La clé d'une chanson de qualité professionnelle est un bon mixage. Il donne à la chanson un équilibre, une dynamique et rend le processus de masterisation beaucoup plus efficace.

Mais le mélange demande de la pratique. Beaucoup d'entraînement. Si vous débutez, vous allez être mauvais dans ce domaine. Mais ce n'est pas grave : vous ne vous améliorerez pas tant que vous n'aurez pas pris conscience des points sur lesquels vous devez travailler.

Pour vous permettre de commencer à améliorer vos compétences en matière de mixage tout au long de votre vie, voici un guide de démarrage sur la façon de mixer de la musique. Il est conçu pour les débutants, mais je pense que même les mixeurs de niveau intermédiaire peuvent en tirer des enseignements.

Poursuivez votre lecture pour découvrir les tenants et les aboutissants du mixage de musique.

Qu'est-ce que le mixage audio ?

Le mixage de la musique est exactement ce qu'il semble être : mélanger des sons d'une manière qui les rende agréables. En utilisant des éléments tels que l'égalisation, la compression et les niveaux, vous pouvez aider les différentes pistes de votre chanson à se fondre l'une dans l'autre, à ne pas se couvrir l'une l'autre, mais à s'aider mutuellement à jouer leur rôle.

Le mixage fait partie du processus créatif. C'est là que vous transformez les sons que vous avez enregistrés ou échantillonnés en ce que vous entendez dans votre tête. C'est pourquoi il est si important que vous appreniez à mixer de la musique par vous-même.

Une fois le mixage terminé, l'enregistrement multipiste est converti en fichier WAV (appelé "mixage") afin d'être masterisé.

Ce que je veux dire, c'est que le mixage est l'un des aspects les plus importants d'un bon enregistrement. Des gens bâtissent leur carrière entièrement sur la connaissance du mixage.

Pour aborder correctement ce sujet, nous allons donc entrer dans les détails (tout en restant aussi simples que possible).

Préparer votre home studio pour mixer de la musique

La première chose à faire en tant que mixeur débutant est d'installer correctement son home studio. Votre studio doit être l'endroit où vous vous sentez le plus créatif, même si c'est dans votre chambre à coucher. Il est pratiquement impossible d'obtenir des mixages de qualité sans certains équipements, tels que des enceintes de mixage (moniteurs de studio), un ordinateur ou un ordinateur portable décent pour produire de la musique, et un bon environnement d'écoute.

Vous devez également vous assurer que le son de votre studio est de haute qualité. Lors de l'aménagement de votre studio, vérifiez qu'il n'y a pas de résonances dans la pièce, de réverbération ou d'autres éléments susceptibles d'affecter votre mixage.

Je recommande vivement de traiter l'acoustique de votre studio avant le mixage. Si vous commencez à mixer sans traiter votre studio, vous risquez de prendre de mauvaises décisions dans vos mixages par la suite.

Voici quelques équipements de studio que je recommande vivement :

• Ordinateur de bureau ou portable
• Moniteurs de studio
• Disques durs externes (pour stocker des fichiers audio volumineux)
• Microphone
• Casques d'écoute
  

Mixage audio dans votre DAW‍

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Pour réaliser le bon mixage, vous devez utiliser une station de travail audio numérique (DAW) capable de faire ce dont vous avez besoin (égalisation, compression, réverbération, fondu enchaîné, etc.) ). Vous devez ensuite savoir comment utiliser votre station de travail numérique de manière optimale, afin de l'utiliser pour effectuer ces tâches et prendre des décisions rapides en matière de mixage.

Intimité - c'est le mot qui me vient à l'esprit. Apprenez où se trouve chaque élément de votre logiciel d'enregistrement avant même de lancer l'enregistrement.

Voici les principaux éléments de votre logiciel d'enregistrement avec lesquels vous devez vous familiariser - je vous recommande vivement d'apprendre à connaître les raccourcis clavier de ces éléments :

- Où se trouve le bouton d'enregistrement

- Où vous définissez le BPM

- Comment développer les pistes et zoomer

- Comment ajouter une nouvelle piste, à la fois audio et MIDI

- Annuler l'enregistrement

- Découper l'élément enregistré

- Sélection Snap-To-Grid On/Off

- Copier/coller, en particulier copier et coller seulement certaines parties d'une chanson

Il faudra du temps pour apprendre ces choses et prendre rapidement des décisions en matière de mixage. Mais la seule façon de se familiariser avec ces éléments est de pratiquer.

Si vous n'avez pas encore opté pour une station de travail numérique, consultez notre liste des meilleures stations de travail numériques, payantes ou gratuites, avant de commencer à mixer.

Planifier avant de mélanger

Avant de commencer à mixer, toutes vos pistes doivent être titrées correctement. Certaines personnes aiment même donner la même couleur aux pistes contenant des instruments similaires, d'autres (comme moi) placent simplement ces pistes l'une à côté de l'autre.

Par exemple, toutes les guitares acoustiques peuvent être disposées les unes à côté des autres. Toutes les voix peuvent être regroupées. La basse et la batterie sont voisines. Cela permet de fluidifier le flux de travail. Lorsque vous mixez les voix, vous pouvez commencer avec un seul modèle pour toutes les pistes vocales - et si elles sont regroupées, il sera beaucoup plus facile de passer de l'une à l'autre.

L'essentiel est d'essayer de rester aussi organisé que possible, de la manière qui vous convient le mieux.

Il peut également être utile d'imaginer le son que vous souhaitez obtenir avant de procéder au mixage. Voulez-vous qu'elle sonne comme un espace ou qu'elle soit plus vivante et humaine ? Quel instrument souhaitez-vous utiliser ?

