Nyckeln till en professionellt klingande låt är en bra mix. Den ger låten balans och dynamik och gör mastringsprocessen så mycket mer effektiv.

Men mixning kräver övning. Massor av övning. Om du precis har börjat kommer du att vara dålig på det. Men det är okej - du kommer inte att bli bättre förrän du först inser vad du behöver arbeta med.

För att du ska komma igång med din livslånga resa mot att förbättra dina mixningskunskaper har vi här en startguide för hur man mixar musik. Den är skräddarsydd för nybörjare, men jag tror att även medelgoda mixare kan lära sig av den.

Fortsätt läsa när vi förklarar hur man mixar musik.

Vad är ljudmixning?

Att mixa musik är precis vad det låter som - att blanda ihop ljud på ett sätt som får dem att låta bra. Genom att använda saker som EQ, kompression och nivåer kan du hjälpa de olika spåren i din låt att smälta samman, så att de inte täcker över varandra utan hjälper varandra att göra sitt.

Mixning är en del av den kreativa processen. Det är här du formar de ljud du har spelat in eller samplat till det du hör i ditt huvud. Det är därför det är så viktigt att du lär dig att mixa musik på egen hand.

När du är klar med mixningen renderar du flerspårsinspelningen till en WAV-fil (kallad "mixdown") så att den kan mastras.

Min poäng: mixning är en av de viktigaste aspekterna av en bra inspelning. Människor bygger sina karriärer helt och hållet på att veta hur man mixar.

Så för att ta itu med det här ämnet på rätt sätt ska vi gå in på detaljer (samtidigt som vi håller det så enkelt som möjligt).

Sätt upp din hemmastudio för att mixa musik

Det första du bör göra som nybörjarmixare är att ställa i ordning din hemmastudio ordentligt. Din studio bör vara en plats där du känner dig som mest kreativ, även om det är hemma i ditt sovrum. Det är nästan omöjligt att få till kvalitetsmixar utan viss utrustning, t.ex. mixerhögtalare (studiomonitorer), en bra dator eller laptop för att producera musik och en bra lyssningsmiljö.

Du vill också se till att ljudet i din studio är av hög kvalitet. När du sätter ihop din studio ska du kontrollera om det finns rumsresonans, reverb eller något annat som kan påverka mixningen.

Jag rekommenderar starkt att du akustikbehandlar din studio innan du mixar. Om du börjar mixa utan att behandla din studio kan det sluta med att du tar fel beslut i dina mixar längre fram.

Några studioutrustning som jag rekommenderar inkluderar:

• Stationär eller bärbar dator
• Studiomonitorer
• Externa hårddiskar (för lagring av stora ljudfiler)
• Mikrofon
• Hörlurar
  

Ljudmixning i din DAW‍

‍

För att kunna skapa rätt mix måste du använda en digital ljudarbetsstation (DAW) som kan göra det du behöver (EQ, komprimering, reverb, crossfading osv.). Och sedan måste du veta hur du använder din DAW på ett riktigt bra sätt, så att du kan använda den för att göra de här sakerna och fatta snabba mixningsbeslut.

Intimitet - det är ordet som kommer upp i minnet. Lär dig var allt finns i din DAW innan du ens trycker på inspelning.

Här är de viktigaste sakerna i din inspelningsprogramvara som du bör känna till - jag rekommenderar starkt att du lär dig kortkommandona för dessa:

- Var inspelningsknappen är placerad

- Där du ställer in BPM

- Så här expanderar du spåren och zoomar in

- Så här lägger du till ett nytt spår, både ljud och MIDI

- Ångra inspelning

- Skiva/klippa inspelat objekt

- Snap-To-Grid På/Av-val

- Kopiera/klistra in, särskilt kopiera och klistra in endast vissa delar av en låt

Det kommer att ta tid att lära sig dessa saker och fatta blandningsbeslut snabbt. Men det enda sättet att bekanta sig med det är att öva.

Om du inte är helt inställd på en DAW ännu, kolla in vår lista över de bästa DAW: erna, både betalda och gratis DAW:er innan du mixar .

Planera innan du mixar

Innan du börjar mixa bör alla dina spår ha rätt titel. Vissa människor gillar till och med att göra spår med liknande instrument i samma färg, andra (som jag) lägger helt enkelt dessa spår bredvid varandra.

Till exempel kan alla akustiska gitarrer arrangeras bredvid varandra. All sång kan vara grupperad. Och basen och trummorna är grannar. Detta gör att ditt arbetsflöde blir smidigare. När du mixar sången kan du börja med en mall för alla sångspår - och om de ligger tillsammans blir det mycket enklare att hoppa mellan dem.

Poängen är att du ska försöka hålla dig så organiserad som möjligt på det sätt du föredrar.

Det kan också vara bra att föreställa sig hur du vill att spåret ska låta innan du mixar det. Vill du att det ska låta rymdlikt eller mer personligt och mänskligt? Vilket instrument vill du ska vara med?

