Kluczem do profesjonalnie brzmiącego utworu jest świetny miks. Nadaje on utworowi równowagę, dynamikę i sprawia, że proces masteringu jest o wiele bardziej efektywny.

Ale miksowanie wymaga praktyki. Dużo praktyki. Jeśli dopiero zaczynasz, będziesz w tym kiepski. Ale to nic - nie staniesz się lepszy, dopóki nie zdasz sobie sprawy, nad czym musisz popracować.

Tak więc, aby rozpocząć swoją życiową podróż w kierunku doskonalenia umiejętności miksowania, oto przewodnik dla początkujących na temat miksowania muzyki. Jest on dostosowany do początkujących, ale wierzę, że nawet średnio zaawansowani mikserzy mogą się z niego nauczyć.

Czytaj dalej, aby poznać tajniki miksowania muzyki.

Czym jest miksowanie dźwięku?

Miksowanie muzyki jest dokładnie tym, na co wygląda - miksowaniem dźwięków w sposób, który sprawia, że brzmią one przyjemnie. Używając takich elementów jak korektor, kompresja i poziomy, można pomóc różnym ścieżkom w utworze połączyć się ze sobą, aby nie zakrywały się nawzajem, ale pomagały sobie nawzajem w wykonywaniu swojej roli.

Miksowanie jest częścią procesu twórczego. To tutaj kształtujesz dźwięki, które nagrałeś lub zsamplowałeś do tego, co słyszysz w swojej głowie. Dlatego tak ważne jest, aby nauczyć się samodzielnie miksować muzykę.

Po zakończeniu miksowania renderujesz nagranie wielościeżkowe do pliku WAV (zwanego "miksem"), aby można go było zmasterować.

Mój punkt widzenia: miksowanie jest jednym z najważniejszych aspektów świetnego nagrania. Ludzie budują swoją karierę wyłącznie na umiejętności miksowania.

Tak więc, aby właściwie zająć się tym tematem, zajmiemy się szczegółami (przy jednoczesnym zachowaniu jak największej prostoty).

Konfiguracja domowego studia do miksowania muzyki

Odpowiednia konfiguracja domowego studia jest pierwszą rzeczą, którą powinieneś zrobić jako początkujący mikser. Twoje studio powinno być miejscem, w którym czujesz się najbardziej kreatywny, nawet jeśli jest to domowa sypialnia. Uzyskanie wysokiej jakości miksów jest prawie niemożliwe bez pewnych elementów wyposażenia, takich jak głośniki miksujące (monitory studyjne), przyzwoity komputer lub laptop do produkcji muzyki oraz dobre środowisko odsłuchowe.

Należy również upewnić się, że dźwięk w studiu jest wysokiej jakości. Przygotowując studio, sprawdź rezonanse pomieszczenia, pogłos lub cokolwiek innego, co może mieć wpływ na miksowanie.

Zdecydowanie zalecam przygotowanie akustyczne studia przed mik sowaniem. Jeśli zaczniesz miksować bez przygotowania studia, możesz później podjąć błędne decyzje dotyczące miksów.

Niektóre z polecanych przeze mnie urządzeń studyjnych to

• Komputer stacjonarny lub laptop
• Monitory studyjne
• Zewnętrzne dyski twarde (do przechowywania dużych plików audio)
• Mikrofon
• Słuchawki
  

Miksowanie dźwięku w programie DAW‍

‍

Aby stworzyć odpowiedni miks, musisz użyć cyfrowej stacji roboczej audio (DAW), która może zrobić to, czego potrzebujesz (EQ, kompresja, pogłos, crossfading itp.). A następnie musisz wiedzieć, jak naprawdę dobrze korzystać z DAW, aby używać go do robienia tych rzeczy i podejmowania szybkich decyzji dotyczących miksowania.

Intymność - to słowo, które przychodzi mi na myśl. Dowiedz się, gdzie wszystko znajduje się w programie DAW, zanim jeszcze rozpoczniesz nagrywanie.

Oto najważniejsze elementy oprogramowania do nagrywania, z którymi powinieneś się zapoznać - zdecydowanie zalecam zapoznanie się z ich skrótami klawiaturowymi:

- Gdzie znajduje się przycisk nagrywania

- Miejsce ustawienia BPM

- Jak rozwinąć ścieżki i powiększyć je

- Jak dodać nową ścieżkę, zarówno audio, jak i MIDI?

- Cofnij nagrywanie

- Wycinanie/przycinanie nagranego elementu

- Wybór włączenia/wyłączenia funkcji Snap-To-Grid

- Kopiuj/wklej, w szczególności kopiowanie i wklejanie tylko określonych fragmentów utworu.

Nauczenie się tych rzeczy i szybkie podejmowanie decyzji dotyczących miksowania zajmie trochę czasu. Ale jedynym sposobem na zapoznanie się z nimi jest praktyka.

Jeśli nie jesteś jeszcze całkowicie zdecydowany na DAW, sprawdź naszą listę najlepszych D AW, zarówno płatnych, jak i darmowych, zanim zaczniesz miksować.

Zaplanuj zanim wymieszasz

Przed rozpoczęciem miksowania wszystkie ścieżki powinny być odpowiednio zatytuł owane. Niektórzy ludzie lubią nawet nadawać utworom z podobnymi instrumentami ten sam kolor, inni (jak ja) po prostu umieszczają te utwory obok siebie.

Na przykład, wszystkie gitary akustyczne mogą być ułożone obok siebie. Wszystkie wokale mogą być zgrupowane. Bas i perkusja sąsiadują ze sobą. Pozwala to na płynniejszy przepływ pracy. Podczas miksowania wok ali można zacząć od jednego szablonu dla wszystkich ścieżek wokalnych - a jeśli są one razem, znacznie łatwiej będzie przeskakiwać między nimi.

Chodzi o to, by starać się być jak najlepiej zorganizowanym w dowolny sposób.

Pomocne może być również wyobrażenie sobie, jak ma brzmie ć utwór przed miksowaniem. Czy ma brzmieć kosmicznie, czy bardziej ludzko? Jaki instrument ma się w nim znaleźć?

