Su guía de inicio sobre cómo mezclar música

Su guía de inicio sobre cómo mezclar músicaSu guía de inicio sobre cómo mezclar música

La clave para que una canción suene profesional es una buena mezcla. Le da a la canción equilibrio, dinámica y hace que el proceso de masterización sea mucho más eficaz.

Pero mezclar requiere práctica. Mucha práctica. Si estás empezando, se te dará mal. Pero no pasa nada: no mejorarás hasta que te des cuenta de lo que tienes que trabajar.

Así que, para que empieces a mejorar tus habilidades de mezcla, aquí tienes una guía para empezar a mezclar música. Está pensada para los novatos, pero creo que incluso los mezcladores intermedios pueden aprender de ella.

Sigue leyendo mientras te explicamos los entresijos de cómo mezclar música.

¿Qué es la mezcla de audio?

Mezclar música es exactamente lo que parece: mezclar sonidos de forma que suenen bien. Utilizando elementos como la ecualización, la compresión y los niveles, puedes ayudar a que las distintas pistas de tu canción se fundan entre sí, para que no se tapen unas a otras, sino que se ayuden mutuamente a cumplir su función.

La mezcla forma parte del proceso creativo. Es el momento en el que das forma a los sonidos que has grabado o muestreado para convertirlos en lo que escuchas en tu cabeza. Por eso es tan importante que aprendas a mezclar música por tu cuenta.

Cuando terminas la mezcla, conviertes la grabación multipista en un archivo WAV (llamado "la mezcla") para poder masterizarla.

La mezcla es uno de los aspectos más importantes de una buena grabación . La gente construye su carrera enteramente sobre la base de saber mezclar.

Así que para abordar adecuadamente este tema, vamos a entrar en detalles (sin dejar de ser lo más sencillo posible).

Cómo montar un estudio casero para mezclar música

Lo primero que debes hacer como mezclador principiante es montar tu estudio en casa de forma adecuada. Tu estudio debe ser un lugar donde te sientas más creativo, aunque sea en tu casa, en tu dormitorio. Es casi imposible conseguir mezclas de calidad sin ciertas piezas de miedo, como altavoces de mezcla (monitores de estudio), un ordenador decente y un buen entorno de escucha.

También debes asegurarte de que el sonido de tu estudio sea de alta calidad. Cuando montes tu estudio, comprueba que no haya resonancias en la sala, reverberación o cualquier otra cosa que pueda afectar a la mezcla.

Recomiendo encarecidamente tratar acústicamente el estudio antes de mezclar. Si empiezas a mezclar sin tratar tu estudio, podrías acabar tomando decisiones equivocadas en tus mezclas más adelante.

Algunos equipos de estudio que recomiendo encarecidamente son:

  • Ordenador de sobremesa o portátil
  • Monitores de estudio
  • Discos duros externos (para almacenar archivos de audio de gran tamaño)
  • Micrófono
  • Auriculares

Mezcla de audio en tu DAW

cómo mezclar música

Para hacer la mezcla adecuada, tienes que utilizar una estación de trabajo de audio digital (DAW) que pueda hacer lo que necesitas (ecualización, compresión, reverberación, crossfading, etc.). Y luego tienes que saber utilizar tu DAW realmente bien, para usarla para hacer esas cosas y tomar decisiones de mezcla rápidas.

Intimidad: esa es la palabra que me viene a la mente. Aprende dónde está cada cosa en tu DAW antes de pulsar el botón de grabación.

Estas son las principales cosas de tu software de grabación con las que deberías estar familiarizado - te recomiendo encarecidamente que conozcas los atajos de teclado para ellas:

- Dónde está el botón de grabar

- Donde se establece el BPM

- Cómo ampliar las pistas y hacer zoom

- Cómo añadir una nueva pista, tanto de audio como de MIDI

- Deshacer la grabación

- Rebanar/cortar el elemento grabado

- Selección de encendido/apagado de Snap-To-Grid

- Copiar/pegar, en concreto, copiar y pegar sólo determinadas secciones de una canción

Llevará tiempo aprender estas cosas y tomar decisiones de mezcla rápidamente. Pero la única manera de familiarizarse es practicar.

Si todavía no te has decidido por una DAW, consulta nuestra lista de las mejores, tanto de pago como gratuitas, antes de mezclar .

Planificar antes de mezclar

mezcla de música

Antes de empezar a mezclar, todas las pistas deben estar tituladas correctamente . A algunas personas les gusta incluso hacer que las pistas con instrumentos similares tengan el mismo color, otras (como yo) simplemente ponen esas pistas una al lado de la otra.

Por ejemplo, todas las guitarras acústicas podrían estar dispuestas una al lado de la otra. Todas las voces podrían estar agrupadas. Y el bajo y la batería son vecinos. Esto permite que tu flujo de trabajo sea más fluido. Cuando mezclas las voces, puedes empezar con una plantilla para todas las pistas vocales, y si están juntas, será mucho más fácil saltar entre ellas.

La cuestión es que intentes mantenerte lo más organizado posible de la forma que prefieras.

También puede ayudarte imaginar cómo quieres que suene la pista antes de mezclarla. ¿Quieres que suene a espacio o a algo más humano? ¿Qué instrumento quieres que suene?