Finns det ett spår från en annan artist som du vill att det ska låta som? Om så är fallet bör du försöka mixa med ett referensspår. Det är en sak som drastiskt har hjälpt mina mixningskunskaper såväl som mina produktionskunskaper. Ta en professionellt mixad och mastrad låt från en artist du beundrar och släpp den i ditt DAW-projekt. Då kan du enkelt växla mellan den låten och din mix.

Du bör också bestämma dig för vad som ska vara huvudelementen i låten. När folk säger: "Jag gillar din låt som går...", vad sjunger eller nynnar de då? Är det takten? Melodin? En cool gitarrlick? Det är huvudelementet och det bör vara ditt fokus när du mixar.

De 8 stegen i mixning för nybörjare

Här är de 8 stegen för ljudmixning för nybörjare:

• Steg 1: Förbered din mix (redigering, nedtoning, förstärkning)
• Steg 2: Hitta en bra balans (hitta rätt volymbalans)
• Steg 3: Kompression (kontrolldynamik)
• Steg 4: EQ (skapa utrymme, framhäva bra delar, ta bort dåliga delar)
• Steg 5: Skapa djup och bredd (panorera och använd reverb/delay)
• Steg 6: Automatisering (Automatisera volym och annan bearbetning)
• Steg 7: Lägg till effekter (Chorus, Phaser, Flanger, Saturation, Distortion, etc.)
• Steg 8: Finalizing (finjustering och förberedelse för mastering)
  

Det är nu det blir roligt. Det är nu du börjar forma ditt ljud med hjälp av nivåer, panorering, bussning, EQ, kompression, reverb och delay.

Följ den här steg-för-steg-guiden för ljudmixning nedan för att få rätt mix för din låt.

Steg 1: Förberedelser

En av de bästa sakerna du kan göra när du påbörjar mixningsprocessen är att förbereda dig. Om du kan få alla spår i din session snyggt organiserade kommer du att ha en mycket enklare (och mycket snabbare) tid när det gäller att faktiskt mixa.

Sessioner kan vara ganska stora nuförtiden. Många sessioner har hundratals spår att hantera. Det är lätt att känna sig överväldigad när man stirrar på hundratals ljudspår utan riktning. Nästan alla DAW-program har en färgkodningsfunktion. Du bör färgkoda dina olika spår så att du lätt kan hitta dem när du scrollar.

Det första du bör göra efter det är att skicka liknande spår till bussar.

En buss, för den som inte vet det, är en enda utgång som du kan använda för att skicka flera enskilda spår till för att gruppera dem och bearbeta dem som en enda enhet. Du kan tänka på en buss som du skulle tänka på en stadsbuss. En stadsbuss plockar upp flera personer och transporterar dem till samma destination.

Du kan sedan använda plugins för att påverka alla dessa enskilda spår som går in i din buss tillsammans utan att behöva överbelasta din CPU med flera instanser av dessa plugins.

Tänk på det så här. I stället för att använda tio EQ:ar och kompressorer för att mixa var och en av dina bakgrundssångspår kan du bussa dem till en enda destination och EQ:a och komprimera dem tillsammans. Det är inte bara mer skonsamt för processorn, det hjälper också till att hålla ihop spåren så att de låter som om de vore en enhet. Du kan bussa ihop alla typer av spår, men du kanske ska börja med de mest uppenbara:

• Trummor
• Slagverk
• Bas
• Gitarr
• Nycklar
• FX
• Ledande sång
• Bakgrundssång
  

Du bör också färgkoda dessa bussar för att hålla dem organiserade.

Vad är crossfading inom musik?

Att skapa fades och crossfades är otroligt viktigt under förberedelseprocessen, eftersom det säkerställer att du inte hör några klick eller pops i den slutliga mixen. Crossfading är att skarva ihop två ljudklipp så att de övergår smidigt utan klick eller pop.

En fade, å andra sidan, är en enkel volymminskning som placeras i början eller slutet av ett ljudklipp för att snabbt introducera eller minska volymen på en signal så att den inte startar plötsligt och skapar hårda, övergående ljud som klick eller pop. Fades är vanligtvis mycket korta (cirka 10 ms), vilket innebär att du inte ens märker att de finns där. De är dock en viktig del av mixningsprocessen.

Gain Staging - Vad är det?

Gain staging handlar om att se till att dina spår har den optimala volymnivån så att de hamnar i plugins på den så kallade "sweet spot". Idén går tillbaka till tiden med analog utrustning, där ingenjörer var tvungna att spela in signaler på optimala nivåer så att de inte tillförde för mycket brus eller för mycket distorsion.

Eftersom de flesta av de verktyg vi använder på datorn idag är baserade på den gamla utrustningen är det viktigt att se till att ljudet är på rätt ställe. Dessutom vill vi inte ge digital distorsion till våra mixar, vilket kallas clipping.

Den bästa punkten är 0 dB VU.

