Votre guide de démarrage sur la façon de mixer de la musique

Votre guide de démarrage sur la façon de mixer de la musiqueVotre guide de démarrage sur la façon de mixer de la musique

La clé d'une chanson au son professionnel est un excellent mixage. Il donne à la chanson son équilibre, sa dynamique et rend le processus de masterisation beaucoup plus efficace.

Mais le mixage demande de la pratique. Beaucoup d'entraînement. Si vous débutez, vous allez être mauvais. Mais ce n'est pas grave : vous ne pourrez pas vous améliorer tant que vous n'aurez pas réalisé ce que vous devez travailler.

Pour vous permettre de commencer à améliorer vos compétences en matière de mixage, voici un guide de démarrage sur la façon de mixer de la musique. Il s'adresse aux débutants, mais je pense que même les mixeurs intermédiaires peuvent en tirer des enseignements.

Nous vous expliquons les tenants et aboutissants du mixage de la musique.

Qu'est-ce que le mixage audio ?

Le mixage de la musique est exactement ce qu'il semble être : mélanger des sons ensemble de manière à les rendre agréables. En utilisant des éléments tels que l'égalisation, la compression et les niveaux, vous pouvez aider les différentes pistes de votre chanson à se fondre les unes dans les autres, à ne pas se couvrir les unes les autres mais à s'entraider.

Le mixage fait partie du processus de création. C'est à ce moment-là que vous transformez les sons que vous avez enregistrés ou échantillonnés en ce que vous entendez dans votre tête. C'est pourquoi il est si important d'apprendre à mixer de la musique par vous-même.

Lorsque vous avez terminé le mixage, vous convertissez l'enregistrement multipiste en un fichier WAV (appelé "mixage") afin qu'il puisse être masterisé.

Ce que je veux dire, c'est que le mixage est l'un des aspects les plus importants d'un bon enregistrement . Des gens construisent leur carrière entièrement sur la connaissance du mixage.

Pour aborder correctement ce sujet, nous allons donc entrer dans les détails (tout en restant aussi simples que possible).

Configurer votre home studio pour mixer de la musique

La première chose à faire en tant que mixeur débutant est d'installer correctement votre home studio. Votre studio doit être un endroit où vous vous sentez le plus créatif, même si c'est chez vous, dans votre chambre. Il est presque impossible d'obtenir des mixages de qualité sans certaines pièces de crainte, comme des enceintes de mixage (moniteurs de studio), un ordinateur décent et un bon environnement d'écoute.

Vous devez également vous assurer que le son dans votre studio est de haute qualité. Lors de l'aménagement de votre studio, vérifiez les résonances de la pièce, la réverbération ou tout autre élément qui pourrait affecter votre mixage.

Je recommande vivement de traiter acoustiquement votre studio avant de le mixer. Si vous commencez à mixer sans traiter votre studio, vous risquez de prendre de mauvaises décisions dans vos mixages par la suite.

Voici quelques équipements de studio que je recommande vivement :

  • Ordinateur de bureau ou portable
  • Moniteurs de studio
  • Disques durs externes (pour stocker les gros fichiers audio)
  • Microphone
  • Casque d'écoute

Mixage audio dans votre DAW

comment mixer de la musique

Pour réaliser le bon mixage, vous devez utiliser une station de travail audio numérique (DAW) capable de faire ce dont vous avez besoin (égalisation, compression, réverbération, crossfading, etc.). ). Ensuite, vous devez savoir comment utiliser votre station de travail audionumérique de manière optimale, pour l'utiliser pour faire ces choses et prendre des décisions de mixage rapides.

Intimité - c'est le mot qui me vient à l'esprit. Apprenez où se trouve chaque élément de votre station audionumérique avant même d'appuyer sur le bouton d'enregistrement.

Voici les principaux éléments de votre logiciel d'enregistrement avec lesquels vous devez être familier - je vous recommande vivement de vous familiariser avec les raccourcis clavier de ces éléments :

- Où se trouve le bouton d'enregistrement

- Où vous définissez le BPM

- Comment développer les pistes et faire un zoom avant

- Comment ajouter une nouvelle piste, à la fois audio et MIDI

- Annuler l'enregistrement

- Trancher/découper un élément enregistré

- Sélection de l'option "Snap-To-Grid On/Off

- Copier/coller, plus précisément copier et coller seulement certaines sections d'une chanson

Il faudra du temps pour apprendre ces choses et prendre rapidement des décisions de mixage. Mais le seul moyen de se familiariser est de pratiquer.

Si vous n'avez pas encore opté pour un DAW, consultez notre liste des meilleurs DAW, payants ou gratuits, avant de mixer .

Planifiez avant de mélanger

mixage de musique

Avant de commencer à mixer, toutes vos pistes doivent être titrées correctement . Certaines personnes aiment même faire en sorte que les pistes avec des instruments similaires aient la même couleur, d'autres (comme moi) mettent simplement ces pistes les unes à côté des autres.

Par exemple, toutes les guitares acoustiques peuvent être disposées les unes à côté des autres. Toutes les voix pourraient être groupées. Et la basse et la batterie sont voisines. Cela permet de fluidifier votre flux de travail. Lorsque vous mixez les voix, vous pouvez commencer avec un seul modèle pour toutes les pistes vocales - et si elles sont ensemble, il sera beaucoup plus facile de passer de l'une à l'autre.

L'essentiel est de rester aussi organisé que possible, de la manière que vous préférez.

Il peut également être utile d' imaginer le son que vous voulez donner à votre morceau avant de le mixer. Voulez-vous qu'elle sonne de façon spatiale ou plus directe et humaine ? Quel instrument voulez-vous mettre en avant ?