¿Hay alguna pista de otro artista a la que quieras que suene? Si es así, deberías intentar mezclar con una pista de referencia . Es una cosa que ha ayudado drásticamente a mis habilidades de mezcla, así como a mis habilidades de producción. Coge una canción mezclada y masterizada profesionalmente de un artista que admires y ponla en tu proyecto DAW. Así podrás cambiar fácilmente entre esa canción y tu mezcla.

Además, debes decidir cuáles serán los elementos principales de la canción. Cuando la gente dice: "Me gusta tu canción que va...", ¿qué es lo que cantan o tararean? ¿Es el ritmo? ¿La melodía? ¿Un buen ritmo de guitarra? Ese es el elemento principal y debe ser tu objetivo al mezclar.

Los 8 pasos de la mezcla para principiantes

Estos son los 8 pasos de la mezcla de audio para principiantes:

  • Paso 1: Preparar la mezcla (edición, desvanecimiento, escalonamiento de la ganancia)
  • Paso 2: Conseguir un buen equilibrio (Conseguir un buen equilibrio de volumen)
  • Paso 3: Compresión (dinámica de control)
  • Paso 4: EQ (crear espacio, acentuar las partes buenas, cortar las malas)
  • Paso 5: Creación de la profundidad y la anchura (Pan y Use Reverb/Delay)
  • Paso 6: Automatización (automatizar el volumen y otros procesos)
  • Paso 7: Añadir efectos (Chorus, Phaser, Flanger, Saturación, Distorsión, etc.)
  • Paso 8: Finalizar (ajustar y preparar para la masterización)


mezcla de audio

Ahora es cuando las cosas se ponen divertidas. Es cuando empiezas a dar forma a tu sonido utilizando niveles, panorámicas, buses, ecualización, compresión, reverberación y retardo.

Sigue esta guía de mezcla de audio paso a paso para conseguir la mezcla adecuada para tu canción.

Paso 1: Preparación

Una de las mejores cosas que puedes hacer al comenzar el proceso de mezcla de música es la preparación. Si consigues organizar bien todas las pistas de tu sesión, te resultará mucho más fácil (y rápido) realizar la mezcla.

Las sesiones pueden ser bastante grandes hoy en día. Muchas sesiones tienen cientos de pistas con las que lidiar. Es fácil sentirse abrumado cuando se miran cientos de pistas de audio sin dirección. Casi todos los DAW tienen una función de código de colores. Deberías codificar por colores tus distintas pistas para poder encontrarlas fácilmente al desplazarte.

Lo primero que debes hacer después es enviar pistas similares a los buses.

Un bus, para los que no lo sepan, es una única salida a la que puedes enviar varias pistas individuales para agruparlas y procesarlas como una unidad singular. Puedes pensar en un autobús como si fuera un autobús urbano. Un autobús urbano recoge a varias personas y las lleva al mismo destino.

A continuación, puedes utilizar plugins para afectar a todas estas pistas individuales que entran en tu bus de forma conjunta sin tener que sobrecargar tu CPU con múltiples instancias de estos plugins.

Piénsalo así. En lugar de utilizar diez ecualizadores y compresores para mezclar cada una de tus pistas vocales de fondo, podrías enviarlas por bus a un único destino y ecualizarlas y comprimirlas juntas. No sólo es más fácil para la CPU, sino que también ayuda a unir las pistas, haciéndolas sonar como si fueran una sola unidad. Puedes conectar en bus todo tipo de pistas, aunque deberías empezar por las más obvias:

  • Tambores
  • Percusión
  • Bajo
  • Guitarra
  • Claves
  • FX
  • Voz principal
  • Voces de fondo

También debes codificar por colores estos autobuses para mantenerlos organizados.

¿Qué es el crossfading en la música?

La creación de fundidos y fundidos cruzados es increíblemente importante durante el proceso de preparación, ya que garantiza que no se oirán clics ni chasquidos en la mezcla final. Los fundidos cruzados consisten en unir dos clips de audio para que la transición sea fluida y no se produzcan chasquidos ni saltos.

Un fundido, en cambio, es una simple reducción de volumen que se coloca al principio o al final de un clip de audio para introducir o reducir rápidamente el volumen de una señal, de modo que no se inicie repentinamente y se creen ruidos ásperos y transitorios como chasquidos o chasquidos. Los fundidos suelen ser muy breves (alrededor de 10 ms), lo que significa que ni siquiera te das cuenta de que están ahí. Sin embargo, son una parte integral del proceso de mezcla.

¿Qué es el Gain Staging?

El escalonamiento de la ganancia es el proceso de asegurarse de que tus pistas tienen el nivel de volumen óptimo para que entren en los plugins en el llamado "punto dulce". La idea se remonta a los días de los equipos analógicos, en los que los ingenieros tenían que grabar las señales a niveles óptimos para no introducir demasiado ruido o demasiada distorsión.

Dado que la mayoría de las herramientas que utilizamos hoy en día en el ordenador se basan en esos antiguos equipos, es crucial asegurarse de que nuestro audio está en el punto óptimo. Además, no queremos provocar distorsión digital en nuestras mezclas, lo que se conoce como clipping.

