La chiave per un brano dal suono professionale è un ottimo mix. Dà al brano equilibrio, dinamica e rende il processo di masterizzazione molto più efficace.

Ma il mixaggio richiede pratica. Molta pratica. Se siete agli inizi, non sarete bravi. Ma va bene così: non migliorerete finché non avrete capito su cosa dovete lavorare.

Per iniziare il vostro percorso di miglioramento delle capacità di mixaggio, ecco una guida iniziale su come mixare la musica. È pensata per i neofiti, ma credo che anche i mixatori di livello intermedio possano imparare da questa guida.

Continuate a leggere e vi spiegheremo come mixare la musica.

Che cos'è il missaggio audio?

Mixare la musica è esattamente quello che sembra: mescolare i suoni in modo da renderli piacevoli. Utilizzando elementi come l'equalizzazione, la compressione e i livelli, è possibile aiutare le diverse tracce del brano a fondersi insieme, a non coprirsi l'un l'altra ma ad aiutarsi a fare la propria parte.

Il missaggio fa parte del processo creativo. È il momento in cui si dà forma ai suoni registrati o campionati per trasformarli in ciò che si sente nella propria testa. Ecco perché è così importante imparare a mixare la musica da soli.

Una volta terminato il mix, la registrazione multitraccia viene trasformata in un file WAV (chiamato "mixdown") per poter essere masterizzata.

Il punto è che il missaggio è uno degli aspetti più importanti di una grande registrazione. C'è gente che costruisce la propria carriera interamente sul saper mixare.

Quindi, per affrontare correttamente questo argomento, entreremo nel dettaglio (pur mantenendo la massima semplicità).

Configurare l'home studio per mixare la musica

La prima cosa da fare, quando si è alle prime armi con il mixer, è impostare correttamente il proprio home studio. Il vostro studio dovrebbe essere un luogo in cui vi sentite più creativi, anche se si tratta della vostra camera da letto. È quasi impossibile ottenere mix di qualità senza alcuni strumenti, come altoparlanti per il mixaggio (monitor da studio), un computer o un portatile decente per la produzione di musica e un buon ambiente di ascolto.

È inoltre necessario assicurarsi che il suono nello studio sia di alta qualità. Al momento di montare lo studio, controllate che non ci siano risonanze nella stanza, riverberi o qualsiasi altra cosa che possa influenzare il mixaggio.

Consiglio vivamente di trattare acusticamente lo studio prima del missaggio. Se iniziate a mixare senza trattare il vostro studio, potreste finire per prendere decisioni sbagliate nei vostri mix più avanti.

Tra le attrezzature da studio che consiglio vivamente vi sono:

• Desktop o portatile
• Monitor da studio
• Unità disco esterne (per archiviare file audio di grandi dimensioni)
• Microfono
• Cuffie
  

Mixaggio audio nella DAW‍

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Per realizzare il giusto mix, è necessario utilizzare una workstation audio digitale (DAW) in grado di fare ciò che serve (equalizzazione, compressione, riverbero, dissolvenza incrociata, ecc.) E poi bisogna saper usare la DAW molto bene, per poterla usare per fare queste cose e prendere decisioni rapide sul mixaggio.

Intimità: questa è la parola che mi viene in mente. Imparate a capire dove si trova ogni cosa nella vostra DAW prima ancora di premere il tasto di registrazione.

Ecco i principali elementi del vostro software di registrazione con cui dovreste avere familiarità; vi consiglio vivamente di conoscere le relative scorciatoie da tastiera:

- Dove si trova il pulsante di registrazione

- Dove si imposta il BPM

- Come espandere le tracce e ingrandirle

- Come aggiungere una nuova traccia, sia audio che MIDI

- Annullamento della registrazione

- Tagliare/tagliare la voce registrata

- Selezione Snap-To-Grid On/Off

- Copiare/incollare, in particolare copiare e incollare solo alcune sezioni di un brano.

Ci vorrà del tempo per imparare queste cose e prendere rapidamente decisioni di miscelazione. Ma l'unico modo per familiarizzare è fare pratica.

Se non avete ancora scelto una DAW, date un'occhiata alla nostra lista delle migliori DAW, sia a pagamento che gratuite, prima di mixare.

Pianificare prima di mescolare

Prima di iniziare a mixare, tutte le tracce devono essere intitolate correttamente. Ad alcuni piace persino dare lo stesso colore alle tracce con strumenti simili, mentre altri (come me) le mettono semplicemente una accanto all'altra.

Ad esempio, tutte le chitarre acustiche potrebbero essere disposte una accanto all'altra. Tutte le voci potrebbero essere raggruppate. E il basso e la batteria sono vicini. In questo modo il flusso di lavoro è più fluido. Quando si mixano le voci, si può partire da un unico modello per tutte le tracce vocali e, se sono insieme, sarà molto più facile passare da una all'altra.

Il punto è che bisogna cercare di essere il più possibile organizzati nel modo che si preferisce.

Può anche essere utile immaginare come volete che suoni il brano prima del missaggio. Volete che abbia un suono spaziale, o più diretto e umano? Quale strumento volete che sia presente?