För att förstärka scenen ordentligt kan du använda ett förstärkningsplugin från din DAW, placera det på varje spår och vrida upp eller ner volymen tills den är på 0 dB VU. Se till att göra detta på både de enskilda instrumentspåren och bussarna. Även om det verkar banalt kan det göra stor skillnad.

Steg 2: Få en bra balans

Volymen är det absolut viktigaste att tänka på i din mix. Faktum är att en volymfader är det mest kraftfulla verktyget när du börjar mixa. Om du inte kan få till rätt volymbalans kommer du aldrig att få den radiofärdiga låt du är ute efter. Innan du börjar lägga till effekter som EQ och kompressorer måste du skapa din grova volymbalans. Följ dessa steg för att göra det:

• Börja med den mest högljudda sektionen: Loopa den mest högljudda delen av ditt spår. På så sätt kan du göra det här avsnittet så högt det kan vara och så småningom flytta dig till de tystare avsnitten för att skapa kontrast.
• Gör dig redo med referenser: Hitta ett professionellt mixat och mastrat spår som du kan använda som referens. Lyssna på det innan du börjar mixa för att förbereda dina öron. Försök att lyssna på var vissa viktiga instrument sitter i mixen, t.ex. kick, snare, bas och sång.
• Börja med att ta in instrument: Börja med din viktigaste kanal och ta upp den till -5dB. Den ska inte klippa masterkanalen. Vilken kanal som är viktigast beror helt och hållet på låten. För en EDM-låt kan det vara kicktrumman. För en folkmusiklåt kan det vara en akustisk gitarr.
• Fortsätt att föra in instrument: Fortsätt att föra in instrumenten ett efter ett med volymreglagen, i den ordning de är viktiga, tills alla instrument har uppnått sina respektive volymer.
• Få din grova balans: När alla instrument är på plats kan du ägna minst 10 minuter åt att se till att balansen är korrekt. Om du behöver kan du ta en paus och återkomma till det så att du inte tappar perspektivet.
  

Under den här processen är det en bra idé att hålla en låg volym på dina studiomonitorer eller hörlurar. På så sätt blir dina rörelser mer exakta. Tumregeln är att hålla lyssningssystemet på "samtalsnivå", vilket innebär att du fortfarande kan föra ett samtal med vem som helst i rummet.

Kom också ihåg att kontrollera dina referensspår för att se till att dina beslut är logiska och att alla dina instrument sitter på rätt plats.

Steg 3: Komprimering

För att kontrollera dynamiken och forma den övergripande tonala karaktären i dina mixar, kommer du att vilja använda kompression.

En kompressor är till för att jämna ut volymen på en signal‍ automatiskt, genom att sänka den när den är för hög och höja den när den är för låg. På många sätt är en kompressor som en volymfader. Men till skillnad från en volymfader kan kompressorer också användas för att göra en mix mer spännande.

För att förstå hur man använder en kompressor måste man förstå gränssnittet. Här följer några av de vanligaste kontrollerna på en kompressor och hur du använder dem:

• Tröskelvärde: För att avgöra när kompressorn ska starta och börja arbeta måste vi använda tröskelvärdet. Tröskeln är en inställd volymparameter som slår på kompressorn när ljudnivån som går igenom den överskrider den inställda volymparametern. Ju lägre du sänker tröskeln, desto mer komprimerat blir ljudet.
• Förhållande: Förhållandet avgör hur mycket kompressorn minskar volymen. En högre ratio ger en mer aggressiv kompression. Ett förhållande på 2:1 innebär t.ex. att för varje 2 dB som volymen på en signal stiger över tröskeln, kommer 1 dB ut. 2:1 är ett mycket mjukt förhållande jämfört med 10:1.
• Attack: Hur snabbt en kompressor kopplar in sig och trycker ner signalen bestäms av attacktiden. En snabb attacktid klämmer åt den första transienten och skapar ett mycket tjockare och mer kontrollerat ljud. En långsammare attacktid låter å andra sidan transienten slå igenom, vilket gör ljudet mer slagkraftigt och spännande.
• Frigöring: Hur lång tid det tar för kompressorn att koppla ur och återgå till normal volym styrs av releasen.
• Knee: På samma sätt som ratio bestämmer knee hur aggressiv kompressorn ska låta. För subtil kompression kan du använda ett mjukt knä (1,0). För mycket mer aggressiv eller uppenbar kompression kan du använda ett hårt knä (0,0).
• Make-up-förstärkning: Eftersom kompressorer sänker volymen på signalerna måste vi använda makeup gain för att höja dem igen så att den ursprungliga balansen inte störs.
  

