Der Schlüssel zu einem professionell klingenden Song ist ein guter Mix. Sie verleiht dem Song Ausgewogenheit und Dynamik und macht den Mastering-Prozess so viel effektiver.

Aber Mischen braucht Übung. Sehr viel Übung. Wenn du gerade erst anfängst, wirst du schlecht darin sein. Aber das ist in Ordnung - Sie werden erst besser, wenn Sie erkennen, woran Sie arbeiten müssen.

Damit Sie sich auf die lebenslange Reise begeben können, um Ihre Mixing-Fähigkeiten zu verbessern, finden Sie hier einen Leitfaden zum Abmischen von Musik. Er ist auf Neulinge zugeschnitten, aber ich glaube, dass auch fortgeschrittene Mixer daraus lernen können.

Lesen Sie weiter, und wir erklären Ihnen, wie man Musik abmischt.

Was ist Audioabmischung?

Das Abmischen von Musik ist genau das, wonach es sich anhört - das Zusammenmischen von Klängen in einer Weise, die sie angenehm klingen lässt. Durch den Einsatz von EQ, Kompression und Pegel können Sie die verschiedenen Spuren Ihres Songs so aufeinander abstimmen, dass sie sich nicht gegenseitig überdecken, sondern sich gegenseitig unterstützen.

Das Abmischen ist Teil des kreativen Prozesses. Hier formst du die aufgenommenen oder gesampelten Sounds zu dem, was du in deinem Kopf hörst. Deshalb ist es so wichtig, dass Sie lernen, wie Sie Musik selbst abmischen können.

Wenn Sie mit der Abmischung fertig sind, rendern Sie die Mehrspuraufnahme in eine WAV-Datei (den so genannten "Mixdown"), damit sie gemastert werden kann.

Ich will damit sagen, dass das Abmischen einer der wichtigsten Aspekte einer guten Aufnahme ist. Die Leute bauen ihre Karriere ausschließlich auf dem Wissen auf, wie man mischt.

Um dieses Thema richtig anzugehen, werden wir also ins Detail gehen (und es trotzdem so einfach wie möglich halten).

Einrichten eines Heimstudios zum Abmischen von Musik

Die richtige Einrichtung Ihres Heimstudios ist das Erste, was Sie als Anfänger am Mischpult tun sollten. Ihr Studio sollte ein Ort sein, an dem Sie sich am kreativsten fühlen, auch wenn es zu Hause in Ihrem Schlafzimmer ist. Es ist fast unmöglich, qualitativ hochwertige Abmischungen zu erstellen, wenn man nicht bestimmte Geräte wie Mischlautsprecher (Studiomonitore), einen anständigen Computer oder Laptop für die Musikproduktion und eine gute Abhörumgebung hat.

Sie sollten auch dafür sorgen, dass der Klang in Ihrem Studio von hoher Qualität ist. Achten Sie bei der Einrichtung Ihres Studios auf Raumresonanzen, Hall oder andere Faktoren, die Ihre Abmischung beeinträchtigen könnten.

Ich empfehle dringend, Ihr Studio vor dem Abmischen akustisch zu behandeln. Wenn Sie mit dem Abmischen beginnen, ohne Ihr Studio zu behandeln, könnten Sie später falsche Entscheidungen für Ihre Mischungen treffen.

Einige Studioausrüstungen, die ich sehr empfehle, sind:

• Schreibtisch oder Laptop
• Studio-Monitore
• Externe Festplatten (zum Speichern großer Audiodateien)
• Mikrofon
• Kopfhörer
  

Audio-Abmischung in Ihrer DAW‍

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Um den richtigen Mix zu erstellen, müssen Sie eine digitale Audio-Workstation (DAW) verwenden, die alles kann, was Sie brauchen (EQ, Kompression, Reverb, Überblendung usw.). Und dann muss man wissen, wie man die DAW wirklich gut bedienen kann, um diese Dinge zu tun und schnelle Mischentscheidungen zu treffen.

Intimität - das ist das Wort, das mir in den Sinn kommt. Lernen Sie, wo sich alles in Ihrer DAW befindet, noch bevor Sie auf Aufnahme drücken.

Hier sind die wichtigsten Funktionen Ihrer Aufnahmesoftware, mit denen Sie vertraut sein sollten - ich empfehle dringend, sich mit den Tastenkombinationen für diese Funktionen vertraut zu machen:

- Wo sich die Aufnahmetaste befindet

- Wo Sie die BPM einstellen

- So erweitern Sie die Spuren und zoomen hinein

- So fügen Sie eine neue Spur hinzu, sowohl Audio als auch MIDI

- Aufnahme rückgängig machen

- Aufgezeichnetes Element ausschneiden/schneiden

- Snap-To-Grid On/Off-Auswahl

- Kopieren/Einfügen, insbesondere Kopieren und Einfügen nur bestimmter Abschnitte eines Liedes

Es wird einige Zeit dauern, diese Dinge zu lernen und schnell Mischentscheidungen zu treffen. Aber der einzige Weg, sich damit vertraut zu machen, ist zu üben.

Wenn Sie sich noch nicht ganz auf eine DAW festgelegt haben, sehen Sie sich unsere Liste der besten DAWs an, sowohl kostenpflichtige als auch kostenlose DAWs, bevor Sie mischen.

Planen, bevor Sie mischen

Bevor Sie mit dem Abmischen beginnen, sollten Sie alle Ihre Spuren richtig betiteln. Manche Leute mögen es sogar, Tracks mit ähnlichen Instrumenten die gleiche Farbe zu geben, andere (wie ich) stellen diese Tracks einfach nebeneinander.

Zum Beispiel könnten alle akustischen Gitarren nebeneinander angeordnet werden. Alle Gesangsstimmen könnten gruppiert werden. Und der Bass und das Schlagzeug liegen nebeneinander. Dies ermöglicht einen reibungsloseren Arbeitsablauf. Wenn Sie den Gesang abmischen, können Sie mit einer Vorlage für alle Gesangsspuren beginnen - und wenn sie zusammen sind, ist es viel einfacher, zwischen ihnen zu wechseln.

Der Punkt ist, dass Sie versuchen sollten, so gut wie möglich organisiert zu bleiben, ganz gleich, welche Methode Sie bevorzugen.

Es kann auch hilfreich sein, sich vor dem Abmischen vorzustellen, wie der Track klingen soll. Möchten Sie, dass er spacig oder eher direkt und menschlich klingt? Welches Instrument möchten Sie einsetzen?