Czy istnieje utwór innego wykonawcy, który ma brzmieć podobnie? Jeśli tak, powinieneś spróbować miksowania z referencyjnym utworem. To jedna z rzeczy, która drastycznie pomogła moim umiejętnościom miksowania, a także umiejętnościom produkcyjnym. Pobierz profesjonalnie zmiksowany i zmasterowany utwór artysty, którego podziwiasz i umieść go w swoim projekcie DAW. Następnie możesz łatwo przełączać się między tym utworem a swoim miksem.

Powinieneś także zdecydować, jakie będą główne elementy piosenki. Kiedy ludzie mówią: "Podoba mi się twoja piosenka, która leci...", co śpiewają lub nucą? Czy jest to rytm? Melodia? Fajny kawałek gitarowy? To jest główny element i na nim powinieneś się skupić podczas miksowania.

8 kroków miksowania dla początkujących

Oto 8 kroków miksowania dźwięku dla początkujących:

• Krok 1: Przygotowanie miksu (edycja, zanikanie, inscenizacja wzmocnienia)
• Krok 2: Uzyskaj odpowiedni balans (Uzyskaj odpowiedni balans głośności)
• Krok 3: Kompresja (dynamika sterowania)
• Krok 4: EQ (Stwórz przestrzeń, zaakcentuj dobre części, wytnij złe części)
• Krok 5: Tworzenie głębi i szerokości (panorama i użycie pogłosu/opóźnienia)
• Krok 6: Automatyzacja (Automatyzacja wolumenu i innych procesów)
• Krok 7: Dodaj efekty (Chorus, Phaser, Flanger, Saturation, Distortion itp.).
• Krok 8: Finalizacja (poprawki i przygotowanie do masteringu)
  

Wtedy zaczyna się zabawa. To wtedy zaczynasz kształtować swój dźwięk za pomocą poziomów, panoramowania, łączenia, korektora, kompresji, pogłosu i opóźnienia.

Postępuj zgodnie z poniższym przewodnikiem miksowania dźwięku krok po kroku, aby wybrać odpowiedni miks dla swojego utworu.

Krok 1: Przygotowanie

Jedną z najlepszych rzeczy, jakie można zrobić rozpoczynając proces miksowania muzyki, jest przygotowanie. Jeśli uda ci się dobrze zorganizować wszystkie ścieżki w sesji, będziesz miał znacznie łatwiejszy (i szybszy) czas, gdy dojdzie do faktycznego miksowania.

W dzisiejszych czasach sesje mogą być dość duże. Wiele sesji obejmuje setki ścieżek dźwiękowych. Łatwo jest poczuć się przytłoczonym, gdy patrzy się na setki ścieżek audio bez kierunku. Prawie każdy program DAW posiada funkcję kodowania kolorami. Powinieneś oznaczyć kolorami różne ścieżki, abyś mógł je łatwo znaleźć podczas przewijania.

Pierwszą rzeczą, którą powinieneś zrobić, jest wysłanie podobnych ścieżek do magistrali.

Magistrala, dla tych, którzy nie wiedzą, to pojedyncze wyjście, do którego można wysłać wiele pojedynczych ścieżek w celu ich zgrupowania i przetworzenia jako pojedynczej jednostki. O magistrali można myśleć jak o autobusie miejskim. Autobus miejski zabiera wiele osób i przewozi je do tego samego miejsca docelowego.

Następnie można użyć wtyczek, aby wpłynąć na wszystkie te indywidualne ścieżki wchodzące do magistrali razem, bez konieczności przeciążania procesora wieloma instancjami tych wtyczek.

Pomyśl o tym w ten sposób. Zamiast używać dziesięciu korektorów i kompresorów do miksowania każdej ze ścieżek wokalnych w tle, możesz przesłać je do jednego miejsca docelowego, a następnie poddać je korekcji i kompresji. Jest to nie tylko łatwiejsze dla procesora, ale także pomaga skleić ścieżki razem, dzięki czemu brzmią tak, jakby były jedną jednostką. Można łączyć ze sobą wszystkie rodzaje ścieżek, choć warto zacząć od tych oczywistych:

• Perkusja
• Perkusja
• Bas
• Gitara
• Klucze
• FX
• Wokal prowadzący
• Wokale w tle
  

Należy również oznaczyć te autobusy kolorami, aby zachować ich porządek.

Czym jest crossfading w muzyce?

Tworzenie przejść i crossfadów jest niezwykle ważne podczas procesu przygotowawczego, ponieważ gwarantuje, że w końcowym miksie nie będzie słychać żadnych kliknięć ani trzasków. Crossfading to czynność polegająca na łączeniu ze sobą dwóch klipów audio w taki sposób, aby płynnie przechodziły bez kliknięć i trzasków.

Z drugiej strony, zanikanie to prosta redukcja głośności umieszczona na samym początku lub na końcu klipu audio w celu szybkiego wprowadzenia lub zmniejszenia głośności sygnału, aby nie zaczynał się nagle i nie tworzył ostrych, przejściowych dźwięków, takich jak kliknięcia lub trzaski. Zaniki są zazwyczaj bardzo krótkie (około 10 ms), co oznacza, że nawet nie zauważysz ich obecności. Są one jednak integralną częścią procesu miksowania.

Gain Staging - co to właściwie jest?

Gain staging to proces upewniania się, że ścieżki mają optymalny poziom głośności, tak aby wchodziły do wtyczek w tak zwanym "sweet spocie". Idea ta sięga czasów sprzętu analogowego, gdzie inżynierowie musieli nagrywać sygnały na optymalnych poziomach, aby nie wprowadzać zbyt dużego szumu lub zbyt dużych zniekształceń.

Ponieważ większość tych samych narzędzi, których używamy obecnie na komputerze, opiera się na tych starych urządzeniach, ważne jest, aby upewnić się, że nasz dźwięk jest w najlepszym miejscu. Ponadto, nie chcemy wprowadzać cyfrowych zniekształceń do naszych miksów, co jest znane jako clipping.

