazer sentar na sua mistura ou 3dB, não importa desde que soe bem.
• Passo 7: Se precisar de uma compressão mais agressiva, considere ajustar a sua relação para um número mais elevado.
• Passo 8: Use o seu botão Ganho de Maquilhagem ou Ganho de Saída para trazer o seu novo sinal comprimido de volta ao nível normal.
  

Os primeiros instrumentos em que se deve utilizar um compressor são os que necessitam de controlo dinâmico. Tipicamente, instrumentos vivos como bateria, baixo e vocais exigirão compressores para se sentarem bem numa mistura. Alguns géneros utilizam estilos de compressão mais pesados, tais como rap, rock, e pop. Outros usam muito pouca compressão, se é que há alguma. Estes géneros incluem o clássico e o jazz.

Esta é uma das coisas mais difíceis de misturar para se habituar e demorará definitivamente algum tempo até que seja capaz de ouvir claramente os seus movimentos. Continue a praticar e não tenha medo de ser ousado com as suas definições para obter o som que procura.

Passo 4: EQ

EQ é a abreviatura de "equalizador". Como uma das ferramentas mais essenciais na sua cinta de mistura, pode usar um equalizador para moldar o conteúdo de frequência dos seus instrumentos de modo a que se encaixem como um puzzle.

Utilizamos um equalizador para manipular certas porções do espectro de frequências. O espectro na audição humana vai de 20Hz a 20kHz (20,000Hz). Os instrumentos mais baixos sentam-se mais abaixo no espectro, tais como os kick and bass, enquanto os instrumentos mais altos sentam-se mais acima no espectro, tais como os cymbals ou os shakers.

Alguns instrumentos ocupam porções muito maiores do espectro, tais como pianos, vocais e sintetizadores.

Vamos dividir o espectro em secções e definir cada uma delas.

• Sub Baixo (20-60Hz): Para ouvir as frequências dos sub-baixos, é provável que precise de um subwoofer ou de um par de auscultadores realmente forte. Os humanos sentem principalmente estas subfrequências em vez de as ouvirem. O murro de um tambor de pontapés profundos ou dos graves sísmicos num clube é o resultado das subfrequências.
• Baixo (60-200Hz): Os instrumentos baixos situam-se frequentemente nesta gama de frequências, tais como kick, bass, e toms. No entanto, a parte baixa dos vocais masculinos e guitarras também se podem sentar aqui.
• Meios baixos (200-500Hz): As médias baixas dão a sua mistura BEEF. No entanto, demasiada informação nas zonas baixas pode levar ao que chamamos uma mistura "lamacenta ". Esta área necessita frequentemente de atenção especial para garantir que não há demasiada acumulação de frequência com diferentes instrumentos.
• Mids (500Hz-2kHz): Os humanos têm uma relação profunda com as mids, pois é a área do espectro que mais ouvimos. Quando se fala com alguém ao telefone, esta é a área do espectro de frequências que se ouve. O foco principal da faixa deve viver aqui (vozes, solo de guitarra, etc.) Demasiados meios e a sua mistura pode começar a soar dura ou agressiva.
• Médias-altas (2kHz-8kHz): Quando se trata de clareza, as High Mids são cruciais. Pode-se acrescentar presença aos instrumentos com as high mids, embora também possam tornar a sua mistura áspera se forem excessivamente carregados.
• Altos (8kHz-20kHz): Ar doce e doce. O brilho e a cintilação de uma mistura de sons caros vivem nos altos.
  

Como usar o EQ

Assim, agora que compreende o espectro de frequências, pode estar a interrogar-se,

Como é que o ponho a funcionar nas minhas misturas?

Os EQs permitem aumentar ou diminuir o volume destas diferentes partes do espectro de frequências. Ao fazê-lo, podemos alterar o tom de um instrumento e ajudá-lo a encaixar com outros instrumentos.

O seu pontapé soa fraco na sua mistura?

Se assim for, pode considerar aumentar as frequências dos sub-baixos ou graves.

Será que esses sintetizadores de dentes de serra soam um pouco duros?