Y a-t-il un morceau d'un autre artiste auquel vous voulez que votre musique ressemble ? Si oui, vous devriez essayer de mixer avec une piste de référence . C'est une chose qui a considérablement amélioré mes compétences en matière de mixage et de production. Prenez la chanson d'un artiste que vous admirez, mixée et masterisée par un professionnel, et insérez-la dans votre projet DAW. Vous pourrez alors facilement passer de cette chanson à votre mixage.

Vous devez également décider quels seront les principaux éléments de la chanson. Lorsque les gens disent : "J'aime votre chanson qui va...", que chantent-ils ou fredonnent-ils ? Est-ce le rythme ? La mélodie ? Un super plan de guitare ? C'est l'élément principal et c'est sur lui que vous devez vous concentrer lorsque vous mixez.

Les 8 étapes du mixage pour les débutants

Voici les 8 étapes du mixage audio pour les débutants :

  • Étape 1 : Préparez votre mixage (montage, fondu, mise en valeur du gain)
  • Étape 2 : Obtenez un bon équilibre (équilibrez le volume)
  • Étape 3 : Compression (contrôle de la dynamique)
  • Étape 4 : EQ (créer de l'espace, accentuer les bonnes parties, couper les mauvaises parties)
  • Étape 5 : Création de la profondeur et de la largeur (panoramique et utilisation de la réverbération/du délai)
  • Étape 6 : Automatisation (Automatisation du volume et des autres traitements)
  • Étape 7 : Ajouter des effets (Chorus, Phaser, Flanger, Saturation, Distorsion, etc.)
  • Étape 8 : Finalisation (ajustement et préparation pour le mastering)


mixage audio

C'est là que les choses deviennent amusantes. C'est à ce moment-là que vous commencez à façonner votre son en utilisant les niveaux, le panoramique, le busing, l'égalisation, la compression, la réverbération et le délai.

Suivez le guide de mixage audio ci-dessous, étape par étape, pour obtenir le bon mixage pour votre chanson.

Étape 1 : Préparation

L'une des meilleures choses que vous pouvez faire lorsque vous commencez le processus de mixage de musique est de vous préparer. Si vous parvenez à bien organiser toutes les pistes de votre session, il vous sera beaucoup plus facile (et rapide) de procéder au mixage proprement dit.

Les sessions peuvent être très volumineuses de nos jours. De nombreuses sessions comportent des centaines de pistes à gérer. Il est facile de se sentir dépassé lorsqu'on regarde des centaines de pistes audio sans direction. Presque tous les logiciels audionumériques ont une fonction de code couleur. Vous devriez coder vos différentes pistes par couleur afin de pouvoir les retrouver facilement lorsque vous les faites défiler.

La première chose à faire après cela est d'envoyer des pistes similaires aux bus.

Un bus, pour ceux qui ne le savent pas, est une sortie unique, que vous pouvez utiliser pour envoyer plusieurs pistes individuelles afin de les regrouper et de les traiter comme une unité singulière. Vous pouvez penser à un bus comme à un bus de ville. Un bus de ville prend plusieurs personnes et les transporte vers la même destination.

Vous pouvez alors utiliser des plugins pour affecter ensemble toutes ces pistes individuelles qui entrent dans votre bus sans avoir à surcharger votre processeur avec de multiples instances de ces plugins.

Pensez-y de cette façon. Au lieu d'utiliser dix égaliseurs et compresseurs pour mixer chacune de vos pistes de voix de fond, vous pourriez les acheminer vers une seule destination et les égaliser et les compresser ensemble. Non seulement cela est plus facile pour votre processeur, mais cela permet également de coller vos pistes ensemble, en les faisant sonner comme si elles étaient une seule unité. Vous pouvez regrouper toutes sortes de pistes, mais vous pouvez commencer par les plus évidentes :

  • Tambours
  • Percussion
  • Basse
  • Guitare
  • Clés
  • FX
  • Chant principal
  • Voix de fond

Vous devez également attribuer un code de couleur à ces bus pour qu'ils restent organisés.

Qu'est-ce que le crossfading en musique ?

La création de fondus et de fondus enchaînés est extrêmement importante pendant le processus de préparation, car elle permet de s'assurer que vous n'entendrez pas de clics ou de pops dans le mixage final. Le crossfading consiste à raccorder deux clips audio de manière à ce que la transition se fasse en douceur, sans clics ni pops.

Un fondu, quant à lui, est une simple réduction de volume placée au tout début ou à la fin d'un clip audio pour introduire ou réduire rapidement le volume d'un signal afin qu'il ne démarre pas brusquement et ne crée pas de bruits forts et transitoires comme des clics ou des pops. Les fondus sont généralement très courts (environ 10 ms), ce qui signifie que vous ne remarquez même pas leur présence. Cependant, ils font partie intégrante du processus de mixage.

Gain Staging - Qu'est-ce que c'est ?

Le gain staging est le processus qui consiste à s'assurer que vos pistes sont au niveau de volume optimal afin qu'elles entrent dans les plugins au "sweet spot". L'idée remonte à l'époque des appareils analogiques, où les ingénieurs devaient enregistrer les signaux à des niveaux optimaux afin de ne pas introduire trop de bruit ou de distorsion.

Comme la plupart des outils que nous utilisons aujourd'hui sur l'ordinateur sont basés sur ces vieux appareils, il est crucial de s'assurer que notre audio est au bon endroit. En outre, nous ne voulons pas introduire de distorsion numérique dans nos mixages, ce que l'on appelle l'écrêtage.

Le point idéal est de 0 dB VU.