Najlepszym punktem jest 0 dB VU.

Aby prawidłowo wzmocnić scenę, możesz użyć wtyczki wzmocnienia z programu DAW, umieszczając ją na każdej ścieżce i zwiększając lub zmniejszając głośność, aż osiągnie 0 dB VU. Upewnij się, że robisz to zarówno na pojedynczych ścieżkach instrumentów, jak i na szynach. Choć wydaje się to przyziemne, może zrobić dużą różnicę.

Krok 2: Uzyskaj odpowiednią równowagę

Głośność jest zdecydowanie najważniejszą rzeczą, jaką należy wziąć pod uwagę podczas miksowania. W rzeczywistości suwak głośności jest najpotężniejszym narzędziem podczas miksowania. Jeśli nie uda ci się uzyskać odpowiedniego balansu głośności, nigdy nie uzyskasz utworu gotowego do emisji w radiu. Zanim zaczniesz dodawać efekty, takie jak EQ i kompresory, musisz utworzyć zgrubny balans głośności. Aby to zrobić, wykonaj poniższe kroki:

• Zacznij od najgłośniejszej sekcji: Zapętl najgłośniejszą sek cję utworu. W ten sposób możesz sprawić, że ta sekcja będzie najgłośniejsza i ostatecznie przejść do cichszych sekcji, aby stworzyć kontrast.
• Przygotuj się z referencjami: Znajdź profesjonalnie zmiksowany i zmasterowany utwór, którego możesz użyć jako odniesienia. Posłuchaj go przed rozpoczęciem miksowania, aby przygotować uszy. Spróbuj posłuchać, gdzie w miksie znajdują się niektóre ważne instrumenty, w tym kick, werbel, bas i wokal.
• Rozpocznij wprowadzanie instrumentów: Zacznij od najważniejszego kanału i zwiększ jego poziom do -5 dB. Nie powinien on obcinać kanału głównego. Najważniejszy kanał zależy całkowicie od utworu. W przypadku utworu EDM może to być bęben basowy. W przypadku piosenki folkowej może to być gitara akustyczna.
• Kontynuuj wprowadzanie instrumentów: Zgodnie z kolejnością ważności, kontynuuj wprowadzanie instrumentów jeden po drugim za pomocą suwaków głośności, aż wszystkie osiągną odpowiednią głośność.
• Uzyskaj przybliżone wyważenie: Gdy wszystkie instrumenty są już gotowe, poświęć co najmniej 10 minut na upewnienie się, że balans jest prawidłowy. W razie potrzeby zrób sobie przerwę i wróć do tego, aby nie stracić perspektywy.
  

Podczas tego procesu dobrym pomysłem jest utrzymywanie niskiej głośności monitorów studyjnych lub słuchawek. W ten sposób ruchy będą bardziej dokładne. Zasadą jest utrzymywanie systemu odsłuchowego na "poziomie konwersacyjnym", co oznacza, że nadal możesz prowadzić rozmowę z kimkolwiek w pokoju.

Pamiętaj także, aby sprawdzać ścieżki referencyjne, aby upewnić się, że podejmowane decyzje mają sens, a wszystkie instrumenty znajdują się we właściwym miejscu.

Krok 3: Kompresja

Aby kontrolować dynamikę i kształtować ogólny charakter tonalny miksów, będziesz chciał użyć kompresji.

Kompresor służy do automatycznego wyrównywania głośności sygnału‍, zmniejszając go, gdy jest zbyt głośny i zwiększając, gdy jest zbyt cichy. Pod wieloma względami kompresor przypomina regulator głośności. Jednak w przeciwieństwie do tłumika głośności, kompresory mogą być również używane do dodawania emocji i kleju do miksu.

Aby zrozumieć, jak korzystać z kompresora, należy poznać jego interfejs. Oto niektóre z najczęstszych elementów sterujących, które można znaleźć na kompresorze i jak z nich korzystać:

• Próg: Aby określić, kiedy kompresor zacznie działać, musimy użyć progu. Próg jest ustawionym parametrem głośności, który włącza kompresor, gdy poziom dźwięku przepływającego przez niego przekracza ten ustawiony parametr głośności. Im niższy próg, tym bardziej skompresowany będzie dźwięk.
• Współczynnik: Współczynnik określa, jak bardzo kompresor zmniejsza głośność. Wyższy współczynnik powoduje bardziej agresywną kompresję. Na przykład współczynnik 2:1 oznacza, że na każde 2 dB wzrostu głośności sygnału powyżej progu, wyjdzie 1 dB. 2:1 to bardzo łagodny stosunek w porównaniu do 10:1.
• Atak: To, jak szybko kompresor włącza się i zaciska sygnał, jest określane przez Attack. Szybki czas ataku spowoduje zaciśnięcie początkowego transjentu, tworząc znacznie grubszy i kontrolowany dźwięk. Z drugiej strony, wolniejszy czas ataku pozwoli na przebicie się transjentów, dzięki czemu dźwięk będzie bardziej wyrazisty i ekscytujący.
• Zwolnienie: Czas potrzebny do wyłączenia sprężarki i powrotu do normalnej głośności jest kontrolowany przez zwolnienie.
• Kolano: Podobnie jak współczynnik, kolano określa, jak agresywnie będzie brzmiał kompresor. Aby uzyskać subtelną kompresję, można użyć miękkiego kolana (1,0). Aby uzyskać znacznie bardziej agresywną lub oczywistą kompresję, można użyć twardego kolana (0,0).
• Wzmocnienie sygnału: Ponieważ kompresory zmniejszają głośność sygnałów, musimy użyć wzmocnienia makijażu, aby je z powrotem zwiększyć, aby nie zakłócić początkowej równowagi.
  