Se assim for, pode considerar a possibilidade de recusar esses meios altos.

Qualquer plugin EQ terá tipicamente os mesmos parâmetros que o próximo. Aqui estão alguns dos parâmetros de EQ mais típicos que precisa de conhecer :

• Filtros: Os EQs vêm frequentemente com filtros passa-altos (HPF) e filtros passa-baixos (LPF). Um filtro passa-alto cortará a parte baixa e permitirá a passagem da parte alta, enquanto que um filtro passa-baixo cortará a parte alta e permitirá a passagem da parte baixa.
• Q: O "Q" representa a largura do seu filtro particular. Um Q mais amplo afectará uma gama mais vasta no espectro de frequências.
• Frequência: Determina a área do espectro de frequências que está a afectar com o parâmetro Frequência.
  

Há muitas maneiras de usar a EQ ao misturar, embora gostemos de nos concentrar em três usos específicos.

Trabalho de manutenção

O trabalho de manutenção pode por vezes fazer parte da fase de preparação. A ideia aqui é remover quaisquer partes "más" de uma determinada peça de áudio. Tipicamente, estas partes "más" são ressonâncias, modos, ou ruídos. Pode usar a técnica "varrer e destruir" para se livrar destas ressonâncias nas suas misturas. Comece com um Q extremamente estreito e aumente a frequência desejada até ao fim.

Varrer cuidadosamente o espectro, ouvindo atentamente as ressonâncias que surgem da sua gravação. Se notar uma ressonância que esteja presente em toda a canção, pode ser a sala em que foi gravada ou o próprio instrumento. Se notar que esta ressonância está a interferir com o som, corte-a puxando o ponto de frequência para baixo.

Caso contrário, pode considerar deixá-lo em paz para manter a gravação natural. Não há nada de errado em permitir a passagem de ressonâncias desagradáveis.

Durante este trabalho de manutenção, utilizaremos normalmente filtros passa-altos e filtros passa-baixos para nos livrarmos de qualquer ruído ou efervescência desnecessários.

Mudar o tom

Podemos também usar o EQ para alterar o tom de um instrumento. Tipicamente, utilizar-se-ão reforços e cortes mais amplos durante os processos de alteração de tonalidade para um som mais "musical".

Vejamos um vocal, por exemplo.

Podemos querer livrar-nos de qualquer pugilismo ou lama nas zonas baixas e aumentar um pouco as zonas altas e altas para adicionar ar e presença.

Para uma guitarra baixo, podemos querer aumentar os baixos ou baixos-médios para obter um pouco mais de carne enquanto cortamos os médios ou altos-médios para nos livrarmos do buzinado ou do som dos dedos.

Enigma da Mistura Juntos

A mistura de áudio é um puzzle com muitas peças diferentes que devem encaixar juntas. Podemos esculpir certos pontos do espectro em certos instrumentos para os ajudar a encaixar melhor com outros.

Por exemplo, podemos cortar os baixos de uma guitarra eléctrica para a ajudar a sentar-se melhor no topo de um baixo, que já tem controlo sobre os baixos. Da mesma forma, poderíamos cortar os médios de uma guitarra acústica para ajudar os vocais a dominar essa gama.

Antes de fazer qualquer movimento com o EQ, vai querer perguntar a si mesmo,

Qual é o meu objectivo final?

Só porque alguém em linha lhe disse para aumentar uma voz a 3kHz não significa que a SUA voz irá beneficiar de um aumento de 3kHz.

Se os seus sons vocais parecerem precisar de mais presença na sua mistura, poderá considerar um aumento de cerca de 3kHz. No entanto, a sua voz pode soar como se precisasse de presença porque tem outro instrumento a cobri-lo que talvez possa beneficiar de uma redução de 3kHz.

Poderá também considerar a possibilidade de retirar algumas baixas-médias na sua voz para criar presença, uma vez que menos baixas e lama ajudarão mais as frequências de "presença" a destacarem-se.

É importante notar que pode mesmo empregar o EQ durante o processo de gravação para obter o som que procura logo à saída da porta.