C'è un brano di un altro artista a cui volete assomigliare? Se è così, dovresti provare a mixare con una traccia di riferimento. È una cosa che ha aiutato drasticamente le mie capacità di mixaggio e di produzione. Prendete un brano mixato e masterizzato professionalmente da un artista che ammirate e inseritelo nel vostro progetto DAW. In questo modo potrete passare facilmente da quel brano al vostro mix.

Inoltre, dovreste decidere quali saranno gli elementi principali della canzone. Quando la gente dice: "Mi piace la tua canzone che fa...", cosa canta o canticchia? È il ritmo? La melodia? Un bel lick di chitarra? Questo è l'elemento principale e deve essere il vostro obiettivo quando mixate.

Le 8 fasi del mixaggio per i principianti

Ecco le 8 fasi del mixaggio audio per i principianti:

• Fase 1: Preparare il mix (editing, dissolvenza, impostazione del guadagno)
• Fase 2: ottenere un buon bilanciamento (ottenere il giusto bilanciamento del volume)
• Fase 3: Compressione (dinamica di controllo)
• Fase 4: equalizzazione (creare spazio, accentuare le parti positive, tagliare quelle negative)
• Fase 5: Creazione di profondità e larghezza (Pan e uso di riverbero/delay)
• Fase 6: Automazione (automatizzare il volume e altre elaborazioni)
• Fase 7: Aggiunta di effetti (coro, phaser, flanger, saturazione, distorsione, ecc.)
• Fase 8: Finalizzazione (ritocco e preparazione per la masterizzazione)
  

A questo punto le cose si fanno divertenti. È qui che si inizia a modellare il suono usando livelli, panning, bussing, EQ, compressione, riverbero e delay.

Seguite questa guida al mixaggio audio passo dopo passo per ottenere il mix giusto per il vostro brano.

Fase 1: Preparazione

Una delle cose migliori da fare quando si inizia il processo di mixaggio musicale è la preparazione. Se riuscite a organizzare bene tutte le tracce della vostra sessione, vi sarà molto più facile (e molto più veloce) quando si tratterà di mixare.

Al giorno d'oggi le sessioni possono essere molto grandi. Molte sessioni hanno centinaia di tracce da gestire. È facile sentirsi sopraffatti quando ci si trova di fronte a centinaia di tracce audio senza una direzione. Quasi tutte le DAW hanno una funzione di codice colore. È opportuno codificare i colori delle varie tracce in modo da poterle trovare facilmente durante lo scorrimento.

La prima cosa da fare è inviare tracce simili ai bus.

Un bus, per chi non lo sapesse, è una singola uscita a cui si possono inviare più tracce singole per raggrupparle ed elaborarle come un'unica unità. Si può pensare a un bus come a un autobus urbano. Un autobus urbano raccoglie più persone e le trasporta verso la stessa destinazione.

È quindi possibile utilizzare i plugin per influenzare tutte le singole tracce che entrano nel bus senza dover sovraccaricare la CPU con istanze multiple di questi plugin.

Pensate a questa soluzione. Invece di usare dieci equalizzatori e compressori per mixare ciascuna delle tracce vocali di sottofondo, potreste collegarle a un'unica destinazione, equalizzarle e comprimerle insieme. Non solo è più facile per la CPU, ma contribuisce anche a unire le tracce, facendole suonare come se fossero un'unica unità. È possibile collegare in bus tutti i tipi di tracce, anche se si potrebbe iniziare con quelle più ovvie:

• Batteria
• Percussioni
• Basso
• Chitarra
• Chiavi
• FX
• Voce solista
• Voci di sottofondo
  

È inoltre necessario assegnare un codice colore a questi autobus per tenerli organizzati.

Che cos'è il crossfading nella musica?

La creazione di dissolvenze e dissolvenze incrociate è incredibilmente importante durante il processo di preparazione, in quanto garantisce che non si sentano click o pop nel mix finale. La dissolvenza incrociata è l'atto di unire due clip audio in modo che la transizione avvenga in modo fluido, senza scatti o schiocchi.

Una dissolvenza, invece, è una semplice riduzione del volume posizionata proprio all'inizio o alla fine di un clip audio per introdurre o ridurre rapidamente il volume di un segnale in modo che non inizi improvvisamente e crei rumori aspri e transitori come clic o pop. Le dissolvenze sono in genere molto brevi (circa 10 ms), il che significa che non ci si accorge nemmeno della loro presenza. Tuttavia, sono parte integrante del processo di missaggio.

Stabilizzazione del guadagno - Che cos'è?

Il gain staging è il processo per assicurarsi che le tracce abbiano il livello di volume ottimale, in modo che entrino nei plugin al cosiddetto "sweet spot". L'idea risale ai tempi delle apparecchiature analogiche, in cui i tecnici dovevano registrare i segnali a livelli ottimali per non introdurre troppo rumore o troppa distorsione.

Poiché la maggior parte degli strumenti che utilizziamo oggi sul computer si basano su quei vecchi apparecchi, è fondamentale assicurarsi che l'audio sia al punto giusto. Inoltre, non vogliamo che i nostri mix subiscano una distorsione digitale, nota come clipping.

Il punto di forza è 0 dB VU.

Per ottenere uno stadio di guadagno adeguato, è possibile utilizzare un plugin di guadagno stock della DAW, posizionandolo su ogni traccia e aumentando o diminuendo il volume fino a raggiungere 0 dB VU. Assicuratevi di eseguire questa operazione sia sulle tracce dei singoli strumenti che sui bus. Anche se sembra banale, può fare una grande differenza.