Gibt es einen Track eines anderen Künstlers, nach dem er klingen soll? Wenn ja, sollten Sie versuchen, mit einer Referenzspur zu mischen. Das hat meine Mixing-Fähigkeiten und meine Produktionsfähigkeiten erheblich verbessert. Nehmen Sie einen professionell abgemischten und gemasterten Song eines Künstlers, den Sie bewundern, und legen Sie ihn in Ihrem DAW-Projekt ab. Dann kannst du ganz einfach zwischen diesem Song und deinem Mix wechseln.

Sie sollten auch entscheiden, was die Hauptelemente des Liedes sein werden . Wenn die Leute sagen: "Ich mag deinen einen Song, der so geht...", was singen oder summen sie dann? Ist es der Beat? Die Melodie? Ein cooles Gitarren-Lick? Das ist das Hauptelement und sollte beim Abmischen im Mittelpunkt stehen.

T‍die 8 Schritte des Mischens für Anfänger

Hier sind die 8 Schritte des Audiomischens für Anfänger:

• Schritt 1: Bereiten Sie Ihren Mix vor (Bearbeitung, Überblendung, Gain Staging)
• Schritt 2: Für eine gute Balance sorgen (Lautstärkebalance richtig einstellen)
• Schritt 3: Kompression (Kontrolldynamik)
• Schritt 4: EQ (Raum schaffen, gute Teile betonen, schlechte Teile abschneiden)
• Schritt 5: Erzeugen von Tiefe und Breite (Pan und Reverb/Delay verwenden)
• Schritt 6: Automatisierung (Volumen- und andere Verarbeitung automatisieren)
• Schritt 7: Effekte hinzufügen (Chorus, Phaser, Flanger, Sättigung, Verzerrung usw.)
• Schritt 8: Finalisierung (Optimieren und Vorbereiten für das Mastering)
  

Jetzt wird es erst richtig spannend. Jetzt fangen Sie an, Ihren Sound mit Pegeln, Panning, Bussing, EQ, Kompression, Reverb und Delay zu gestalten.

Befolgen Sie diese Schritt-für-Schritt-Anleitung zum Abmischen von Audio, um den richtigen Mix für Ihren Song zu finden.

Schritt 1: Vorbereitung

Eines der besten Dinge, die Sie tun können, wenn Sie mit dem Abmischen von Musik beginnen, ist die Vorbereitung. Wenn Sie alle Tracks in Ihrer Session gut organisieren können, wird das Abmischen viel einfacher (und schneller) vonstatten gehen.

Sitzungen können heutzutage recht umfangreich sein. Viele Sitzungen haben Hunderte von Spuren zu bewältigen. Es ist leicht, sich überfordert zu fühlen, wenn man ohne Orientierung auf Hunderte von Audiospuren starrt. Fast jede DAW verfügt über eine Farbcodefunktion. Sie sollten Ihre verschiedenen Spuren farblich kennzeichnen, damit Sie sie beim Blättern leicht finden können.

Das erste, was Sie danach tun sollten, ist, ähnliche Spuren an Busse zu senden.

Ein Bus, für diejenigen, die es nicht wissen, ist ein einzelner Ausgang, an den Sie mehrere einzelne Spuren senden können, um sie zu gruppieren und als eine Einheit zu verarbeiten. Sie können sich einen Bus wie einen Stadtbus vorstellen. Ein Stadtbus nimmt mehrere Personen auf und bringt sie zum selben Ziel.

Sie können dann Plugins verwenden, um all diese einzelnen Spuren, die in Ihren Bus gehen, gemeinsam zu beeinflussen, ohne dass Sie Ihre CPU mit mehreren Instanzen dieser Plugins überlasten müssen.

Stellen Sie sich das einmal so vor. Anstatt zehn EQs und Kompressoren zu verwenden, um jede Ihrer Hintergrundgesangsspuren zu mischen, könnten Sie sie an ein einziges Ziel leiten und sie gemeinsam bearbeiten und komprimieren. Das entlastet nicht nur Ihre CPU, sondern sorgt auch dafür, dass Ihre Spuren wie aus einem Guss klingen. Sie können alle Arten von Spuren zusammenfassen, aber Sie sollten mit den offensichtlichen Spuren beginnen:

• Schlagzeug
• Schlagzeug
• Bass
• Gitarre
• Tasten
• FX
• Leadgesang
• Hintergrundgesang
  

Sie sollten diese Busse auch farblich kennzeichnen, damit sie übersichtlich bleiben.

Was ist Crossfading in der Musik?

Das Erstellen von Fades und Crossfades ist während der Vorbereitung unglaublich wichtig, da es sicherstellt, dass Sie in der endgültigen Mischung keine Knackser oder Knackser hören werden. Beim Crossfading werden zwei Audioclips so zusammengefügt, dass sie nahtlos ineinander übergehen, ohne dass es zu Klicks oder Knackser kommt.

Eine Überblendung hingegen ist eine einfache Lautstärkereduzierung, die ganz am Anfang oder Ende eines Audioclips platziert wird, um die Lautstärke eines Signals schnell einzuführen oder zu reduzieren, damit es nicht plötzlich beginnt und harte, vorübergehende Geräusche wie Klick- oder Knackgeräusche erzeugt. Überblendungen sind in der Regel sehr kurz (etwa 10 ms), so dass man sie nicht einmal bemerkt. Sie sind jedoch ein wesentlicher Bestandteil des Mischvorgangs.

Gain Staging - Was ist das?

Beim Gain Staging geht es darum, dass Ihre Spuren den optimalen Lautstärkepegel haben, damit sie am so genannten "Sweet Spot" in Plug-ins einlaufen. Die Idee stammt aus den Tagen der analogen Technik, als Ingenieure Signale mit optimalen Pegeln aufzeichnen mussten, damit sie nicht zu viel Rauschen oder zu viel Verzerrung verursachen.

Da die meisten der Tools, die wir heute am Computer verwenden, auf diesen alten Geräten basieren, müssen wir unbedingt sicherstellen, dass unser Audiomaterial am richtigen Ort ist. Außerdem wollen wir vermeiden, dass unsere Mischungen digital verzerrt werden, was als Clipping bezeichnet wird.

Der Sweet Spot liegt bei 0 dB VU.

Um die Bühne richtig zu verstärken, können Sie ein Gain-Plugin aus Ihrer DAW verwenden, das Sie auf jede Spur legen und die Lautstärke hoch- oder runterdrehen, bis sie bei 0 dB VU liegt. Stellen Sie sicher, dass Sie dies sowohl bei den einzelnen Instrumentenspuren als auch bei den Bussen tun. Obwohl es banal erscheint, kann es einen großen Unterschied machen.