El punto dulce es 0 dB VU.

Para ganar correctamente la etapa, puedes utilizar un plugin de ganancia de tu DAW, colocándolo en cada pista y subiendo o bajando el volumen hasta que esté a 0 dB VU. Asegúrate de hacer esto tanto en las pistas de instrumentos individuales como en los buses. Aunque parece algo mundano, puede suponer una gran diferencia.

Paso 2: Conseguir un buen equilibrio

El volumen es, con mucho, lo más importante a tener en cuenta en tu mezcla. De hecho, un fader de volumen es la herramienta más poderosa cuando empiezas a mezclar. Si no consigues un equilibrio de volumen adecuado, nunca tendrás la canción lista para la radio que estás buscando. Antes de empezar a añadir efectos como el ecualizador y los compresores, tienes que crear tu balance de volumen aproximado. Sigue estos pasos para hacerlo:

  • Comienza con la sección más ruidosa: Haz un bucle en la sección más ruidosa de tu pista. De este modo, puedes hacer que esta sección sea la más ruidosa y, con el tiempo, pasar a las secciones más tranquilas para crear un contraste.
  • Prepárate con referencias: Encuentra una pista mezclada y masterizada por profesionales que puedas utilizar como referencia. Escúchala antes de empezar a mezclar para preparar tus oídos. Intenta escuchar dónde se encuentran ciertos instrumentos importantes en la mezcla, como el bombo, la caja, el bajo y las voces.
  • Comienza a introducir los instrumentos: Comienza con tu canal más importante y súbelo a -5dB. No debe sobrepasar el canal principal. Tu canal más importante dependerá totalmente de la canción. Para una canción EDM, puede ser el bombo. Para una canción folk, puede ser la guitarra acústica.
  • Continúe introduciendo los instrumentos: Siguiendo el orden de importancia, continúe introduciendo los instrumentos uno a uno con los faders de volumen hasta que todos estén a sus respectivos volúmenes.
  • Obtenga su equilibrio aproximado: Una vez colocados todos los instrumentos, dedica al menos 10 minutos a asegurarte de que el equilibrio es correcto. Si lo necesitas, tómate un descanso y vuelve a ello para no perder la perspectiva.

Durante este proceso, es una buena idea mantener los monitores del estudio o los auriculares a un volumen bajo. De este modo, tus movimientos serán más precisos. La regla general es mantener el sistema de escucha a un "nivel de conversación", es decir, que puedas mantener una conversación con cualquier persona de la sala.

Además, recuerda que debes seguir comprobando tus pistas de referencia para asegurarte de que tus decisiones tienen sentido y de que todos tus instrumentos están en el lugar correcto.

Paso 3: Compresión

Para controlar la dinámica y dar forma al carácter tonal general de tus mezclas, querrás utilizar la compresión.

Un compresor sirve para igualar el volumen de una señal de forma automática, bajándolo cuando es demasiado alto y subiéndolo cuando es demasiado bajo. En muchos sentidos, un compresor es como un regulador de volumen. Sin embargo, a diferencia de un regulador de volumen, los compresores también pueden utilizarse para añadir emoción y pegamento a una mezcla.

Para entender cómo se utiliza un compresor, hay que entender la interfaz. A continuación te presentamos algunos de los controles más comunes que encontrarás en un compresor y cómo utilizarlos:

  • Umbral: Para determinar cuándo el compresor se activará y comenzará a trabajar, debemos utilizar el Umbral. El umbral es un parámetro de volumen establecido que activa el compresor cuando el nivel de audio que pasa por él supera ese parámetro de volumen establecido. Cuanto más bajo sea el umbral, más comprimido estará el sonido.
  • Ratio: La relación determina cuánto reduce el volumen el compresor. Una relación más alta creará una compresión más agresiva. Una relación de 2:1, por ejemplo, significa que por cada 2dB que el volumen de una señal suba por encima del umbral, saldrá 1 dB. 2:1 es una relación muy suave comparada con 10:1.
  • Ataque: La rapidez con la que un compresor se activa y aprieta la señal viene determinada por el Ataque. Un tiempo de ataque rápido apretará el transitorio inicial, creando un sonido mucho más grueso y controlado. Un tiempo de ataque más lento, por el contrario, permitirá que el transitorio salte, haciendo que el sonido sea más punzante y emocionante.
  • Liberación: El tiempo que tarda el compresor en desconectarse y volver al volumen normal se controla con la liberación.
  • Knee : Al igual que el ratio, el knee determina la agresividad de tu compresor. Para una compresión sutil, puedes usar un knee suave (1.0). Para una compresión mucho más agresiva u obvia, puedes usar un knee duro (0.0).
  • Ganancia de compensación: Dado que los compresores bajan el volumen de las señales, debemos utilizar la ganancia de compensación para volver a subirlas y no romper nuestro equilibrio inicial.