Fase 2: ottenere un buon equilibrio

Il volume è di gran lunga l'elemento più importante da considerare nel vostro mix. Infatti, il fader del volume è lo strumento più potente quando si inizia a mixare. Se non riuscite a bilanciare bene il volume, non riuscirete mai a ottenere il brano pronto per la radio che state cercando. Prima di iniziare ad aggiungere effetti come EQ e compressori, è necessario creare un bilanciamento del volume approssimativo. Per farlo, seguite i seguenti passaggi:

• Iniziare con la sezione più rumorosa: Eseguire il loop della sezione più rumorosa del brano. In questo modo è possibile rendere questa sezione la più rumorosa possibile e passare poi alle sezioni più tranquille per creare un contrasto.
• Preparatevi con le referenze: Trovate una traccia mixata e masterizzata professionalmente da usare come riferimento. Ascoltatela prima di iniziare il mixaggio per abituare le vostre orecchie. Cercate di capire dove si trovano alcuni strumenti importanti nel mix, come il kick, il rullante, il basso e la voce.
• Iniziare a inserire gli strumenti: Iniziare con il canale più importante e portarlo a -5dB. Non deve andare in clipping sul canale master. Il canale più importante dipende interamente dal brano. Per un brano EDM, potrebbe essere la cassa. Per una canzone folk, potrebbe essere una chitarra acustica.
• Continuare a inserire gli strumenti: Seguendo l'ordine di importanza, continuate a inserire gli strumenti uno alla volta con i fader del volume fino a quando non saranno tutti al loro rispettivo volume.
• Bilanciamento approssimativo: Una volta inseriti tutti gli strumenti, dedicate almeno 10 minuti a verificare che l'equilibrio sia corretto. Se necessario, fate una pausa e tornate a lavorarci per non perdere la prospettiva.
  

Durante questo processo, è bene tenere i monitor dello studio o le cuffie a un volume basso. In questo modo, i movimenti saranno più precisi. La regola generale è quella di mantenere il sistema di ascolto a un "livello di conversazione", ovvero di poter conversare con chiunque nella stanza.

Inoltre, ricordate di controllare continuamente le tracce di riferimento per assicurarvi che le vostre decisioni abbiano senso e che tutti gli strumenti siano al posto giusto.

Fase 3: Compressione

Per controllare la dinamica e modellare il carattere tonale complessivo dei vostri mix, dovrete usare la compressione.

Un compressore ha il compito di uniformare il volume di un segnale‍ automaticamente, abbassandolo quando è troppo forte e alzandolo quando è troppo silenzioso. Per molti versi, un compressore è come un fader del volume. Tuttavia, a differenza di un fader del volume, i compressori possono anche essere utilizzati per aggiungere emozioni e collante a un mix.

Per capire come utilizzare un compressore, è necessario comprenderne l'interfaccia. Ecco alcuni dei controlli più comuni che si trovano su un compressore e come utilizzarli:

• Soglia: Per determinare quando il compressore entra in funzione e inizia a lavorare, è necessario utilizzare la soglia. La soglia è un parametro di volume impostato che attiva il compressore quando il livello dell'audio che lo attraversa supera tale parametro. Più si abbassa la soglia, più il suono sarà compresso.
• Rapporto: Il rapporto determina quanto il compressore riduce il volume. Un rapporto più alto crea una compressione più aggressiva. Un rapporto di 2:1, ad esempio, significa che per ogni 2 dB di aumento del volume di un segnale al di sopra della soglia, verrà eliminato 1 dB. 2:1 è un rapporto molto morbido rispetto a 10:1.
• Attacco: La velocità con cui un compressore si attiva e blocca il segnale è determinata dall'attacco. Un tempo di attacco veloce blocca il transiente iniziale, creando un suono molto più denso e controllato. Un tempo di attacco più lento, invece, consente al transiente di emergere, rendendo il suono più incisivo ed emozionante.
• Rilascio: Il tempo necessario al compressore per sganciarsi e tornare al volume normale è controllato dal rilascio.
• Ginocchio: simile al rapporto, il ginocchio determina l'aggressività del suono del compressore. Per una compressione delicata, si può usare un knee morbido (1,0). Per una compressione molto più aggressiva o evidente, si può usare un knee duro (0,0).
• Guadagno di makeup: Poiché i compressori abbassano il volume dei segnali, è necessario utilizzare il guadagno di makeup per rialzarlo, in modo da non alterare l'equilibrio iniziale.
  