Schritt 2: Eine gute Balance finden

Die Lautstärke ist bei weitem das Wichtigste, was Sie bei Ihrer Mischung beachten müssen. Tatsächlich ist ein Lautstärkeregler das mächtigste Werkzeug, wenn Sie mit dem Abmischen beginnen. Wenn Sie die Lautstärke nicht richtig ausbalancieren können, werden Sie nie den gewünschten radiotauglichen Song erhalten. Bevor Sie mit dem Hinzufügen von Effekten wie EQ und Kompressoren beginnen, müssen Sie Ihre grobe Lautstärkebalance erstellen. Führen Sie dazu die folgenden Schritte aus:

• Beginnen Sie mit dem lautesten Abschnitt: Schleifen Sie den lautesten Abschnitt Ihres Tracks. Auf diese Weise können Sie diesen Abschnitt so laut wie möglich machen und sich schließlich zu den leiseren Abschnitten vorarbeiten, um einen Kontrast zu schaffen.
• Bereiten Sie sich mit Referenzen vor: Suchen Sie sich einen professionell gemischten und gemasterten Track, den Sie als Referenz verwenden können. Hören Sie ihn an, bevor Sie mit dem Abmischen beginnen, um Ihre Ohren zu schärfen. Versuchen Sie zu hören, wo bestimmte wichtige Instrumente in der Mischung sitzen, einschließlich Kick, Snare, Bass und Gesang.
• Beginnen Sie mit dem Einspielen von Instrumenten: Beginnen Sie mit Ihrem wichtigsten Kanal und bringen Sie ihn auf -5 dB. Er sollte den Masterkanal nicht beschneiden. Ihr wichtigster Kanal hängt ganz vom Song ab. Bei einem EDM-Song könnte es die Kick Drum sein. Bei einem Folk-Song könnte es die akustische Gitarre sein.
• Fahren Sie mit dem Einspielen von Instrumenten fort: Fahren Sie in der Reihenfolge der Wichtigkeit fort, die Instrumente nacheinander mit den Lautstärkereglern einzublenden, bis sie alle auf ihrer jeweiligen Lautstärke sitzen.
• Ermitteln Sie Ihre grobe Balance: Sobald alle Instrumente eingebaut sind, vergewissern Sie sich mindestens 10 Minuten lang, dass Sie die richtige Balance gefunden haben. Machen Sie bei Bedarf eine Pause und kommen Sie zurück, damit Sie nicht den Überblick verlieren.
  

Während dieses Prozesses ist es eine gute Idee, Ihre Studiomonitore oder Kopfhörer auf eine geringe Lautstärke einzustellen. Auf diese Weise werden Ihre Bewegungen präziser. Als Faustregel gilt, dass Sie Ihr Abhörsystem auf "Gesprächslautstärke" einstellen sollten, d. h. Sie können sich noch mit jedem im Raum unterhalten.

Denken Sie auch daran, Ihre Referenzspuren immer wieder zu überprüfen, um sicherzustellen, dass Ihre Entscheidungen sinnvoll sind und alle Instrumente an der richtigen Stelle sitzen.

Schritt 3: Komprimierung

Um die Dynamik zu kontrollieren und den Klangcharakter Ihrer Mischungen zu formen, sollten Sie Kompression einsetzen.

Ein Kompressor ist dazu da, die Lautstärke eines Signals automatisch auszugleichen, indem er es leiser macht, wenn es zu laut ist, und es lauter macht, wenn es zu leise ist. In vielerlei Hinsicht ist ein Kompressor wie ein Lautstärkefader. Im Gegensatz zu einem Lautstärkeregler können Kompressoren jedoch auch verwendet werden, um einer Mischung Spannung und Klebstoff zu verleihen.

Um zu verstehen, wie man einen Kompressor benutzt, muss man die Schnittstelle verstehen. Hier finden Sie einige der häufigsten Bedienelemente eines Kompressors und ihre Verwendung:

• Schwellenwert: Um zu bestimmen, wann der Kompressor einsetzt und zu arbeiten beginnt, müssen wir den Schwellenwert verwenden. Der Schwellenwert ist ein eingestellter Lautstärkeparameter, der den Kompressor einschaltet, wenn der durch ihn laufende Audiopegel den eingestellten Lautstärkeparameter überschreitet. Je niedriger Sie den Schwellenwert einstellen, desto stärker wird Ihr Sound komprimiert.
• Übersetzungsverhältnis: Das Übersetzungsverhältnis bestimmt, wie stark der Kompressor das Volumen reduziert. Ein höheres Verhältnis bewirkt eine aggressivere Kompression. Ein Verhältnis von 2:1 bedeutet zum Beispiel, dass für jede 2 dB, die die Lautstärke eines Signals über den Schwellenwert ansteigt, 1 dB herauskommt. 2:1 ist ein sehr sanftes Verhältnis im Vergleich zu 10:1.
• Attack: Die Attack-Zeit bestimmt, wie schnell sich ein Kompressor einschaltet und das Signal unterdrückt. Eine schnelle Attack-Zeit unterdrückt den anfänglichen Einschwingvorgang und erzeugt einen viel dickeren und kontrollierten Sound. Eine langsamere Attack-Zeit hingegen lässt den Einschwingvorgang durchschlagen und macht den Sound druckvoller und aufregender.
• Freigabe: Wie lange es dauert, bis der Kompressor ausschaltet und zur normalen Lautstärke zurückkehrt, wird durch die Freigabe gesteuert.
• Knee: Ähnlich wie die Ratio bestimmt das Knee, wie aggressiv Ihr Kompressor klingt. Für eine subtile Kompression können Sie ein weiches Knee (1,0) verwenden. Für eine deutlich aggressivere oder offensichtliche Kompression können Sie ein hartes Knee (0,0) verwenden.
• Makeup-Gain: Da Kompressoren die Lautstärke von Signalen absenken, müssen wir sie mit Makeup Gain wieder anheben, um die ursprüngliche Balance nicht zu stören.
  