Pour obtenir un gain correct de l'étage, vous pouvez utiliser un plugin de gain de votre DAW, en le plaçant sur chaque piste et en augmentant ou diminuant le volume jusqu'à ce qu'il soit à 0 dB VU. Veillez à effectuer cette opération sur les pistes d'instruments individuels et sur les bus. Bien que cela semble banal, cela peut faire une grande différence.

Étape 2 : trouver un bon équilibre

Le volume est de loin l'élément le plus important à prendre en compte dans votre mixage. En fait, un fader de volume est l'outil le plus puissant lorsque vous commencez à mixer. Si vous ne parvenez pas à équilibrer le volume, vous n'obtiendrez jamais la chanson prête pour la radio que vous recherchez. Avant de commencer à ajouter des effets tels que des égaliseurs et des compresseurs, vous devez créer votre balance de volume approximative. Suivez les étapes suivantes pour y parvenir :

  • Commencez par la section la plus bruyante : Mettez en boucle la section la plus forte de votre piste. Vous pouvez ainsi rendre cette section la plus bruyante possible et passer éventuellement aux sections plus calmes pour créer un contraste.
  • Préparez-vous avec des références : Trouvez une piste mixée et maîtrisée par un professionnel que vous pourrez utiliser comme référence. Écoutez-la avant de commencer à mixer pour préparer vos oreilles. Essayez d'écouter où se trouvent certains instruments importants dans le mixage, notamment le kick, la snare, la basse et les voix.
  • Commencez à introduire les instruments : Commencez par votre canal le plus important et amenez-le à -5dB. Il ne doit pas écrêter le canal principal. Votre canal le plus important dépendra entièrement de la chanson. Pour une chanson EDM, il peut s'agir de la grosse caisse. Pour une chanson folk, il peut s'agir d'une guitare acoustique.
  • Continuez à introduire les instruments : En suivant l'ordre d'importance, continuez à introduire les instruments un par un avec les faders de volume jusqu'à ce qu'ils soient tous assis à leurs volumes respectifs.
  • Obtenez votre équilibre approximatif : Une fois que tous les instruments sont en place, passez au moins 10 minutes à vous assurer que votre équilibre est correct. Si nécessaire, faites une pause et revenez-y pour ne pas perdre le fil.

Pendant ce processus, il est bon de garder vos moniteurs de studio ou vos écouteurs à un faible volume. Ce faisant, vos gestes seront plus précis. La règle de base est de maintenir votre système d'écoute au "niveau de la conversation", ce qui signifie que vous pourriez encore avoir une conversation avec n'importe qui dans la pièce.

N'oubliez pas non plus de vérifier vos pistes de référence pour vous assurer que vos décisions sont judicieuses et que tous vos instruments sont placés au bon endroit.

Étape 3 : Compression

Afin de contrôler votre dynamique et de façonner le caractère tonal global de vos mixages, vous voudrez utiliser la compression.

Un compresseur a pour fonction d'égaliser automatiquement le volume d'un signal, en le diminuant lorsqu'il est trop fort et en l'augmentant lorsqu'il est trop faible. À bien des égards, un compresseur est comme un fader de volume. Cependant, à la différence de ce dernier, les compresseurs peuvent également être utilisés pour ajouter de l'excitation et de la colle à un mixage.

Pour comprendre comment utiliser un compresseur, vous devez comprendre son interface. Voici quelques-unes des commandes les plus courantes que vous trouverez sur un compresseur et comment les utiliser :

  • Seuil : Pour déterminer le moment où le compresseur se déclenchera et commencera à travailler, nous devons utiliser le seuil. Le seuil est un paramètre de volume défini qui active le compresseur lorsque le niveau audio qui le traverse dépasse ce paramètre de volume défini. Plus vous abaissez le seuil, plus votre son sera compressé.
  • Ratio : Le ratio détermine dans quelle mesure le compresseur réduit le volume. Un rapport plus élevé crée une compression plus agressive. Un rapport de 2:1, par exemple, signifie que pour chaque 2dB que le volume d'un signal augmente au-dessus du seuil, 1 dB sortira. 2:1 est un rapport très doux comparé à 10:1.
  • Attaque : La vitesse à laquelle un compresseur s'engage et serre le signal est déterminée par l'attaque. Un temps d'attaque rapide bloquera le transitoire initial, créant un son beaucoup plus épais et contrôlé. Un temps d'attaque plus lent, en revanche, permet aux transitoires de passer à travers, ce qui rend le son plus percutant et plus excitant.
  • Libération : Le temps nécessaire au compresseur pour se désengager et revenir à un volume normal est contrôlé par le relâchement.
  • Knee : Tout comme le ratio, le knee détermine le degré d'agressivité de votre compresseur. Pour une compression subtile, vous pouvez utiliser un knee doux (1.0). Pour une compression beaucoup plus agressive ou évidente, vous pouvez utiliser un knee dur (0.0).
  • Gain d'appoint : Comme les compresseurs diminuent le volume des signaux, nous devons utiliser un gain d'appoint pour les remonter afin de ne pas perturber notre équilibre initial.