Il modo in cui si utilizza un compressore dipende completamente dallo strumento che lo alimenta. Tuttavia, per dare un'idea generale di come si potrebbe utilizzare un compressore, ecco alcuni passaggi da seguire:

• Fase 1: Impostare il rapporto. Un buon punto di partenza è 3:1 o 4:1 per la maggior parte degli strumenti.
• Fase 2: ridurre la soglia fino a quando la compressione diventa molto evidente. In genere, si consiglia di ridurre il guadagno di almeno 10 dB. La regolazione avverrà in seguito, ma una soglia più bassa vi permetterà di sentire meglio le altre impostazioni.
• Fase 3: impostare l'attacco più lento possibile e il rilascio più veloce possibile.
• Fase 4: diminuire l'attacco finché non si sente che il compressore inizia a bloccare i transienti. Nel momento in cui il suono inizia a sembrare schiacciato o senza vita, riducete l'attacco.
• Fase 5: Aumentare il Release fino a quando il compressore "respira" con la traccia. Il vostro compressore sarà probabilmente dotato di un indicatore VU. L'idea è quella di far rimbalzare l'ago a tempo con la traccia. Se il compressore si blocca sempre o rimbalza troppo velocemente, si rischia di danneggiare il groove della traccia.
• Fase 6: iniziare ad aumentare la soglia fino ad ottenere la quantità di compressione desiderata. Ricordate di ascoltare l'azione del compressore. Non usate gli occhi per decidere quando è sufficiente. Che siano necessari 10 dB di compressione per una singola traccia per farla stare bene nel mix o 3 dB, non importa, purché il suono sia buono.
• Fase 7: se avete bisogno di una compressione più aggressiva, prendete in considerazione la possibilità di regolare il rapporto a un numero più alto.
• Fase 8: utilizzare la manopola Makeup Gain o Output Gain per riportare il segnale appena compresso al livello normale.
  

I primi strumenti su cui utilizzare un compressore sono quelli che necessitano di un controllo dinamico. In genere, gli strumenti dal vivo come la batteria, il basso e la voce necessitano di un compressore per essere ben inseriti nel mix. Alcuni generi utilizzano stili di compressione più pesanti, come il rap, il rock e il pop. Altri utilizzano pochissima compressione, se non addirittura nessuna. Questi generi includono la musica classica e il jazz.

È una delle cose più difficili da abituare nel mixaggio e ci vorrà sicuramente un po' di tempo prima che riusciate a sentire chiaramente i vostri movimenti. Continuate a fare pratica e non abbiate paura di osare con le impostazioni per ottenere il suono che cercate.

Fase 4: equalizzazione

EQ è l'abbreviazione di "equalizzatore". È uno degli strumenti più essenziali della vostra cintura di missaggio: con l'equalizzatore potete modellare il contenuto di frequenza degli strumenti in modo che si incastrino come in un puzzle.

Utilizziamo un equalizzatore per manipolare alcune porzioni dello spettro di frequenza. Lo spettro dell'udito umano va da 20Hz a 20kHz (20.000Hz). Gli strumenti più bassi si posizionano più in basso nello spettro, come i kick e i bassi, mentre gli strumenti più alti si posizionano più in alto nello spettro, come i piatti o gli shaker.

Alcuni strumenti occupano porzioni molto più ampie dello spettro, come i pianoforti, le voci e i sintetizzatori.

Suddividiamo lo spettro in sezioni e definiamo ciascuna di esse.

• Sub-bassi (20-60Hz): Per sentire le frequenze sub-basse, probabilmente avrete bisogno di un subwoofer o di un paio di cuffie molto potenti. Gli esseri umani percepiscono queste frequenze secondarie più che sentirle. Il tonfo di una grancassa profonda o i bassi terremotanti di una discoteca sono il risultato delle frequenze sub.
• Bassi (60-200Hz): In questa gamma di frequenze si collocano spesso gli strumenti bassi, come i kick, i bassi e i tom. Tuttavia, anche le voci maschili e le chitarre possono trovarsi in questa zona.
• Medi bassi (200-500Hz): I medi bassi conferiscono al mix una buona dose di potenza. Tuttavia, un'eccessiva quantità di informazioni nei medi bassi può portare a quello che chiamiamo un mix " fangoso ". Questa zona richiede spesso un'attenzione particolare per assicurarsi che non ci sia un accumulo eccessivo di frequenze con i diversi strumenti.
• Medi (500Hz-2kHz): Gli esseri umani hanno un rapporto profondo con i medi, poiché è l'area dello spettro che sentiamo di più. Quando si parla al telefono con qualcuno, questa è l'area dello spettro di frequenze che si sente. Il fulcro del brano dovrebbe risiedere qui (voce, assolo di chitarra, ecc.) Troppi medi e il mix può iniziare a suonare duro o aggressivo.
• Medi alti (2kHz-8kHz): Quando si parla di chiarezza, i medi alti sono fondamentali. Con i medi alti si può aggiungere presenza agli strumenti, anche se possono rendere il mix aspro se sono eccessivi.
• Alti (8kHz-20kHz): Aria dolce, dolce. Lo scintillio e il luccichio di un mix dal suono costoso vivono negli alti.
  

Come utilizzare l'equalizzatore

Ora che avete capito lo spettro delle frequenze, vi starete chiedendo,

Come posso utilizzarlo nei miei mix?

Gli equalizzatori consentono di alzare o abbassare il volume di queste diverse parti dello spettro di frequenza. In questo modo, possiamo alterare il tono di uno strumento e aiutarlo ad adattarsi agli altri strumenti.

Il kick suona debole nel mix?

In tal caso, si potrebbe pensare di potenziare le frequenze sub-basse o basse.

Quei synth a dente di sega suonano un po' troppo duri?

In tal caso, potreste considerare di abbassare i medi alti.