Souhaitez-vous que votre morceau ressemble à celui d'un autre artiste ? Si c'est le cas, vous devriez essayer de mixer avec une piste de référence. C'est une chose qui a considérablement amélioré mes compétences en matière de mixage et de production. Prenez une chanson professionnellement mixée et masterisée d'un artiste que vous admirez et insérez-la dans votre projet DAW. Vous pourrez ainsi facilement passer de cette chanson à votre mixage.

Vous devez également décider quels seront les principaux éléments de la chanson. Lorsque les gens disent "J'aime votre chanson qui va...", que chantent-ils ou fredonnent-ils ? Est-ce le rythme ? La mélodie ? Un bon coup de guitare ? C'est l'élément principal et c'est sur lui que vous devez vous concentrer lors du mixage.

Les 8 étapes du mixage pour les débutants

Voici les 8 étapes du mixage audio pour les débutants :

• Étape 1 : Préparez votre mixage (montage, fondu, mise en scène du gain)
• Étape 2 : Obtenir un bon équilibre (équilibrer le volume)
• Étape 3 : Compression (dynamique de contrôle)
• Étape 4 : QE (créer de l'espace, accentuer les bonnes parties, couper les mauvaises)
• Étape 5 : Création de la profondeur et de la largeur (panoramique et utilisation de la réverbération/du délai)
• Étape 6 : Automatisation (Automatiser le volume et les autres traitements)
• Étape 7 : ajouter des effets (Chorus, Phaser, Flanger, Saturation, Distorsion, etc.)
• Étape 8 : Finalisation (mise au point et préparation du mastering)
  

C'est à ce moment-là que les choses deviennent amusantes. C'est à ce moment-là que vous commencez à façonner votre son en utilisant les niveaux, le panning, le bussing, l'EQ, la compression, la réverbération et le delay.

Suivez le guide de mixage audio étape par étape ci-dessous pour obtenir le bon mixage pour votre chanson.

Étape 1 : Préparation

L'une des meilleures choses que vous puissiez faire lorsque vous entamez le processus de mixage est de vous préparer. Si vous parvenez à organiser correctement toutes les pistes de votre session, il vous sera beaucoup plus facile (et beaucoup plus rapide) de procéder au mixage proprement dit.

De nos jours, les sessions peuvent être très volumineuses. De nombreuses sessions comportent des centaines de pistes. Il est facile de se sentir dépassé lorsque l'on regarde des centaines de pistes audio sans direction. Presque tous les logiciels d'enregistrement disposent d'une fonction de code couleur. Il est conseillé d'utiliser un code couleur pour les différentes pistes afin de pouvoir les retrouver facilement lors du défilement.

La première chose à faire ensuite est d'envoyer les pistes similaires dans les bus.

Un bus, pour ceux qui ne le savent pas, est une sortie unique, que vous pouvez utiliser pour envoyer plusieurs pistes individuelles afin de les regrouper et de les traiter comme une unité singulière. Vous pouvez considérer un bus comme un autobus urbain. Un bus urbain prend plusieurs personnes et les emmène à la même destination.

Vous pouvez ensuite utiliser des plugins pour affecter toutes ces pistes individuelles entrant dans votre bus sans avoir à surcharger votre processeur avec de multiples instances de ces plugins.

Pensez-y de la manière suivante. Au lieu d'utiliser dix égaliseurs et compresseurs pour mixer chacune de vos pistes de chant de fond, vous pourriez les acheminer vers une destination unique et les égaliser et les compresser ensemble. Non seulement cette méthode est plus simple pour l'unité centrale, mais elle permet également de coller vos pistes ensemble, en les faisant sonner comme si elles formaient une seule unité. Vous pouvez buser toutes sortes de pistes ensemble, mais vous pouvez commencer par les plus évidentes :

• Batterie
• Percussion
• Basse
• Guitare
• Clés
• FX
• Chant principal
• Voix de fond
  

Vous devez également utiliser un code couleur pour organiser ces bus.

Qu'est-ce que le fondu enchaîné en musique ?

La création de fondus et de fondus enchaînés est extrêmement importante pendant le processus de préparation, car elle permet de s'assurer que vous n'entendrez pas de clics ou de bruits parasites dans le mixage final. Le fondu enchaîné consiste à raccorder deux clips audio de manière à ce que la transition se fasse en douceur, sans clics ni bruits parasites.

Un fondu, en revanche, est une simple réduction de volume placée au tout début ou à la fin d'un clip audio pour introduire ou réduire rapidement le volume d'un signal afin qu'il ne démarre pas soudainement et ne crée pas de bruits durs et transitoires tels que des clics ou des pops. Les fondus sont généralement très courts (environ 10 ms), ce qui signifie que vous ne remarquez même pas leur présence. Cependant, ils font partie intégrante du processus de mixage.

Gain Staging - Qu'est-ce que c'est ?

L'étagement du gain consiste à s'assurer que vos pistes sont à un niveau de volume optimal afin qu'elles entrent dans les plugins au niveau dit "sweet spot". L'idée remonte à l'époque des appareils analogiques, où les ingénieurs devaient enregistrer les signaux à des niveaux optimaux afin de ne pas introduire trop de bruit ou trop de distorsion.

Comme la plupart des outils que nous utilisons aujourd'hui sur l'ordinateur sont basés sur ces vieux équipements, il est crucial de s'assurer que notre audio est au bon endroit. De plus, nous ne voulons pas introduire de distorsion numérique dans nos mixages, ce qui est connu sous le nom d'écrêtage.

Le point idéal est 0 dB VU.