La forma de utilizar un compresor depende por completo del instrumento que se alimente de él. Sin embargo, para que tengas una idea general de cómo puedes utilizar un compresor, aquí tienes unos cuantos pasos a seguir:

  • Paso 1: Establezca su relación. Un buen punto de partida es 3:1 o 4:1 para la mayoría de los instrumentos.
  • Paso 2: Reduzca el umbral hasta que la compresión sea muy evidente. Normalmente, querrás ir a por al menos 10dB de reducción de ganancia. Ajustaremos esto más tarde, pero marcar un umbral más bajo le permitirá escuchar mejor sus otros ajustes.
  • Paso 3: Marque el ajuste de ataque más lento posible y el ajuste de liberación más rápido posible.
  • Paso 4: Disminuye el ataque hasta que oigas que el compresor empieza a apretar los transitorios. En el momento en que el sonido empiece a sentirse aplastado o sin vida, reduzca el ataque.
  • Paso 5: Aumente su liberación hasta que el compresor "respire" con su pista. Lo más probable es que su compresor tenga una aguja de medición VU. La idea es que esta aguja rebote al ritmo de la pista. Si se aprieta todo el tiempo o rebota demasiado rápido, puedes dañar el groove de tu pista.
  • Paso 6: Comienza a aumentar el umbral hasta que consigas la cantidad de compresión que buscas. Recuerde que debe escuchar lo que hace el compresor. No uses tus ojos para decidir cuándo es suficiente. No importa si necesitas 10dB de compresión para una sola pista para que quede bien en tu mezcla o 3dB, siempre que suene bien.
  • Paso 7: Si necesita una compresión más agresiva, considere ajustar su relación a un número más alto.
  • Paso 8: Utilice el mando de ganancia de maquillaje o de salida para devolver la señal recién comprimida al nivel normal.

Los primeros instrumentos en los que deberías usar un compresor son los que necesitan control dinámico. Por lo general, los instrumentos en directo, como la batería, el bajo y las voces, necesitan compresores para que queden bien en la mezcla. Algunos géneros utilizan estilos de compresión más fuertes, como el rap, el rock y el pop. Otros utilizan muy poca compresión, o ninguna. Entre estos géneros se encuentran la música clásica y el jazz.

Esta es una de las cosas más difíciles de acostumbrar en las mezclas y definitivamente te llevará algún tiempo hasta que seas capaz de escuchar tus movimientos con claridad. Sigue practicando y no tengas miedo de atreverte con los ajustes para conseguir el sonido que buscas.

Paso 4: EQ

EQ es la abreviatura de "ecualizador". Como una de las herramientas más esenciales en su cinturón de herramientas de mezcla, puede utilizar un ecualizador para dar forma al contenido de frecuencia de sus instrumentos para que encajen como un rompecabezas.

Utilizamos un ecualizador para manipular ciertas porciones del espectro de frecuencias. El espectro en la audición humana va de 20Hz a 20kHz (20.000Hz). Los instrumentos más bajos se sitúan más abajo en el espectro, como los bombos y los bajos, mientras que los instrumentos más altos se sitúan más arriba en el espectro, como los platillos o los shakers.

Algunos instrumentos ocupan una parte mucho mayor del espectro, como los pianos, las voces y los sintetizadores.

Vamos a dividir el espectro en secciones y a definir cada una de ellas.

  • Subgraves (20-60Hz): Para escuchar las frecuencias subgraves, es probable que necesites un subwoofer o unos auriculares muy potentes. El ser humano siente estas subfrecuencias más que las oye. El golpe de un bombo profundo o los graves que hacen temblar una discoteca son el resultado de las subfrecuencias.
  • Bajos (60-200Hz): Los instrumentos bajos suelen situarse en esta gama de frecuencias, como el bombo, el bajo y los toms. Sin embargo, el extremo inferior de las voces masculinas y las guitarras también puede situarse aquí.
  • Medios bajos (200-500Hz): Los medios bajos aportan a la mezcla una gran cantidad de información. Sin embargo, demasiada información en los medios bajos puede dar lugar a lo que llamamos una mezcla "turbia". Esta zona suele requerir una atención especial para asegurarse de que no hay demasiada acumulación de frecuencias con los distintos instrumentos.
  • Medios (500Hz-2kHz): Los humanos tenemos una profunda relación con los medios, ya que es la zona del espectro que más escuchamos. Cuando hablas con alguien por teléfono, esta es la zona del espectro de frecuencias que escuchas. El foco principal de la pista debe vivir aquí (voz, solo de guitarra, etc.). Si hay demasiados medios, tu mezcla puede empezar a sonar áspera o agresiva.
  • Medios altos (2kHz-8kHz): Cuando se trata de claridad, los medios altos son cruciales. Puedes añadir presencia a los instrumentos con los medios altos, aunque también pueden hacer que tu mezcla sea dura si son excesivos.
  • Altos (8kHz-20kHz): Aire dulce, dulce. La chispa y el brillo de una mezcla de sonido caro viven en los agudos.

Cómo utilizar el ecualizador

Así que ahora que entiendes el espectro de frecuencias, puede que te preguntes,

¿Cómo lo pongo en práctica en mis mezclas?

Los ecualizadores permiten subir o bajar el volumen de estas diferentes partes del espectro de frecuencias. De este modo, podemos alterar el tono de un instrumento y ayudar a que encaje con otros instrumentos.

¿Suena débil tu patada en la mezcla?

Si es así, podría considerar la posibilidad de potenciar las frecuencias de subgraves o bajos.