Hur du använder en kompressor beror helt på vilket instrument du matar in i den. Men för att ge dig en allmän uppfattning om hur du kan använda en kompressor följer här några steg:

• Steg 1: Ställ in ditt förhållande. Ett bra ställe att börja på är 3:1 eller 4:1 för de flesta instrument.
• Steg 2: Sänk tröskelvärdet tills kompressionen blir mycket tydlig. Vanligtvis vill du ha minst 10 dB förstärkningsreduktion. Vi kommer att justera detta senare, men om du väljer en lägre tröskel kan du höra dina andra inställningar bättre.
• Steg 3: Välj den långsammaste möjliga Attack-inställningen och den snabbaste möjliga Release-inställningen.
• Steg 4: Minska attack tills du hör att kompressorn börjar klämma åt transienterna. Så fort ljudet börjar kännas mosat eller livlöst, minskar du attacken.
• Steg 5: Öka din Release tills kompressorn "andas" med ditt spår. Din kompressor har troligen en VU-mätarnål. Tanken här är att du vill att den här nålen ska studsa tillbaka i takt med spåret. Om den klämmer åt hela tiden eller studsar tillbaka för snabbt kan du skada spårets groove.
• Steg 6: Börja höja tröskelvärdet tills du får den kompressionsgrad du söker. Kom ihåg att lyssna på vad kompressorn gör. Använd inte dina ögon för att avgöra när det är tillräckligt. Oavsett om du behöver 10 dB kompression för ett enskilt spår för att få det att sitta rätt i mixen eller 3 dB, spelar det ingen roll så länge det låter bra.
• Steg 7: Om du behöver en mer aggressiv kompression kan du överväga att justera din ratio till ett högre tal.
• Steg 8: Använd ratten Makeup Gain eller Output Gain för att återföra den nykomprimerade signalen till normal nivå.
  

De första instrumenten som du bör använda en kompressor på är de som behöver dynamisk kontroll. Vanligtvis kräver liveinstrument som trummor, bas och sång kompressorer för att sitta snyggt i en mix. Vissa genrer använder kraftigare kompression, t.ex. rap, rock och pop. Andra använder väldigt lite kompression, om ens någon alls. Till dessa genrer hör klassisk musik och jazz.

Det här är en av de svåraste sakerna att vänja sig vid inom mixning och det kommer definitivt att ta lite tid innan du kan höra dina rörelser tydligt. Fortsätt öva och var inte rädd för att vara djärv med dina inställningar för att få det ljud du letar efter.

Steg 4: EQ

EQ är en förkortning av "equalizer". Det är ett av de viktigaste verktygen i mixarens verktygsbälte och med en equalizer kan du forma frekvensinnehållet i dina instrument så att de passar ihop som ett pussel.

Vi använder en equalizer för att manipulera vissa delar av frekvensspektrumet. Spektrumet i den mänskliga hörseln går från 20 Hz till 20 kHz (20 000 Hz). Instrument med lägre frekvenser ligger lägre i spektrumet, t.ex. kick och bas, medan instrument med högre frekvenser ligger högre i spektrumet, t.ex. cymbaler eller shakers.

Vissa instrument tar upp mycket större delar av spektrumet, t.ex. pianon, sång och syntar.

Låt oss dela upp spektrumet i olika delar och definiera var och en av dem.

• Subbas (20-60 Hz): För att höra subbasfrekvenser behöver du troligen en subwoofer eller ett par riktigt starka hörlurar. Människor känner oftast dessa subfrekvenser snarare än hör dem. Dunkandet från en djup kickdrum eller den jordbävande basen på en klubb är ett resultat av subfrekvenser.
• Bas (60-200 Hz): Låga instrument ligger ofta i det här frekvensområdet, t.ex. kick, bas och toms. Men även den låga delen av manlig sång och gitarrer kan ligga här.
• Låga mellanregister (200-500Hz): De låga mellantonerna ger din mix BEEF. Men för mycket information i de låga mellantonerna kan leda till vad vi kallar en " lerig " mix. Det här området kräver ofta särskild uppmärksamhet för att se till att det inte blir för mycket frekvensuppbyggnad med olika instrument.
• Mellanregister (500Hz-2kHz): Människor har en djup relation till mellanregistret, eftersom det är den del av spektrumet som vi hör mest. När du pratar med någon i telefon är det här området av frekvensspektrumet du hör. Spårets huvudfokus bör ligga här (sång, gitarrsolo etc.). För många mellanregister och din mix kan börja låta hård eller aggressiv.
• Höga mellanregister (2kHz-8kHz): När det gäller klarhet är de höga mellantonerna avgörande. Du kan lägga till närvaro i instrument med de höga mellantonerna, men de kan också göra din mix hård om de är överdrivna.
• Höga frekvenser (8 kHz-20 kHz): Ljuv, ljuv luft. Glittret och skimret i en dyrt klingande mix lever i de höga tonerna.
  

Hur man använder EQ

Nu när du förstår frekvensspektrumet kanske du undrar vad som gäller,

Hur kan jag använda det i mina mixar?

Med EQ:s kan du höja eller sänka volymen för dessa olika delar av frekvensspektrumet. På så sätt kan vi ändra tonen i ett instrument och hjälpa det att passa ihop med andra instrument.