Passo 5: Profundidade e Largura

Para criar profundidade e largura numa mistura, será necessário utilizar uma combinação de efeitos espaciais e panning.

Comecemos por fazer a nossa mistura tridimensional usando um dos seus DAWs mais básicos: os panificadores.

O que é Panning?

Panning é o processo de colocar um instrumento em certos lugares em todo o campo estéreo, tanto no altifalante esquerdo como no direito. Ao utilizar os botões da panela no seu DAW, pode criar um palco sonoro onde cada instrumento individual se senta.

Alguns engenheiros utilizam o método LCR, mantendo todos os instrumentos digitalizados 100% para a esquerda, 100% para a direita, ou completamente ao centro. Este é um método da velha guarda que funciona para muitas pessoas. Existem outros que utilizam uma abordagem muito detalhada, dando a cada instrumento na sua mistura um espaço muito particular no espectro estéreo.

O melhor é imaginar os seus instrumentos num palco e panfletá-los em conformidade. Por exemplo, pode optar por manter o seu centro vocal, chutar, laço, e baixo para segurar a fundação. Pode então panar as suas guitarras eléctricas estéreo 100% para a esquerda e 100% para a direita. Os seus teclados, percussão, ou quaisquer instrumentos adicionais poderão então caber a meio caminho entre a esquerda ou direita e o centro.

Usando Reverb para criar profundidade

Agora que a sua mistura tem largura graças à panificação, usará reverberação para criar profundidade tridimensional, de frente para trás.

Pense desta forma, os músicos não costumam estar numa linha bidimensional em linha recta ao longo do palco. O cantor é normalmente frente e centro, as guitarras, o baixo e as teclas são empurrados um pouco mais para trás, e a bateria é ainda mais para trás do que esses instrumentos.

Para criar profundidade, começaremos com a utilização de reverberação .

A Reverb é um tópico incrivelmente denso. Se quiser mais detalhes, aqui está o nosso guia detalhado sobre reverberação .

Na sua forma mais básica, o reverb é utilizado para colocar certos instrumentos numa "sala".

Pode usar o reverb para empurrar os instrumentos de volta numa mistura, fazendo-os soar mais longe, ou usar o reverb para controlar o tom geral da sua mistura.

Reverberações maiores, tais como salas ou catedrais, criam um som mais grandioso. Estes reverbos são óptimos para secções de cordas clássicas, vozes de baladas, ou tambores ao estilo de estádio.

Reverberâncias mais pequenas, como quartos ou câmaras, são óptimas para um som mais íntimo. Pense em guitarras acústicas de estilo folclórico ou pianos espaçosos.

Embora seja fácil criar profundidade com reverberação, pode por vezes sentir-se como se este efeito empurrasse um som demasiado para trás na mistura. Um vocal, por exemplo, pode precisar de algum espaço sem sentir que está sentado atrás das outras faixas.

Neste caso, podemos querer usar o atraso em vez de reverberar.

O que é o atraso?

Embora o atraso possa parecer muito semelhante a reverberação em muitos aspectos, é uma ferramenta muito mais precisa. Em vez de ouvir uma confusão de ecos a voar para trás e para a frente à volta de uma sala, criando uma única reverberação unificada, o atraso cria uma repetição de notas, permitindo-lhe ouvir ecos individuais. Se gritasse "Olá" para uma caverna, provavelmente ouviria esse "Olá" como um eco várias vezes antes de se dissipar.

Embora existam infinitas formas de utilizar o atraso, falemos da técnica mais simples: o slapback delay.

O Slapback delay tem sido utilizado desde os anos 50 para criar profundidade sem empurrar os instrumentos demasiado para trás na mistura. Ouça os discos de Elvis Presley dos anos 50 e provavelmente ouvirá o atraso de slapback na sua voz. Pode encontrar predefinições de slapback delay nos plugins do seu DAW. Comece por aí e ajuste os parâmetros à medida que se sentir em forma.

Passo 6: Automatização

Nesta altura, aquela secção mais alta da sua canção que tem andado a fazer looping provavelmente soa bastante bem.

Claro que nem todas as secções da sua canção soam da mesma maneira, o que significa que os parâmetros definidos para esta secção podem não soar bem para as outras.