¿Esos sintetizadores de dientes de sierra suenan un poco duros?

Si es así, podrías considerar bajar esos medios altos.

Cualquier plugin de ecualización suele tener los mismos parámetros que el siguiente. Estos son algunos de los parámetros de ecualización más típicos que debes conocer:

  • Filtros: Los ecualizadores suelen venir con filtros de paso alto (HPF) y paso bajo (LPF). Un filtro de paso alto cortará los graves y dejará pasar los agudos, mientras que un filtro de paso bajo cortará los agudos y dejará pasar los graves.
  • Q : El "Q" representa la amplitud de su filtro particular. Un Q más amplio afectará a un rango más amplio en el espectro de frecuencias.
  • Frecuencia: Con el parámetro Frecuencia se determina a qué zona del espectro de frecuencias se está afectando.

Hay muchas formas de utilizar el ecualizador al mezclar, aunque a nosotros nos gusta centrarnos en tres usos específicos.

Trabajos de mantenimiento

El trabajo de mantenimiento a veces puede formar parte de la fase de preparación. La idea es eliminar las partes "malas" de una pieza de audio concreta. Normalmente, estas partes "malas" son resonancias, modos o ruido. Puedes utilizar la técnica de "barrido y destrucción" para eliminar estas resonancias en tus mezclas. Comienza con un Q extremadamente estrecho y aumenta la frecuencia deseada hasta el final.

Recorre el espectro con atención en busca de resonancias que destaquen en la grabación. Si notas una resonancia que está presente a lo largo de toda la canción, puede ser la sala en la que se grabó o el propio instrumento. Si notas que esta resonancia se interpone en el sonido, córtala bajando el punto de frecuencia. De lo contrario, puedes considerar dejarla sola para mantener la naturalidad de la grabación. No hay nada malo en dejar que las resonancias desagradables salgan a la luz.

Durante este trabajo de mantenimiento, solemos utilizar filtros de paso alto y paso bajo para eliminar cualquier ruido o chispa innecesaria.

Cambiar el tono

También podemos utilizar la ecualización para cambiar el tono de un instrumento. Lo normal es utilizar aumentos y cortes más amplios durante los procesos de alteración del tono para conseguir un sonido más "musical".

Tomemos como ejemplo una voz.

Es posible que queramos deshacernos de cualquier aspecto de caja o de la confusión en los medios bajos y potenciar un poco los medios altos y los agudos para añadir aire y presencia.

En el caso de un bajo, es posible que queramos potenciar los graves o los medios bajos para obtener un poco más de carne y cortar los medios o los medios altos para eliminar el sonido de los dedos.

La mezcla de los rompecabezas

La mezcla de audio es un puzzle con muchas piezas diferentes que deben encajar. Podemos recortar ciertos puntos del espectro en determinados instrumentos para ayudarlos a encajar mejor con otros. Por ejemplo, podemos recortar los graves de una guitarra eléctrica para que se adapte mejor a un bajo, que ya controla los graves. Del mismo modo, podemos recortar los medios altos de una guitarra acústica para que las voces dominen ese rango.

Antes de hacer cualquier movimiento con EQ, querrás preguntarte,

¿Cuál es mi objetivo final?

El hecho de que alguien en Internet te haya dicho que debes aumentar una voz a 3kHz no significa que tu voz se beneficie de un aumento de 3kHz.

Si tu voz suena como si necesitara más presencia en tu mezcla, podrías considerar un refuerzo en torno a los 3kHz. Sin embargo, es posible que tu voz suene como si necesitara presencia porque tienes otro instrumento que la cubre y que tal vez podría beneficiarse de una reducción de 3kHz. También puedes considerar la posibilidad de eliminar algunos medios bajos en tu voz para crear presencia, ya que menos bajos y barro ayudarán a que las frecuencias de "presencia" destaquen más.

Es importante tener en cuenta que incluso puedes emplear la ecualización durante el proceso de grabación para conseguir el sonido que buscas desde el principio.

Paso 5: Profundidad y anchura

Para crear profundidad y amplitud en una mezcla, tendrás que utilizar una combinación de efectos espaciales y panorámicas.

Empecemos por hacer nuestra mezcla tridimensional utilizando una de las herramientas más básicas de tu DAW: los panners.

¿Qué es el paneo?

La panoramización es el proceso de colocar un instrumento en determinados lugares del campo estéreo, ya sea en el altavoz izquierdo o en el derecho. Utilizando los mandos de panoramización de tu DAW, puedes crear un escenario sonoro en el que se sitúe cada instrumento individual.

Algunos ingenieros utilizan el método LCR, que consiste en mantener todos los instrumentos panorámicos al 100% a la izquierda, al 100% a la derecha o completamente al centro. Este es un método de la vieja escuela que funciona para mucha gente. Hay otros que utilizan un enfoque muy detallado, dando a cada instrumento de su mezcla un espacio muy particular en el espectro estéreo.

Lo mejor es imaginarse los instrumentos en un escenario y panoramizarlos en consecuencia. Por ejemplo, puedes optar por mantener la voz, el bombo, la caja y el bajo en el centro para mantener la base. A continuación, puedes panoramizar tus guitarras eléctricas estéreo al 100% a la izquierda y al 100% a la derecha. Los teclados, la percusión o cualquier otro instrumento adicional podrían encajar en el punto medio entre la izquierda o la derecha y el centro.