Die Art und Weise, wie Sie einen Kompressor verwenden, hängt ganz von dem Instrument ab, das Sie in den Kompressor einspeisen. Um Ihnen jedoch ein allgemeines Gefühl dafür zu vermitteln, wie Sie einen Kompressor verwenden können, finden Sie hier einige Schritte, die Sie beachten sollten:

• Schritt 1: Legen Sie das Verhältnis fest. Ein guter Ausgangspunkt ist 3:1 oder 4:1 für die meisten Instrumente.
• Schritt 2: Verringern Sie den Threshold, bis die Kompression deutlich zu hören ist. Normalerweise sollten Sie mindestens 10 dB Gain-Reduktion anstreben. Wir werden dies später anpassen, aber wenn Sie einen niedrigeren Threshold wählen, können Sie Ihre anderen Einstellungen besser hören.
• Schritt 3: Wählen Sie die langsamste Attack-Einstellung und die schnellstmögliche Release-Einstellung.
• Schritt 4: Verringern Sie den Attack-Wert, bis Sie hören, dass der Kompressor die Einschwingvorgänge eindämmt. In dem Moment, in dem sich der Sound gequetscht oder leblos anfühlt, nehmen Sie den Attack zurück.
• Schritt 5: Erhöhen Sie den Release-Wert, bis der Kompressor mit Ihrem Track "atmet". Ihr Kompressor wird höchstwahrscheinlich über eine VU-Meternadel verfügen. Die Nadel soll im Takt des Tracks zurückspringen. Wenn der Kompressor die ganze Zeit abbremst oder zu schnell zurückspringt, kann dies den Groove des Tracks beeinträchtigen.
• Schritt 6: Erhöhen Sie den Threshold, bis Sie die gewünschte Kompression erreicht haben. Achten Sie darauf, was der Kompressor macht. Verwenden Sie nicht Ihre Augen, um zu entscheiden, wann genug genug ist. Es spielt keine Rolle, ob Sie 10 dB Kompression für eine einzelne Spur benötigen, damit sie sich gut in Ihren Mix einfügt, oder 3 dB, solange sie gut klingt.
• Schritt 7: Wenn Sie eine aggressivere Verdichtung benötigen, sollten Sie das Verhältnis auf einen höheren Wert einstellen.
• Schritt 8: Verwenden Sie den Makeup Gain- oder Output Gain-Regler, um das neu komprimierte Signal wieder auf den normalen Pegel zu bringen.
  

Die ersten Instrumente, für die Sie einen Kompressor verwenden sollten, sind diejenigen, die eine dynamische Kontrolle benötigen. In der Regel benötigen Live-Instrumente wie Schlagzeug, Bass und Gesang einen Kompressor, damit sie sich gut in den Mix einfügen. Einige Genres wie Rap, Rock und Pop verwenden eine stärkere Kompression. Andere wiederum verwenden, wenn überhaupt, nur sehr wenig Kompression. Zu diesen Genres gehören Klassik und Jazz.

Dies ist eines der schwierigsten Dinge beim Abmischen, und es wird definitiv einige Zeit dauern, bis Sie in der Lage sind, Ihre Bewegungen deutlich zu hören. Üben Sie weiter und scheuen Sie sich nicht, mit Ihren Einstellungen etwas zu wagen, um den gewünschten Sound zu erzielen.

Schritt 4: EQ

EQ ist die Abkürzung für "Equalizer". Als eines der wichtigsten Werkzeuge in Ihrem Mixing-Werkzeuggürtel können Sie einen Equalizer verwenden, um den Frequenzinhalt Ihrer Instrumente so zu formen, dass sie wie ein Puzzle zusammenpassen.

Wir verwenden einen Equalizer, um bestimmte Teile des Frequenzspektrums zu manipulieren. Das Spektrum des menschlichen Gehörs reicht von 20Hz bis 20kHz (20.000Hz). Tiefer liegende Instrumente, wie Kick und Bass, liegen tiefer im Spektrum, während höhere Instrumente, wie Becken oder Shaker, höher im Spektrum liegen.

Einige Instrumente nehmen einen viel größeren Teil des Spektrums ein, z. B. Klaviere, Gesang und Synthesizer.

Unterteilen wir das Spektrum in verschiedene Abschnitte und definieren wir jeden von ihnen.

• Subbass (20-60Hz): Um die Subbass-Frequenzen zu hören, benötigen Sie wahrscheinlich einen Subwoofer oder einen wirklich starken Kopfhörer. Der Mensch fühlt diese Subfrequenzen eher, als dass er sie hört. Das Wummern einer tiefen Kick-Drum oder der erdbebenartige Bass in einem Club ist das Ergebnis von Subfrequenzen.
• Bass (60-200Hz): In diesem Frequenzbereich befinden sich häufig tiefe Instrumente, wie Kick, Bass und Toms. Aber auch die tiefen Töne von männlichen Stimmen und Gitarren können hier liegen.
• Tiefe Mitten (200-500Hz): Die tiefen Mitten verleihen Ihrer Mischung BEEF. Zu viele Informationen in den unteren Mitten können jedoch zu einem " matschigen " Mix führen. Dieser Bereich erfordert oft besondere Aufmerksamkeit, um sicherzustellen, dass es nicht zu viele Frequenzanhäufungen bei verschiedenen Instrumenten gibt.
• Mitten (500Hz-2kHz): Der Mensch hat eine enge Beziehung zu den Mitten, da dies der Bereich des Spektrums ist, den wir am meisten hören. Wenn Sie mit jemandem am Telefon sprechen, ist dies der Bereich des Frequenzspektrums, den Sie hören. Der Schwerpunkt des Tracks sollte hier liegen (Gesang, Gitarrensolo usw.). Zu viele Mitten können dazu führen, dass Ihr Mix harsch oder aggressiv klingt.
• Hohe Mitten (2kHz-8kHz): Wenn es um Klarheit geht, sind die hohen Mitten entscheidend. Mit den hohen Mitten können Sie den Instrumenten mehr Präsenz verleihen, aber sie können Ihre Mischung auch harsch machen, wenn sie zu dominant sind.
• Hohe Töne (8kHz-20kHz): Süße, süße Luft. Das Funkeln und Schimmern einer teuer klingenden Mischung lebt in den Höhen.
  

Wie man EQ verwendet

Jetzt, wo Sie das Frequenzspektrum kennen, fragen Sie sich vielleicht,

Wie kann ich sie in meinen Mixen einsetzen?

Mit EQs können Sie die Lautstärke dieser verschiedenen Teile des Frequenzspektrums erhöhen oder verringern. Auf diese Weise können wir den Klang eines Instruments verändern und dafür sorgen, dass es zu anderen Instrumenten passt.

Klingt dein Kick in deinem Mix schwach?

Wenn ja, könnten Sie die Subbass- oder Bassfrequenzen anheben.