Sposób korzystania z kompresora zależy całkowicie od instrumentu, który jest do niego podłączony. Aby jednak dać ci ogólne pojęcie o tym, jak możesz używać kompresora, oto kilka kroków do naśladowania:

• Krok 1: Ustaw proporcje. Dobrym miejscem do rozpoczęcia jest 3:1 lub 4:1 dla większości instrumentów.
• Krok 2: Zmniejsz próg, aż kompresja stanie się bardzo oczywista. Zazwyczaj należy zmniejszyć wzmocnienie o co najmniej 10 dB. Dostosujemy to później, ale wybranie niższego progu pozwoli ci lepiej usłyszeć inne ustawienia.
• Krok 3: Wybierz najwolniejsze możliwe ustawienie ataku i najszybsze możliwe ustawienie zwolnienia.
• Krok 4: Zmniejsz atak, aż usłyszysz, że kompresor zaczyna zaciskać się na transjentach. W momencie, gdy dźwięk zaczyna wydawać się zgnieciony lub pozbawiony życia, wycofaj atak.
• Krok 5: Zwiększaj poziom Release, aż kompresor zacznie "oddychać" wraz ze ścieżką. Kompresor będzie najprawdopodobniej wyposażony w igłę miernika VU. Chodzi o to, aby ta igła odbijała się w czasie wraz ze ścieżką. Jeśli cały czas się zaciska lub odbija się zbyt szybko, możesz uszkodzić rowek utworu.
• Krok 6: Zacznij zwiększać próg, aż uzyskasz odpowiednią kompresję. Pamiętaj, aby słuchać tego, co robi kompresor. Nie używaj oczu, aby zdecydować, kiedy wystarczy. Niezależnie od tego, czy potrzebujesz 10 dB kompresji dla pojedynczej ścieżki, aby była dobrze osadzona w miksie, czy 3 dB, nie ma to znaczenia, o ile brzmi dobrze.
• Krok 7: Jeśli potrzebujesz bardziej agresywnej kompresji, rozważ ustawienie wyższego współczynnika kompresji.
• Krok 8: Użyj pokrętła Makeup Gain lub Output Gain, aby przywrócić nowo skompresowany sygnał do normalnego poziomu.
  

Pierwszymi instrumentami, na których należy użyć kompresora, są te, które wymagają kontroli dynamiki. Zazwyczaj instrumenty na żywo, takie jak perkusja, bas i wokal, wymagają kompresorów, aby dobrze wypaść w miksie. Niektóre gatunki wykorzystują cięższe style kompresji, takie jak rap, rock i pop. Inne używają bardzo niewielkiej kompresji, jeśli w ogóle. Gatunki te obejmują muzykę klasyczną i jazz.

Jest to jedna z najtrudniejszych rzeczy w miksowaniu, do której trzeba się przyzwyczaić i z pewnością minie trochę czasu, zanim będziesz w stanie wyraźnie usłyszeć swoje ruchy. Ćwicz dalej i nie bój się odważnych ustawień, aby uzyskać dźwięk, którego szukasz.

Krok 4: EQ

EQ to skrót od "equalizer". Jako jedno z najważniejszych narzędzi w zestawie narzędzi do miksowania, możesz użyć korektora do kształtowania zawartości częstotliwości instrumentów, aby pasowały do siebie jak puzzle.

Używamy korektora do manipulowania pewnymi częściami widma częstotliwości. Spektrum ludzkiego słuchu rozciąga się od 20 Hz do 20 kHz (20 000 Hz). Niższe instrumenty znajdują się niżej w spektrum, takie jak kick i bas, podczas gdy wyższe instrumenty znajdują się wyżej w spektrum, takie jak talerze lub shakery.

Niektóre instrumenty zajmują znacznie większą część spektrum, takie jak pianina, wokale i syntezatory.

Podzielmy spektrum na sekcje i zdefiniujmy każdą z nich.

• Subbasy (20-60 Hz): Aby usłyszeć częstotliwości subbasowe, prawdopodobnie będziesz potrzebować subwoofera lub naprawdę mocnych słuchawek. Ludzie przeważnie czują te częstotliwości, zamiast je słyszeć. Uderzenie głębokiego bębna kopiącego lub trzęsący się bas w klubie jest wynikiem częstotliwości podrzędnych.
• Bas (60-200 Hz): Niskie instrumenty często znajdują się w tym zakresie częstotliwości, takie jak kopnięcia, basy i tomy. Jednak niskie tony męskich wokali i gitar mogą również znajdować się w tym miejscu.
• Niskie średnie (200-500 Hz): Niskie średnie nadają miksowi BEEF. Jednak zbyt duża ilość informacji w niskich średnich tonach może prowadzić do tego, co nazywamy " mulistym " miksem. Obszar ten często wymaga szczególnej uwagi, aby upewnić się, że nie ma zbyt dużego nagromadzenia częstotliwości z różnymi instrumentami.
• Tony średnie (500Hz-2kHz): Ludzie mają głęboki związek z tonami średnimi, ponieważ jest to obszar widma, który słyszymy najczęściej. Kiedy rozmawiasz z kimś przez telefon, jest to obszar widma częstotliwości, który słyszysz. W tym miejscu powinien znajdować się główny punkt utworu (wokal, solo gitarowe itp.) Zbyt wiele średnich częstotliwości może sprawić, że miks zacznie brzmieć ostro lub agresywnie.
• Wysokie tony średnie (2kHz-8kHz): Jeśli chodzi o klarowność, wysokie tony średnie mają kluczowe znaczenie. Można dodać obecności instrumentom za pomocą wysokich średnich tonów, choć mogą one również sprawić, że miks będzie szorstki, jeśli będą zbyt natarczywe.
• Wysokie tony (8kHz-20kHz): Słodkie, słodkie powietrze. Blask i połysk drogich miksów jest obecny w wysokich tonach.
  

Jak korzystać z EQ

Teraz, gdy rozumiesz już spektrum częstotliwości, możesz się zastanawiać,

Jak mogę to wykorzystać w moich miksach?

Korektory pozwalają zwiększać lub zmniejszać głośność tych różnych części spektrum częstotliwości. W ten sposób możemy zmienić brzmienie instrumentu i pomóc mu dopasować się do innych instrumentów.