Ogni plugin di equalizzazione ha in genere gli stessi parametri di un altro. Ecco alcuni dei parametri di equalizzazione più tipici che è necessario conoscere:

• Filtri: Gli equalizzatori sono spesso dotati di filtri passa-alto (HPF) e passa-basso (LPF). Un filtro passa-alto taglia le basse frequenze e lascia passare le alte, mentre un filtro passa-basso taglia le alte frequenze e lascia passare le basse.
• Q: Il "Q" rappresenta l'ampiezza del filtro in questione. Un Q più ampio influisce su una gamma più ampia dello spettro di frequenze.
• Frequenza: Con il parametro Frequenza si determina l'area dello spettro di frequenza su cui si interviene.
  

Ci sono molti modi per utilizzare l'equalizzazione durante il mixaggio, anche se a noi piace concentrarci su tre usi specifici.

Lavori di manutenzione

Il lavoro di manutenzione può talvolta far parte della fase di preparazione. L'idea è quella di rimuovere tutte le parti "cattive" di un particolare brano audio. In genere, queste parti "cattive" sono risonanze, modi o rumore. Per eliminare queste risonanze dai vostri mix, potete utilizzare la tecnica "sweep and destroy". Iniziate con un Q estremamente stretto e aumentate la frequenza desiderata fino in fondo.

Esaminate attentamente lo spettro ascoltando le risonanze che emergono dalla registrazione. Se notate una risonanza che è presente in tutto il brano, potrebbe essere la stanza in cui è stato registrato o lo strumento stesso. Se notate che questa risonanza ostacola il suono, tagliatela abbassando il punto di frequenza.

Altrimenti, si può pensare di lasciar perdere per mantenere una registrazione naturale. Non c'è nulla di male nel lasciare emergere le risonanze più fastidiose.

Durante questo intervento di manutenzione, in genere utilizziamo filtri passa-alto e passa-basso per eliminare eventuali rumori o frizzi inutili.

Cambiare il tono

L'equalizzazione può essere utilizzata anche per modificare il tono di uno strumento. In genere, durante i processi di alterazione del tono si utilizzano incrementi e tagli più ampi per ottenere un suono più "musicale".

Prendiamo ad esempio una voce.

Potremmo voler eliminare qualsiasi tipo di inscatolamento o fangosità nei medi bassi e potenziare un po' i medi alti e gli alti per aggiungere aria e presenza.

Nel caso di un basso, potremmo voler potenziare i bassi o i medio-bassi per ottenere un po' più di carne e tagliare i medi o i medio-alti per eliminare l'onnipresenza o il suono delle dita.

Il puzzle del mix insieme

Il missaggio audio è un puzzle con molti pezzi diversi che devono incastrarsi tra loro. Possiamo ritagliare alcuni punti dello spettro in certi strumenti per aiutarli ad adattarsi meglio agli altri.

Ad esempio, potremmo tagliare le basse frequenze di una chitarra elettrica per aiutarla a posizionarsi meglio su un basso, che ha già il controllo delle basse frequenze. Allo stesso modo, potremmo tagliare i medio-alti di una chitarra acustica per aiutare la voce a dominare quella gamma.

Prima di fare qualsiasi mossa con l'EQ, dovrete chiedervi,

Qual è il mio obiettivo finale?

Il fatto che qualcuno online vi abbia detto di potenziare una voce a 3kHz non significa che la VOSTRA voce beneficerà di un boost a 3kHz.

Se la voce ha bisogno di maggiore presenza nel mix, si può considerare di aumentare il volume a circa 3 kHz. Tuttavia, la voce potrebbe sembrare che abbia bisogno di presenza solo perché è coperta da un altro strumento che potrebbe beneficiare di una riduzione a 3 kHz.

Potreste anche prendere in considerazione l'idea di togliere un po' di medio-bassi dalla vostra voce per creare presenza, in quanto meno bassi e fango aiuteranno le frequenze di "presenza" a risaltare maggiormente.

È importante notare che è possibile utilizzare l'equalizzazione anche durante il processo di registrazione per ottenere il suono desiderato fin dall'inizio.

Fase 5: profondità e larghezza

Per creare profondità e ampiezza in un mix, è necessario utilizzare una combinazione di effetti spaziali e panning.

Cominciamo a rendere tridimensionale il nostro mix utilizzando uno degli strumenti di base della DAW: i panning.

Che cos'è il panning?

Il pan è il processo che consiste nel posizionare uno strumento in determinati punti del campo stereo nell'altoparlante destro o sinistro. Utilizzando le manopole pan della DAW, è possibile creare un palcoscenico in cui si trova ogni singolo strumento.

Alcuni tecnici utilizzano il metodo LCR, mantenendo tutti gli strumenti con un panning al 100% a sinistra, al 100% a destra o completamente al centro. Si tratta di un metodo della vecchia scuola che funziona per molti. Altri utilizzano un approccio molto dettagliato, assegnando a ogni strumento del loro mix uno spazio particolare sullo spettro stereo.

La cosa migliore è immaginare gli strumenti su un palcoscenico e posizionarli di conseguenza. Ad esempio, si potrebbe scegliere di mantenere la voce, il kick, il rullante e il basso al centro per mantenere le fondamenta. Le chitarre elettriche stereo possono essere posizionate al 100% a sinistra e al 100% a destra. Le tastiere, le percussioni o qualsiasi altro strumento possono essere posizionati a metà strada tra la sinistra o la destra e il centro.