Pour obtenir un gain correct, vous pouvez utiliser un plugin de gain de votre DAW, en le plaçant sur chaque piste et en augmentant ou diminuant le volume jusqu'à ce qu'il soit à 0 dB VU. Veillez à effectuer cette opération à la fois sur les pistes d'instruments individuels et sur les bus. Bien que cela semble banal, cela peut faire une grande différence.

Étape 2 : Trouver un bon équilibre

Le volume est de loin l'élément le plus important à prendre en compte dans votre mixage. En fait, le fader de volume est l'outil le plus puissant lorsque vous commencez à mixer. Si vous ne parvenez pas à équilibrer le volume, vous n'obtiendrez jamais la chanson prête pour la radio que vous recherchez. Avant d'ajouter des effets tels que l'égaliseur et le compresseur, vous devez créer votre équilibre de volume approximatif. Pour ce faire, suivez les étapes suivantes :

• Commencez par la section la plus bruyante : Mettez en boucle la section la plus forte de votre piste. Vous pouvez ainsi rendre cette section la plus bruyante possible et passer ensuite à des sections plus calmes pour créer un contraste.
• Préparez-vous avec des références : Trouvez une piste mixée et masterisée par des professionnels que vous pourrez utiliser comme référence. Écoutez-la avant de commencer à mixer pour préparer vos oreilles. Essayez d'écouter où se trouvent certains instruments importants dans le mixage, notamment le kick, la caisse claire, la basse et les voix.
• Commencez à introduire des instruments : Commencez par le canal le plus important et amenez-le à -5dB. Il ne doit pas écrêter le canal principal. Le canal le plus important dépend entièrement du morceau. Pour une chanson EDM, il peut s'agir de la grosse caisse. Pour une chanson folk, il peut s'agir d'une guitare acoustique.
• Poursuivre l'introduction des instruments : En suivant l'ordre d'importance, continuez à introduire les instruments un par un avec les faders de volume jusqu'à ce qu'ils soient tous à leur volume respectif.
• Faites le point sur votre équilibre : Une fois que tous les instruments sont en place, passez au moins 10 minutes à vous assurer que votre équilibre est correct. Si nécessaire, faites une pause et revenez-y pour ne pas perdre le fil.
  

Pendant ce processus, il est conseillé de maintenir le volume de vos moniteurs de studio ou de vos écouteurs à un niveau bas. De cette manière, vos mouvements seront plus précis. La règle de base est de maintenir votre système d'écoute à un "niveau de conversation", ce qui signifie que vous pouvez encore avoir une conversation avec n'importe qui dans la pièce.

N'oubliez pas non plus de vérifier régulièrement vos pistes de référence pour vous assurer que vos décisions sont judicieuses et que tous vos instruments sont placés au bon endroit.

Étape 3 : Compression

Afin de contrôler votre dynamique et de façonner le caractère sonore global de vos mixages, vous voudrez utiliser la compression.

Un compresseur est là pour égaliser le volume d'un signal‍ automatiquement, en le baissant lorsqu'il est trop fort et en l'augmentant lorsqu'il est trop faible. À bien des égards, un compresseur ressemble à un fader de volume. Toutefois, contrairement à ce dernier, les compresseurs peuvent également être utilisés pour ajouter de l'excitation et de la colle à un mixage.

Pour comprendre comment utiliser un compresseur, vous devez comprendre son interface. Voici quelques-unes des commandes les plus courantes que vous trouverez sur un compresseur et comment les utiliser :

• Seuil : Pour déterminer le moment où le compresseur se met en marche et commence à travailler, nous devons utiliser le seuil. Le seuil est un paramètre de volume défini qui active le compresseur lorsque le niveau audio qui le traverse dépasse ce paramètre de volume défini. Plus le seuil est bas, plus le son est compressé.
• Ratio : Le rapport détermine dans quelle mesure le compresseur réduit le volume. Un rapport plus élevé crée une compression plus agressive. Un rapport de 2:1, par exemple, signifie que pour chaque 2dB que le volume d'un signal augmente au-dessus du seuil, 1 dB sera retiré. 2:1 est un rapport très doux comparé à 10:1.
• Attaque : La vitesse à laquelle un compresseur s'enclenche et serre le signal est déterminée par l'attaque. Un temps d'attaque rapide bloque le transitoire initial, créant un son beaucoup plus épais et contrôlé. Un temps d'attaque plus lent, en revanche, permet aux transitoires de s'exprimer, ce qui rend le son plus percutant et plus excitant.
• Relâchement : Le temps nécessaire au compresseur pour se désengager et revenir à un volume normal est contrôlé par le déclenchement.
• Genou : Comme le ratio, le genou détermine l'agressivité du compresseur. Pour une compression subtile, vous pouvez utiliser un knee doux (1.0). Pour une compression beaucoup plus agressive ou évidente, vous pouvez utiliser un knee dur (0.0).
• Gain d'appoint : Comme les compresseurs réduisent le volume des signaux, nous devons utiliser un gain d'appoint pour les remonter afin de ne pas perturber notre équilibre initial.
  