É aqui que a automatização vem a calhar.

Na mistura, utilizamos a automatização do volume para criar uma sensação de consistência ao longo de uma canção. Cada DAW vem com canais de automatização de volume, que pode utilizar para aumentar ou diminuir o volume de um determinado instrumento ou autocarro durante partes específicas da canção.

Por exemplo, o pontapé pode estar a balançar no refrão , mas soa demasiado alto nos versos . Neste caso, pode considerar-se a possibilidade de recusar o coro utilizando a automatização do volume.

Também pode utilizar a automatização nos seus plugins.

Por exemplo, que 10dB de compressão que estava a usar nos seus vocais pode ter soado bem durante o refrão, embora o som esteja sobre-comprimido durante o verso. Se assim for, pode automatizar o limiar do seu compressor para que não esteja a comprimir tanto durante o verso.

Num outro exemplo, a sua guitarra acústica poderia ter beneficiado de cortes médios durante o refrão, uma vez que estava a interferir com outras faixas. No entanto, os versos são muito mais parcos e sentem-se um pouco fracos sem esses médios baixos.

Nesse caso, poderá automatizar o seu EQ de modo a que este apenas corte os meios baixos durante os refrões e o deixe entrar durante os versos.

Também pode utilizar a automatização para acrescentar interesse e captar a atenção do ouvinte. Poderá considerar a possibilidade de virar palavras importantes numa linha vocal para as acentuar ou baixar o baixo durante o pré-coro, para que o possa trazer de volta com força ao coro.

Em muitos aspectos, a automatização do volume é tanto uma parte do desempenho como os instrumentos na mistura. Como engenheiro de mistura, é possível acrescentar dinâmica a uma mistura usando a automatização de volume que de outra forma se sentiria plana e sem vida.

Passo 7: Adicionar efeitos

Aqui é onde se pode começar a ser criativo.

Todos adoram experimentar os efeitos. Não há melhor forma de dar à sua canção uma vantagem criativa do que com efeitos frescos e diferentes. Porque há tantos efeitos lá fora, seria impossível entrar neles num único artigo. No entanto, aqui está uma pequena lista de efeitos que poderá considerar utilizar em certas partes da sua mistura:

• Refrão
• Flanger
• Phaser
• Saturação
• Distorção
• Atrasos de lançamento
• Vibrato
• Deslocamento de inclinação
  

Se quiser uma explicação aprofundada de cada um destes efeitos criativos e muito mais, dirija-se ao nosso artigo:

Efeitos de Áudio Explicados

Passo 8: Finalização

Está tão perto, não pare agora!

Neste momento, a sua mistura está a soar bastante batida. Está na altura de passar cuidadosamente por ela um par de vezes e certificar-se de que tudo está bem sentado para que esteja pronto para a fase de masterização.

Durante o processo de finalização, poderá considerar a possibilidade de fazer quaisquer ajustes de última hora de EQ ou de compressão. Poderá também considerar reequilibrar os seus sons ou alterar o volume dos seus efeitos.

Para tirar o máximo partido do processo de finalização, recomendamos que se faça uma pausa primeiro. Se puder, tente voltar a este passo no dia seguinte para que tenha um novo conjunto de orelhas para trabalhar.

Puxe um lápis e um bloco de notas e ouça a sua mistura da frente para trás algumas vezes. Tome notas sobre tudo o que ouvir que queira mudar.

Durante este processo, consulte as suas pistas de referência para ter a certeza de que está a seguir na direcção certa. Embora não queira copiar a sua faixa de referência, pode ser útil certificar-se de que os seus balanços de frequência e volume estão no ponto.

Um dos meus plugins favoritos para referenciar pistas profissionais é Reference by Mastering the Mix.

Uma vez que sinta que a sua mistura está pronta para balançar, pode fazer ricocheteá-la ou exportá-la em formato WAV para a ouvir em diferentes ambientes, tais como o seu carro, o seu portátil, os seus AirPods, etc.

Quando sentir que está pronto para a masterização, poderá considerar carregar a sua canção para o eMastered para uma masterização profissional.