Uso de la reverberación para crear profundidad

Ahora que su mezcla tiene amplitud gracias a la panoramización, utilizará la reverberación para crear profundidad tridimensional, de adelante hacia atrás.

Piénsalo así: los músicos no suelen situarse en una línea bidimensional en línea recta sobre el escenario. El cantante suele estar delante y en el centro, las guitarras, el bajo y las teclas están un poco más atrás, y la batería está aún más atrás que esos instrumentos.

Para crear profundidad, empezaremos por utilizar la reverberación.

La reverberación es un tema increíblemente denso. Si quieres una guía más detallada sobre la reverberación, considera consultar nuestro artículo:

Qué es la reverberación: Una guía de 10 pasos .

En su forma más básica, la reverberación se utiliza para poner ciertos instrumentos en una "habitación".

Puedes usar la reverberación para empujar los instrumentos hacia atrás en una mezcla, haciéndolos sonar más lejos, o usar la reverberación para controlar el tono general de tu mezcla.

Las reverberaciones más grandes, como las de salas, catedrales o cámaras, crean un sonido más grandioso. Estas reverberaciones son ideales para secciones de cuerdas clásicas, voces de baladas o baterías de estilo estadio.

Las reverberaciones más pequeñas, como las de salas o cámaras, son ideales para obtener un sonido más íntimo. Piensa en guitarras acústicas de estilo folk o pianos espaciosos.

Aunque es fácil crear profundidad con la reverberación, a veces puede parecer que este efecto empuja un sonido demasiado atrás en la mezcla. Una voz, por ejemplo, puede necesitar un poco de espacio sin que parezca que está detrás de las demás pistas.

En este caso, es posible que queramos utilizar el retardo en lugar de la reverberación.

¿Qué es el retraso?

Aunque el retardo puede parecer muy similar a la reverberación en muchos aspectos, es una herramienta mucho más precisa. En lugar de escuchar un revoltijo de ecos volando de un lado a otro de una habitación, creando una reverberación única y unificada, el retardo crea una repetición de notas, permitiéndole escuchar ecos individuales. Si gritaras "Hola" en una cueva, probablemente escucharías ese "Hola" como un eco varias veces antes de disiparse.

Aunque hay infinitas formas de utilizar el Delay, vamos a hablar de la técnica más sencilla: el slapback delay.

El retardo slapback se ha utilizado desde los años 50 para crear profundidad sin empujar los instrumentos demasiado atrás en la mezcla. Escuche los discos de Elvis Presley de los años 50 y probablemente oirá el retardo slapback en su voz. Normalmente puedes encontrar presets de slapback delay en los plugins de tu DAW. Empieza por ahí y ajusta los parámetros como creas conveniente.

Paso 6: Automatización

En este punto, esa sección más fuerte de tu canción que has estado repitiendo en bucle probablemente suene bastante bien.

Por supuesto, no todas las secciones de tu canción suenan igual, lo que significa que los parámetros que establezcas para esta sección podrían no sonar bien para las demás.

Aquí es donde la automatización resulta útil.

En las mezclas, utilizamos la automatización del volumen para crear una sensación de coherencia a lo largo de la canción. Todos los DAW incluyen canales de automatización de volumen, que puedes utilizar para subir o bajar el volumen de un instrumento o bus concreto durante partes específicas de la canción.

Por ejemplo, el bombo puede ser muy potente en el estribillo, pero suena demasiado alto en las estrofas. En este caso, puedes considerar la posibilidad de bajarlo mediante la automatización del volumen.

También puedes utilizar la automatización en tus plugins.

Por ejemplo, esos 10dB de compresión que estabas usando en tus voces pueden haber sonado muy bien durante el estribillo, pero han sonado sobrecomprimidos durante la estrofa. Si es así, puedes automatizar el umbral de tu compresor para que no comprima tanto durante la estrofa.

En otro ejemplo, tu guitarra acústica podría haberse beneficiado de los cortes de medios bajos durante el estribillo, ya que interfería con otras pistas. Sin embargo, las estrofas son mucho más escasas y parecen débiles sin esos medios bajos. En ese caso, puedes automatizar el ecualizador para que sólo corte los medios bajos durante los coros y los deje durante las estrofas.

También puedes utilizar la automatización para añadir interés y captar la atención del oyente. Puedes considerar la posibilidad de subir las palabras importantes de una línea vocal para acentuarlas o bajar los graves durante el preestribillo para poder recuperarlos con fuerza en el estribillo.

En muchos sentidos, la automatización del volumen es una parte tan importante de la actuación como los instrumentos en la mezcla. Como ingeniero de mezclas, puedes añadir dinamismo a una mezcla mediante la automatización del volumen que, de otro modo, resultaría plana y sin vida.

Paso 7: Añadir efectos

Aquí es donde puedes empezar a ser creativo.