Klingen die Sägezahnsynthesizer nicht etwas zu hart?

Wenn ja, sollten Sie die hohen Mitten herunterdrehen.

Jedes EQ-Plugin hat in der Regel die gleichen Parameter wie das nächste. Hier sind einige der typischen EQ-Parameter, die Sie kennen sollten:

• Filter: EQs sind oft mit Hochpassfiltern (HPF) und Tiefpassfiltern (LPF) ausgestattet. Ein Hochpassfilter schneidet die tiefen Frequenzen ab und lässt die hohen Frequenzen durch, während ein Tiefpassfilter die hohen Frequenzen abschneidet und die tiefen Frequenzen durchlässt.
• Q: Das "Q" gibt an, wie breit der jeweilige Filter ist. Ein breiteres Q wirkt sich auf einen größeren Bereich des Frequenzspektrums aus.
• Frequenz: Mit dem Parameter Frequenz legen Sie fest, auf welchen Bereich des Frequenzspektrums Sie Einfluss nehmen wollen.
  

Es gibt viele Möglichkeiten, den EQ beim Abmischen zu nutzen, wir konzentrieren uns jedoch auf drei spezielle Anwendungen.

Wartungsarbeiten

Wartungsarbeiten können manchmal Teil der Vorbereitungsphase sein. Dabei geht es darum, alle "schlechten" Teile eines bestimmten Audiomaterials zu entfernen. Bei diesen "schlechten" Teilen handelt es sich in der Regel um Resonanzen, Moden oder Rauschen. Sie können die "Sweep and Destroy"-Technik anwenden, um diese Resonanzen in Ihren Mischungen zu beseitigen. Beginnen Sie mit einem extrem schmalen Q und heben Sie die gewünschte Frequenz ganz nach oben an.

Gehen Sie das Spektrum sorgfältig durch und achten Sie auf Resonanzen, die aus Ihrer Aufnahme herausstechen. Wenn Sie eine Resonanz bemerken, die sich durch den gesamten Song zieht, könnte das am Aufnahmeraum oder am Instrument selbst liegen. Wenn Sie bemerken, dass diese Resonanz den Klang stört, können Sie sie abschwächen, indem Sie den Frequenzpunkt nach unten ziehen.

Andernfalls sollten Sie es lieber lassen, um die natürliche Aufnahme zu erhalten. Es ist nichts falsch daran, unangenehme Resonanzen durchscheinen zu lassen.

Bei diesen Wartungsarbeiten setzen wir in der Regel Hochpass- und Tiefpassfilter ein, um unnötiges Rauschen oder Zischen zu entfernen.

Den Ton ändern

Wir können den EQ auch verwenden, um den Klang eines Instruments zu verändern. In der Regel werden Sie bei der Klangveränderung stärkere Anhebungen und Absenkungen verwenden, um einen "musikalischeren" Klang zu erzielen.

Nehmen wir zum Beispiel eine Gesangsstimme.

Wir sollten die tiefen Mitten etwas entschärfen und die hohen Mitten und Höhen etwas anheben, um ihnen mehr Luft und Präsenz zu verleihen.

Bei einer Bassgitarre möchten wir vielleicht die Bässe oder die tiefen Mitten anheben, um etwas mehr Fleisch zu bekommen, während wir die Mitten oder die hohen Mitten absenken, um die Honkyness oder den Fingersound loszuwerden.

Den Mix gemeinsam puzzeln

Audio-Mixing ist ein Puzzle mit vielen verschiedenen Teilen, die zusammenpassen müssen. Wir können bestimmte Punkte des Spektrums in bestimmten Instrumenten herausarbeiten, damit sie besser zu anderen passen.

Wir könnten zum Beispiel die Tiefen einer E-Gitarre absenken, damit sie besser über einem Bass sitzt, der bereits die Kontrolle über die Tiefen hat. Auf die gleiche Weise könnten wir die hohen Mitten einer akustischen Gitarre absenken, damit der Gesang diesen Bereich dominiert.

Bevor Sie mit EQ etwas unternehmen, sollten Sie sich die Frage stellen,

Was ist mein Endziel?

Nur weil Ihnen jemand im Internet empfohlen hat, eine Stimme bei 3 kHz zu verstärken, bedeutet das nicht, dass Ihre Stimme von einer 3-kHz-Verstärkung profitiert.

Wenn Ihr Gesang so klingt, als bräuchte er mehr Präsenz in Ihrer Mischung, könnten Sie eine Anhebung bei etwa 3 kHz in Betracht ziehen. Es kann aber auch sein, dass Ihre Stimme nur deshalb so klingt, als bräuchte sie mehr Präsenz, weil sie von einem anderen Instrument überlagert wird, das vielleicht von einer 3-kHz-Absenkung profitieren könnte.

Sie könnten auch in Erwägung ziehen, einige tiefe Mitten in Ihrer Stimme zu entfernen, um Präsenz zu erzeugen, da weniger Bässe und Schlamm die "Präsenz"-Frequenzen besser zur Geltung bringen.

Es ist wichtig zu wissen, dass Sie auch während der Aufnahme EQs einsetzen können, um den gewünschten Klang zu erzielen.

Schritt 5: Tiefe und Breite

Um Tiefe und Breite in einer Mischung zu erzeugen, müssen Sie eine Kombination aus räumlichen Effekten und Panning verwenden.

Beginnen wir damit, unseren Mix mit einem der grundlegendsten Werkzeuge Ihrer DAW dreidimensional zu gestalten: den Pannern.

Was ist Panning?

Beim Panning wird ein Instrument an bestimmten Stellen im Stereofeld entweder im linken oder im rechten Lautsprecher platziert. Mit den Panoramareglern in Ihrer DAW können Sie eine Klangbühne erzeugen, auf der jedes einzelne Instrument sitzt.

Einige Tontechniker verwenden die LCR-Methode, bei der alle Instrumente entweder zu 100 % nach links, zu 100 % nach rechts oder vollständig in die Mitte verschoben werden. Dies ist eine Methode der alten Schule, die für viele Leute funktioniert. Andere verwenden einen sehr detaillierten Ansatz und geben jedem Instrument in ihrem Mix einen ganz bestimmten Platz im Stereospektrum.

Am besten stellen Sie sich Ihre Instrumente auf einer Bühne vor und schwenken sie entsprechend. Sie könnten zum Beispiel Gesang, Kick, Snare und Bass in die Mitte schwenken, um das Fundament zu halten. Dann können Sie Ihre Stereo-E-Gitarren zu 100 % nach links und zu 100 % nach rechts schwenken. Ihre Keyboards, Percussion oder andere zusätzliche Instrumente könnten dann in der Mitte zwischen links oder rechts und der Mitte platziert werden.