Czy kopnięcie brzmi słabo w miksie?

Jeśli tak, można rozważyć podbicie subbasów lub częstotliwości basowych.

Czy te piłokształtne syntezatory brzmią nieco szorstko?

Jeśli tak, możesz rozważyć ściszenie wysokich tonów średnich.

Każda wtyczka EQ ma zazwyczaj te same parametry, co następna. Oto niektóre z najbardziej typowych parametrów EQ, które należy znać:

• Filtry: Korektory często wyposażone są w filtry górnoprzepustowe (HPF) i dolnoprzepustowe (LPF). Filtr górnoprzepustowy odcina tony niskie i przepuszcza tony wysokie, podczas gdy filtr dolnoprzepustowy odcina tony wysokie i przepuszcza tony niskie.
• Q: Wartość "Q" określa szerokość danego filtra. Szerszy Q wpływa na szerszy zakres widma częstotliwości.
• Częstotliwość: Za pomocą parametru Frequency (Częstotliwość) określa się obszar widma częstotliwości, na który ma się wpływ.
  

Istnieje wiele sposobów korzystania z korektora graficznego podczas miksowania, choć my lubimy skupiać się na trzech konkretnych zastosowaniach.

Prace konserwacyjne

Prace konserwacyjne mogą czasami stanowić część fazy przygotowawczej. Chodzi tutaj o usunięcie wszelkich "złych" elementów danego utworu audio. Zazwyczaj tymi "złymi" częściami są rezonanse, tryby lub szumy. Aby pozbyć się tych rezonansów w miksie, można użyć techniki "sweep and destroy". Zacznij od bardzo wąskiego Q i zwiększaj żądaną częstotliwość aż do samej góry.

Uważnie przeczesuj spektrum w poszukiwaniu rezonansów, które wyskakują z nagrania. Jeśli zauważysz rezonans, który jest obecny w całym utworze, może to być pomieszczenie, w którym został nagrany lub sam instrument. Jeśli zauważysz, że rezonans przeszkadza w odtwarzaniu dźwięku, wytnij go, obniżając punkt częstotliwości.

W przeciwnym razie możesz rozważyć pozostawienie go w spokoju, aby zachować naturalne nagranie. Nie ma nic złego w pozwalaniu na pojawienie się nieprzyjemnych rezonansów.

Podczas tych prac konserwacyjnych zazwyczaj używamy filtrów górnoprzepustowych i dolnoprzepustowych, aby pozbyć się wszelkich niepotrzebnych szumów i zakłóceń.

Zmień ton

Możemy również użyć EQ do zmiany brzmienia instrumentu. Zazwyczaj używamy szerszych podbić i cięć podczas procesów zmiany tonu, aby uzyskać bardziej "muzykalne" brzmienie.

Weźmy na przykład wokal.

Możemy chcieć pozbyć się pudełkowatości lub mulistości w niskich średnich tonach i podbić nieco wysokie średnie i wysokie tony, aby dodać powietrza i prezencji.

W przypadku gitary basowej możemy chcieć podbić tony niskie lub niskie-średnie, aby uzyskać nieco więcej mięsa, a jednocześnie wyciąć tony średnie lub wysokie-średnie, aby pozbyć się dudnienia lub dźwięku palców.

Wspólne układanie puzzli

Miksowanie dźwięku to układanka składająca się z wielu różnych elementów, które muszą do siebie pasować. Możemy wyrzeźbić pewne punkty spektrum w niektórych instrumentach, aby pomóc im lepiej pasować do innych.

Na przykład, możemy wyciąć niskie tony gitary elektrycznej, aby pomóc jej lepiej osadzić się na basie, który już ma kontrolę nad niskimi tonami. W ten sam sposób możemy przyciąć wysokie i średnie tony gitary akustycznej, aby pomóc wokalowi zdominować ten zakres.

Zanim wykonasz jakikolwiek ruch z EQ, będziesz chciał zadać sobie pytanie,

Jaki jest mój cel końcowy?

Tylko dlatego, że ktoś w Internecie powiedział ci, aby wzmocnić wokal przy 3 kHz, nie oznacza, że TWÓJ wokal skorzysta na wzmocnieniu przy 3 kHz.

Jeśli twój wokal brzmi tak, jakby potrzebował więcej obecności w miksie, możesz rozważyć wzmocnienie przy około 3 kHz. Wokal może jednak brzmieć tak, jakby potrzebował obecności, ponieważ przykrywa go inny instrument, który może skorzystać na obniżeniu częstotliwości o 3 kHz.

Możesz także rozważyć usunięcie niektórych niskich i średnich tonów z wokalu, aby stworzyć obecność, ponieważ mniej niskich tonów i błota pomoże bardziej wyróżnić częstotliwości "obecności".

Ważne jest, aby pamiętać, że można nawet zastosować korekcję dźwięku podczas procesu nagrywania, aby uzyskać dźwięk, którego szukasz.

Krok 5: Głębokość i szerokość

Aby stworzyć głębię i szerokość w miksie, należy użyć kombinacji efektów przestrzennych i panoramowania.

Zacznijmy od nadania naszemu miksowi trójwymiarowości za pomocą jednego z najbardziej podstawowych narzędzi DAW: pannerów.

Czym jest panoramowanie?

Panoramowanie to proces umieszczania instrumentu w określonych miejscach w polu stereo w lewym lub prawym głośniku. Korzystając z pokręteł panoramy w programie DAW, można utworzyć scenę dźwiękową, w której znajduje się każdy instrument.

Niektórzy inżynierowie używają metody LCR, utrzymując wszystkie instrumenty przesunięte w 100% w lewo, 100% w prawo lub całkowicie na środku. Jest to oldschoolowa metoda, która sprawdza się w przypadku wielu osób. Są też tacy, którzy stosują bardzo szczegółowe podejście, nadając każdemu instrumentowi w swoim miksie bardzo szczególne miejsce w spektrum stereo.