La manière d'utiliser un compresseur dépend entièrement de l'instrument qui l'alimente. Cependant, pour vous donner une idée générale de la manière dont vous pouvez utiliser un compresseur, voici quelques étapes à suivre :

• Étape 1 : Définissez votre ratio. Un bon point de départ est 3:1 ou 4:1 pour la plupart des instruments.
• Étape 2 : Réduisez votre seuil jusqu'à ce que la compression devienne très évidente. En règle générale, il faut réduire le gain d'au moins 10 dB. Nous ajusterons cette valeur plus tard, mais un seuil plus bas vous permettra de mieux entendre vos autres réglages.
• Étape 3 : Réglez le paramètre d'attaque le plus lent possible et le paramètre de relâchement le plus rapide possible.
• Étape 4 : Diminuez l'attaque jusqu'à ce que vous entendiez le compresseur commencer à serrer les transitoires. Dès que le son commence à être écrasé ou sans vie, réduisez l'attaque.
• Étape 5 : Augmentez votre Release jusqu'à ce que le compresseur "respire" avec votre piste. Votre compresseur est très probablement équipé d'une aiguille de VU-mètre. L'idée est que cette aiguille doit rebondir en même temps que votre piste. S'il serre tout le temps ou s'il rebondit trop rapidement, vous risquez de nuire au groove de votre piste.
• Étape 6 : Commencez à augmenter votre seuil jusqu'à ce que vous obteniez le niveau de compression que vous recherchez. N'oubliez pas d'écouter ce que fait le compresseur. N'utilisez pas vos yeux pour décider quand c'est assez. Que vous ayez besoin de 10 dB de compression pour une seule piste afin qu'elle s'intègre bien dans votre mixage ou de 3 dB, cela n'a pas d'importance tant que le son est bon.
• Étape 7 : Si vous avez besoin d'une compression plus agressive, envisagez d'ajuster votre ratio à un chiffre plus élevé.
• Étape 8 : Utilisez votre bouton Makeup Gain ou Output Gain pour ramener votre signal nouvellement compressé au niveau normal.
  

Les premiers instruments pour lesquels vous devriez utiliser un compresseur sont ceux qui nécessitent un contrôle de la dynamique. En règle générale, les instruments live tels que la batterie, la basse et les voix ont besoin de compresseurs pour s'intégrer correctement dans un mixage. Certains genres utilisent des styles de compression plus lourds, comme le rap, le rock et la pop. D'autres utilisent très peu de compression, voire pas du tout. Ces genres comprennent le classique et le jazz.

C'est l'un des aspects du mixage auxquels il est le plus difficile de s'habituer et il faudra certainement un certain temps avant que vous puissiez entendre clairement vos mouvements. Continuez à vous entraîner et n'ayez pas peur de faire preuve d'audace dans vos réglages pour obtenir le son que vous recherchez.

Étape 4 : QE

EQ est l'abréviation de "equalizer" (égaliseur). L'égaliseur est l'un des outils les plus essentiels de votre boîte à outils de mixage. Il vous permet de modeler le contenu fréquentiel de vos instruments afin qu'ils s'assemblent comme un puzzle.

Nous utilisons un égaliseur pour manipuler certaines parties du spectre de fréquences. Le spectre de l'audition humaine va de 20 Hz à 20 kHz (20 000 Hz). Les instruments les plus graves se situent dans le bas du spectre, comme le kick et la basse, tandis que les instruments les plus aigus se situent dans le haut du spectre, comme les cymbales ou les shakers.

Certains instruments occupent des portions beaucoup plus importantes du spectre, comme les pianos, les voix et les synthétiseurs.

Divisons le spectre en sections et définissons chacune d'entre elles.

• Infrabasses (20-60 Hz) : Pour entendre les fréquences sub-basses, vous aurez probablement besoin d'un caisson de basse ou d'une paire d'écouteurs très puissants. Les êtres humains ressentent ces fréquences sub-graves plutôt qu'ils ne les entendent. Le bruit sourd d'une grosse caisse ou le tremblement de la basse dans un club sont le résultat des fréquences sub-graves.
• Basses (60-200 Hz) : Les instruments graves se situent souvent dans cette gamme de fréquences, tels que le kick, la basse et les toms. Cependant, la partie basse des voix masculines et des guitares peut également se situer dans cette zone.
• Bas médiums (200-500 Hz) : Les bas médiums donnent à votre mixage de la BIEF. Cependant, trop d'informations dans les bas médiums peut conduire à ce que nous appelons un mixage " boueux ". Cette zone nécessite souvent une attention particulière pour s'assurer qu'il n'y a pas trop d'accumulation de fréquences avec les différents instruments.
• Médiums (500 Hz-2 kHz) : Les êtres humains ont une relation profonde avec les médiums, car c'est la zone du spectre que nous entendons le plus. Lorsque vous parlez à quelqu'un au téléphone, c'est la zone du spectre de fréquences que vous entendez. L'élément principal de la piste doit se trouver dans cette zone (voix, solo de guitare, etc.). Si vous avez trop de médiums, votre mixage risque de sonner dur ou agressif.
• Médiums aigus (2kHz-8kHz) : Lorsqu'il s'agit de clarté, les hauts médiums sont cruciaux. Ils permettent d'ajouter de la présence aux instruments, mais ils peuvent aussi rendre votre mixage trop dur s'ils sont trop envahissants.
• Aiguës (8kHz-20kHz) : L'air doux, doux. L'éclat et le chatoiement d'un mixage coûteux se retrouvent dans les aigus.
  

Comment utiliser l'égaliseur

Maintenant que vous avez compris ce qu'est le spectre des fréquences, vous vous posez peut-être des questions,

Comment l'utiliser dans mes mixages ?

Les égaliseurs permettent d'augmenter ou de diminuer le volume de ces différentes parties du spectre de fréquences. Ce faisant, nous pouvons modifier le ton d'un instrument et l'aider à s'accorder avec d'autres instruments.

Votre kick semble-t-il faible dans votre mixage ?

Si c'est le cas, vous pouvez envisager d'augmenter les fréquences sub-basses ou basses.