Låter din kick svag i din mix?

Om så är fallet kan du överväga att förstärka subbas- eller basfrekvenserna.

Låter de där sågtandssyntharna lite väl hårda?

Om så är fallet bör du överväga att sänka de höga mellantonerna.

Varje EQ-plugin har vanligtvis samma parametrar som nästa. Här är några av de mest typiska EQ-parametrarna som du behöver känna till:

• Filter: EQ:s levereras ofta med både högpassfilter (HPF) och lågpassfilter (LPF). Ett högpassfilter tar bort det låga ljudet och låter det höga ljudet passera, medan ett lågpassfilter tar bort det höga ljudet och låter det låga ljudet passera.
• Q: "Q" anger hur brett just ditt filter är. Ett bredare Q påverkar ett bredare område i frekvensspektrumet.
• Frekvens (Frequency): Med parametern Frequency bestämmer du vilken del av frekvensspektrumet du vill påverka.
  

Det finns många sätt att använda EQ vid mixning, men vi vill fokusera på tre specifika användningsområden.

Underhållsarbete

Underhållsarbete kan ibland vara en del av förberedelsefasen. Här handlar det om att ta bort alla "dåliga" delar av ett visst ljud. Vanligtvis är dessa "dåliga" delar resonanser, lägen eller brus. Du kan använda "sweep and destroy"-tekniken för att bli av med dessa resonanser i dina mixar. Börja med ett extremt smalt Q och öka den önskade frekvensen hela vägen upp.

Svep genom spektrumet och lyssna noga efter resonanser som sticker ut från din inspelning. Om du märker en resonans som är närvarande genom hela låten kan det vara rummet där den spelades in eller själva instrumentet. Om du märker att resonansen kommer i vägen för ljudet kan du klippa bort den genom att dra ner frekvenspunkten.

Annars kan du överväga att låta den vara ifred för att bibehålla den naturliga inspelningen. Det är inget fel med att låta otäcka resonanser komma fram.

Under detta underhållsarbete använder vi vanligtvis högpassfilter och lågpassfilter för att få bort allt onödigt brus eller fizz.

Ändra tonen

Vi kan också använda EQ för att ändra tonen i ett instrument. Vanligtvis använder du bredare boosts och cuts under tonförändringsprocessen för att få ett mer "musikaliskt" ljud.

Låt oss ta en sång till exempel.

Det kan vara bra att ta bort det boxiga eller muddriga i de låga mellanregistren och förstärka de höga mellanregistren och diskanten lite för att få mer luft och närvaro.

För en basgitarr kan det vara bra att förstärka lågbasen eller lågmellanregistret för att få lite mer kött på benen och sänka mellanregistret eller högmellanregistret för att bli av med fingerljudet.

Puzzla ihop mixen tillsammans

Ljudmixning är ett pussel med många olika bitar som måste passa ihop. Vi kan skära ut vissa delar av spektrumet i vissa instrument för att få dem att passa bättre ihop med andra.

Vi kan t.ex. kapa basen på en elgitarr för att den ska passa bättre ovanpå en bas, som redan har kontroll över basen. På samma sätt kan vi kapa de höga mellantonerna på en akustisk gitarr för att hjälpa sången att dominera det området.

Innan du någonsin gör något med EQ bör du fråga dig själv,

Vad är mitt slutmål?

Bara för att någon på nätet har sagt åt dig att boosta en sång vid 3 kHz betyder det inte att DIN sång kommer att dra nytta av en 3 kHz-boost.

Om din sång låter som om den behöver mer närvaro i mixen kan du överväga att förstärka den vid cirka 3 kHz. Men din sång kanske bara låter som om den behöver närvaro eftersom du har ett annat instrument som täcker upp det som kanske kan dra nytta av en 3 kHz-reduktion.

Du kan också överväga att ta bort en del lågmellanregister i din sång för att skapa närvaro, eftersom färre lågmellanregister och muddar gör att "närvaro"-frekvenserna framträder tydligare.

Det är viktigt att notera att du till och med kan använda EQ under inspelningsprocessen för att få det ljud du letar efter redan från början.

Steg 5: Djup och bredd

För att skapa djup och bredd i en mix måste du använda en kombination av rumsliga effekter och panorering.

Låt oss börja med att göra vår mix tredimensionell med hjälp av ett av DAW:ns mest grundläggande verktyg: panners.

Vad är panorering?

Panorering innebär att ett instrument placeras på vissa ställen i stereofältet i antingen vänster eller höger högtalare. Genom att använda panoreringsknapparna i din DAW kan du skapa en ljudbild där varje enskilt instrument sitter.

Vissa tekniker använder LCR-metoden, där alla instrument panoreras antingen 100 % till vänster, 100 % till höger eller helt i mitten. Det här är en gammaldags metod som fungerar för många människor. Det finns andra som använder en mycket detaljerad metod och ger varje instrument i sin mix ett mycket speciellt utrymme i stereospektrumet.