Najlepiej jest wyobrazić sobie swoje instrumenty na scenie i odpowiednio je ustawić. Na przykład, możesz zdecydować się na wyśrodkowanie wokalu, kopa, werbla i basu, aby utrzymać podkład. Gitary elektryczne stereo można następnie przesunąć o 100% w lewo i 100% w prawo. Klawiatury, perkusja lub inne dodatkowe instrumenty mogą wtedy znaleźć się w połowie odległości między lewą lub prawą stroną a środkiem.

Używanie pogłosu do tworzenia głębi

Teraz, gdy miks ma szerokość dzięki panoramowaniu, użyjesz pogłosu, aby stworzyć trójwymiarową głębię od przodu do tyłu.

Pomyśl o tym w ten sposób, muzycy zazwyczaj nie stoją w dwuwymiarowej linii prosto na scenie. Wokalista jest zwykle z przodu i na środku, gitary, bas i klawisze są przesunięte nieco bardziej do tyłu, a perkusja jest jeszcze bardziej z tyłu niż te instrumenty.

Aby stworzyć głębię, zaczniemy od użycia pogłosu.

Pogłos to niezwykle obszerny temat. Jeśli chcesz poznać więcej szczegółów, zapoznaj się z naszym szczegółowym przewodnikiem na temat pogłosu.

W swojej najbardziej podstawowej formie pogłos jest używany do umieszczania niektórych instrumentów w "pomieszczeniu".

Możesz użyć pogłosu, aby odsunąć instrumenty w miksie, sprawiając, że brzmią dalej, lub użyć pogłosu, aby kontrolować ogólny ton miksu.

Większe pogłosy, takie jak hale lub katedry, tworzą bardziej okazały dźwięk. Pogłosy te świetnie nadają się do klasycznych sekcji smyczkowych, wokali balladowych lub perkusji w stylu stadionowym.

Mniejsze pogłosy, takie jak pokoje lub komory, świetnie nadają się do uzyskania bardziej intymnego brzmienia. Pomyśl o gitarach akustycznych w stylu folkowym lub przestronnych fortepianach.

Chociaż łatwo jest stworzyć głębię za pomocą pogłosu, czasami może się wydawać, że efekt ten spycha dźwięk zbyt daleko w miksie. Na przykład, wokal może potrzebować trochę przestrzeni bez poczucia, że znajduje się za innymi ścieżkami.

W tym przypadku możemy chcieć użyć opóźnienia zamiast pogłosu.

Co to jest opóźnienie?

Chociaż delay może wydawać się bardzo podobny do pogłosu pod wieloma względami, jest to znacznie bardziej precyzyjne narzędzie. Zamiast słyszeć zlepek echa latającego tam i z powrotem po pomieszczeniu, tworząc pojedynczy, jednolity pogłos, delay tworzy powtarzanie nut, pozwalając usłyszeć indywidualne echa. Gdybyś krzyknął "cześć" do jaskini, prawdopodobnie usłyszałbyś to "cześć" jako echo wiele razy, zanim się rozproszy.

Chociaż istnieje nieskończenie wiele sposobów na wykorzystanie delaya, porozmawiajmy o najprostszej technice: slapback delay.

Slapback delay jest używany od lat 50-tych do tworzenia głębi bez spychania instrumentów zbyt daleko w miksie. Posłuchaj nagrań Elvisa Presleya z lat 50-tych, a prawdopodobnie usłyszysz slapback delay na jego głosie. Zazwyczaj można znaleźć ustawienia wstępne opóźnienia slapback we wtyczkach w programie DAW. Zacznij od nich i dostosuj parametry według własnego uznania.

Krok 6: Automatyzacja

W tym momencie najgłośniejsza sekcja utworu, którą zapętliłeś, prawdopodobnie brzmi całkiem nieźle.

Oczywiście nie każda sekcja utworu brzmi tak samo, co oznacza, że parametry ustawione dla tej sekcji mogą nie brzmieć dobrze dla innych.

W tym miejscu przydaje się automatyzacja.

Podczas miksowania używamy automatyzacji głośności, aby stworzyć poczucie spójności w całym utworze. Każdy program DAW wyposażony jest w kanały automatyzacji głośności, których można używać do zwiększania lub zmniejszania głośności określonego instrumentu lub magistrali w określonych częściach utworu.

Na przykład, kick może być rockowy w refrenie, ale brzmi zbyt głośno w zwrotkach. W takim przypadku można rozważyć jego ściszenie za pomocą automatyzacji głośności.

Możesz także użyć automatyzacji na swoich wtyczkach.

Na przykład, 10 dB kompresji, której używałeś na swoim wokalu, mogło brzmieć świetnie podczas refrenu, ale było zbyt mocno skompresowane podczas zwrotki. W takim przypadku można zautomatyzować próg kompresora, aby nie kompresował tak bardzo podczas zwrotek.

W innym przykładzie, gitara akustyczna mogła skorzystać z cięć niskich średnich podczas refrenu, ponieważ zakłócała inne ścieżki. Jednak zwrotki są znacznie rzadsze i wydają się słabe bez tych niskich średnich tonów.

W takim przypadku można zautomatyzować korektor tak, aby wycinał tylko niskie tony średnie podczas refrenów i pozostawiał je podczas zwrotek.

Możesz także użyć automatyzacji, aby zwiększyć zainteresowanie i przyciągnąć uwagę słuchacza. Możesz rozważyć podkręcenie ważnych słów w linii wokalnej, aby je zaakcentować lub ściszenie basu podczas wstępnego refrenu, aby móc go mocno przywrócić w refrenie.

Pod wieloma względami automatyzacja głośności jest tak samo częścią występu, jak instrumenty w miksie. Jako inżynier miksu możesz dodać dynamiki do miksu za pomocą automatyzacji głośności, która w przeciwnym razie byłaby płaska i pozbawiona życia.

Krok 7: Dodaj efekty

Tutaj możesz zacząć wykazywać się kreatywnością.