La façon dont vous utilisez un compresseur dépend entièrement de l'instrument que vous lui envoyez. Cependant, pour vous donner une idée générale de la façon dont vous pouvez utiliser un compresseur, voici quelques étapes à suivre :

  • Étape 1 : Définissez votre ratio. Un bon point de départ est 3:1 ou 4:1 pour la plupart des instruments.
  • Étape 2 : Réduisez votre seuil jusqu'à ce que la compression devienne très évidente. En général, il est préférable de réduire le gain d'au moins 10 dB. Nous ajusterons cela plus tard, mais un seuil plus bas vous permettra de mieux entendre vos autres réglages.
  • Étape 3 : Réglez le paramètre d'attaque le plus lent possible et le paramètre de relâchement le plus rapide possible.
  • Étape 4 : Diminuez l'attaque jusqu'à ce que vous entendiez le compresseur commencer à serrer les transitoires. Dès que le son commence à être écrasé ou sans vie, diminuez l'attaque.
  • Étape 5 : Augmentez votre Release jusqu'à ce que le compresseur "respire" avec votre piste. Votre compresseur aura très probablement une aiguille de VU-mètre. L'idée ici est que vous voulez que cette aiguille rebondisse en même temps que votre piste. S'il se bloque tout le temps ou s'il rebondit trop rapidement, vous pouvez nuire au groove de votre piste.
  • Étape 6 : Commencez à augmenter votre seuil jusqu'à ce que vous obteniez le niveau de compression que vous recherchez. N'oubliez pas d' écouter ce que fait le compresseur. N'utilisez pas vos yeux pour décider quand c'est assez. Que vous ayez besoin de 10 dB de compression pour une seule piste afin qu'elle s'intègre bien dans votre mixage ou de 3 dB, cela n'a pas d'importance tant que cela sonne bien.
  • Étape 7 : Si vous avez besoin d'une compression plus agressive, envisagez d'ajuster votre ratio à un nombre plus élevé.
  • Étape 8 : Utilisez votre bouton de gain de maquillage ou de gain de sortie pour ramener votre signal nouvellement compressé au niveau normal.

Les premiers instruments sur lesquels vous devez utiliser un compresseur sont ceux qui nécessitent un contrôle dynamique. En général, les instruments de scène comme la batterie, la basse et le chant ont besoin d'un compresseur pour être bien intégrés dans un mixage. Certains genres utilisent des styles de compression plus lourds, comme le rap, le rock et la pop. D'autres utilisent très peu de compression, voire pas du tout. Ces genres incluent le classique et le jazz.

C'est l'un des aspects du mixage les plus difficiles à maîtriser et il faudra certainement un certain temps avant que vous puissiez entendre clairement vos mouvements. Continuez à vous entraîner et n'ayez pas peur d'être audacieux avec vos réglages pour obtenir le son que vous recherchez.

Étape 4 : EQ

EQ est l'abréviation de "equalizer" (égaliseur). L'égaliseur est l'un des outils les plus essentiels de votre ceinture d'outils de mixage. Il vous permet de façonner le contenu en fréquences de vos instruments afin qu'ils s'assemblent comme un puzzle.

Nous utilisons un égaliseur pour manipuler certaines parties du spectre de fréquences. Le spectre de l'audition humaine va de 20 Hz à 20 kHz (20 000 Hz). Les instruments inférieurs se situent plus bas sur le spectre, comme les coups de pied et les basses, tandis que les instruments supérieurs se situent plus haut sur le spectre, comme les cymbales ou les shakers.

Certains instruments occupent une part beaucoup plus importante du spectre, comme les pianos, les voix et les synthétiseurs.

Découpons le spectre en sections et définissons chacune d'entre elles.

  • Sous-basses (20-60Hz) : Pour entendre les fréquences sub-basses, vous aurez probablement besoin d'un caisson de basse ou d'une paire d'écouteurs très puissants. Les humains ressentent ces sous-fréquences plutôt que de les entendre. Le bruit sourd d'une grosse caisse ou le tremblement de la basse dans un club sont le résultat des sous-fréquences.
  • Basses (60-200Hz) : Les instruments graves se situent souvent dans cette gamme de fréquences, comme les coups de pied, les basses et les toms. Cependant, la partie basse des voix masculines et des guitares peut également se situer dans cette plage.
  • Bas médiums (200-500Hz) : Les bas médiums donnent du BEEF à votre mixage. Cependant, trop d'informations dans les bas médiums peuvent conduire à ce que nous appelons un mixage "boueux". Cette zone nécessite souvent une attention particulière pour s'assurer qu'il n'y a pas trop d'accumulation de fréquences avec les différents instruments.
  • Médiums (500Hz-2kHz) : les humains ont une relation profonde avec les médiums, car c'est la zone du spectre que nous entendons le plus. Lorsque vous parlez à quelqu'un au téléphone, c'est la zone du spectre de fréquences que vous entendez. C'est là que doit se situer l'essentiel de la piste (voix, solo de guitare, etc.). Si les médiums sont trop nombreux, votre mixage peut sembler dur ou agressif.
  • Hauts médiums (2kHz-8kHz) : Lorsqu'il s'agit de clarté, les hauts médiums sont cruciaux. Vous pouvez ajouter de la présence aux instruments avec les hauts médiums, mais ils peuvent aussi rendre votre mixage dur s'ils sont trop dominants.
  • Aiguës (8kHz-20kHz) : Un air doux et sucré. L'éclat et le chatoiement d'un mixage coûteux se trouvent dans les aigus.

Comment utiliser l'EQ

Maintenant que vous connaissez le spectre des fréquences, vous vous demandez peut-être..,

Comment puis-je le mettre en œuvre dans mes mixes ?

Les égaliseurs permettent d'augmenter ou de diminuer le volume de ces différentes parties du spectre de fréquences. Ce faisant, on peut modifier la tonalité d'un instrument et l'aider à s'harmoniser avec d'autres instruments.

Votre coup de pied semble-t-il faible dans votre mixage ?

Si c'est le cas, vous pouvez envisager d'augmenter les sous-basses ou les basses fréquences.

Ces synthés en dents de scie ne sont-ils pas un peu durs ?