Det bästa är att föreställa sig instrumenten på en scen och panorera dem därefter. Du kan t.ex. välja att låta sång, kick, snare och bas vara panorerade i mitten för att hålla grunden. Du kan sedan panorera dina stereoelektriska gitarrer 100 % till vänster och 100 % till höger. Dina keyboards, slagverk eller andra instrument kan sedan placeras mitt emellan vänster eller höger och mitten.

Använda reverb för att skapa djup

Nu när mixen har fått bredd tack vare panoreringen ska du använda reverb för att skapa ett tredimensionellt djup framifrån och bakåt.

Tänk på det så här: musiker står vanligtvis inte på en tvådimensionell linje rakt över scenen. Sångaren står vanligtvis i mitten, gitarrerna, basen och tangenterna är placerade lite längre bak och trummorna är placerade ännu längre bak än dessa instrument.

För att skapa djup börjar vi med att använda reverb.

Reverb är ett otroligt tätt ämne. Om du vill ha mer information, här är vår djupgående guide om reverb.

I sin mest grundläggande form används reverb för att placera vissa instrument i ett "rum".

Du kan använda reverb för att trycka tillbaka instrument i en mix, så att de låter längre bort, eller använda reverb för att kontrollera den övergripande tonen i din mix.

Större reverbs, som hallar eller katedraler, skapar ett mer storslaget ljud. Dessa reverbs passar utmärkt för klassiska stråksektioner, balladsång eller trummor i stadionstil.

Mindre reverbs, som rum eller kammare, är utmärkta för ett mer intimt ljud. Tänk akustiska gitarrer i folklig stil eller rymliga pianon.

Även om det är lätt att skapa djup med reverb kan det ibland kännas som om effekten skjuter ett ljud alldeles för långt bak i mixen. En sång kan till exempel behöva lite utrymme utan att det känns som om den sitter bakom de andra spåren.

I det här fallet kanske vi vill använda delay i stället för reverb.

Vad är fördröjning?

Delay kan på många sätt likna reverb, men det är ett mycket mer precist verktyg. I stället för att höra ett virrvarr av ekon som flyger fram och tillbaka i ett rum och skapar en enda, enhetlig efterklang, skapar delay notrepetition, vilket gör att du kan höra enskilda ekon. Om du skulle ropa "Hej" in i en grotta skulle du sannolikt höra detta "Hej" som ett eko flera gånger innan det försvinner.

Det finns oändligt många sätt att använda Delay på, men låt oss prata om den enklaste tekniken: slapback delay.

Slapback delay har använts sedan 50-talet för att skapa djup utan att pressa instrumenten för långt bak i mixen. Lyssna på Elvis Presleys skivor från 50-talet och du kommer sannolikt att höra slapback-delay på hans röst. Du kan vanligtvis hitta förinställningar för slapback delay i plugins i din DAW. Börja där och justera parametrarna som du känner för.

Steg 6: Automatisering

Vid det här laget låter det mest högljudda avsnittet i din låt som du har loopat förmodligen ganska bra.

Naturligtvis låter inte alla delar av din låt likadant, vilket innebär att de parametrar du ställer in för den här delen kanske inte låter rätt för de andra.

Det är här automatisering kommer väl till pass.

Vid mixning använder vi volymautomation för att skapa en känsla av enhetlighet i hela låten. Varje DAW har kanaler för volymautomation som du kan använda för att höja eller sänka volymen på ett visst instrument eller en viss buss under vissa delar av låten.

Till exempel kan kicken vara rockig i refrängen, men den låter alldeles för hög i verserna. I så fall kan du överväga att sänka den med hjälp av volymautomation.

Du kan också använda automatisering på dina plugins.

Till exempel kan den 10 dB kompression som du använde på din sång ha låtit bra under refrängen, även om den låter överkomprimerad under versen. Om så är fallet kan du automatisera tröskeln på din kompressor så att den inte komprimerar lika mycket under versen.

Ett annat exempel är att din akustiska gitarr kanske skulle ha mått bra av att klippas ned i de låga mellanslagen under refrängen, eftersom den störde andra spår. Verserna är dock mycket glesare och känns lite svaga utan de låga mellantonerna.

I så fall kan du automatisera din EQ så att den bara tar bort de låga mellantonerna under refrängerna och låter dem vara kvar under verserna.

Du kan också använda automatisering för att skapa intresse och fånga lyssnarens uppmärksamhet. Du kan till exempel skruva upp viktiga ord i en sång för att framhäva dem eller sänka basen under pre-chorus så att du kan ta i ordentligt i refrängen.

På många sätt är volymautomation en lika stor del av framträdandet som instrumenten i mixen. Som mixtekniker kan du lägga till dynamik i en mix med hjälp av volymautomation som annars skulle kännas platt och livlös.

Steg 7: Lägg till effekter

Det är här du kan börja bli kreativ.