Każdy uwielbia eksperymentować z efektami. Nie ma lepszego sposobu na nadanie utworowi kreatywności, niż zastosowanie fajnych i różnorodnych efektów. Ponieważ istnieje tak wiele efektów, niemożliwe byłoby omówienie ich w jednym artykule. Poniżej znajduje się jednak mała lista efektów, które można rozważyć w niektórych częściach miksu:

• Chór
• Flanger
• Phaser
• Nasycenie
• Zniekształcenie
• Opóźnienia rzutów
• Vibrato
• Zmiana wysokości dźwięku
  

Jeśli chcesz uzyskać szczegółowe wyjaśnienie każdego z tych kreatywnych efektów i nie tylko, przejdź do naszego artykułu:

Wyjaśnienie efektów dźwiękowych

Krok 8: Finalizacja

Jesteś tak blisko, nie przestawaj!

W tym momencie miks brzmi już całkiem nieźle. Nadszedł czas, aby dokładnie przejrzeć go kilka razy i upewnić się, że wszystko jest w porządku, aby był gotowy do etapu masteringu.

Podczas procesu finalizacji można rozważyć wprowadzenie w ostatniej chwili poprawek korektora lub kompresji. Można również rozważyć ponowne zbalansowanie dźwięków lub zmianę głośności efektów.

Aby jak najlepiej wykorzystać proces finalizacji, zalecamy najpierw zrobić sobie przerwę. Jeśli możesz, spróbuj wrócić do tego kroku następnego dnia, aby mieć świeże uszy do pracy.

Wyciągnij ołówek i notatnik i przesłuchaj swój miks od przodu do tyłu kilka razy. Zanotuj wszystko, co usłyszysz, a co chciałbyś zmienić.

Podczas tego procesu odwołaj się do ścieżek referencyjnych, aby upewnić się, że zmierzasz we właściwym kierunku. Chociaż nie chcesz kopiować ścieżki referencyjnej, pomocne może być upewnienie się, że balans częstotliwości i głośności jest prawidłowy.

Jedną z moich ulubionych wtyczek do referencji profesjonalnych ścieżek jest Reference od Mastering the Mix.

Gdy uznasz, że Twój miks jest gotowy do odtwarzania, możesz go odrzucić lub wyeksportować w formacie WAV, aby słuchać go w różnych środowiskach, takich jak samochód, laptop, słuchawki AirPods itp.

Gdy uznasz, że utwór jest gotowy do masteringu, możesz rozważyć przesłanie go do eMastered w celu wykonania profesjonalnego masteringu.

Najczęściej zadawane pytania

Jaka jest najlepsza aplikacja do miksowania utworów?

Jeśli chodzi o miksowanie utworów, Djay Pro jest jedną z moich absolutnie ulubionych aplikacji. Aplikacja ta może być używana na systemach Android, iOS, Mac i Windows. Posiada ona nawet integrację ze Spotify!

Czy powinienem miksować własną muzykę?

Jeśli nie stać cię na zatrudnienie świetnego inżyniera miksu lub nie wierzysz, że ktoś inny może zmiksować twoją muzykę lepiej niż ty sam, to nie ma nic złego w próbowaniu miksowania własnej muzyki! Musisz jednak być w stanie odciąć się od emocjonalnych aspektów muzyki, aby podejmować jasne, techniczne decyzje.

Czy miksowanie utworów jest trudne?

Nauka miksowania utworów niekoniecznie jest trudna, ale wymaga sporo czasu, aby się do tego przyzwyczaić. Zalecamy poświęcenie czasu na oglądanie filmów na YouTube, czytanie blogów i dołączanie do grup online, aby dowiedzieć się więcej przed rozpoczęciem pracy. Miej plan na uwadze i zrozum narzędzia, które masz przed sobą, aby uczynić proces tak łatwym, jak to tylko możliwe.

Jak stać się lepszym w miksowaniu muzyki?

Podobnie jak w przypadku doskonalenia się w czymkolwiek, ćwiczenie jest najlepszym sposobem na poprawę miksowania muzyki. Wdrażaj techniki, których się uczysz, aż staną się drugą naturą. Miksuj różne rodzaje muzyki, oferując miksowanie utworów za darmo. Rób wszystko, co możesz, aby ćwiczyć miksowanie tak często, jak to możliwe, a z każdym miksem będziesz coraz lepszy.

Czy Garageband nadaje się do miksowania muzyki?

Choć Garageband niekoniecznie jest profesjonalnym programem DAW, posiada on całkiem niesamowite funkcje miksowania, biorąc pod uwagę fakt, że jest darmowy. Jeśli dopiero zaczynasz swoją przygodę z miksowaniem, Garageband to świetne miejsce na start.

Czy mastering może naprawić zły miks audio?

Mastering nie może naprawić złego miksu. Mastering to ostatni krok przed wydaniem, który ma na celu jedynie wypolerowanie i ulepszenie dobrego miksu. Inżynier masteringu zajmuje się utworami tylko na poziomie makro, co oznacza, że nie może rozdzielić całego utworu i manipulować złymi wyborami balansu głośności, zbyt dużą kompresją na niektórych ścieżkach lub dziwnymi efektami pogłosu.

Aby uzyskać najlepsze wyniki, należy uzyskać dobry balans, panoramowanie, korektor i wszystkie inne procesy przetwarzania na etapie miksowania.

Czego nie należy robić podczas mieszania?

Chociaż istnieje wiele rzeczy, których nigdy nie należy robić podczas procesu miksowania, oto pięć najważniejszych rzeczy, które widzimy, że początkujący robią zbyt często:

• Miksowanie instrumentów solo lub nie w kontekście miksu
• Nieużywanie ścieżek referencyjnych
• Miksowanie na bardzo głośnych poziomach
• Nadmierne przetwarzanie ścieżek
• Brak intencji związanych z przetwarzaniem ruchów
  

Jak sprawić, by miks brzmiał profesjonalnie?