Les synthétiseurs en dents de scie ne sonnent-ils pas un peu fort ?

Si c'est le cas, vous pourriez envisager de réduire les médiums aigus.

Tous les plugins d'égaliseur ont les mêmes paramètres les uns que les autres. Voici quelques-uns des paramètres d'égalisation les plus courants que vous devez connaître:

• Filtres : Les égaliseurs sont souvent équipés de filtres passe-haut (HPF) et passe-bas (LPF). Un filtre passe-haut coupe les graves et laisse passer les aigus, tandis qu'un filtre passe-bas coupe les aigus et laisse passer les graves.
• Q : Le "Q" représente la largeur de votre filtre particulier. Un Q plus large affectera une plus grande plage du spectre de fréquences.
• Fréquence : Le paramètre Frequency permet de déterminer la zone du spectre de fréquences que vous affectez.
  

Il existe de nombreuses façons d'utiliser l'égaliseur lors du mixage, mais nous préférons nous concentrer sur trois utilisations spécifiques.

Travaux d'entretien

Les travaux de maintenance peuvent parfois faire partie de la phase de préparation. Il s'agit ici d'éliminer les "mauvaises" parties d'un morceau audio particulier. En général, ces "mauvaises" parties sont des résonances, des modes ou du bruit. Vous pouvez utiliser la technique du "balayage et de la destruction" pour vous débarrasser de ces résonances dans vos mixages. Commencez par un Q extrêmement étroit et augmentez la fréquence souhaitée jusqu'en haut.

Balayez le spectre en écoutant attentivement les résonances qui ressortent de votre enregistrement. Si vous remarquez une résonance présente tout au long du morceau, il peut s'agir de la pièce dans laquelle il a été enregistré ou de l'instrument lui-même. Si vous remarquez que cette résonance gêne le son, coupez-la en abaissant le point de fréquence.

Dans le cas contraire, vous pouvez envisager de ne rien faire pour conserver l'enregistrement naturel. Il n'y a rien de mal à laisser apparaître des résonances désagréables.

Au cours de ce travail de maintenance, nous utilisons généralement des filtres passe-haut et passe-bas pour éliminer tout bruit ou pétillement inutile.

Changer de ton

Nous pouvons également utiliser l'égaliseur pour modifier la tonalité d'un instrument. En règle générale, vous utiliserez des augmentations et des réductions plus importantes au cours des processus de modification de la tonalité pour obtenir un son plus "musical".

Prenons l'exemple d'une voix.

Nous pourrions vouloir nous débarrasser de tout effet de boîte ou de boue dans les bas-médiums et renforcer un peu les hauts-médiums et les aigus pour ajouter de l'air et de la présence.

Pour une guitare basse, on peut vouloir augmenter les basses ou les bas-médiums pour obtenir un peu plus de viande, tout en réduisant les médiums ou les hauts-médiums pour se débarrasser des bruits de doigts.

Le puzzle du mélange

Le mixage audio est un puzzle dont les différentes pièces doivent s'emboîter les unes dans les autres. Nous pouvons découper certains points du spectre dans certains instruments pour qu'ils s'accordent mieux avec d'autres.

Par exemple, nous pouvons couper les graves d'une guitare électrique pour l'aider à mieux s'asseoir sur une basse, qui a déjà le contrôle des graves. De la même manière, nous pouvons couper les hauts-médiums d'une guitare acoustique pour aider les voix à dominer cette gamme.

Avant d'entreprendre quoi que ce soit avec le QE, vous devez vous poser la question suivante,

Quel est mon objectif final ?

Ce n'est pas parce que quelqu'un en ligne vous a dit de booster une voix à 3kHz que VOTRE voix bénéficiera d'un boost à 3kHz.

Si votre voix semble avoir besoin de plus de présence dans votre mixage, vous pouvez envisager de l'augmenter aux alentours de 3 kHz. Cependant, votre voix peut sembler avoir besoin de présence parce qu'elle est couverte par un autre instrument qui pourrait bénéficier d'une réduction de 3 kHz.

Vous pouvez également envisager de supprimer certains bas-médiums de votre voix pour créer de la présence, car moins de bas-médiums et de boue aideront les fréquences de "présence" à se démarquer davantage.

Il est important de noter que vous pouvez même utiliser l'égaliseur pendant le processus d'enregistrement pour obtenir le son que vous recherchez dès le départ.

Étape 5 : Profondeur et largeur

Pour créer de la profondeur et de la largeur dans un mixage, vous devrez utiliser une combinaison d'effets spatiaux et de panoramiques.

Commençons par rendre notre mixage tridimensionnel en utilisant l'un des outils les plus basiques de votre DAW : les panners.

Qu'est-ce que le panning ?

Le panoramique consiste à placer un instrument à certains endroits du champ stéréo, soit dans le haut-parleur gauche, soit dans le haut-parleur droit. En utilisant les boutons de panoramique de votre logiciel d'enregistrement, vous pouvez créer une scène sonore où chaque instrument individuel est placé.

Certains ingénieurs utilisent la méthode LCR, qui consiste à balancer tous les instruments soit à 100 % vers la gauche, soit à 100 % vers la droite, soit complètement au centre. Il s'agit d'une méthode de la vieille école qui fonctionne pour beaucoup de gens. D'autres utilisent une approche très détaillée, donnant à chaque instrument de leur mixage un espace très particulier sur le spectre stéréo.

Il est préférable d'imaginer vos instruments sur une scène et de les balancer en conséquence. Par exemple, vous pouvez choisir de garder la voix, le kick, la caisse claire et la basse au centre pour maintenir la base. Vous pouvez ensuite panoramiquer vos guitares électriques stéréo à 100 % vers la gauche et à 100 % vers la droite. Les claviers, les percussions ou tout autre instrument supplémentaire peuvent alors être placés à mi-chemin entre la gauche ou la droite et le centre.