Mit Reverb Tiefe erzeugen

Nachdem Ihre Mischung durch das Panning an Breite gewonnen hat, verwenden Sie den Hall, um eine dreidimensionale Tiefe von vorne nach hinten zu erzeugen.

Man muss sich das so vorstellen: Musiker stehen normalerweise nicht auf einer zweidimensionalen Linie quer über die Bühne. Der Sänger steht in der Regel vorne und in der Mitte, die Gitarren, der Bass und die Tasten sind etwas weiter hinten platziert, und das Schlagzeug steht noch weiter hinten als diese Instrumente.

Um Tiefe zu erzeugen, beginnen wir mit dem Einsatz von Hall.

Nachhall ist ein unglaublich komplexes Thema. Wenn Sie mehr Details erfahren möchten, finden Sie hier unseren ausführlichen Leitfaden über Hall.

In seiner grundlegendsten Form wird der Hall verwendet, um bestimmte Instrumente in einen "Raum" zu versetzen.

Sie können den Hall verwenden, um Instrumente in einer Mischung zurückzudrängen, so dass sie weiter entfernt klingen, oder Sie können den Hall verwenden, um den Gesamtklang Ihrer Mischung zu steuern.

Größere Reverbs, wie z. B. Hallen oder Kathedralen, erzeugen einen grandiosen Klang. Diese Reverbs eignen sich hervorragend für klassische Streichersätze, Balladengesang oder Schlagzeug im Stadionstil.

Kleinere Hallräume, wie z. B. Zimmer oder Kammern, eignen sich hervorragend für einen intimeren Klang. Denken Sie an Akustikgitarren im Folk-Stil oder geräumige Klaviere.

Obwohl es einfach ist, mit Hall Tiefe zu erzeugen, kann es sich manchmal so anfühlen, als ob dieser Effekt einen Sound zu weit nach hinten in der Mischung schiebt. Eine Gesangsstimme zum Beispiel braucht etwas Platz, ohne dass es sich anfühlt, als stünde sie hinter den anderen Spuren.

In diesem Fall könnten wir statt des Halls eine Verzögerung verwenden.

Was ist Verzögerung?

Obwohl Delay dem Hall in vielerlei Hinsicht sehr ähnlich ist, ist es ein viel präziseres Werkzeug. Anstatt ein Durcheinander von Echos zu hören, die in einem Raum hin und her fliegen und einen einzigen, einheitlichen Nachhall erzeugen, erzeugt Delay eine Notenwiederholung, die es Ihnen ermöglicht, einzelne Echos zu hören. Wenn Sie "Hallo" in eine Höhle schreien würden, würden Sie dieses "Hallo" wahrscheinlich mehrmals als Echo hören, bevor es sich auflöst.

Es gibt zwar unendlich viele Möglichkeiten, Delay zu verwenden, aber lassen Sie uns über die einfachste Technik sprechen: Slapback Delay.

Slapback Delay wird seit den 50er Jahren verwendet, um Tiefe zu erzeugen, ohne dass Instrumente zu weit hinten im Mix stehen. Wenn Sie sich die Aufnahmen von Elvis Presley aus den 50er Jahren anhören, werden Sie wahrscheinlich Slapback Delay in seiner Stimme hören. In der Regel finden Sie Slapback-Delay-Voreinstellungen in den Plug-ins Ihrer DAW. Beginnen Sie dort und passen Sie die Parameter nach Belieben an.

Schritt 6: Automatisierung

Zu diesem Zeitpunkt klingt der lauteste Abschnitt Ihres Songs, den Sie geloopt haben, wahrscheinlich ziemlich gut.

Natürlich klingt nicht jeder Abschnitt Ihres Songs gleich, d. h. die Parameter, die Sie für diesen Abschnitt einstellen, klingen für die anderen möglicherweise nicht richtig.

Da kommt die Automatisierung gerade recht.

Beim Abmischen verwenden wir die Lautstärkeautomation, um ein Gefühl der Konsistenz in einem Song zu schaffen. Jede DAW verfügt über Kanäle für die Lautstärkeautomation, mit denen Sie die Lautstärke eines bestimmten Instruments oder Busses während bestimmter Teile des Songs erhöhen oder verringern können.

Zum Beispiel könnte die Kick im Refrain rocken, aber in den Strophen ist sie viel zu laut. In diesem Fall können Sie die Lautstärke mit der Lautstärkeautomation verringern.

Sie können die Automatisierung auch für Ihre Plugins nutzen.

Die 10 dB Kompression, die Sie auf Ihre Vocals angewendet haben, könnten zum Beispiel im Refrain gut klingen, während sie im Vers überkomprimiert sind. Wenn dies der Fall ist, können Sie den Schwellenwert Ihres Kompressors automatisieren, so dass er während der Strophe nicht so stark komprimiert.

Ein anderes Beispiel: Ihre Akustikgitarre hätte im Refrain von einer Reduzierung der tiefen Mitten profitiert, da sie andere Spuren störte. Die Strophen sind jedoch viel spärlicher und wirken ohne diese tiefen Mitten etwas schwach.

In diesem Fall könnten Sie Ihren EQ so automatisieren, dass er die tiefen Mitten nur während des Refrains herausschneidet und sie während der Strophen drin lässt.

Sie können die Automatisierung auch nutzen, um die Aufmerksamkeit des Hörers zu wecken und zu fesseln. Sie könnten wichtige Wörter in einer Gesangslinie lauter stellen, um sie zu betonen, oder die Bässe im Vorchor absenken, um sie im Refrain wieder stark anheben zu können.

In vielerlei Hinsicht ist die Lautstärkeautomation genauso Teil der Performance wie die Instrumente im Mix. Als Mischtechniker können Sie mit der Lautstärkeautomation einer Mischung Dynamik verleihen, die sonst flach und leblos wirken würde.

Schritt 7: Effekte hinzufügen

Hier können Sie anfangen, kreativ zu werden.