Uso del riverbero per creare profondità

Ora che il vostro mix ha un'ampiezza grazie al panning, userete il riverbero per creare una profondità tridimensionale, da fronte a retro.

Pensate a questo aspetto: i musicisti non stanno in genere su una linea bidimensionale che attraversa il palco. Il cantante è di solito davanti e al centro, le chitarre, il basso e le tastiere sono un po' più indietro e la batteria è ancora più indietro rispetto a questi strumenti.

Per creare profondità, inizieremo con l'uso del riverbero.

Il riverbero è un argomento incredibilmente denso. Se volete maggiori dettagli, ecco la nostra guida approfondita sul riverbero.

Nella sua forma più elementare, il riverbero viene utilizzato per inserire alcuni strumenti in una "stanza".

Si può usare il riverbero per spingere gli strumenti indietro nel mix, facendoli suonare più lontani, oppure per controllare il tono generale del mix.

I riverberi più grandi, come le sale o le cattedrali, creano un suono più grandioso. Questi riverberi sono ideali per le sezioni d'archi classiche, le voci da ballata o le batterie da stadio.

I riverberi più piccoli, come le stanze o le camere, sono ideali per ottenere un suono più intimo. Pensate alle chitarre acustiche in stile folk o ai pianoforti spaziosi.

Sebbene sia facile creare profondità con il riverbero, a volte può sembrare che questo effetto spinga un suono troppo indietro nel mix. Una voce, ad esempio, potrebbe aver bisogno di spazio senza avere la sensazione di trovarsi dietro le altre tracce.

In questo caso, potremmo voler usare il delay invece del riverbero.

Che cos'è il ritardo?

Sebbene il Delay possa sembrare per molti versi molto simile al riverbero, è uno strumento molto più preciso. Invece di sentire un'accozzaglia di echi che volano avanti e indietro per la stanza, creando un unico riverbero, il delay crea una ripetizione delle note, permettendo di sentire i singoli echi. Se si dovesse urlare "Ciao" in una caverna, probabilmente si sentirebbe quel "Ciao" come eco più volte prima di disperdersi.

Sebbene esistano infiniti modi per utilizzare il delay, parliamo della tecnica più semplice: lo slapback delay.

Il delay Slapback è stato utilizzato fin dagli anni '50 per creare profondità senza spingere gli strumenti troppo indietro nel mix. Ascoltate i dischi di Elvis Presley degli anni '50 e probabilmente sentirete lo slapback delay sulla sua voce. In genere si possono trovare preset di slapback delay nei plugin della DAW. Iniziate da lì e regolate i parametri come meglio credete.

Fase 6: automazione

A questo punto, la sezione più rumorosa del brano che avete messo in loop probabilmente suona abbastanza bene.

Naturalmente, non tutte le sezioni del brano suonano allo stesso modo, per cui i parametri impostati per questa sezione potrebbero non suonare bene per le altre.

È qui che l'automazione si rivela utile.

Nel mixaggio, utilizziamo l'automazione del volume per creare un senso di coerenza all'interno di un brano. Ogni DAW è dotata di canali di automazione del volume, che si possono usare per alzare o abbassare il volume di un particolare strumento o bus durante parti specifiche del brano.

Ad esempio, il kick potrebbe essere rock nel ritornello, ma suona troppo forte nelle strofe. In questo caso, si può pensare di abbassare il volume utilizzando l'automazione del volume.

È possibile utilizzare l'automazione anche per i plugin.

Ad esempio, quei 10 dB di compressione che stavate usando per la voce potrebbero suonare bene durante il ritornello, ma risultare eccessivamente compressi durante la strofa. In questo caso, si può automatizzare la soglia del compressore in modo che non comprima più così tanto durante la strofa.

In un altro esempio, la chitarra acustica avrebbe potuto beneficiare di un taglio dei medi bassi durante il ritornello, poiché interferiva con altre tracce. Tuttavia, le strofe sono molto più scarne e si sentono un po' deboli senza quei medi bassi.

In questo caso, si potrebbe automatizzare l'equalizzazione in modo che tagli solo i medio-bassi durante i ritornelli e li lasci dentro durante le strofe.

Si può anche usare l'automazione per aggiungere interesse e catturare l'attenzione dell'ascoltatore. Si può pensare di alzare il volume di parole importanti in una linea vocale per accentuarle o di abbassare il basso durante il pre-chorus, in modo da poterlo riportare con forza nel ritornello.

Per molti versi, l'automazione del volume fa parte della performance tanto quanto gli strumenti nel mix. In qualità di mix engineer, con l'automazione del volume è possibile aggiungere dinamica a un mix che altrimenti risulterebbe piatto e privo di vita.

Fase 7: Aggiungere gli effetti

È qui che si può iniziare a essere creativi.

Tutti amano sperimentare con gli effetti. Non c'è modo migliore di dare un tocco di creatività alla propria canzone che con effetti diversi e fantastici. Poiché ci sono così tanti effetti in circolazione, sarebbe impossibile approfondirli in un solo articolo. Tuttavia, ecco un piccolo elenco di effetti che potreste considerare di utilizzare in alcune parti del vostro mix:

• Coro
• Flanger
• Phaser
• Saturazione
• Distorsione
• Ritardi nel lancio
• Vibrato
• Pitch Shifting
  

Se volete una spiegazione approfondita di ciascuno di questi effetti creativi e di altri ancora, visitate il nostro articolo:

Spiegazione degli effetti audio

Fase 8: Finalizzazione

Siete così vicini, non fermatevi ora!