A todo el mundo le gusta experimentar con los efectos. No hay mejor manera de darle a tu canción un toque creativo que con efectos geniales y diferentes. Dado que existen tantos efectos, sería imposible entrar en ellos en un solo artículo. Sin embargo, aquí tienes una pequeña lista de efectos que podrías considerar utilizar en ciertas partes de tu mezcla:

  • Coro
  • Flanger
  • Phaser
  • Saturación
  • Distorsión
  • Retrasos en los lanzamientos
  • Vibrato
  • Cambio de tono

Si quieres una explicación en profundidad de cada uno de estos efectos creativos y más, dirígete a nuestro artículo:

Explicación de los efectos de audio

Paso 8: Finalizar

Estás muy cerca, ¡no te detengas ahora!

En este punto, tu mezcla está sonando bastante bien. Es el momento de repasarla con cuidado un par de veces y asegurarte de que todo está bien asentado para que esté lista para la fase de masterización.

Durante el proceso de finalización, puedes considerar hacer algún ajuste de última hora en la ecualización o la compresión. También puedes pensar en reequilibrar los sonidos o modificar el volumen de los efectos.

Para aprovechar al máximo el proceso de finalización, te recomendamos que primero te tomes un descanso. Si puedes, intenta volver a este paso al día siguiente para tener un par de oídos frescos con los que trabajar.

Saca un lápiz y un bloc de notas y escucha tu mezcla de principio a fin varias veces. Toma nota de todo lo que oigas que quieras cambiar. Durante este proceso, consulta tus pistas de referencia para asegurarte de que vas en la dirección correcta. Aunque no quieras copiar tu pista de referencia, puede ser útil para asegurarte de que los balances de frecuencia y volumen están en su punto.

Uno de mis plugins favoritos para referenciar pistas profesionales es Reference de Mastering the Mix.

Una vez que sientas que tu mezcla está lista para rockear, puedes rebotarla o exportarla en formato WAV para escucharla en diferentes entornos, como tu coche, tu portátil, tus AirPods, etc.

Cuando sientas que está lista para la masterización, puedes considerar la posibilidad de subir tu canción a eMastered para una masterización profesional.


Preguntas frecuentes


¿Cuál es la mejor aplicación para mezclar canciones?

Cuando se trata de mezclar canciones, Djay Pro es una de mis aplicaciones favoritas. Esta aplicación se puede utilizar en Android, iOS, Mac y Windows. Incluso tiene integración con Spotify.

¿Debo mezclar mi propia música?

Si no puedes permitirte contratar a un gran ingeniero de mezclas o no crees que otra persona pueda mezclar tu música mejor que tú, no hay nada malo en intentar mezclar tu propia música. Sin embargo, también debes ser capaz de desprenderte de los aspectos emocionales de la música para tomar decisiones claras y técnicas.

¿Es difícil mezclar una canción?

Aprender a mezclar una canción no es necesariamente difícil, pero sí lleva mucho tiempo acostumbrarse. Te recomendamos que dediques algo de tiempo a ver vídeos de YouTube, leer blogs y unirte a grupos online para aprender más antes de lanzarte a ello. Ten un plan en mente y entiende las herramientas que tienes delante para que el proceso sea lo más fácil posible.

¿Cómo mejorar la mezcla de música?

Al igual que para mejorar en cualquier cosa, la práctica es la mejor manera de mejorar en la mezcla de música. Pon en práctica las técnicas que aprendas hasta que se conviertan en algo natural. Mezcla distintos tipos de música ofreciéndote a mezclar canciones gratis. Haz todo lo que puedas para practicar las mezclas lo máximo posible y mejorarás con cada mezcla.

¿Es Garageband bueno para mezclar música?

Aunque Garageband no es necesariamente un DAW profesional, tiene funciones de mezcla bastante increíbles teniendo en cuenta que es gratuito. Si te estás iniciando en el mundo de las mezclas, Garageband es un buen lugar para empezar.

¿Puede la masterización arreglar una mala mezcla de audio?

La masterización no puede arreglar una mala mezcla. La masterización es el último paso antes del lanzamiento y sólo sirve para pulir y mejorar una buena mezcla. Un ingeniero de masterización sólo se ocupa de las canciones a un nivel macro, lo que significa que no puede desmontar toda la canción y manipular las malas elecciones de balance de volumen, el exceso de compresión en ciertas pistas o los efectos de reverberación torcidos.

Para obtener los mejores resultados, hay que conseguir un buen equilibrio, panorámica, ecualización y todos los demás procesos durante la fase de mezcla.

¿Qué no se debe hacer al mezclar?

Aunque hay un montón de cosas que no deberías hacer nunca durante el proceso de mezcla, aquí están las cinco cosas más importantes que vemos que los principiantes hacen con demasiada frecuencia:

  • Mezcla de instrumentos en solitario o no en el contexto de la mezcla
  • No utilizar pistas de referencia
  • Mezcla a niveles muy altos
  • Pistas de sobreprocesamiento
  • No tener intenciones con los movimientos de procesamiento

¿Cómo hacer que tu mezcla suene profesional?