FAQs

Qual é a melhor aplicação para misturar canções?

Quando se trata de misturar canções, Djay Pro é uma das minhas aplicações favoritas absolutas. Esta aplicação pode ser usada no Android, iOS, Mac, e Windows. Inclui até a integração Spotify!

Devo misturar a minha própria música?

Se não tem dinheiro para contratar um grande engenheiro de misturas ou se não acredita que outra pessoa possa misturar a sua música melhor do que você, então não há nada de errado em tentar misturar a sua própria música! No entanto, também deve ser capaz de se afastar dos aspectos emocionais da música para tomar decisões claras e técnicas.

Misturar uma canção é difícil?

Aprender a misturar uma canção não é necessariamente difícil, mas é preciso muito tempo para se habituar a isso. Recomendamos passar algum tempo a ver vídeos do YouTube, ler blogs , e juntar-se a grupos em linha para aprender mais antes de mergulhar. Tenha um plano em mente e compreenda as ferramentas que tem à sua frente para que possa tornar o processo tão fácil quanto possível.

Como se melhora na mistura de música?

Tal como em ficar melhor em qualquer coisa, praticar é a melhor maneira de ficar melhor na mistura de música. Implementar as técnicas que se aprendem até se tornarem segunda natureza. Misturar diferentes tipos de música, oferecendo-se para misturar canções gratuitamente. Faça tudo o que estiver ao seu alcance para praticar a mistura, tanto quanto possível, e ficará melhor com cada mistura.

A Garageband é boa para misturar música?

Embora a Garageband não seja necessariamente uma DAW profissional, tem características de mistura bastante incríveis tendo em conta o facto de ser gratuita. Se está apenas a começar no mundo da mistura, a Garageband é um óptimo local para começar.

O domínio pode corrigir uma má mistura de áudio?

O domínio não pode corrigir uma má mistura. A masterização é o passo final antes do lançamento que só existe para polir e melhorar uma boa mistura. Um engenheiro de masterização só lida com canções a um nível macro, o que significa que não podem separar a canção inteira e manipular más escolhas de equilíbrio de volume, demasiada compressão em certas faixas, ou efeitos de reverberação de wonky.

É necessário obter um bom equilíbrio, panning, EQ, e todos os outros processamentos durante a fase de mistura para obter os melhores resultados.

O que não se deve fazer quando se mistura?

Embora haja muitas coisas que nunca se deve fazer durante o processo de mistura, aqui estão as cinco coisas mais importantes que vemos os principiantes a fazer com demasiada frequência:

• Mistura de instrumentos a solo ou não no contexto da mistura
• Não utilizar pistas de referência
• Mistura a níveis muito altos
• Pistas de sobreprocessamento
• Não ter intenções com movimentos de processamento
  

Como se torna a sua Mix Sound Professional?

Há muitas coisas que pode fazer para tornar a sua própria mistura de som profissional, embora quando se trata de música moderna, há 7 coisas que quase sempre deve fazer para obter um som mais profissional. Empregar estas coisas na sua mistura e vê-la brilhar:

• Ganho de encenação: Certifique-se de que tem altura suficiente ao misturar.
• Impulsos de Top-End: A sua mistura soa plana? Talvez apenas uma faixa soe como se pudesse usar algum amor? Experimente um impulso de prateleira alta por volta dos 10kHz.
• Remoção de ressonância: Livrar-se das ressonâncias do quarto com a técnica de QE de reforço e varredura
• Livrar-se da Sibilância: Use um de-esser para se livrar da dura sibilância nas suas vozes
• Usar a automatização para controlar a dinâmica: A compressão não pode lidar apenas com a dinâmica. Para se certificar de que os seus rastos estão bem assentados e se sentem consistentes, vai querer usar a automatização.
• Usar Saturação para Acrescentar Vida: Utilizando plugins de saturação , tais como máquinas de fita adesiva, pode adicionar uma vibração única e analógica à sua mistura, ajudando a preencher a série harmónica e a dar carácter às suas faixas.
• Limpar a parte baixa: É tipicamente uma boa ideia passar qualquer instrumento que não precise de uma tonelada de energia na extremidade baixa para dar espaço aos instrumentos que precisam, tais como pontapé e baixo.
  