Alla älskar att experimentera med effekter. Det finns inget bättre sätt att ge din låt en kreativ kant än med coola och annorlunda effekter. Eftersom det finns så många effekter där ute skulle det vara omöjligt att gå in på dem i en enda artikel. Här är dock en liten lista på effekter som du kan överväga att använda i vissa delar av din mix:

• Kör
• Flanger
• Phaser
• Mättnad
• Distorsion
• Förseningar av kast
• Vibrato
• Pitch-växling
  

Om du vill ha en djupgående förklaring av var och en av dessa kreativa effekter och mer, gå över till vår artikel:

Förklaring av ljudeffekter

Steg 8: Slutförande

Du är så nära, sluta inte nu!

Vid det här laget låter din mix ganska bra. Det är dags att noggrant gå igenom den ett par gånger och se till att allt sitter som det ska så att den är redo för mastering.

Under finjusteringsprocessen kan du överväga att göra några sista minuten-justeringar av EQ eller kompression. Du kan också överväga att balansera om dina ljud eller ändra volymen på dina effekter.

För att få ut så mycket som möjligt av slutbearbetningsprocessen rekommenderar vi att du tar en paus först. Om du kan, försök att komma tillbaka till det här steget nästa dag så att du har en ny uppsättning öron att arbeta med.

Ta fram en penna och ett anteckningsblock och lyssna på din mix framifrån och bakifrån några gånger. Anteckna allt du hör som du skulle vilja ändra på.

Under den här processen kan du titta på dina referensspår för att se till att du är på väg i rätt riktning. Även om du inte vill kopiera ditt referensspår kan det vara till hjälp att se till att dina frekvens- och volymbalanser är på plats.

En av mina favoritplugins för att referera till professionella spår är Reference av Mastering the Mix.

När du känner att din mix är redo att rocka kan du studsa ut den eller exportera den i WAV-format för att lyssna på den i olika miljöer, t.ex. i bilen, på din bärbara dator, med dina AirPods osv.

När du känner att den är redo för mastering kan du överväga att ladda upp din låt till eMastered för professionell mastering.

Vanliga frågor

Vad är den bästa appen för att mixa låtar tillsammans?

När det gäller att mixa ihop låtar är Djay Pro en av mina absoluta favoritappar. Den här appen kan användas på Android, iOS, Mac och Windows. Den har till och med Spotify-integration!

Ska jag mixa min egen musik?

Om du inte har råd att anlita en bra mixningstekniker eller om du inte tror att någon annan kan mixa din musik bättre än du själv, så är det inget fel med att försöka mixa din egen musik! Men du måste också kunna frigöra dig från musikens känslomässiga aspekter för att kunna fatta tydliga, tekniska beslut.

Är det svårt att mixa en låt?

Att lära sig mixa en låt är inte nödvändigtvis svårt, men det tar en hel del tid att vänja sig vid det. Vi rekommenderar att du lägger lite tid på att titta på YouTube-videor, läsa bloggar och gå med i onlinegrupper för att lära dig mer innan du sätter igång. Ha en plan i åtanke och förstå de verktyg du har framför dig så att du kan göra processen så enkel som möjligt.

Hur blir du bättre på att mixa musik?

Precis som när man blir bättre på något annat är övning det bästa sättet att bli bättre på att mixa musik. Implementera de tekniker du lär dig tills de blir en självklarhet. Mixa olika typer av musik genom att erbjuda dig att mixa låtar gratis. Gör allt du kan för att öva på att mixa så mycket som möjligt så kommer du att bli bättre för varje mix.

Är Garageband bra för att mixa musik?

Även om Garageband inte nödvändigtvis är en professionell DAW, har den ganska otroliga mixfunktioner med tanke på att den är gratis. Om du precis har kommit igång i mixningsvärlden är Garageband ett bra ställe att börja på.

Kan mastring åtgärda en dålig ljudmix?

Mastering kan inte fixa en dålig mix. Mastering är det sista steget före utgivning som bara är till för att polera och förbättra en bra mix. En masteringstekniker hanterar bara låtar på makronivå, vilket innebär att de inte kan plocka isär hela låten och manipulera dåliga val av volymbalans, för mycket kompression på vissa spår eller skeva reverbeffekter.

Du måste få till en bra balans, panorering, EQ och all annan bearbetning under mixningsfasen för att få bästa resultat.

Vad ska du inte göra när du blandar?

Det finns många saker som du aldrig ska göra under mixningsprocessen, men här är de fem viktigaste sakerna som vi ser att nybörjare gör alldeles för ofta:

• Mixning av instrument i solo eller inte i samband med mixningen
• Använd inte referensspår
• Mixning vid mycket höga ljudnivåer
• Överbearbetning av spår
• Att inte ha intentioner med bearbetningsrörelser
  

Hur får du din mix att låta professionell?