Si c'est le cas, vous pourriez envisager de baisser ces hauts médiums.

Tous les plugins d'égalisation ont généralement les mêmes paramètres les uns que les autres. Voici quelques-uns des paramètres d'égalisation les plus courants que vous devez connaître :

  • Filtres : Les égaliseurs sont souvent équipés de filtres passe-haut (HPF) et de filtres passe-bas (LPF). Un filtre passe-haut coupe le bas du spectre et laisse passer le haut du spectre, tandis qu'un filtre passe-bas coupe le haut du spectre et laisse passer le bas du spectre.
  • Q : Le "Q" représente la largeur de votre filtre particulier. Plus le Q est élevé, plus la gamme de fréquences est large.
  • Fréquence : Vous déterminez la zone du spectre de fréquences que vous affectez avec le paramètre Fréquence.

Il existe de nombreuses façons d'utiliser l'égalisation lors du mixage, mais nous aimons nous concentrer sur trois utilisations spécifiques.

Travaux d'entretien

Les travaux d'entretien peuvent parfois faire partie de la phase de préparation. L'idée est d'éliminer toutes les parties "mauvaises" d'un morceau audio particulier. Généralement, ces "mauvaises" parties sont des résonances, des modes ou du bruit. Vous pouvez utiliser la technique "sweep and destroy" pour vous débarrasser de ces résonances dans vos mixages. Commencez avec un Q extrêmement étroit et augmentez la fréquence souhaitée jusqu'en haut.

Balayez le spectre en écoutant attentivement les résonances qui ressortent de votre enregistrement. Si vous remarquez une résonance présente tout au long de la chanson, il peut s'agir de la pièce dans laquelle elle a été enregistrée ou de l'instrument lui-même. Si vous remarquez que cette résonance gêne le son, coupez-la en abaissant le point de fréquence. Sinon, vous pouvez envisager de la laisser tranquille pour conserver un enregistrement naturel. Il n'y a rien de mal à laisser passer des résonances désagréables.

Au cours de ces travaux d'entretien, nous utiliserons généralement des filtres passe-haut et passe-bas pour nous débarrasser de tout bruit ou pétillement inutile.

Changez le ton

On peut également utiliser l'égaliseur pour modifier la tonalité d'un instrument. En général, vous utiliserez des boosts et des cuts plus larges pendant les processus de modification de la tonalité pour obtenir un son plus "musical".

Prenons l'exemple d'une voix.

Nous pourrions vouloir nous débarrasser de tout effet de boîte ou de boue dans les bas médiums et renforcer un peu les hauts médiums et les aigus pour ajouter de l'air et de la présence.

Pour une guitare basse, on peut vouloir augmenter les basses ou les bas-médiums pour obtenir un peu plus de viande, tout en coupant les médiums ou les hauts-médiums pour se débarrasser du bruit des doigts.

Le puzzle du mélange

Le mixage audio est un puzzle avec de nombreuses pièces différentes qui doivent s'emboîter. Nous pouvons découper certains points du spectre dans certains instruments pour les aider à mieux s'adapter aux autres. Par exemple, nous pouvons couper les basses d'une guitare électrique pour l'aider à mieux se placer au-dessus d'une basse, qui contrôle déjà les basses. De la même manière, nous pouvons couper les hauts-médiums d'une guitare acoustique pour aider les voix à dominer cette gamme.

Avant de faire quoi que ce soit avec EQ, vous devez vous poser la question,

Quel est mon objectif final ?

Ce n'est pas parce que quelqu'un en ligne vous a dit de booster une voix à 3kHz que VOTRE voix bénéficiera d'un boost à 3kHz.

Si votre voix semble avoir besoin de plus de présence dans votre mixage, vous pouvez envisager de l'augmenter aux alentours de 3 kHz. Cependant, il se peut que votre voix ait besoin de présence parce qu'un autre instrument la couvre et pourrait bénéficier d'une réduction à 3 kHz. Vous pouvez également envisager d'enlever certains bas-médiums de votre voix pour créer de la présence, car moins de basses et de boue aideront les fréquences de " présence " à ressortir davantage.

Il est important de noter que vous pouvez même utiliser l'égalisation pendant le processus d'enregistrement pour obtenir le son que vous recherchez dès le départ.

Étape 5 : Profondeur et largeur

Pour créer de la profondeur et de la largeur dans un mixage, vous devrez utiliser une combinaison d'effets spatiaux et de panoramiques.

Commençons par rendre notre mixage tridimensionnel en utilisant l'un des outils les plus basiques de votre DAW : les panners.

Qu'est-ce que le panning ?

Le panoramique consiste à placer un instrument à certains endroits du champ stéréo, dans le haut-parleur gauche ou droit. En utilisant les boutons de panoramique de votre station audionumérique, vous pouvez créer une scène sonore dans laquelle chaque instrument est placé.

Certains ingénieurs utilisent la méthode LCR, en maintenant tous les instruments en position panoramique soit à 100% à gauche, soit à 100% à droite, soit complètement au centre. C'est une méthode de la vieille école qui fonctionne pour beaucoup de gens. D'autres utilisent une approche très détaillée, en donnant à chaque instrument de leur mixage un espace très particulier sur le spectre stéréo.

Il est préférable d'imaginer vos instruments sur une scène et de les panner en conséquence. Par exemple, vous pouvez choisir de garder votre voix, votre coup de pied, votre caisse claire et votre basse au centre pour maintenir la base. Vous pouvez ensuite placer vos guitares électriques stéréo à 100% à gauche et à 100% à droite. Vos claviers, percussions ou tout autre instrument supplémentaire peuvent alors être placés à mi-chemin entre la gauche ou la droite et le centre.