Quanto é misturar uma canção?

Um engenheiro de mistura freelance cobrará provavelmente entre $100 e $1,000 por mistura, enquanto um estúdio profissional poderá cobrar até $1,500 ou mais por mistura.

Será que os Rappers misturam a sua própria música?

Embora não sejam muitos os rappers que misturam a sua própria música, há muitos rappers que produzem as suas próprias batidas. Alguns dos rappers mais populares do que produzem as suas próprias batidas incluem:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, o Criador
• Eminem
• Lógica
• Chefe Keef
  

Como é que sabe se a sua mistura é boa?

Existem alguns sinais indicadores de que a sua mistura está boa e acabada, incluindo

• Pode ouvir claramente cada instrumento na pista
• As vozes soam consistentemente
• A mistura soa colada e equilibrada
• Não há problemas técnicos, tais como estalidos, cliques ou ruído
• A mistura é dinâmica e interessante
• Soa ao mesmo nível de algumas das suas canções favoritas
• Soa bem em diferentes sistemas de som
  

Quanto tempo leva para misturar uma canção?

Para uma canção com múltiplas faixas instrumentais e vocais que requer edição, processamento e automatização complexos, uma mistura pode facilmente demorar até oito horas ou mais. Pode encurtar este tempo usando modelos de mistura e tendo uma faixa de referência para verificar continuamente a sua mistura com.

Como faço para tornar a minha mistura mais clara?

Na minha experiência, há algumas técnicas que se podem empregar com praticamente qualquer mistura para torná-la mais limpa e clara. Estas técnicas incluem:

• Filtragem de Passes Altos: Livrar-se de quaisquer instrumentos desnecessários de baixo de gama que não precisem dele, tais como vozes, guitarras, teclados, etc.
• Usar atrasos em vez de Reverb: Se o Reverb está a ocupar demasiado espaço na sua mistura e a fazê-la parecer tímida, poderá em vez disso considerar trocá-la por um atraso.
• Sidechaining: Sidechaining é uma excelente forma de arranjar espaço para certos instrumentos quando estão a tocar ao mesmo tempo.
• Puzzle Piece EQ: Decida onde cada uma das suas faixas gravadas se situará no espectro EQ e aumente e corte as frequências em conformidade, para que tudo tenha o seu próprio espaço sem sobreposições. Instrumentos com o mesmo conteúdo de frequência não devem sentir-se como se estivessem sobrepostos.
  

Misturando Música - Fazendo as tuas próprias canções soarem bem

É fácil perder-se nos detalhes da mistura, por isso lembrem-se disto: é tudo sobre a canção. Tente fazer zoom out e lembre-se do som geral que deseja.

Para onde vai esta via? Parece-lhe a sua faixa de referência? Estás a receber os sons que estás a ouvir na tua cabeça?

Mais uma vez, recomendo vivamente a utilização de uma pista de referência ao misturar. É como um mapa que se usa para se ter a certeza de que se está no caminho certo para uma canção de som profissional.

Além disso, a mistura não é uma coisa rápida. Poderá eventualmente dar por si a voltar à sua mistura rústica porque a sua nova mistura não soa bem. Vai encontrar-se a fazer pequenos ajustes, a ouvir, a fazer mais ajustes, a ouvir novamente, e a fazer ainda mais ajustes. Tudo isso está bem! Faz parte do processo de mistura.

Saiba apenas que não deve desanimar se este for o seu fluxo de trabalho - isso é um sinal de que está a caminhar para uma grande mistura.

Uma vez que tenha aprendido todas estas "regras de mistura" e esteja à vontade com elas, quebre-as. Seja criativo e experimente. Confie nos seus ouvidos, mesmo que o que está a ver no ecrã seja antiquado. Use outras ferramentas para criar misturas que são todas suas.

O objectivo é acabar com uma mistura incrível, que é a chave para um grande mestre e uma canção que possa fazer frente a qualquer outra.

Feliz mistura!