A questo punto, il vostro mix sta suonando in modo piuttosto intenso. È ora di esaminarlo attentamente un paio di volte e assicurarsi che tutto sia sistemato correttamente, in modo che sia pronto per la fase di masterizzazione.

Durante il processo di finalizzazione, si può pensare di apportare modifiche all'ultimo minuto all'equalizzazione o alla compressione. Potreste anche pensare di riequilibrare i suoni o di modificare il volume degli effetti.

Per ottenere il massimo dal processo di finalizzazione, vi consigliamo di fare prima una pausa. Se potete, cercate di tornare a questa fase il giorno successivo, in modo da avere un nuovo paio di orecchie con cui lavorare.

Prendete una matita e un blocco per appunti e ascoltate il vostro mix da davanti a dietro un paio di volte. Prendete appunti su tutto ciò che sentite e che vorreste cambiare.

Durante questo processo, fate riferimento alle vostre tracce di riferimento per assicurarvi di essere nella giusta direzione. Sebbene non si voglia copiare la traccia di riferimento, può essere utile assicurarsi che i bilanciamenti di frequenza e volume siano corretti.

Uno dei miei plugin preferiti per fare riferimento alle tracce professionali è Reference di Mastering the Mix.

Una volta che il vostro mix è pronto per il rock, potete eseguire il bounce o esportarlo in formato WAV per ascoltarlo in ambienti diversi, come la vostra auto, il vostro laptop, le vostre AirPods, ecc.

Quando ritenete che sia pronto per la masterizzazione, potreste prendere in considerazione l'idea di caricare il vostro brano su eMastered per una masterizzazione professionale.

Domande frequenti

Qual è la migliore app per mixare le canzoni?

Quando si tratta di mixare insieme le canzoni, Djay Pro è una delle mie applicazioni preferite in assoluto. Questa app può essere utilizzata su Android, iOS, Mac e Windows. È persino integrabile con Spotify!

Dovrei mixare la mia musica?

Se non potete permettervi di assumere un grande tecnico del mixaggio o non credete che qualcun altro possa mixare la vostra musica meglio di voi, allora non c'è niente di male nel provare a mixare la vostra musica! Tuttavia, dovete anche essere in grado di staccarvi dagli aspetti emotivi della musica per prendere decisioni chiare e tecniche.

Mixare una canzone è difficile?

Imparare a mixare una canzone non è necessariamente difficile, ma richiede molto tempo per abituarsi. Vi consigliamo di dedicare un po' di tempo a guardare video su YouTube, leggere blog e iscrivervi a gruppi online per saperne di più prima di tuffarvi. Abbiate un piano in mente e conoscete gli strumenti che avete davanti a voi, in modo da rendere il processo il più semplice possibile.

Come migliorare il mixaggio della musica?

Come per qualsiasi altra cosa, la pratica è il modo migliore per migliorare il mixaggio della musica. Mettete in pratica le tecniche che imparate finché non diventano una seconda natura. Mixate diversi tipi di musica offrendovi di mixare canzoni gratuitamente. Fate tutto il possibile per esercitarvi a mixare il più possibile e migliorerete a ogni mix.

Garageband è buono per mixare la musica?

Anche se Garageband non è necessariamente una DAW professionale, ha funzioni di mixaggio piuttosto incredibili, considerando il fatto che è gratuito. Se siete alle prime armi con il mondo del mixaggio, Garageband è un ottimo punto di partenza.

Il mastering può risolvere un cattivo mix audio?

Il mastering non può correggere un cattivo mix. Il mastering è la fase finale prima della pubblicazione, che serve solo a lucidare e migliorare un buon mix. Un tecnico di mastering si occupa delle canzoni solo a livello macro, il che significa che non può smontare l'intera canzone e manipolare le scelte di bilanciamento del volume sbagliate, l'eccessiva compressione di alcune tracce o gli effetti di riverbero non funzionanti.

Per ottenere i migliori risultati è necessario ottenere un buon bilanciamento, il panning, l'equalizzazione e tutte le altre elaborazioni durante la fase di missaggio.

Cosa non si deve fare quando si mescola?

Sebbene ci siano molte cose che non si dovrebbero mai fare durante il processo di missaggio, ecco le cinque più importanti che vediamo fare troppo spesso ai principianti:

• Mixaggio di strumenti in assolo o meno nel contesto del mix
• Non utilizzare tracce di riferimento
• Mixaggio a livelli molto alti
• Tracce in sovraelaborazione
• Non avere intenzioni con l'elaborazione delle mosse
  

Come si fa a far suonare il proprio mix in modo professionale?