Utiliser la réverbération pour créer de la profondeur

Maintenant que votre mixage a de la largeur grâce au panoramique, vous allez utiliser la réverbération pour créer une profondeur tridimensionnelle, d'avant en arrière.

Pensez-y de cette façon, les musiciens ne se tiennent généralement pas sur une ligne bidimensionnelle droite à travers la scène. Le chanteur est généralement devant et au centre, les guitares, la basse et les claviers sont un peu plus en arrière, et la batterie est encore plus en arrière que ces instruments.

Pour créer de la profondeur, nous allons commencer par utiliser la réverbération.

La réverbération est un sujet incroyablement dense. Si vous souhaitez un guide plus approfondi sur la réverbération, pensez à consulter notre article :

Qu'est-ce que la réverbération : Un guide en 10 étapes .

Dans sa forme la plus basique, la réverbération est utilisée pour mettre certains instruments dans une "pièce".

Vous pouvez utiliser la réverbération pour repousser les instruments dans un mixage, les faisant sonner plus loin, ou utiliser la réverbération pour contrôler la tonalité générale de votre mixage.

Les réverbérations de plus grande taille, telles que les halls, les cathédrales ou les chambres, créent un son plus grandiose. Ces réverbérations sont idéales pour les sections de cordes classiques, les voix de ballades ou les batteries de stade.

Les réverbérations plus petites, telles que les chambres ou les salles, sont parfaites pour obtenir un son plus intime. Pensez aux guitares acoustiques de style folk ou aux pianos spacieux.

S'il est facile de créer de la profondeur avec la réverbération, on peut parfois avoir l'impression que cet effet repousse un son trop loin dans le mix. Une voix, par exemple, peut avoir besoin d'un peu d'espace sans avoir l'impression de se trouver derrière les autres pistes.

Dans ce cas, nous pourrions vouloir utiliser le délai au lieu de la réverbération.

Qu'est-ce qu'un retard ?

Bien que le délai puisse sembler très similaire à la réverbération à bien des égards, il s'agit d'un outil beaucoup plus précis. Plutôt que d'entendre un enchevêtrement d'échos allant et venant dans une pièce, créant une réverbération unique et unifiée, le délai crée une répétition de notes, vous permettant d'entendre des échos individuels. Si vous criez "Bonjour" dans une grotte, vous entendrez probablement ce "Bonjour" sous forme d'écho plusieurs fois avant de se dissiper.

Bien qu'il existe une infinité de façons d'utiliser le délai, parlons de la technique la plus simple : le slapback delay.

Le slapback delay est utilisé depuis les années 50 pour créer de la profondeur sans pousser les instruments trop loin dans le mix. Écoutez les disques d'Elvis Presley dans les années 50 et vous entendrez probablement le slapback delay sur sa voix. Vous trouverez généralement des présélections de slapback delay dans les plugins de votre station audionumérique. Commencez par là et ajustez les paramètres comme bon vous semble.

Étape 6 : Automatisation

À ce stade, la section la plus forte de votre chanson que vous avez mise en boucle a probablement l'air assez bonne.

Bien sûr, toutes les sections de votre chanson ne sonnent pas de la même façon, ce qui signifie que les paramètres que vous définissez pour cette section peuvent ne pas convenir aux autres.

C'est là que l'automatisation est utile.

Lors du mixage, nous utilisons l'automatisation du volume pour créer un sentiment de cohérence tout au long d'un morceau. Chaque station audionumérique est équipée de canaux d'automatisation du volume, que vous pouvez utiliser pour augmenter ou diminuer le volume d'un instrument ou d'un bus particulier pendant des parties spécifiques du morceau.

Par exemple, le kick peut être très fort dans le refrain, mais il est beaucoup trop fort dans les couplets. Dans ce cas, vous pouvez envisager de le baisser en utilisant l'automatisation du volume.

Vous pouvez également utiliser l'automatisation sur vos plugins.

Par exemple, les 10dB de compression que vous utilisiez sur votre chant peuvent avoir été très bien perçus pendant le refrain, alors qu'ils ont été surcompressés pendant le couplet. Dans ce cas, vous pouvez automatiser le seuil de votre compresseur pour qu'il ne compresse pas autant pendant les couplets.

Dans un autre exemple, votre guitare acoustique aurait pu bénéficier de coupures dans les bas médiums pendant le refrain, car elle interférait avec d'autres pistes. Cependant, les couplets sont beaucoup plus clairsemés et semblent un peu faibles sans ces basses fréquences. Dans ce cas, vous pourriez automatiser votre égaliseur de façon à ce qu'il ne coupe les bas médiums que pendant les refrains et les laisse en place pendant les couplets.

Vous pouvez également utiliser l'automatisation pour ajouter de l'intérêt et capter l'attention de l'auditeur. Vous pouvez envisager d'augmenter le volume des mots importants d'une ligne vocale pour les accentuer ou de baisser les basses pendant le pré-chorus afin de les faire revenir en force dans le refrain.

À bien des égards, l'automatisation du volume fait tout autant partie de la performance que les instruments dans le mixage. En tant qu'ingénieur du son, vous pouvez ajouter de la dynamique à un mixage qui, autrement, serait plat et sans vie.

Étape 7 : Ajouter des effets

C'est ici que vous pouvez commencer à être créatif.