Utilisation de la réverbération pour créer de la profondeur

Maintenant que votre mixage a pris de l'ampleur grâce au panoramique, vous allez utiliser la réverbération pour créer une profondeur tridimensionnelle, d'avant en arrière.

Les musiciens ne se tiennent généralement pas sur une ligne bidimensionnelle en travers de la scène. Le chanteur est généralement sur le devant de la scène, les guitares, la basse et les claviers sont un peu en retrait, et la batterie est encore plus en retrait que ces instruments.

Pour créer de la profondeur, nous commencerons par utiliser la réverbération.

La réverbération est un sujet incroyablement dense. Si vous souhaitez plus de détails, voici notre guide approfondi sur la réverbération.

Dans sa forme la plus élémentaire, la réverbération est utilisée pour placer certains instruments dans une "pièce".

Vous pouvez utiliser la réverbération pour repousser les instruments dans un mixage, en les faisant sonner plus loin, ou pour contrôler le ton général de votre mixage.

Les réverbérations plus importantes, telles que les salles ou les cathédrales, créent un son plus grandiose. Ces réverbérations sont idéales pour les sections de cordes classiques, les voix de ballades ou les batteries de style stade.

Les réverbérations plus petites, telles que les pièces ou les chambres, sont idéales pour un son plus intime. Pensez aux guitares acoustiques de style folk ou aux pianos spacieux.

S'il est facile de créer de la profondeur avec la réverbération, cet effet peut parfois donner l'impression de repousser un son beaucoup trop loin dans le mixage. Une voix, par exemple, peut avoir besoin d'espace sans avoir l'impression d'être en retrait par rapport aux autres pistes.

Dans ce cas, nous pourrions vouloir utiliser un délai au lieu d'une réverbération.

Qu'est-ce que le délai ?

Bien que le délai puisse sembler très similaire à la réverbération à bien des égards, il s'agit d'un outil beaucoup plus précis. Plutôt que d'entendre un mélange d'échos qui vont et viennent dans une pièce, créant une réverbération unique et unifiée, le délai crée une répétition de notes, ce qui vous permet d'entendre des échos individuels. Si vous criez "Bonjour" dans une grotte, vous entendrez probablement ce "Bonjour" comme un écho plusieurs fois avant de se dissiper.

Bien qu'il existe une infinité de façons d'utiliser le délai, parlons de la technique la plus simple : le délai à rebours.

Le delay slapback est utilisé depuis les années 50 pour créer de la profondeur sans repousser les instruments trop loin dans le mixage. Si vous écoutez les disques d'Elvis Presley dans les années 50, vous entendrez probablement le delay slapback sur sa voix. Vous trouverez généralement des préréglages de slapback delay dans les plugins de votre DAW. Commencez par là et ajustez les paramètres comme bon vous semble.

Étape 6 : Automatisation

À ce stade, la section la plus bruyante de votre chanson que vous avez mise en boucle sonne probablement assez bien.

Bien entendu, toutes les sections de votre chanson ne sonnent pas de la même manière, ce qui signifie que les paramètres que vous définissez pour cette section peuvent ne pas convenir aux autres.

C'est là que l'automatisation prend tout son sens.

Lors du mixage, nous utilisons l'automatisation du volume pour créer un sentiment de cohérence tout au long d'un morceau. Tous les logiciels d'enregistrement disposent de canaux d'automatisation du volume, que vous pouvez utiliser pour augmenter ou diminuer le volume d'un instrument ou d'un bus particulier pendant des parties spécifiques du morceau.

Par exemple, le kick peut être très fort dans le refrain, mais il est beaucoup trop fort dans les couplets. Dans ce cas, vous pouvez envisager de le réduire à l'aide de l'automatisation du volume.

Vous pouvez également utiliser l'automatisation pour vos plugins.

Par exemple, les 10 dB de compression que vous utilisiez sur vos voix peuvent sonner très bien pendant le refrain, alors qu'ils sont surcompressés pendant le couplet. Dans ce cas, vous pouvez automatiser le seuil de votre compresseur afin qu'il ne compresse pas autant pendant le couplet.

Dans un autre exemple, votre guitare acoustique aurait pu bénéficier de coupures dans les bas médiums pendant le refrain, car elle interférait avec d'autres pistes. Cependant, les couplets sont beaucoup plus rares et semblent un peu faibles sans ces bas-médiums.

Dans ce cas, vous pourriez automatiser votre égaliseur de manière à ce qu'il ne coupe les bas médiums que pendant les refrains et qu'il les laisse en place pendant les couplets.

Vous pouvez également utiliser l'automatisation pour ajouter de l'intérêt et capter l'attention de l'auditeur. Vous pouvez envisager de monter les mots importants d'une ligne vocale pour les accentuer ou de baisser la basse pendant le pré-chorus afin de pouvoir l'accentuer pendant le refrain.

À bien des égards, l'automatisation du volume fait autant partie de la performance que les instruments dans le mixage. En tant qu'ingénieur du son, vous pouvez ajouter de la dynamique à un mixage en utilisant l'automatisation du volume qui, autrement, semblerait plat et sans vie.

Étape 7 : Ajouter des effets

C'est ici que vous pouvez commencer à faire preuve de créativité.