Ci sono molte cose che si possono fare per rendere professionale il proprio mix, ma quando si tratta di musica moderna, ci sono 7 cose che si dovrebbero fare quasi sempre per ottenere un suono più professionale. Impiegateli nel vostro mix e vedrete che brillerà:

• Stabilizzazione del guadagno: Assicuratevi di avere sufficiente headroom durante il mixaggio.
• Potenziamento della gamma alta: Il vostro mix suona piatto? Forse solo una traccia sembra avere bisogno di un po' di amore? Provate a potenziare le alte frequenze intorno ai 10 kHz.
• Rimozione delle risonanze: Eliminare le risonanze della stanza con la tecnica dell'equalizzazione boost-and-sweep.
• Eliminare le sibilanti: Utilizzate un de-esser per eliminare le sibilanti più aspre dalle vostre voci.
• Utilizzare l'automazione per controllare la dinamica: La compressione non può gestire la dinamica da sola. Per assicurarvi che le vostre tracce siano ben posizionate e coerenti, dovrete usare l'automazione.
• Utilizzare la saturazione per aggiungere vita: Utilizzando i plugin di saturazione, come le macchine a nastro, è possibile aggiungere un'atmosfera unica e analogica al mix, contribuendo a riempire la serie armonica e a dare carattere alle tracce.
• Eliminare le basse frequenze: In genere è una buona idea passare al passa-alto tutti gli strumenti che non hanno bisogno di molta energia in gamma bassa per fare spazio agli strumenti che ne hanno bisogno, come il kick e il basso.
  

Quanto costa mixare una canzone?

Un ingegnere di missaggio freelance probabilmente chiederà da 100 a 1.000 dollari per missaggio, mentre uno studio professionale potrebbe chiedere fino a 1.500 dollari o più per missaggio.

I rapper mixano la loro musica?

Sebbene non siano molti i rapper che mixano la propria musica, ce ne sono molti che producono i propri beat. Alcuni dei rapper più famosi che producono i propri beat sono:

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, il Creatore
• Eminem
• Logica
• Capo Keef
  

Come si fa a sapere se il vostro mix è buono?

Ci sono alcuni segni rivelatori che indicano che il vostro mix è buono e finito, tra cui:

• È possibile ascoltare chiaramente ogni strumento del brano
• Le voci sono coerenti
• Il mix suona incollato e bilanciato
• Non ci sono problemi tecnici, come scoppiettii, scatti o rumori.
• Il mix è dinamico e interessante
• Suona alla pari con alcune delle vostre canzoni preferite
• Suona bene su diversi sistemi audio
  

Quanto tempo ci vuole per mixare una canzone?

Per un brano con più tracce strumentali e vocali che richiede un editing, un'elaborazione e un'automazione complessi, un mix può richiedere facilmente fino a otto ore o più. È possibile ridurre questo tempo utilizzando modelli di mix e avendo una traccia di riferimento con cui controllare continuamente il mix.

Come faccio a rendere più chiaro il mio mix?

In base alla mia esperienza, ci sono alcune tecniche che si possono applicare a qualsiasi mix per renderlo più pulito e chiaro. Queste tecniche includono:

• Filtro passa-alto: Elimina le basse frequenze non necessarie negli strumenti che non ne hanno bisogno, come voci, chitarre, tastiere, ecc.
• Usate i delay al posto dei riverberi: se il riverbero occupa troppo spazio nel vostro mix e lo fa suonare scialbo, potreste pensare di sostituirlo con un delay.
• Sidechaining: Il sidechaining è un modo eccellente per ritagliare spazio a certi strumenti quando suonano contemporaneamente.
• EQ a puzzle: decidete la posizione di ciascuna traccia registrata nello spettro dell'equalizzazione e aumentate e tagliate le frequenze di conseguenza, in modo che ogni cosa abbia il suo spazio senza sovrapporsi. Gli strumenti con lo stesso contenuto di frequenze non devono avere l'impressione di sovrapporsi.
  

Mixaggio della musica - Come far suonare bene le proprie canzoni

È facile perdersi nei dettagli del missaggio, quindi ricordate: tutto ruota intorno alla canzone. Cercate di ingrandire l'immagine e di ricordare a voi stessi il suono complessivo che desiderate.

Dove sta andando questo brano? Suona come il vostro brano di riferimento? Riesce ad ottenere i suoni che sente nella sua testa?

Ancora una volta, consiglio vivamente di utilizzare una traccia di riferimento durante il missaggio. È una sorta di mappa che si usa per assicurarsi di essere sulla strada giusta per ottenere un brano dal suono professionale.

Inoltre, il missaggio non è una cosa veloce. Potreste ritrovarvi a tornare al vostro mix grezzo perché il nuovo mix non suona bene. Vi ritroverete a fare piccole modifiche, ad ascoltare, a fare altre modifiche, ad ascoltare di nuovo e a fare ancora più aggiustamenti. Tutto questo va bene! Fa parte del processo di missaggio.

Sappiate che non dovete scoraggiarvi se questo è il vostro flusso di lavoro: è un segno che state andando verso un ottimo mix.

Una volta che avete imparato tutte queste "regole di miscelazione" e vi sentite a vostro agio con esse, rompetele. Siate creativi e sperimentate. Fidatevi delle vostre orecchie, anche se ciò che vedete sullo schermo è fuori moda. Utilizzate altri strumenti per creare mix che siano tutti vostri.

L'obiettivo è quello di ottenere un mix straordinario, che è la chiave di un grande master e di una canzone in grado di reggere il confronto con qualsiasi altra.

Buona miscelazione!