Tout le monde aime expérimenter avec les effets. Il n'y a pas de meilleur moyen de donner à votre chanson un avantage créatif que d'utiliser des effets différents et sympas. Il existe tellement d'effets qu'il serait impossible d'en parler dans un seul article. Cependant, voici une petite liste d'effets que vous pouvez envisager d'utiliser dans certaines parties de votre mix :

  • Chorus
  • Flanger
  • Phaser
  • Saturation
  • Distorsion
  • Retards dans les jets
  • Vibrato
  • Changement de hauteur

Si vous souhaitez obtenir une explication approfondie de chacun de ces effets créatifs et plus encore, consultez notre article :

Les effets audio expliqués

Étape 8 : Finalisation

Tu es si proche, ne t'arrête pas maintenant !

À ce stade, votre mixage a l'air plutôt réussi. Il est temps de le relire attentivement plusieurs fois et de s'assurer que tout est bien en place pour qu'il soit prêt pour la phase de mastering.

Pendant le processus de finalisation, vous pouvez envisager d'apporter des modifications de dernière minute à l'égalisation ou à la compression. Vous pouvez également envisager de rééquilibrer vos sons ou de modifier le volume de vos effets.

Pour tirer le meilleur parti du processus de finalisation, nous vous recommandons de faire d'abord une pause. Si vous le pouvez, essayez de revenir à cette étape le lendemain, afin d'avoir de nouvelles oreilles pour travailler.

Prenez un crayon et un bloc-notes et écoutez votre mixage d'avant en arrière plusieurs fois. Prenez des notes sur tout ce que vous entendez et que vous souhaitez modifier. Pendant ce processus, reportez-vous à vos pistes de référence pour vous assurer que vous êtes dans la bonne direction. Bien que vous ne souhaitiez pas copier votre piste de référence, il peut être utile de vous assurer que vos équilibres de fréquence et de volume sont corrects.

L'un de mes plugins préférés pour référencer des pistes professionnelles est Reference de Mastering the Mix .

Une fois que vous avez l'impression que votre mix est prêt à basculer, vous pouvez le faire rebondir ou l'exporter au format WAV pour l'écouter dans différents environnements, comme votre voiture, votre ordinateur portable, vos AirPods, etc.

Lorsque vous estimez qu'elle est prête à être masterisée, vous pouvez envisager de télécharger votre chanson sur eMastered pour une masterisation professionnelle.


FAQs


Quelle est la meilleure application pour mixer des chansons ?

Lorsqu'il s'agit de mixer des chansons ensemble, Djay Pro est l'une de mes applications préférées. Cette application peut être utilisée sur Android, iOS, Mac et Windows. Elle intègre même Spotify !

Dois-je mixer ma propre musique ?

Si vous n'avez pas les moyens d'engager un grand ingénieur du son ou si vous ne croyez pas que quelqu'un d'autre puisse mixer votre musique mieux que vous, il n'y a rien de mal à essayer de mixer votre propre musique ! Cependant, vous devez aussi être capable de vous détacher des aspects émotionnels de la musique pour prendre des décisions claires et techniques.

Le mixage d'une chanson est-il difficile ?

Apprendre à mixer une chanson n'est pas nécessairement difficile, mais il faut beaucoup de temps pour s'y habituer. Nous vous recommandons de passer un peu de temps à regarder des vidéos sur YouTube, à lire des blogs et à rejoindre des groupes en ligne pour en savoir plus avant de vous lancer. Ayez un plan en tête et comprenez les outils que vous avez devant vous afin de rendre le processus aussi facile que possible.

Comment s'améliorer dans le mixage de musique ?

Comme pour toute autre chose, la pratique est le meilleur moyen de s'améliorer dans le domaine du mixage musical. Mettez en œuvre les techniques que vous apprenez jusqu'à ce qu'elles deviennent une seconde nature. Mixez différents types de musique en proposant de mixer des chansons gratuitement. Faites tout ce que vous pouvez pour vous entraîner à mixer autant que possible et vous vous améliorerez à chaque mixage.

Garageband est-il bon pour le mixage de musique ?

Bien que Garageband ne soit pas nécessairement une station de travail audionumérique professionnelle, il dispose de fonctions de mixage assez incroyables compte tenu du fait qu'il est gratuit. Si vous débutez dans le monde du mixage, Garageband est un excellent point de départ.

Le mastering peut-il réparer un mauvais mixage audio ?

Le mastering ne peut pas réparer un mauvais mixage. Le mastering est l'étape finale avant la sortie de l'album qui n'est là que pour polir et améliorer un bon mixage. Un ingénieur de mastering ne traite les chansons qu'à un niveau macro, ce qui signifie qu'il ne peut pas décortiquer l'ensemble de la chanson et manipuler les mauvais choix de balance de volume, la compression excessive de certaines pistes ou les effets de réverbération détraqués.

Pour obtenir les meilleurs résultats, vous devez obtenir une bonne balance, un bon panoramique, un bon égaliseur et tous les autres traitements au cours de la phase de mixage.

Que faut-il éviter lors du mélange ?

Bien qu'il y ait beaucoup de choses à ne jamais faire pendant le processus de mixage, voici les cinq choses les plus importantes que nous voyons les débutants faire trop souvent :

  • Mixage des instruments en solo ou non dans le contexte du mixage
  • Ne pas utiliser de pistes de référence
  • Mixage à des niveaux très élevés
  • Surtraitement des pistes
  • Ne pas avoir d'intentions en matière de traitement des mouvements

Comment faire pour que votre mixage soit professionnel ?