Tout le monde aime expérimenter avec les effets. Il n'y a pas de meilleur moyen de donner à votre chanson une touche créative que des effets cool et différents. Comme il existe une multitude d'effets, il serait impossible de les présenter dans un seul article. Cependant, voici une petite liste d'effets que vous pourriez envisager d'utiliser dans certaines parties de votre mix :

• Chœur
• Flanger
• Phaser
• Saturation
• Distorsion
• Retards dans les lancers
• Vibrato
• Déplacement de la hauteur
  

Si vous souhaitez obtenir une explication détaillée de chacun de ces effets créatifs et d'autres encore, consultez notre article :

Les effets audio expliqués

Étape 8 : Finalisation

Vous êtes si près du but, ne vous arrêtez pas maintenant !

À ce stade, votre mixage sonne plutôt bien. Il est temps de le passer soigneusement en revue plusieurs fois et de s'assurer que tout est en place pour qu'il soit prêt pour l'étape du mastering.

Au cours du processus de finalisation, vous pouvez envisager de procéder à des ajustements de dernière minute en matière d'égalisation ou de compression. Vous pouvez également envisager de rééquilibrer vos sons ou de modifier le volume de vos effets.

Pour tirer le meilleur parti du processus de finalisation, nous vous recommandons de faire une pause. Si vous le pouvez, essayez de revenir à cette étape le lendemain afin d'avoir des oreilles neuves pour travailler.

Prenez un crayon et un bloc-notes et écoutez votre mixage d'avant en arrière plusieurs fois. Prenez des notes sur tout ce que vous entendez et que vous souhaiteriez modifier.

Au cours de ce processus, consultez vos pistes de référence pour vous assurer que vous êtes dans la bonne direction. Bien que vous ne souhaitiez pas copier votre piste de référence, il peut être utile de s'assurer que la fréquence et le volume sont équilibrés.

L'un de mes plugins préférés pour référencer les pistes professionnelles est Reference de Mastering the Mix.

Une fois que vous avez l'impression que votre mix est prêt, vous pouvez le diffuser ou l'exporter au format WAV pour l'écouter dans différents environnements, tels que votre voiture, votre ordinateur portable, vos AirPods, etc.

Lorsque vous estimez que votre chanson est prête pour le mastering, vous pouvez envisager de l'envoyer à eMastered pour un mastering professionnel.

FAQ

Quelle est la meilleure application pour mixer des chansons ?

Lorsqu'il s'agit de mixer des chansons, Djay Pro est l'une de mes applications préférées. Cette application peut être utilisée sur Android, iOS, Mac et Windows. Elle intègre même Spotify !

Dois-je mixer ma propre musique ?

Si vous n'avez pas les moyens d'engager un excellent ingénieur du son ou si vous ne pensez pas que quelqu'un d'autre puisse mixer votre musique mieux que vous, il n'y a rien de mal à essayer de mixer votre propre musique ! Cependant, vous devez être capable de vous détacher des aspects émotionnels de la musique pour prendre des décisions techniques claires.

Le mixage d'une chanson est-il difficile ?

Apprendre à mixer une chanson n'est pas nécessairement difficile, mais il faut beaucoup de temps pour s'y habituer. Nous vous recommandons de passer du temps à regarder des vidéos sur YouTube, à lire des blogs et à rejoindre des groupes en ligne pour en savoir plus avant de vous lancer. Ayez un plan en tête et comprenez les outils que vous avez devant vous afin de rendre le processus aussi facile que possible.

Comment s'améliorer dans le mixage de musique ?

Comme pour toute autre chose, la pratique est le meilleur moyen de s'améliorer dans le mixage de musique. Mettez en œuvre les techniques que vous apprenez jusqu'à ce qu'elles deviennent une seconde nature. Mixez différents types de musique en proposant de mixer des chansons gratuitement. Faites tout ce que vous pouvez pour vous entraîner à mixer autant que possible et vous vous améliorerez à chaque mixage.

Garageband est-il bon pour mixer de la musique ?

Bien que Garageband ne soit pas nécessairement un logiciel de création audio professionnel, il offre des fonctions de mixage assez incroyables, compte tenu du fait qu'il est gratuit. Si vous débutez dans le monde du mixage, Garageband est un excellent point de départ.

Le mastering peut-il réparer un mauvais mixage audio ?

Le mastering ne peut pas réparer un mauvais mixage. Le mastering est l'étape finale avant la sortie d'un disque et ne sert qu'à peaufiner et à améliorer un bon mixage. Un ingénieur de masterisation ne traite les chansons qu'à un niveau macro, ce qui signifie qu'il ne peut pas décortiquer l'ensemble de la chanson et manipuler les mauvais choix de balance de volume, une compression trop importante sur certaines pistes ou des effets de réverbération erronés.

Pour obtenir les meilleurs résultats, vous devez obtenir une bonne balance, un bon panoramique, un bon égaliseur et tous les autres traitements au cours de la phase de mixage.

Que ne faut-il pas faire lors du mélange ?

Bien qu'il y ait beaucoup de choses à ne jamais faire pendant le processus de mixage, voici les cinq choses les plus importantes que nous voyons les débutants faire trop souvent :

• Mixage d'instruments en solo ou non dans le contexte du mixage
• Ne pas utiliser de pistes de référence
• Mixage à des niveaux très élevés
• Traitements excessifs
• Ne pas avoir l'intention de traiter les mouvements
  

Comment faire en sorte que votre mixage ait un son professionnel ?