Istnieje wiele rzeczy, które możesz zrobić, aby Twój własny miks brzmiał profesjonalnie, ale jeśli chodzi o nowoczesną muzykę, jest 7 rzeczy, które prawie zawsze powinieneś robić, aby uzyskać bardziej profesjonalne brzmienie. Zastosuj je w swoim miksie i obserwuj, jak błyszczy:

• Staging wzmocnienia: Upewnij się, że masz wystarczający zapas podczas miksowania.
• Wzmocnienia górnego pasma: Czy Twój miks brzmi płasko? A może tylko jeden utwór brzmi tak, jakby przydałoby mu się trochę miłości? Wypróbuj podbicie wysokich tonów w okolicach 10 kHz.
• Usuwanie rezonansu: Pozbądź się rezonansów pomieszczenia za pomocą techniki boost-and-sweep EQ.
• Pozbądź się sybilantów: Użyj de-essera, aby pozbyć się ostrego sybilantu w wokalu.
• Wykorzystaj automatyzację do kontrolowania dynamiki: Kompresja nie poradzi sobie sama z dynamiką. Aby upewnić się, że utwory są dobrze osadzone i spójne, należy użyć automatyzacji.
• Użyj nasycenia, aby dodać życia: Korzystając z wtyczek nasycających, takich jak magnetofony, możesz dodać do miksu unikalny, analogowy klimat, pomagając wypełnić serie harmoniczne i nadać utworom charakter.
• Wyczyść niskie tony: Zazwyczaj dobrym pomysłem jest zastosowanie high-passu dla każdego instrumentu, który nie potrzebuje dużo energii w niskich tonach, aby zrobić miejsce dla instrumentów, które jej potrzebują, takich jak kick i bas.
  

Ile kosztuje zmiksowanie utworu?

Niezależny inżynier miksowania prawdopodobnie pobierze opłatę w wysokości od 100 do 1000 USD za miks, podczas gdy profesjonalne studio może pobrać opłatę w wysokości 1500 USD lub więcej za miks.

Czy raperzy miksują własną muzykę?

Chociaż niewielu raperów miksuje własną muzykę, jest wielu raperów, którzy produkują własne bity. Niektórzy z najpopularniejszych raperów produkujących własne bity to:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, the Creator
• Eminem
• Logika
• Chief Keef
  

Jak sprawdzić, czy miks jest dobry?

Istnieje kilka charakterystycznych oznak, że miks jest dobry i ukończony, w tym:

• Każdy instrument w utworze jest wyraźnie słyszalny
• Wokale brzmią spójnie
• Miks brzmi spójnie i zrównoważenie
• Nie ma żadnych problemów technicznych, takich jak trzaski, kliknięcia lub hałas
• Mieszanka jest dynamiczna i interesująca
• Brzmi jak niektóre z twoich ulubionych piosenek
• Brzmi dobrze na różnych systemach dźwiękowych
  

Jak długo trwa miksowanie utworu?

W przypadku utworu z wieloma ścieżkami instrumentalnymi i wokalnymi, który wymaga złożonej edycji, przetwarzania i automatyzacji, miks może z łatwością zająć nawet osiem godzin lub więcej. Czas ten można skrócić, korzystając z szablonów miksów i posiadając ścieżkę referencyjną do ciągłego sprawdzania miksu.

Jak sprawić, by miks brzmiał wyraźniej?

Z mojego doświadczenia wynika, że istnieje kilka technik, które można zastosować w przypadku niemal każdego miksu, aby brzmiał on czyściej i wyraźniej. Techniki te obejmują:

• Filtrowanie górnoprzepustowe: Pozbywa się niepotrzebnych niskich tonów z instrumentów, które ich nie potrzebują, takich jak wokale, gitary, instrumenty klawiszowe itp.
• Używaj delaya zamiast pogłosu: Jeśli pogłos zajmuje zbyt dużo miejsca w miksie i sprawia, że brzmi on nieciekawie, możesz rozważyć zamianę go na delay.
• Sidechaining: Sidechaining to doskonały sposób na wydzielenie przestrzeni dla niektórych instrumentów, gdy grają one w tym samym czasie.
• Puzzle Piece EQ: Zdecyduj, gdzie każda z nagranych ścieżek będzie znajdować się w spektrum EQ i odpowiednio podbijaj i wycinaj częstotliwości, aby wszystko miało swoją własną przestrzeń bez nakładania się. Instrumenty o tej samej częstotliwości nie powinny sprawiać wrażenia nakładania się na siebie.
  

Miksowanie muzyki - jak sprawić, by własne utwory brzmiały świetnie?

Łatwo jest zgubić się w szczegółach miksowania, więc pamiętaj: chodzi o utwór. Spróbuj pomniejszyć i przypomnieć sobie o ogólnym brzmieniu, które chcesz uzyskać.

Dokąd zmierza ten utwór? Czy brzmi jak utwór referencyjny? Czy słyszysz dźwięki, które słyszysz w swojej głowie?

Ponownie, gorąco polecam korzystanie ze ścieżki referencyjnej podczas miksowania. Jest to coś w rodzaju mapy, której używasz, aby upewnić się, że jesteś na właściwej drodze do profesjonalnie brzmiącego utworu.

Ponadto miksowanie nie jest rzeczą szybką. W końcu może się okazać, że wracasz do wstępnego miksu, ponieważ nowy miks nie brzmi dobrze. Będziesz musiał wprowadzać drobne poprawki, odsłuchiwać, wprowadzać więcej poprawek, ponownie odsłuchiwać i wprowadzać jeszcze więcej poprawek. Wszystko to jest w porządku! To część procesu miksowania.

Pamiętaj tylko, że nie powinieneś się zniechęcać, jeśli tak wygląda twoja praca - to znak, że zmierzasz w kierunku świetnego miksu.

Gdy już poznasz wszystkie te "zasady miksowania" i poczujesz się z nimi komfortowo, złam je. Bądź kreatywny i eksperymentuj. Zaufaj swoim uszom, nawet jeśli to, co widzisz na ekranie jest niemodne. Używaj innych narzędzi do tworzenia własnych miksów.

Chodzi o to, aby uzyskać niesamowity miks, który jest kluczem do świetnego masteringu i utworu, który może się równać z każdym innym.

Udanego miksowania!