Il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire pour que votre propre mixage ait un son professionnel, mais lorsqu'il s'agit de musique moderne, il y a 7 choses que vous devriez presque toujours faire pour obtenir un son plus professionnel. Utilisez-les dans votre mixage et regardez-le briller :

  • Gain Staging : Assurez-vous d'avoir suffisamment de marge de manœuvre lors du mixage.
  • Boostage du haut de gamme : Votre mixage vous semble-t-il plat ? Peut-être qu'une seule piste semble avoir besoin d'un peu d'amour ? Essayez d'augmenter les aigus autour de 10 kHz.
  • Suppression des résonances : Éliminez les résonances de la pièce grâce à la technique d'égalisation "boost-and-sweep".
  • Éliminez les sibilances : Utilisez un dé-esseur pour éliminer les sibilances de vos voix.
  • Utiliser l'automatisation pour contrôler la dynamique : La compression ne peut pas gérer la dynamique seule. Pour vous assurer que vos pistes sont bien placées et cohérentes, vous devez utiliser l'automatisation.
  • Utilisez la saturation pour ajouter de la vie : En utilisant des plugins de saturation, comme les magnétophones, vous pouvez ajouter une ambiance analogique unique à votre mixage, ce qui permet de compléter les séries harmoniques et de donner du caractère à vos pistes.
  • Dégagez le bas du spectre : C'est généralement une bonne idée de passer en high-pass tout instrument qui n'a pas besoin d'une tonne d'énergie dans le bas du spectre pour faire de la place aux instruments qui en ont besoin, comme le kick et la basse.

Combien coûte le mixage d'une chanson ?

Un ingénieur de mixage indépendant facturera probablement entre 100 et 1 000 dollars par mixage, tandis qu'un studio professionnel pourra facturer jusqu'à 1 500 dollars ou plus par mixage.

Les rappeurs mixent-ils leur propre musique ?

Alors que peu de rappeurs mixent leur propre musique, il y a beaucoup de rappeurs qui produisent leurs propres beats. Parmi les rappeurs les plus populaires qui produisent leurs propres beats, on trouve :

  • Kanye West
  • T-Pain
  • Tyler, the Creator
  • Eminem
  • Logique
  • Chef Keef

Comment savoir si votre mix est bon ?

Il y a quelques signes révélateurs qui indiquent que votre mixage est bon et terminé, notamment :

  • Vous pouvez entendre clairement chaque instrument de la piste
  • Les voix sont cohérentes
  • Le mixage est collé et équilibré
  • Il n'y a pas de problèmes techniques, tels que des bruits parasites, des clics ou du bruit.
  • Le mélange est dynamique et intéressant
  • Elle est comparable à certaines de vos chansons préférées.
  • Il sonne bien sur différents systèmes de sonorisation

Combien de temps faut-il pour mixer une chanson ?

Pour une chanson comportant plusieurs pistes instrumentales et vocales et nécessitant un montage, un traitement et une automatisation complexes, un mixage peut facilement prendre jusqu'à huit heures ou plus. Vous pouvez réduire ce temps en utilisant des modèles de mixage et en disposant d'une piste de référence avec laquelle vous pouvez vérifier en permanence votre mixage.

Comment rendre mon mixage plus clair ?

D'après mon expérience, il existe quelques techniques que vous pouvez employer avec à peu près n'importe quel mixage pour le rendre plus propre et plus clair. Ces techniques comprennent :


  • Filtrage passe-haut : Éliminez les basses fréquences inutiles des instruments qui n'en ont pas besoin, comme les voix, les guitares, les claviers, etc.
  • Utilisez des délais au lieu de la réverbération : si la réverbération prend trop de place dans votre mixage et le fait sonner faux, vous pouvez envisager de la remplacer par un délai.
  • Sidechaining : Le sidechaining est un excellent moyen de créer de l'espace pour certains instruments lorsqu'ils jouent en même temps.
  • Puzzle Piece EQ : Décidez où chacune de vos pistes enregistrées se situera dans le spectre de l'égaliseur et augmentez et réduisez les fréquences en conséquence afin que chaque élément ait son propre espace sans se chevaucher. Les instruments ayant le même contenu en fréquence ne doivent pas donner l'impression de se chevaucher.

Mixer de la musique - Faire sonner ses propres chansons de manière optimale

Il est facile de se perdre dans les détails du mixage, alors rappelez-vous ceci : tout tourne autour de la chanson. Essayez de dézoomer et de vous rappeler le son global que vous souhaitez obtenir.

Où va cette piste ? Est-ce qu'il ressemble à votre piste de référence ? Est-ce que tu obtiens les sons que tu entends dans ta tête ?

Encore une fois, je recommande vivement d'utiliser une piste de référence lors du mixage. C'est un peu comme une carte que vous utilisez pour vous assurer que vous êtes sur la bonne voie pour obtenir une chanson au son professionnel.

De plus, le mixage n'est pas une chose rapide. Vous finirez par revenir à votre mixage brut parce que votre nouveau mixage ne sonne pas bien. Vous vous retrouverez à faire de petits ajustements, à écouter, à faire d'autres ajustements, à écouter à nouveau et à faire encore plus d'ajustements. Tout cela n'est pas grave ! Cela fait partie du processus de mixage.

Sachez simplement que vous ne devez pas vous décourager si votre flux de travail se déroule ainsi : c'est le signe que vous vous dirigez vers un excellent mixage.

Une fois que vous avez appris toutes ces "règles de mélange" et que vous vous sentez à l'aise avec elles, enfreignez-les. Soyez créatif et expérimentez. Faites confiance à vos oreilles, même si ce que vous voyez à l'écran est démodé. Utilisez d'autres outils pour créer des mixages qui vous sont propres.

L'objectif est d'obtenir un mixage exceptionnel, qui est la clé d'un excellent master et d'une chanson qui n'a rien à envier à aucune autre.

Bon mélange !

Donnez vie à vos chansons avec un mastering de qualité professionnelle, en quelques secondes !