Det finns många saker du kan göra för att få din egen mix att låta professionell, men när det gäller modern musik finns det 7 saker som du nästan alltid bör göra för att få ett mer professionellt ljud. Använd dessa i din mix och se hur den skiner:

• Staging av förstärkning: Se till att du har tillräckligt med utrymme när du mixar.
• Förstärkning av övre ändan: Låter din mix platt? Kanske bara ett spår låter som om det skulle behöva lite kärlek? Prova med en boost på hög nivå runt 10 kHz.
• Avlägsnande av resonans: Bli av med rumsresonanser med boost-and-sweep EQ-tekniken
• Bli av med sibilans: Använd en de-esser för att få bort den hårda sibilansen i din sång
• Använd automatisering för att kontrollera dynamiken: Komprimering kan inte hantera dynamik på egen hand. För att se till att dina spår sitter rätt och känns konsekventa bör du använda automatisering.
• Använd mättnad för att ge liv: Genom att använda mättnadsplugins, t.ex. bandmaskiner, kan du lägga till en unik, analog atmosfär i din mix, vilket hjälper till att fylla ut den harmoniska serien och ge karaktär åt dina spår.
• Rensa upp i det låga registret: Det är ofta en bra idé att high-passa alla instrument som inte behöver så mycket energi i det låga registret för att ge plats åt de instrument som behöver det, t.ex. kick och bas.
  

Hur mycket kostar det att mixa en låt?

En frilansande mixningstekniker kommer sannolikt att ta ut allt från $ 100 till $ 1,000 per mix, medan en professionell studio kan ta upp till $ 1,500 eller mer per mix.

Mixar rappare sin egen musik?

Även om det inte är många rappare som mixar sin egen musik, finns det gott om rappare som producerar sina egna beats. Några av de mest populära rapparna som producerar sina egna beats inkluderar:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, skaparen
• Eminem
• Logik
• Chief Keef
  

Hur vet du om din mix är bra?

Det finns några tecken på att din mix är bra och färdig, bland annat:

• Du kan höra varje instrument i spåret tydligt
• Sången låter konsekvent
• Mixen låter limmad och balanserad
• Det finns inga tekniska problem, t.ex. pop, klick eller brus
• Mixen är dynamisk och intressant
• Det låter i samma klass som några av dina favoritlåtar
• Det låter bra på olika ljudsystem
  

Hur lång tid tar det att mixa en låt?

För en låt med flera instrumentala och vokala spår som kräver komplex redigering, bearbetning och automatisering kan en mix lätt ta upp till åtta timmar eller mer. Du kan förkorta den här tiden genom att använda mixmallar och ha ett referensspår att kontinuerligt kontrollera din mix med.

Hur får jag min mix att låta klarare?

Enligt min erfarenhet finns det några tekniker som du kan använda med nästan vilken mix som helst för att få den att låta renare och tydligare. Dessa tekniker inkluderar:

• Högpassfiltrering: Ta bort onödig low-end i instrument som inte behöver det, t.ex. sång, gitarrer, keyboards osv.
• Använd delay istället för re verb: Om reverb tar upp för mycket plats i mixen och får den att låta slätstruken, kan du överväga att byta ut det mot ett delay istället.
• Sidechaining: Sidechaining är ett utmärkt sätt att skapa utrymme för vissa instrument när de spelar samtidigt.
• Puzzle Piece EQ: Bestäm var varje inspelat spår ska ligga i EQ-spektrumet och höj och sänk frekvenserna i enlighet med detta så att allt får sitt eget utrymme utan att överlappa varandra. Instrument med samma frekvensinnehåll ska inte kännas som om de överlappar varandra.
  

Mixa musik - få dina egna låtar att låta bra

Det är lätt att tappa bort sig i mixningens detaljer, så kom ihåg detta: allt handlar om låten. Försök att zooma ut och påminna dig själv om det övergripande ljud du vill ha.

Vart är det här spåret på väg? Låter det som ditt referensspår? Får du de ljud som du hör i ditt huvud?

Återigen rekommenderar jag starkt att du använder ett referensspår när du mixar. Det är ungefär som en karta som du använder för att se till att du är på rätt väg mot en professionellt klingande låt.

Mixning är inte heller en snabb sak. Du kan så småningom komma på dig själv med att gå tillbaka till din råmix eftersom din nya mix inte låter bra. Du kommer att hitta dig själv göra små justeringar, lyssna, göra fler justeringar, lyssna igen och göra ännu fler justeringar. Allt detta är okej! Det är en del av mixningsprocessen.

Du ska bara veta att du inte ska bli avskräckt om det här är ditt arbetsflöde - det är ett tecken på att du är på väg mot en bra mix.

När du har lärt dig alla dessa "mixregler" och känner dig bekväm med dem kan du bryta mot dem. Var kreativ och experimentera. Lita på dina öron, även om det du ser på skärmen är omodernt. Använd andra verktyg för att skapa mixar som är helt dina egna.

Hela poängen är att få till en fantastisk mix, vilket är nyckeln till en bra master och en låt som kan mäta sig med alla andra.

Trevlig mixning!