Jeder liebt es, mit Effekten zu experimentieren. Es gibt keine bessere Möglichkeit, einem Song eine kreative Note zu geben als mit coolen und unterschiedlichen Effekten. Da es so viele Effekte gibt, wäre es unmöglich, sie in einem einzigen Artikel zu behandeln. Hier ist jedoch eine kleine Liste von Effekten, die Sie in bestimmten Teilen Ihres Mixes verwenden könnten:

• Chorus
• Flanger
• Phaser
• Sättigung
• Verzerrung
• Wurfverzögerungen
• Vibrato
• Tonhöhenverschiebung
  

Wenn Sie eine ausführliche Erklärung dieser kreativen Effekte und mehr wünschen, lesen Sie unseren Artikel:

Audio-Effekte erklärt

Schritt 8: Fertigstellung

Du bist so nah dran, hör jetzt nicht auf!

Zu diesem Zeitpunkt klingt Ihr Mix schon ganz schön knallig. Jetzt ist es an der Zeit, ihn ein paar Mal sorgfältig durchzugehen und sicherzustellen, dass alles richtig sitzt, damit er für das Mastering bereit ist.

Während des Finalisierungsprozesses können Sie in letzter Minute noch Änderungen an der Klangregelung oder der Kompression vornehmen. Sie können auch Ihre Sounds neu ausbalancieren oder die Lautstärke Ihrer Effekte ändern.

Um das Beste aus dem Finalisierungsprozess herauszuholen, empfehlen wir, zunächst eine Pause einzulegen. Wenn Sie können, sollten Sie diesen Schritt am nächsten Tag wiederholen, damit Sie mit frischen Ohren arbeiten können.

Nehmen Sie einen Stift und einen Notizblock zur Hand und hören Sie sich Ihren Mix ein paar Mal von vorne bis hinten an. Machen Sie sich Notizen zu allem, was Sie hören und was Sie ändern möchten.

Beziehen Sie sich während dieses Prozesses auf Ihre Referenzspuren, um sicherzustellen, dass Sie in die richtige Richtung gehen. Sie sollten Ihre Referenzspur zwar nicht kopieren, aber es kann hilfreich sein, sicherzustellen, dass Ihre Frequenz- und Lautstärkebalance stimmt.

Eines meiner Lieblings-Plugins für die Referenzierung professioneller Spuren ist Reference von Mastering the Mix.

Sobald Sie das Gefühl haben, dass Ihr Mix fertig ist, können Sie ihn bouncen oder im WAV-Format exportieren, um ihn in verschiedenen Umgebungen anzuhören, z. B. in Ihrem Auto, auf Ihrem Laptop, Ihren AirPods usw.

Wenn Sie das Gefühl haben, dass Ihr Song reif für das Mastering ist, können Sie ihn für ein professionelles Mastering zu eMastered hochladen.

FAQs

Was ist die beste App zum Zusammenmischen von Songs?

Wenn es darum geht, Songs zusammenzumischen, ist Djay Pro eine meiner absoluten Lieblings-Apps. Diese App kann auf Android, iOS, Mac und Windows verwendet werden. Sie bietet sogar eine Spotify-Integration!

Sollte ich meine eigene Musik mischen?

Wenn Sie es sich nicht leisten können, einen guten Tontechniker zu engagieren, oder wenn Sie nicht glauben, dass jemand anderes Ihre Musik besser abmischen kann als Sie, dann ist es nicht verkehrt, wenn Sie versuchen, Ihre Musik selbst abzumischen! Allerdings müssen Sie auch in der Lage sein, sich von den emotionalen Aspekten der Musik zu lösen, um klare technische Entscheidungen zu treffen.

Ist es schwer, einen Song abzumischen?

Zu lernen, wie man einen Song abmischt, ist nicht unbedingt schwer, aber es braucht eine Menge Zeit, um sich daran zu gewöhnen. Wir empfehlen, einige Zeit damit zu verbringen, YouTube-Videos anzuschauen, Blogs zu lesen und Online-Gruppen beizutreten, um mehr zu lernen, bevor man sich in die Materie stürzt. Machen Sie sich einen Plan und machen Sie sich mit den Ihnen zur Verfügung stehenden Werkzeugen vertraut, damit Sie den Prozess so einfach wie möglich gestalten können.

Wie wird man besser beim Abmischen von Musik?

Wie bei allem, was man besser machen kann, ist Üben der beste Weg, um beim Abmischen von Musik besser zu werden. Wenden Sie die erlernten Techniken an, bis sie zur zweiten Natur werden. Mixen Sie verschiedene Arten von Musik, indem Sie anbieten, Songs kostenlos zu mixen. Tun Sie alles, was Sie können, um das Abmischen so oft wie möglich zu üben, und Sie werden mit jedem Mix besser werden.

Ist Garageband gut zum Abmischen von Musik?

Garageband ist zwar nicht unbedingt eine professionelle DAW, bietet aber angesichts der Tatsache, dass es kostenlos ist, ziemlich unglaubliche Mixing-Funktionen. Wenn Sie gerade erst in die Welt des Abmischens einsteigen, ist Garageband ein großartiger Ausgangspunkt.

Kann Mastering einen schlechten Audiomix verbessern?

Mastering kann eine schlechte Mischung nicht verbessern. Das Mastering ist der letzte Schritt vor der Veröffentlichung, der nur dazu dient, einen guten Mix zu polieren und zu verbessern. Ein Mastering-Ingenieur befasst sich nur mit Songs auf Makroebene, d. h. er kann nicht den gesamten Song auseinandernehmen und schlechte Lautstärkebalancen, zu starke Kompression auf bestimmten Spuren oder schräge Halleffekte korrigieren.

Um ein optimales Ergebnis zu erzielen, müssen die Balance, das Panning, der EQ und alle anderen Bearbeitungsschritte in der Mischphase stimmen.

Was sollten Sie beim Mischen nicht tun?

Es gibt zwar viele Dinge, die man beim Mischen nicht tun sollte, aber hier sind die fünf wichtigsten Dinge, die wir bei Anfängern viel zu oft beobachten:

• Abmischen von Instrumenten im Solo oder nicht im Kontext des Mixes
• Keine Referenzspuren verwenden
• Abmischen bei sehr lauten Pegeln
• Überbearbeitete Spuren
• Keine Absichten bei der Verarbeitung von Bewegungen haben
  

Wie können Sie dafür sorgen, dass Ihr Mix professionell klingt?