Il y a beaucoup de choses que vous pouvez faire pour rendre votre propre mixage professionnel, mais lorsqu'il s'agit de musique moderne, il y a 7 choses que vous devriez presque toujours faire pour obtenir un son plus professionnel. Utilisez-les dans votre mixage et regardez-le briller :

• Étagement du gain : Assurez-vous que vous disposez d'une marge de manœuvre suffisante lors du mixage.
• Boosts de haut de gamme : Votre mixage semble-t-il plat ? Peut-être qu'une seule piste semble avoir besoin d'un peu d'amour ? Essayez d'augmenter les aigus autour de 10 kHz.
• Élimination des résonances : Se débarrasser des résonances de la pièce grâce à la technique de l'égaliseur à effet de balayage.
• Débarrassez-vous de la sibilance : Utilisez un dé-esseur pour vous débarrasser de la sibilance dans vos voix.
• Utiliser l'automatisation pour contrôler la dynamique : La compression ne suffit pas à gérer la dynamique. Pour vous assurer que vos pistes sont bien posées et cohérentes, vous devez utiliser l'automatisation.
• Utilisez la saturation pour donner de la vie : En utilisant des plugins de saturation, tels que des magnétophones, vous pouvez ajouter une ambiance analogique unique à votre mixage, ce qui permet de compléter la série harmonique et de donner du caractère à vos pistes.
• Dégagez le bas du spectre : Il est généralement conseillé de passer en haute fréquence tout instrument qui n'a pas besoin de beaucoup d'énergie dans le bas du spectre pour faire de la place aux instruments qui en ont besoin, tels que le kick et la basse.
  

Combien coûte le mixage d'une chanson ?

Un ingénieur de mixage indépendant facturera probablement entre 100 et 1 000 dollars par mixage, tandis qu'un studio professionnel pourra facturer jusqu'à 1 500 dollars ou plus par mixage.

Les rappeurs mixent-ils leur propre musique ?

Si peu de rappeurs mixent leur propre musique, il y en a beaucoup qui produisent leurs propres rythmes. Parmi les rappeurs les plus populaires qui produisent leurs propres rythmes, on peut citer :

• Kanye West
• T-Pain
• Tyler, le créateur
• Eminem
• Logique
• Chief Keef
  

Comment savoir si votre mélange est bon ?

Il y a quelques signes révélateurs qui montrent que votre mixage est bon et terminé :

• Vous pouvez entendre clairement chaque instrument de la piste
• Les voix sont cohérentes
• Le mixage est collé et équilibré
• Il n'y a pas de problèmes techniques, tels que des bruits parasites ou des clics.
• Le mélange est dynamique et intéressant
• Il s'apparente à certaines de vos chansons préférées
• Le son est bon sur différents systèmes de sonorisation
  

Combien de temps faut-il pour mixer une chanson ?

Pour une chanson comportant plusieurs pistes instrumentales et vocales et nécessitant une édition, un traitement et une automatisation complexes, un mixage peut facilement prendre jusqu'à huit heures, voire plus. Vous pouvez réduire ce temps en utilisant des modèles de mixage et en disposant d'une piste de référence pour vérifier en permanence votre mixage.

Comment rendre le son de mon mixage plus clair ?

D'après mon expérience, il existe quelques techniques que vous pouvez utiliser avec n'importe quel mixage pour le rendre plus propre et plus clair. Ces techniques sont les suivantes

• Filtrage passe-haut : Débarrassez-vous des basses fréquences inutiles dans les instruments qui n'en ont pas besoin, tels que les voix, les guitares, les claviers, etc.
• Utiliser des délais au lieu de la réverbération : si la réverbération prend trop de place dans votre mixage et le rend insipide, vous pouvez envisager de la remplacer par un délai.
• Sidechaining : Le sidechaining est un excellent moyen de réserver de l'espace à certains instruments lorsqu'ils jouent en même temps.
• L'égalisation en pièces détachées : déterminez la position de chacune de vos pistes enregistrées dans le spectre d'égalisation et augmentez ou réduisez les fréquences en conséquence, de manière à ce que chaque élément ait son propre espace sans se chevaucher. Les instruments ayant le même contenu fréquentiel ne doivent pas donner l'impression de se chevaucher.
  

Mixer de la musique - Pour que vos propres chansons sonnent bien

Il est facile de se perdre dans les détails du mixage, alors n'oubliez pas que tout tourne autour de la chanson. Essayez de faire un zoom arrière et de vous rappeler le son global que vous souhaitez obtenir.

Où va cette piste ? Ressemble-t-elle à votre piste de référence ? Obtenez-vous les sons que vous entendez dans votre tête ?

Encore une fois, je recommande vivement l'utilisation d'une piste de référence lors du mixage. C'est un peu comme une carte que vous utilisez pour vous assurer que vous êtes sur la bonne voie pour obtenir une chanson de qualité professionnelle.

En outre, le mixage n'est pas une chose rapide. Il se peut que vous ayez à revenir à votre mixage brut parce que votre nouveau mixage ne sonne pas bien. Vous vous retrouverez à faire de petits ajustements, à écouter, à faire d'autres ajustements, à écouter à nouveau et à faire encore d'autres ajustements. Tout cela n'est pas grave ! Cela fait partie du processus de mixage.

Sachez que vous ne devez pas vous décourager si c'est ce que vous faites - c'est le signe que vous vous dirigez vers un excellent mélange.

Une fois que vous avez appris toutes ces "règles de mélange" et que vous vous y sentez à l'aise, enfreignez-les. Soyez créatif et expérimentez. Faites confiance à vos oreilles, même si ce que vous voyez à l'écran n'est pas à la mode. Utilisez d'autres outils pour créer des mixages qui vous sont propres.

L'objectif est d'obtenir un mixage exceptionnel, qui est la clé d'un grand master et d'une chanson qui peut rivaliser avec n'importe quelle autre.

Joyeux mélange !