Hay muchas cosas que puedes hacer para que tu mezcla suene profesional, aunque cuando se trata de música moderna, hay 7 cosas que deberías hacer casi siempre para conseguir un sonido más profesional. Emplea estas cosas en tu mezcla y verás cómo brilla:

  • Escalonamiento de la ganancia: Asegúrate de que tienes suficiente espacio libre al mezclar.
  • Potenciadores de gama alta: ¿Tu mezcla suena plana? ¿Quizás una sola pista suena como si necesitara un poco de amor? Prueba con un refuerzo de agudos en torno a los 10 kHz.
  • Eliminación de resonancias: Elimina las resonancias de la sala con la técnica de ecualización de refuerzo y barrido
  • Deshazte de la sibilancia: Utiliza un de-esser para eliminar la sibilancia de tus voces.
  • Utilice la automatización para controlar la dinámica: La compresión no puede ocuparse solo de la dinámica. Para asegurarte de que tus pistas se asientan bien y se sienten consistentes, querrás usar la automatización.
  • Usa la saturación para añadir vida: Utilizando plugins de saturación, como los de las máquinas de cinta, puedes añadir un ambiente único y analógico a tu mezcla, ayudando a rellenar la serie armónica y a dar carácter a tus pistas.
  • Aclara los graves: Suele ser una buena idea pasar por alto cualquier instrumento que no necesite mucha energía en el extremo inferior para dejar espacio a los instrumentos que sí la necesitan, como el bombo y el bajo.

¿Cuánto cuesta mezclar una canción?

Un ingeniero de mezclas autónomo puede cobrar entre 100 y 1.000 dólares por mezcla, mientras que un estudio profesional puede cobrar hasta 1.500 dólares o más por mezcla.

¿Los raperos mezclan su propia música?

Aunque no son muchos los raperos que mezclan su propia música, hay muchos que producen sus propios ritmos. Algunos de los raperos más populares que producen sus propios ritmos son:

  • Kanye West
  • T-Pain
  • Tyler, el Creador
  • Eminem
  • Lógica
  • Jefe Keef

¿Cómo sabe si su mezcla es buena?

Hay algunos signos reveladores de que tu mezcla es buena y está terminada, entre ellos:

  • Se puede escuchar claramente cada instrumento de la pista
  • Las voces suenan consistentes
  • La mezcla suena pegada y equilibrada
  • No hay problemas técnicos, como chasquidos o ruidos.
  • La mezcla es dinámica e interesante
  • Suena a la par de algunas de tus canciones favoritas
  • Suena bien en diferentes sistemas de sonido

¿Cuánto tiempo se tarda en mezclar una canción?

En el caso de una canción con múltiples pistas instrumentales y vocales que requiera una edición, un procesamiento y una automatización complejos, una mezcla puede llevar fácilmente hasta ocho horas o más. Puedes acortar este tiempo utilizando plantillas de mezcla y teniendo una pista de referencia con la que comprobar continuamente tu mezcla.

¿Cómo puedo hacer que mi mezcla suene más clara?

Según mi experiencia, hay algunas técnicas que se pueden emplear con casi cualquier mezcla para que suene más limpia y clara. Estas técnicas incluyen:


  • Filtrado de paso alto: Elimina los bajos innecesarios en instrumentos que no lo necesitan, como voces, guitarras, teclados, etc.
  • Utiliza retardos en lugar de reverberación: Si la reverberación ocupa demasiado espacio en tu mezcla y hace que suene mal, puedes considerar cambiarla por un retardo.
  • Sidechaining: El sidechaining es una excelente manera de crear espacio para ciertos instrumentos cuando se tocan al mismo tiempo.
  • Ecualización de piezas de rompecabezas: Decide dónde se situará cada una de las pistas grabadas en el espectro de la ecualización y potencia y corta las frecuencias en consecuencia para que todo tenga su propio espacio sin solaparse. Los instrumentos con el mismo contenido de frecuencias no deben dar la sensación de solaparse.

Mezclar música - Hacer que tus propias canciones suenen bien

Es fácil perderse en los detalles de la mezcla, así que recuerda esto: todo gira en torno a la canción. Intenta alejarte y recordar el sonido general que quieres.

¿Hacia dónde va esta pista? ¿Suena como tu pista de referencia? ¿Recibes los sonidos que escuchas en tu cabeza?

Una vez más, recomiendo encarecidamente utilizar una pista de referencia al mezclar. Es una especie de mapa que se utiliza para asegurarse de que se está en el camino correcto hacia una canción que suene profesional.

Además, la mezcla no es algo rápido. Es posible que al final tengas que volver a tu mezcla inicial porque la nueva no suena bien. Te encontrarás haciendo pequeños ajustes, escuchando, haciendo más ajustes, escuchando de nuevo y haciendo aún más ajustes. Todo eso está bien. Forma parte del proceso de mezcla.

No debes desanimarte si este es tu flujo de trabajo: es una señal de que estás avanzando hacia una gran mezcla.

Una vez que hayas aprendido todas estas "reglas de mezcla" y te sientas cómodo con ellas, rompe con ellas. Sé creativo y experimenta. Confía en tus oídos, aunque lo que veas en la pantalla no esté de moda. Utiliza otras herramientas para crear mezclas que sean totalmente tuyas.

El objetivo es acabar con una mezcla increíble, que es la clave para un gran master y una canción que pueda estar a la altura de cualquier otra.

¡Feliz mezcla!

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