Es gibt viele Dinge, die Sie tun können, um Ihren eigenen Mix professionell klingen zu lassen, aber wenn es um moderne Musik geht, gibt es 7 Dinge, die Sie fast immer tun sollten, um einen professionelleren Sound zu erhalten. Setzen Sie diese in Ihrem Mix ein und sehen Sie zu, wie er glänzt:

• Gain Staging: Stellen Sie sicher, dass Sie beim Mischen genügend Headroom haben.
• Top-End-Boosts: Klingt Ihr Mix flach? Vielleicht klingt nur ein Track so, als könnte er etwas Liebe gebrauchen? Versuchen Sie es mit einer Anhebung der oberen Frequenzen um 10 kHz.
• Beseitigung von Resonanzen: Beseitigen Sie Raumresonanzen mit der Boost-and-Sweep-EQ-Technik
• Zischlaute beseitigen: Verwenden Sie einen De-Esser, um die Zischlaute in Ihrem Gesang zu beseitigen.
• Verwenden Sie Automatisierung zur Kontrolle der Dynamik: Die Kompression kann die Dynamik nicht allein bewältigen. Um sicherzustellen, dass Ihre Spuren richtig sitzen und sich konsistent anfühlen, sollten Sie die Automatisierung nutzen.
• Verwenden Sie Sättigung, um Leben hinzuzufügen: Durch die Verwendung von Sättigungs-Plug-ins, wie z. B. Bandmaschinen, können Sie Ihrem Mix einen einzigartigen, analogen Vibe verleihen, der dazu beiträgt, die harmonischen Reihen auszufüllen und Ihren Tracks Charakter zu verleihen.
• Entrümpeln Sie das Low End: In der Regel ist es eine gute Idee, alle Instrumente, die nicht viel Energie im unteren Bereich benötigen, mit einem Hochpass zu versehen, um Platz für die Instrumente zu schaffen, die diese Energie benötigen, wie Kick und Bass.
  

Wie viel kostet es, einen Song zu mischen?

Ein freiberuflicher Mischtechniker wird wahrscheinlich zwischen 100 und 1.000 Dollar pro Abmischung verlangen, während ein professionelles Studio bis zu 1.500 Dollar oder mehr pro Abmischung verlangen kann.

Mischen Rapper ihre eigene Musik?

Während nicht viele Rapper ihre eigene Musik mixen, gibt es viele Rapper, die ihre eigenen Beats produzieren. Einige der beliebtesten Rapper, die ihre eigenen Beats produzieren, sind:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, der Schöpfer
• Eminem
• Logik
• Chef Keef
  

Woher wissen Sie, ob Ihre Mischung gut ist?

Es gibt einige verräterische Anzeichen dafür, dass Ihre Mischung gut und fertig ist, z. B:

• Sie können jedes Instrument im Track deutlich hören
• Der Gesang klingt einheitlich
• Der Mix klingt geklebt und ausgewogen
• Es gibt keine technischen Probleme, wie z. B. Knackser, Klicks oder Rauschen
• Die Mischung ist dynamisch und interessant
• Es klingt genauso wie einige deiner Lieblingssongs
• Es klingt gut auf verschiedenen Soundsystemen
  

Wie lange dauert es, einen Song zu mischen?

Bei einem Song mit mehreren Instrumental- und Gesangsspuren, der komplexe Bearbeitungs-, Verarbeitungs- und Automatisierungsvorgänge erfordert, kann ein Mix leicht bis zu acht Stunden oder mehr dauern. Sie können diese Zeit verkürzen, indem Sie Mischvorlagen verwenden und eine Referenzspur haben, mit der Sie Ihre Mischung ständig überprüfen können.

Wie kann ich meinen Mix klarer machen?

Meiner Erfahrung nach gibt es ein paar Techniken, die man bei fast jedem Mix anwenden kann, um ihn sauberer und klarer klingen zu lassen. Diese Techniken umfassen:

• Hochpassfilterung: Beseitigen Sie alle unnötigen tiefen Frequenzen von Instrumenten, die dies nicht benötigen, wie z. B. Gesang, Gitarren, Keyboards usw.
• Verwenden Sie Delays anstelle von Reverb: Wenn Reverb zu viel Platz in Ihrem Mix einnimmt und ihn verwaschen klingen lässt, sollten Sie in Erwägung ziehen, ihn gegen ein Delay auszutauschen.
• Sidechaining: Sidechaining ist eine hervorragende Möglichkeit, bestimmten Instrumenten mehr Platz einzuräumen, wenn sie gleichzeitig gespielt werden.
• Puzzle Piece EQ: Entscheiden Sie, wo jede Ihrer aufgenommenen Spuren im EQ-Spektrum liegen soll, und heben Sie die Frequenzen entsprechend an oder senken Sie sie ab, damit alles seinen eigenen Platz hat, ohne sich zu überlappen. Instrumente mit demselben Frequenzinhalt sollten sich nicht überschneiden.
  

Musik abmischen - Damit Ihre eigenen Songs gut klingen

Beim Abmischen kann man sich leicht in den Details verlieren, also denken Sie daran: Es geht nur um den Song. Versuchen Sie, herauszuzoomen und sich an den gewünschten Gesamtsound zu erinnern.

Wohin führt dieser Track? Klingt er wie Ihr Referenztrack? Erhalten Sie die Klänge, die Sie in Ihrem Kopf hören?

Auch hier empfehle ich dringend, beim Abmischen eine Referenzspur zu verwenden. Sie ist eine Art Landkarte, mit der Sie sicherstellen können, dass Sie auf dem richtigen Weg zu einem professionell klingenden Song sind.

Außerdem geht es beim Abmischen nicht schnell. Es kann sein, dass Sie irgendwann zu Ihrer Rohmischung zurückkehren, weil Ihre neue Mischung nicht gut klingt. Sie werden sich dabei ertappen, wie Sie kleine Korrekturen vornehmen, zuhören, weitere Korrekturen vornehmen, wieder zuhören und noch mehr Korrekturen vornehmen. All das ist in Ordnung! Es ist Teil des Mischprozesses.

Lassen Sie sich nicht entmutigen, wenn dies Ihr Arbeitsablauf ist - das ist ein Zeichen dafür, dass Sie sich auf eine gute Mischung zubewegen.

Wenn Sie all diese "Mischregeln" gelernt haben und mit ihnen vertraut sind, brechen Sie sie. Seien Sie kreativ und experimentieren Sie. Vertrauen Sie auf Ihre Ohren, auch wenn das, was Sie auf dem Bildschirm sehen, unmodern ist. Verwenden Sie andere Tools, um Ihre ganz eigenen Mischungen zu erstellen.

Es geht darum, einen tollen Mix zu erhalten, der der Schlüssel zu einem großartigen Master und einem Song ist, der es mit jedem anderen aufnehmen kann.

Viel Spaß beim Mischen!